Скулптурата е свързана с архитектурата. Влиянието на цикладските фигурки върху съвременното изкуство. Руини на Древен Рим

Преди две седмици в Ню Йорк посетих изложба, посветена на италианския футуризъм. Авангардните движения от началото на 20 век са моята специална любов. Светът се променяше бързо, хората се опитваха да бъдат в крак с времето, понякога изпреварващи, понякога не в крак с прогреса, и целият този хаос породи много интересни художествени решения и тенденции. За да разберете футуризма, трябва да знаете историята на неговото създаване, както и да запомните историческия контекст на страните, в които това движение получи специално развитие: Италия и Русия през онези години.

Унищожете старото, измийте музеи, стари преживявания и авторитети, за да отворите света за новото: коли, скорост, агресия. За да представя веднага основните принципи на това ново движение, ще дам няколко цитата от Манифеста на Маринети, публикуван в Le Figaro, 20 февруари 1909 г.:
- Казваме: нашият красив свят стана още по-красив - сега има скорост. Под багажника на състезателна кола изпускателните тръби се вият и бълват огън. Ревът му е като картечен залп и никоя Ника Самотраки не може да се мери с него по красота.
- Искаме да прославим човека на кормилото на колата, който хвърля копието на духа си над Земята, в нейната орбита.
Ще унищожим музеи, библиотеки, учебни заведения от всякакъв тип, ще се борим срещу морализма, феминизма, срещу всяко опортюнистично или утилитарно малодушие.

Да си футурист означава да си модерен, млад и непокорен. Индустриален метрополис, автомобили и скорост - привържениците на футуризма празнуват разрушението и прославят войната. Те се стремят да вдъхнат нов живот на една стара, статична култура.
В Русия през 1912 г. също се появява манифест, придружаващ първата стихосбирка „Шамар в лицето на обществения вкус“, който придружава едноименния руски манифест. Сравнете постулатите:
- Миналото е тясно. Академията и Пушкин са по-неразбираеми от йероглифите. Изоставете Пушкин, Достоевски, Толстой и т.н. и така нататък. от парахода Модерност.
- Измийте ръцете си, които са докоснали мръсната слуз на книгите, написани от тези безброй Леониди Андрееви. На всички тези Максим Горки, Куприн, Блокове, Сологуби, Аверченко, Черни, Кузмини, Бунини и др. и така нататък. - Всичко, от което се нуждаете, е вила на реката. Това е наградата, която съдбата дава на шивачите. От висотата на небостъргачите гледаме тяхната незначителност!

Според мен руският манифест носи по-разрушителен заряд от италианския, което не е изненадващо - такива бяха настроенията в страната преди революцията.
Футуризмът възниква в литературата, но много скоро приема други форми: живопис, политика, дори реклама. Енергията на младостта и скоростта прелива в тези млади революционери, невъзможно е да останеш безразличен към заряда на енергията, който носят. Ако смятате, че мислите прогресивно, отпуснете се – футуристите вече са помислили за всичко преди вас.

И с това знание стигам до изложбата на италианския футуризъм в Гугенхайм, 1909-1944.

В изложбата има общо седем теми, ще покажа най-запомнящите се фрагменти от всяка от тях, представени на изложбата.

Първа тема: Героичен футуризъм. Тази фаза продължава до 1916 г. Началото на футуристичното движение се характеризира с атмосфера на оптимизъм, динамика и ритъм. Футуристите се стремят да предадат динамиката по различни начини. Например Джакомо Бала изучава подробно и се опитва да изобрази универсалната динамика чрез стратификацията на движението, например чрез образа на дисперсията на светлината (картината не е показана в изложбата):

Джакомо Бала, Иридесцентно взаимно проникване №7, 1912 г

Визуалният речник на Джакомо Бала се състои от комбиниране на принципите на динамиката и синхронността, с опит да се предаде атмосфера на светлина, звук и миризми.

