Italijanska renesansa. Italijanska renesansa: človek v središču vesolja Kaj se izraža v umetniškem svetu italijanske renesanse?

Uvod

Zgodovinopisje

Glavne faze renesanse

Zgodnja renesansa

Visoka renesansa

Pozna renesansa

Značilnosti renesančne arhitekture

Likovna umetnost renesanse

Zaključek

Bibliografija

Uvod

»Ustvaril sem te kot bitje, ki ni nebeško, ampak ne samo zemeljsko, ne smrtno, a tudi ne nesmrtno, tako da postaneš ti, tujec omejitvam, sam svoj stvarnik in popolnoma skoješ svojo podobo. Dobil si možnost, da padeš na raven živali, a tudi možnost, da se povzpneš na raven boga podobnega bitja – izključno zaradi svoje notranje volje ...«

To pravi Bog Adamu v traktatu italijanskega humanista Pica della Mirandola »O človekovem dostojanstvu«. V teh besedah je strnjena duhovna izkušnja renesanse, izražen je premik v zavesti, ki ga je naredila.

Renesančna arhitektura - obdobje razvoja arhitekture v evropskih državah od začetka 15. do začetka 17. stoletja, v splošnem poteku renesanse in razvoj temeljev duhovne in materialne kulture antične Grčije in Rima. . To obdobje je prelomnica v zgodovini arhitekture, zlasti v odnosu do predhodnega arhitekturnega sloga, gotike. Gotika je za razliko od renesančne arhitekture iskala navdih v lastni interpretaciji klasične umetnosti.

Zgodovinopisje

Beseda "renesansa" (francosko renaissance) izhaja iz izraza "la rinascita", ki ga je prvi uporabil Giorgio Vasari v knjigi "Življenja najslavnejših italijanskih slikarjev, kiparjev in arhitektov", objavljeni v letih 1550-1568.

Izraz "renesansa" je uvedel francoski zgodovinar Jules Michelet, da bi označil ustrezno obdobje, vendar je švicarski zgodovinar Jacob Burckhardt v svoji knjigi "Kultura italijanske renesanse" opredelitev bolj razkril, njena interpretacija je bila osnova moderno razumevanje italijanske renesanse. Objava albuma risb Zgradbe sodobnega Rima ali zbirka palač, hiš, cerkva, samostanov in drugih najpomembnejših javnih zgradb v Rimu, ki jo je izdal Paul Le Tarouille leta 1840, je povzročila splošno zanimanje za renesanso. obdobje. Potem je renesansa veljala za slog, ki "posnema antiko".

Prvega predstavnika tega trenda lahko imenujemo Filippo Brunelleschi, ki je deloval v Firencah, mestu, ki skupaj z Benetkami velja za spomenik renesanse. Nato se je razširil v druga italijanska mesta, v Francijo, Nemčijo, Anglijo, Rusijo in druge države.

Glavne faze renesanse

Italijansko renesanso običajno delimo na tri obdobja. V zgodovini umetnosti lahko govorimo o razvoju likovne umetnosti in kiparstva v okviru zgodnje renesanse v XIV. V zgodovini arhitekture so stvari drugačne. Zaradi gospodarske krize XIV. stoletja se je renesansa v arhitekturi začela šele v začetku XV. stoletja in je trajala do začetka XVII. stoletja v Italiji in dlje zunaj njenih meja.

Ločimo lahko tri glavna obdobja:

· Zgodnja renesansa ali Quattrocento, približno sovpada s 15. stoletjem.

· Visoka renesansa, prva četrtina 16. stoletja.

· Manierizem ali pozna renesansa (2. polovica 16. stoletja v 17. stoletju).

V drugih evropskih državah se je razvil lasten predrenesančni slog, sama renesansa pa se ni začela prej kot v 16. stoletju, slog je bil vcepljen v obstoječe tradicije, zaradi česar imajo lahko renesančne zgradbe v različnih regijah nekoliko podobne značilnosti.

V sami Italiji je renesančna arhitektura prešla v manieristično arhitekturo, predstavljeno v precej različnih smereh v delih Michelangela, Giulia Romana in Andree Palladia, ki se je nato prerodila v barok z uporabo podobnih arhitekturnih tehnik v drugačnem splošnem ideološkem kontekstu.

Zgodnja renesansa

Med Quattrocentom so bile norme klasične arhitekture ponovno odkrite in oblikovane. Preučevanje starodavnih vzorcev je pripeljalo do asimilacije klasičnih elementov arhitekture in ornamentov.

Prostor kot arhitekturna sestavina je organiziran na drugačen način od srednjeveških predstav. Temeljil je na logiki proporcev, oblika in zaporedje delov sta podrejena geometriji in ne intuiciji, kar je bila značilnost srednjeveških zgradb. Prvi primer tega obdobja lahko imenujemo bazilika San Lorenzo v Firencah, ki jo je zgradil Filippo Brunelleschi (1377-1446).

Filippo Brunelleschi

Filippo Brunelleschi (italijansko Filippo Brunelleschi (Brunellesco); 1377-1446) je bil veliki italijanski renesančni arhitekt.