Двама други футуристи, Умберто Бочони и Джино Северини, се стремят да изобразят ефекта от движението чрез обект. Бочони предава движението чрез атлетичното тяло, съчетавайки човешката фигура и околния пейзаж. Преместете се по-далеч от екрана и ще видите как снимката по-долу ще формира образа на велосипедист, летящ с висока скорост (картинката не е показана в изложбата):

Умберто Бочони, Dinamismo di un ciclista ” 1913

Северини, любимият ми италиански футурист, създава своята концепция за изобразяване на динамиката чрез изместване на пространството в картината, чрез фрагментиране, свързване на разместено и непропорционално пространство, добавяйки ефекта на смачкани мозайки към ежедневните предмети (той заимства тази идея от кубистите).

Мога да се възхищавам на тази картина с часове, гледайки сложното преплитане на пейзажа, бързащия влак и селото. Дори тази магия от фрагменти да не ви плени в началото, помислете как бихте изобразили движението на високоскоростен влак (не високоскоростен влак, а неговото движение) и го сравнете с това, което направи Северини:

Г. Северини „Санитарен влак, бързащ през града“, 1915 г

Бих искал да спомена и картината на Кар, погребението на анархиста Гали. Темата на филма е сблъсък на погребението на Анджело Гали, който беше убит от полицията по време на стачката. Правителството се опасяваше, че анархистите ще направят политическа демонстрация от погребението, и им забрани да влизат в гробището. Сблъсъкът не може да бъде избегнат, анархистите започват да се съпротивляват, а полицията се разправя брутално с тях. Художникът присъстваше на тази сцена; и работата му е пълна с ярки спомени за сцени на насилие и хаос: движение на тела, сблъсък на анархисти и полиция, черни знамена, веещи се във въздуха. По-късно художникът ще напише в мемоарите си: „Видях пред себе си ковчег, покрит с червени карамфили, който опасно се клатеше на раменете на хората, носещи ковчега. Видях неспокойни коне, тояги и копия, сблъсъци и ми се стори, че всеки момент трупът ще падне на земята и ще бъде стъпкан от конете”...

Карло Кара, Погребението на анархиста Гали (Funerali dell'anarchico Galli), 1910–11

Тема две. Думи-в-свобода, или, както в руския манифест, „слово-иновация“. Както вече писах, футуризмът започва с поезията и ключовото му изобретение е свободната поезия. Следвайки Маринети, футуристите освобождават думите от обичайната им форма, унищожават синтаксиса, премахват пунктуацията, премахват прилагателни и наречия, използват глаголи в неопределена форма, вмъкват музикални и математически символи в поезията и използват ономатопея (ономатопея). Такива стихове се четат като литература, преживяват се като визуално изкуство и се изпълняват като драматични произведения. Футуристите ги публикуват в различни формати и ги рецитират на специални вечери (Futurist serate). Маринети представи идеята за поезия без форма, много футуристи измислиха свои собствени интерпретации. „Стълбата“ на Маяковски ни е най-позната като тази част от работата на футуристите, но имаше и други: Бала с фоновизуални дизайни, Фортунато Деперо и абстрактния език на звуците (ономалингва), кръговата структура на Карло Кара с вихрушка от гласове и звуци.

Франческо Кангиуло, Пиедигрота. Книга (Милано: Edizioni futuriste di Poesia, 1916)

Тема трета. Архитектура. Футуризмът, с неговото отхвърляне на традицията и шокирането, можеше да съществува само в рамките на града, а футуристите се наслаждаваха на модерния град. Много архитекти предложиха своите проекти за мегаполиси, използвайки нови материали и индустриални методи. Футуристичните дизайни имат плаващ, лек, модерен вид, с акцент върху скоростта и безпроблемното функциониране на транспортните системи (въздушният и железопътният транспорт трябва да се вписват безпроблемно в градската архитектура). Техните проекти не бяха предопределени да се осъществят, с изключение на няколко футуристични структури, издигнати за временни панаири според скици на Енрико Прамполини. Сравнете скицата и реалността:

Енрико Прамполини, Дизайн на зала, декорации и обзавеждане за компанията Aeronautica: План за инсталация на триеналето в Милано, ок. 1932–33

Футуристичният павилион на изложбата в Парко Валентино в Торино (1928) е проектиран от Енрико Прамполини.

Тогава техните идеи не бяха предопределени да се сбъднат, но погледнете сега модерните градове - не е ли това мечтата на футуристите?

Четвърта тема. Реконструиране на Вселената. Поезия, литература, живопис – това не беше достатъчно. За да продължим напред със старите идеали и да живеем в нови времена, беше необходимо да променим всеки детайл от ежедневния свят. През 1915 г. вече познатите ни Бала и Деперо написаха друг манифест, който особено харесвам заради заглавието му: „Реконструкция на Вселената“. Използвайки обичайно агресивен език, те призовават за реконструкция на всеки обект в света около тях, дори изискващи футуристични играчки. Футуристът трябва да бъде заобиколен от футуристична среда, нови дрехи, нов дизайн на стаята, нови мебели, съдове и дрехи. Бала и Деперо създадоха такива пространства в живота си: единият реновира къща в Рим, вторият студио в родния си град Роверто. На изложбата имаше много предмети във футуристичен дизайн: керамика, комплекти, жилетки и костюми. Сега всичко това изглежда доста смешно и със сигурност изобщо не отговаря на футуристичната визия за дизайн, с която сме свикнали. За мен футуристичният дизайн идва от холандците и скандинавците. Но ако тогава футуристите не се бяха обърнали към такива дреболии, кой знае дали щяхме да получим модерен дизайн (и архитектура) във вида, в който го имаме сега?

Това, което ме изненадва най-много тук, е обхватът: от скорости и самолети до сервизи за чай. Как може толкова много и толкова малко да съжителстват в една идея? Струва ми се, че националността е от голямо значение тук, естетиката на ежедневието е важна за италианците, но в руския футуризъм всичко завърши на нивото на глобалните идеи, без сервизи за чай.

Херардо Дотори, комплект за домашна трапезария Cimino, началото на 30-те години

Тема пета. Arte meccanica, или машинна естетика. След Първата световна война нови художници идват във футуризма, въвеждайки нови качества, едно от които е естетиката на механичните обекти. Не мога да кажа, че това е нещо фундаментално ново във футуризма, тъй като първоначално движението беше изградено върху празнуването на прогреса и скоростта. Новите членове на движението подчертаха трайния интерес на футуристите към механичните обекти. Мощният влак, изобразен на картината на Иво Панаджи, се търкаля диагонално към вас, което засилва ефекта на присъствие (здравейте, 3D фенове!), чувате оглушителното свирене на влака и силната работа на двигателя. Панаджи не рисува картина, той предава сетивно преживяване. Използваните тук артистични техники предават движение, скорост и сила. Вижте тази снимка, тя предава траекторията на влака на фрагменти (като Северини), или по-просто, като в анимация, на части:

Иво Панаджи, Ускоряващ влак (Treno in corsa), 1922 г

Шеста тема. Aeropittura или картина, вдъхновена от полета. Реещата се или гмуркаща се, понякога просто абстрактна, въздушна живопис се появява през 1930 г., в късния етап на футуризма. Самолетите се вписват идеално в идеята за култа към машините във футуризма, едновременно като символ на прогреса и като олицетворение на скоростта, така че веднага преместват фокуса върху себе си, оставяйки колите и влаковете зад себе си. В допълнение, самолетите отварят нови перспективи към познати обекти поради нови, невиждани досега ъгли на наблюдение. Авиорисуването започва с просто документиране на полети и преминава към изобразяване на реещи се в космоса. Той представлява нов подход към света, който комбинира скорост, технология, война и национална гордост. В началото на тридесетте години в Италия е ясно, че националистическите настроения са били много силни, а мощта и техническото оборудване на италианската армия подтикнаха футуристите да увеличат националната гордост. Изглежда, че футуристите са имали всичко, за да станат официално изкуство във фашистка Италия - това е възхвалата на прогреса, преклонението пред агресията и войната, отричането на стария свят и разрушението. Един нюанс попречи: Хитлер не можеше да понася „дегенериралото изкуство“ (всяко некласическо изкуство) и с течение на времето принуди Мусолини да се отърве от фаворизирането на футуристите.

Херардо Дотори, Въздушна битка над Неаполския залив или Адска битка над рая на залива, 1942 г.