Filippo Brunelleschi se je rodil v Firencah notarju Brunelleschiju di Lippu. Kot otrok je Filippo, na katerega naj bi prešla očetova praksa, prejel humanistično vzgojo in najboljšo izobrazbo za tisti čas: učil se je latinščine, preučeval starodavne avtorje.

Filippo je opustil kariero notarja in je bil od leta 1392 vajenec, verjetno pri zlatarju, nato pa kot vajenec pri draguljarju v Pistoji; študiral je tudi risanje, kiparjenje, graviranje, kiparstvo in slikanje, v Firencah je študiral industrijske in vojaške stroje, pridobil pomembno znanje matematike za tisti čas pri učenju Paola Toscanellija, ki ga je po Vasariju učil matematike. Leta 1398 se je Brunelleschi pridružil Arte della Seta, ki je vključevala zlatarje. V Pistoii je mladi Brunelleschi delal na srebrnih figurah oltarja sv. Jakoba - na njegovo delo je močno vplivala umetnost Giovannija Pisana. Donatello je pomagal Brunelleschiju pri delu na kipih (takrat je bil star 13 ali 14 let) - od takrat je prijateljstvo povezovalo mojstre za vse življenje.

Leta 1401 se je Filippo Brunelleschi vrnil v Firence in sodeloval pri natečaju, ki ga je razpisal Arte di Calimala (trgovska trgovina s tkaninami), da bi z reliefi okrasil dvoje bronastih vrat firenškega krstilnika. Z njim so se tekmovanja udeležili Jacopo della Quercia, Lorenzo Ghiberti in vrsta drugih mojstrov. Tekmovanje, ki mu je predsedovalo 34 sodnikov, za katerega je moral vsak mojster predložiti bronasti relief »Izakova žrtev«, ki ga je izdelal, je trajalo eno leto. Konkurenco je izgubil Brunelleschi - Ghibertijev relief je bil likovno in tehnično boljši (ulit je bil iz enega kosa in je bil 7 kg lažji od Brunelleschijevega reliefa).

Prizadet zaradi izgube na tekmovanju je Brunelleschi zapustil Firence in odpotoval v Rim, kjer se je morda odločil do popolnosti preučiti antično kiparstvo. V Rimu se je mladi Brunelleschi od plastike obrnil k gradbeništvu, začel skrbno meriti ohranjene ruševine, skicirati načrte za celotne stavbe in načrte za posamezne dele, kapitele in vence, projekcije, tipe zgradb in vse njihove podrobnosti. Moral je izkopati zasute dele in temelje, te načrte je moral doma narediti v eno celoto, obnoviti tisto, kar ni bilo povsem nedotaknjeno. Tako je bil prežet z duhom antike, delal je kot sodobni arheolog z merilnim trakom, lopato in svinčnikom, naučil se je razlikovati med tipi in razporeditvijo starodavnih stavb ter ustvaril prvo zgodovino rimske arhitekture v mapah s svojim skice.

Bruneleschijevo delo:

1401-1402 natečaj na temo »Abrahamova daritev« iz Stare zaveze; projekt bronastih reliefov za severna vrata florentinskega baptisterija (28 reliefov, zaprtih v kvadrifoliju 53×43 cm). Brunelleschi je izgubil. Na tekmovanju je zmagal Lorenzo Ghiberti. "Brunelleschi, okužen z odločitvami komisije, se je odvrnil od rodnega mesta in odšel v Rim ... da bi tam študiral pravo umetnost." Relief je v Narodnem muzeju Bargello v Firencah.

1412-1413 Križanje v cerkvi Santa Maria Novella v Firencah.

1417-1436 Kupola katedrale Santa Maria del Fiore ali preprosto Duomo je še vedno najvišja stavba v Firencah (114,5 m), zasnovana tako, da bi se celotno prebivalstvo mesta lahko umestilo v "veliko ... stavbo ki se dviga v nebo, zasenči vse toskanske dežele, «je o njem zapisal Leon Battista Alberti.

· 1419-1428 Stara zakristija (Sagrestia Vecchia) cerkve San Lorenzo (San Lorenzo), Firence. Leta 1419 je naročnik Giovanni di Bicci, ustanovitelj družine Medičejci, oče Cosimo starejši (Cosimo il Vecchio), nameraval prezidati stolnico, ki je bila takrat majhna župnijska cerkev, vendar je Brunelleschiju uspelo dokončati le staro zakristijo, Nova zakristija (Sagrestia Nuova), ki jo je zasnoval Michelangelo.

1429-1443 Kapela (kapela) Pazzi (Cappella de'Pazzi), ki se nahaja na dvorišču frančiškanske cerkve Santa Croce (Santa Croce) v Firencah. To je majhna kupolasta stavba s portikom.

· cerkev Santa Maria degli Angeli, začeta leta 1434 v Firencah, je ostala nedokončana.