Тема седма. снимка. Футуристите не можеха да пренебрегнат фотографията, която започнаха да адаптират през 1911 г. Братята Bragaglia се стремят да вдъхнат живот на картината и разработват цял ​​метод за улавяне на движение: фотодинамика. Движението на фигурата в техните снимки обикновено върви отдясно наляво, като етапите от началото на движението са замъглени. След тези експерименти футуристите напускат фотографията до 30-те години на миналия век, докато Маринети, в сътрудничество с Тато, в следващия си манифест (никой друг не е имал толкова много манифести!) обявява фотографията за отлично средство за премахване на бариерите между изкуството и живота, тъй като с помощта на фотоапарат може както да се създава изкуство, така и да се изследва неговата социална функция (но Тато използва фотоапарата за диаметрално противоположни цели; творбите му изразяват идеологическа подкрепа за фашисткия режим).

Антон Джулио Брагалия, Размахване (Salutando), 1911 г

През 1944 г. умира основоположникът и идейният вдъхновител на футуризма Маринети. С неговата смърт футуризмът престава да съществува. Руският футуризъм започна да изчезва още по-рано, в края на 20-те години, с установяването на съветската власт в Русия и окончателно остаря със смъртта на Маяковски и емиграцията на основните автори (в края на краищата в Русия футуризмът беше по-скоро литературен движение, отколкото рисуване). Авторите, които започнаха с футуризма, се присъединиха към други посоки.

Какво донесе футуризмът на човечеството? Шокиращият и агресивен начин, характерен за футуризма, спомогна за популяризирането и прославянето на прогреса. Съвременното развитие на изкуството дължи много на футуризма: техните заслуги включват освобождаването на поезията от обичайната форма, поетичните изпълнения, нов поглед върху изобразяването на движението и фрагментацията на скоростта. Отхвърлянето на авторитетите винаги е търсене на нещо ново, винаги разширяване на обичайния възглед за света около нас. Търсенето на нови идеали и създаването на нови норми помага на човечеството да не стои неподвижно, помага да се развива. И разбира се - възхвалата на „красивото разстояние“, прогреса, силата на човешката мисъл, за това желание за идеален свят, специални благодарности на тях.

Като никоя друга форма на изобразително изкуство, скулптурата е близка до архитектурата. И двата вида са триизмерни и светлината и сенките участват в създаването на художествен образ. Дори материалът, когато става въпрос за каменна скулптура, може да бъде един и същ. Има и скулптури, които съответстват на размера на архитектурни структури, като Сфинкса в Гиза, колосалния бронзов Буда в Камакура (Япония) или Статуята на свободата в пристанището на Ню Йорк. Произведенията, създадени специално за сгради и органично свързани с тях, се наричат ​​архитектурна скулптура, въпреки че, разбира се, каменната скулптура и скулптурата от метал, бетон или гипс са различни една от друга. Архитектурната пластика само в редки случаи служи просто като декорация, по-често тя ясно изразява смисъла и предназначението на конструкцията и по този начин придава допълнителна изразителност на сградата.

Нито един от обектите не е по-подходящ за тази цел и не привлича скулптора повече от човешката фигура, неговия образ, тяло, пластика. Фигури на животни също са били и остават обект на архитектурна скулптура. Доказателство за това е романският портал с лъвове и Königslutter и квадриги на Бранденбургската врата в Берлин и на сградата на Операта в Дрезден. Това включва и такива приказни животни и птици като лешояди, химери и сфинксове. Формите на изобразяване на хора в рамките на архитектурната пластика като цяло са разнообразни. Те варират от портрети на глава в медальони и повече или по-малко гротескни маски, като главата на Медуза, до бюстове и фигури в цял ръст, изобразяващи облечено и голо човешко тяло, понякога с огромни размери. Седящите колосални фигури на египетския скален храм Абу Симбел са високи 20 м.

Индивид или група хора са представени на или близо до сгради в различни действия и позиции. Използват се различни видове скулптура, включително релефни изображения, скулптура в ниши и кръгла скулптура. В някои случаи статуите поемат и функциите на носещ архитектурен елемент. Кариатидите спокойно и величествено подпират антаблемена с главите си. Атлантите и гигантите носят тежестта си на раменете или ръцете си и изглежда, че масата от портали, балкони или тераси почти ги смазва. Хермите-кариатиди или просто хермите са носещи скулптури, чиято долна част на тялото се превръща в стесняващ се надолу пиластър.

Скулптурата достига централноевропейската архитектура през 13 век. първият му разцвет, изобразяващи религиозни сцени, фигури на светци и светци. Например, качеството на скулптурите на светци в катедралата в Наумбург е отлично. 500 скулптури, повечето от които по-големи от човек, украсяват западния портал на катедралата в Реймс; 1800 статуи първоначално са били част от украсата на катедралата в Шартър. Ние дължим скулптурите на гробницата на Медичите в новата сакристия на флорентинската катедрала Сан Лоренцо на изключителния художествен гений от миналото Микеланджело. Характерна за периода след 1500 г. е замяната на религиозните мотиви с антични митологични и образи на владетели. И двете теми са много тясно преплетени по време на бароковия период. Скулптурите на Марс, Зевс или Херкулес често трябва да се разбират като алегория на властта на принц или крал. Често владетелите са изобразявани в римски тоги.

Към чисто архитектурните скулптури, празнуващи триумфа си в дрезденския замък Цвингер или Сансуси, бяха добавени градински скулптури и скулптури, украсяващи фонтани. Вътрешно и неразривно свързана с архитектурата, скулптурата на 18 век. попада в известна изолация през периода на класицизма. Релефи, фигури и впрягове от коне, заимствани от древността, понякога изглеждаха само декоративно допълнение и най-малкото органичен архитектурен детайл.

Тази дистанция между скулптурата и сградата се увеличи още повече през 20 век. поради противоречията между произведение на изкуството и масов индустриален продукт – сграда. Целта на съвременното архитектурно творчество обаче е да запази нови и утвърдени стари форми на изкуство, свързани с архитектурата, и да ги използва, за да добави повече емоция към архитектурната среда около нас.

Шмалкалден (окръг Зул), така наречената „глава на архитект“ на подпората на олтара на градската църква „Св. Георг. Този портрет се появява след 1437 г. във фалшив прозорец с железни капаци. Може да се предположи, че архитектът е изобразил себе си в разцвета си.

Връзката на скулптурата с архитектурата и околната среда

Станковата скулптура обикновено се излага в музеите. Разглежда се независимо от други работи или интериорен дизайн. Може да се пренарежда от стая в стая, да се транспортира до друг град, сравнително лека е и подвижна. Монументалната и монументално-декоративната скулптура е силно свързана с конкретно място. И въпреки че има известни примери за пренареждане на паметници (в Москва паметникът на А. С. Пушкин беше преместен), тези случаи са изключително редки. Монументалната скулптура е много тежка, теглото й се измерва в тонове и десетки тонове, а нейното пренареждане е сложно и отнема много време. Освен това подобни движения рядко имат смисъл: монументалната скулптура се издига на открито - на площади и улици - и нейната среда се взема предвид предварително от художници и архитекти. Монументално-декоративната скулптура е с по-лека тежест, но още по-здрави, „корени”, свързани с околните: със зеленината на алеята, в която стои, с нишата, в която се крие, със сградата, която я поддържа или увенчава. .

Включването на скулптурата в архитектурния и природен фон му осигурява най-голяма изразителност. Монументална скулптура, издигната на площада, става негов семантичен и композиционен център: вертикалните нагоре или редуващи се обеми на паметника създават ритмично организирано пространство около себе си, което, съчетавайки или контрастирайки с ритмите на къщите около площада и улиците, вливащи се в то, му придава завършеност.

Често скулптурата определя „звука“ на площада, оцветява го романтично, прави го тържествен, радостен или строг. Така мрачната сила на конната статуя на Бартоломео Колеони, издигната на много висок и непропорционално тесен пиедестал, създава около себе си такава сурова, интензивно затворена среда, която не е характерна за никой друг площад във Венеция.

Монументалната скулптура въздейства много по-силно на зрителя от стативната и въпросът тук не е толкова в нейните размери, а в нейната намеса в съвременния живот. Заобиколен от въздушно пространство, красиво и ясно очертан на фона на небето, той взаимодейства с белотата на снега и зеленината на дърветата, изсветлява под лъчите на слънцето, вечер потъмнява и мистериозно трепти в лунните нощи. Стативните произведения в музеи и изложби често са поставени по такъв начин, че е трудно, ако не и напълно невъзможно, да ги заобиколите.

Днешните градски ансамбли са немислими без тържествена монументална скулптура. Но не по-малко важна е монументалната и декоративна скулптура (често наричана просто декоративна), която прави ансамбъла елегантен и радостен. Паметниците се монтират отделно. Един монументален паметник организира площада; две - веднага влизат в спор. Декоративните скулптури не си пречат една на друга и само печелят от близостта си до подобни творби. Двадесет паметника на насип или алея, обичаше да повтаря Мухина, ще убият всяка идея; двадесет декоративни скулптури ще извият празнично хоро.

Декоративната скулптура включва статуи и релефи, които не са лишени от самостоятелно значение, но са част от архитектурни ансамбли или са предназначени да украсяват градските площади и улици, интериора на сградите и парковете. Той също така включва всички видове скулптурни орнаменти върху сгради - циментова замазка, лети и изсечени декорации, гербове на порти, маскарони, т.е. релефи под формата на фантастични маски на хора и животни, както и статуи, които служат като спомагателни архитектурни елементи. Това са атлантите и кариатидите – мъжки и женски фигури, които играят ролята на колони или пиластри в архитектурата.

И двете думи - "атланти" и "кариатиди" - дойдоха при нас от Древна Гърция: "кариатида" идва от думата "кора", т.е. момиче. В митовете Атлас беше името на гиганта, който поддържаше земния свод. Древна Гърция също ни остави един от най-добрите примери за използването на тези полустатуи, полуколони. Един от портиците на атинския храм Ерехтейон (421-460 г. пр. н. е.) се поддържа от скулптурни изображения на момичета в дълги дрехи - гънките, падащи надолу, приличат на ребрата на колоните. Тези високи силни фигури стоят спокойно и величествено; Нито в позите им, нито в гордо вдигнатите глави, нито в спокойствието на лицата им се усеща тежестта, която държат. Изобразявайки атлантите, скулпторите, напротив, най-често подчертават каква огромна тежест лежи на раменете им; В образите на атлантите се прославя мъжката сила и издръжливост.

Обичайно е мостовете да се увенчават с декоративна скулптура (нека си спомним поне вече познатите групи от „Укротители на коне“ на Аничковия мост в Ленинград), полетите на церемониалните стълби, които бавно се издигат към върха. Може да се види на портали и входове, на покриви на дворци, арки, театри: върху сградата на Драматичния театър. А. С. Пушкин в Ленинград - четири коня, управлявани от Аполон, богът на поезията; върху сградата на операта в Лвов - алегорични фигури на Победата, Славата и Любовта. Поставянето на фигури на покриви изисква специално внимание. Фигура, повдигната на височина, визуално променя пропорциите си - изглежда по-широка и клякаща, отколкото е в действителност. Следователно не всяка статуя може да бъде издигната на голяма височина, а само статуя, специално направена за тази цел. Освен това трябва да се вземат предвид и възможностите на човешкото зрение: ако скулптурният силует загуби своята яснота и се „замъгли“, тогава това ще бъде еднакво пагубно както за скулптурата, така и за сградата, която е предназначена да украси.

Понякога скулптурата е монтирана в ниши пред сградата. Така тя сякаш влиза в стената и в същото време получава само отреденото й пространство, в което играят светлина и сенки. Такава скулптура изглежда само от предната страна, но въпреки това позицията й е доста удобна и изгодна: появата на сянка в ниша дава по-ясно усещане за обем, а акцентите на светлината създават впечатление за изразително движение, възникващо в нея.

Основната роля в градоустройството принадлежи на архитектурата, но скулптурата, както монументална, така и декоративна, до голяма степен допълва облика на града. В Париж, Флоренция, Ленинград, Дрезден, Краков има архитектурни и скулптурни ансамбли, известни в целия свят. Те са грижливо съхранявани, самите те са паметници на изкуството. Древният пазарен площад в Лвов е запазен без ни най-малка промяна повече от век. Четири големи декоративни скулптури, поставени в правилен квадрат на еднакво разстояние една от друга, подчертават безупречната му четириъгълна форма; тяхната празнична елегантност е особено очевидна в контраст със строгата импозантност на кметството, разположено в центъра на площада, с тържествеността на хералдическите лъвове, пазещи входа му. Площадът е плътно заобиколен от къщи от 16-17 век, пищно украсени със статуи на древни богове, крале и рицари, крилати лъвове, смеещи се маскарони, декоративни релефи с играещи делфини, детски глави и цветни гирлянди. Строгата, някак мрачна архитектура на площада лъха със скрита енергия и сила; скулптурата смекчава нейната строгост и й придава мажорно звучене. Трябва да вървите бавно по пазарния площад, внимателно да разглеждате всеки корниз, всяка статуя - всяка стъпка носи ново впечатление, учи ви да разберете колко големи и разнообразни са възможностите за комбиниране на архитектура и скулптура.

Истински синтез на изкуствата, съчетание на два или повече вида изкуства, взаимовръзката на всичките им части и видове в ново, хармонично единство и стилово обобщение се постига в случаите, когато елементите на различни видове изкуства са обединени от обща идейно-стилова концепция и образуват едно органично цяло. Този резултат може да бъде постигнат при взаимодействието на монументалната скулптура с градския ансамбъл, декоративната скулптура с архитектурната среда. Именно синтезът определя художествената изразителност на такива ленинградски ансамбли като Площад на декабристите с доминиращия над него Бронзов конник и такива сгради като Генералния щаб, Борсата или Адмиралтейството.

Изкуството служи като израз на мислите, чувствата и уникалната личност на художника, но също така е огледало на културата и историята на епохата, в която този човек е бил предназначен да твори. Енергията на творчеството, която определя цялата история на изкуството, свързва в една нишка разделени във времето майстори. И ако погледнете от тази гледна точка, тогава няма нужда да разглеждате различни художествени движения и техните представители поотделно, тъй като това са различни фази на голямо движение, което е непрекъснато в прогресията си. Едно поколение се сменя с друго; Идеите, теориите и страстите остаряват, точно като хората, отстъпвайки място на новите тенденции. Когато един художник, чрез собственото си творчество, успява да събуди към живот някакъв нов процес на дълбоко духовно и артистично търсене, се раждат нови стилове и нишката, свързваща ги с миналото, никога не се прекъсва, колкото и тънка да изглежда.
Тази книга представя историята на изкуството от древните цивилизации до най-новите движения: в присъщите му изразни средства - живопис, скулптура, архитектура - и като панорама на основните движения, брилянтни майстори и произведенията, които характеризират техните постижения. Историята е представена в глави според основните художествени течения и различни епохи и е подчинена на хронологичен ред - от изкуството в античното общество до първия разцвет на средновековното творчество в епохата на Каролингите, от Ренесанса до Барока, от Импресионизма и Символизъм на 19 век. до ранния авангард, от абстракционизма до постмодерната архитектура. Всяка глава започва с резюмета, които обясняват същността на процеса на един или друг етап.

Изкуството в древния свят.
Необичайни форми на комуникация и художествено изразяване, предимно от магическо-религиозно естество, отличават древното общество: просто си спомнете храмовете и дворците в Месопотамия или египетските пирамиди и храмови комплекси, но имаше и декоративни елементи и красиви метални предмети, представени в културата на почти всички нации.

Келтите са група индоевропейски народи, основани през 2-ро хилядолетие пр.н.е. д. в областта между горния Дунав и източната част на днешна Франция, откъдето след това се разпространяват (от 7 век пр.н.е.) из почти цяла Западна Европа, Балканите, Италия и Мала Азия. Периодът на тази експанзия завършва на границата на 2-ри и 1-ви век. пр.н.е д., когато силата на Рим вече нараства и вълни от мигриращи германски народи започват да се търкалят от дълбините на Азия. Келтското общество със своята племенна структура е било управлявано от крал и е печелило ресурси чрез война, лов и пастирство. Усещането за племенна идентичност беше много силно. Художествена продукция. Келтското изкуство се характеризира с ясно изразен и последователен антинатурализъм. Потопен в магическа и религиозна атмосфера, той намира най-адекватен израз в абстрактната орнаментика, която украсява предимно метални изделия (началото на желязната епоха, първата половина на I хил. пр. н. е.); всички елементи, придобити в контакт с различни народи, бяха претопени в него.

Изтеглете електронната книга безплатно в удобен формат, гледайте и четете:
Изтеглете книгата Цялата история на изкуството, Живопис, Архитектура, Скулптура, Декоративни изкуства, Котелникова Т.М., 2007 г. - fileskachat.com, бързо и безплатно изтегляне.

• Изкуство, 9 клас, Домашна и световна художествена култура, Колбишева С.И., Захарина Ю.Ю., Томашева И.Г., 2019 г.

Скулптура, скулптура, пластика (от лат. sculptura, от sculpo - изрязвам, издълбавам) е вид изобразително изкуство, чиито произведения имат триизмерна, триизмерна форма.
Скулптурата може да бъде изпълнена във всеки жанр, като най-често срещаните жанрове са фигуративен (портрет, исторически, жанрова композиция, голо тяло, религиозен, митологичен) и анималистичен жанр. Материалите за изработване на скулптурата са разнообразни: метал, камък, глина и печена глина (фаянс, порцелан, теракота, майолика), гипс, дърво, кост и др. Методите за обработка на скулптурата също са разнообразни: леене, коване, щамповане, резба , моделиране, дърворезба и др.
Има два основни вида пластично изкуство: кръгла скулптура (свободно разположена в пространството) и релеф (триизмерните изображения са разположени в равнина).

Кръгла скулптура

Байпасът е едно от най-важните условия за възприемане на кръгла пластика. Образът на скулптурата се възприема по различен начин от различни ъгли на гледане и се раждат нови впечатления.
Кръглата скулптура се разделя на монументална, монументално-декоративна, стативна и малки форми. Монументалната и монументално-декоративната скулптура са тясно свързани с архитектурата.

Стативна скулптура- вид скулптура, която има самостоятелно значение, предназначена да се възприема отблизо и да не е свързана с архитектурата и предметната среда. Обикновено размерът на стативната скулптура е близък до естествения размер. Станковата скулптура се характеризира с психологизъм и сюжетност, често се използва символичен и метафоричен език. Включва различни видове скулптурни композиции: глава, бюст, торс, фигура, група. Един от най-важните жанрове на стативната скулптура е портретът, който предоставя уникална възможност за възприемане - разглеждане на скулптурата от различни гледни точки, което предоставя огромни възможности за многостранно характеризиране на портретуваното лице.

Стативната скулптура включва:

	Изображение на бюст, до кръста или до раменете на човек в кръгла скулптура.
	Малки скулптурни произведения, създадени за интериорна декорация. Малките скулптури включват жанрови фигурки, портрети на маса и играчки.
	Вид малка скулптура - статуя с размер на настолен (шкаф), много по-малка от реалния размер, използвана за вътрешна украса.
	Статуя- свободно стоящо триизмерно изображение на човешка фигура в цял ръст или животно или фантастично същество. Обикновено статуята се поставя на пиедестал.
	Скулптурно изображение на човешки торс без глава, ръце и крака. Торсът може да бъде фрагмент от антична скулптура или самостоятелна скулптурна композиция.

Монументална скулптура- скулптура, пряко свързана с архитектурната среда и характеризираща се с големи размери и значимост на идеите. Разположен в градска или природна среда, той организира архитектурен ансамбъл, органично се интегрира в естествения пейзаж, украсява площади и архитектурни комплекси, създавайки пространствени композиции, които могат да включват архитектурни структури.

Монументалната скулптура включва:

	Мемориал
	Паметник- паметник със значителни размери в чест на голямо историческо събитие, изключителна обществена личност и др.
	Монументална скулптура, предназначен за възприемане от големи разстояния, изработен е от устойчиви материали (гранит, бронз, мед, стомана) и се монтира в големи открити пространства (на естествени възвишения, върху изкуствено създадени насипи).
	Статуя- произведение на изкуството, създадено за увековечаване на хора или исторически събития. Едно- и многофигурни композиции, бюстове, конни паметници
	Стела- вертикално стояща каменна плоча с надпис, релеф или картинно изображение.
	Обелиск- тетраедричен стълб, стесняващ се нагоре, увенчан с точка под формата на пирамида.
	Рострална колона- свободно стояща колона, чийто багажник е украсен със скулптурни изображения на носовете на кораби
	Триумфалната арка, триумфална порта, триумфална колона - церемониална сграда в чест на военни победи и други значими събития.