· 1436-1487 Cerkev Santo Spirito (Santo Spirito), dokončana po smrti arhitekta. "Centrična kupolasta zgradba enakih kvadratov in stranskih ladij z nišnimi kapelami je bila nato razširjena z dodajanjem vzdolžne zgradbe bazilikalnemu stebru z ravno streho."

· Palača Pitti (Palazzo Pitti) je bila zgrajena leta 1440 in je bila dokončno dokončana šele v 18. stoletju. Dela so bila leta 1465 prekinjena zaradi dejstva, da je naročnik palače, trgovec Luca Pitti, bankrotiral, rezidenco pa so leta 1549 kupili Medičejci (Eleonora iz Toleda, žena Cosima I.), ki jih je želel Luca Pitti. opremiti in naročiti okna enake velikosti kot vrata v Palazzo Medici.

Po Brunelleschiju naj bi prava renesančna palača izgledala takole: trinadstropna, kvadratna zgradba, s polaganjem florentinskega klesanega kamna (izkopanega neposredno na mestu, kjer so zdaj vrtovi Boboli, za palačo), s 3 velika vhodna vrata v prvem nadstropju. Dve zgornji nadstropji prereže 7 oken, ki se nahajajo na vsaki strani in jih združuje linija balkonov, ki potekajo vzdolž celotne fasade.

Šele leta 1972 je postalo znano, da je bil Brunelleschi pokopan v katedrali Santa Reparata (IV-V stoletja, v Firencah) v prejšnjem templju, na ostankih katerega je bila katedrala Santa Maria del Fiore (Santa Maria del Fiore). postavljeno).

Evropske države so veliko prispevale h kulturi renesanse. Najboljša dela tega obdobja so vstopila v svetovno kulturo. Značilnosti zgodovinskega, družbeno-ekonomskega, političnega in duhovnega razvoja teh držav so določile posebnosti renesanse v vsaki od njih.

Renesančna kultura izvira iz Italije, ki je postala klasično središče renesančne kulture. To je posledica določenih razlogov. Skozi Italijo so potekale najpomembnejše trgovske poti, ki so povezovale Evropo z Azijo, kar je povzročilo hitro rast pristaniških in obrtnih mest (Firence, Genova, Benetke, Bologna itd.).

Križarji so šli skozi Italijo, kar je prispevalo k razvoju obrti, povečanju plasti obrtnikov. Prej kot v drugih državah se je proizvodnja začela razvijati. Vse to je spodbudilo aktivno politično življenje v mestih-republikah in ustvarilo ugodne pogoje za razvoj kulture.

Boj meščanov proti fevdalcem, ki se je v nekaterih državah končal z združitvijo države pod okriljem močne monarhične oblasti, se je v Italiji končal z zmago republikanske oblike vladavine in oblikovanjem velikega števila mesta-republike. To je bila zmaga tretjega stanu, ki se ni mogel zadovoljiti s srednjeveško kulturo in ideologijo. Tako je politični boj neizogibno privedel do novega razumevanja sveta.

Nazadnje je imelo veliko vlogo dejstvo, da je bila Italija neposredna dedinja antične kulture in da so bili njeni spomeniki v tej državi ohranjeni bolj kot kjer koli drugje.

Kronološki okvir italijanske renesanse zajema obdobje od druge polovice XIII. in v 16. stol. vključno. V tem obdobju so: protorenesanca (pred oživitvijo) - XIII in začetek XIV stoletja; Zgodnja renesansa - od sredine XIV. in skoraj celotno 15. stoletje; Visoka renesansa - konec 15. in prva tretjina 16. stoletja; Pozna renesansa - XVI in začetek XVII stoletja.

Do konca XV. o renesansi lahko govorimo le v zvezi z Italijo. V drugih evropskih državah se je začelo veliko pozneje in ni našlo tako živega izraza, čeprav so bili tudi izjemni mojstri.

Za konec italijanske renesanse štejemo leto 1530, ko je italijanska mesta-republike podjarmila habsburška monarhija. Neodvisnost je ohranila le papeška država, Benetke pa so ostale dolgo časa neodvisne.

Osnova italijanske renesanse je odkrivanje posameznika, zavedanje njegovega dostojanstva in vrednosti njegovih zmožnosti. To je bistvo renesančnega humanizma. Slednji nadaljuje tradicijo antičnega humanizma, vendar se od njega razlikuje, tako kot se voljna, podjetna oseba začetka meščanske dobe razlikuje od osebe antičnega polisa. Junak starodavne družbe in starodavne umetnosti je lepa in razumna oseba Kalakagatia (lepo prijazna), fizično popolna, estetsko razvita. Preporod oblikuje voljno, vsestransko izobraženo, aktivno osebo, kreatorja lastne usode, kreatorja samega sebe.

Umetnosti renesanse ni mogoče imenovati nereligiozne. Nastajala so dela na religiozno tematiko, prisoten je bil tudi religiozni občutek, ki pa je dobil novo vsebino. Za ljudi renesanse se je razdalja med Bogom in ljudmi zmanjšala v primerjavi s srednjeveškim človekom. Vse, kar so ljudje v življenju ljubili, kar so občudovali - moška hrabrost, modrost starejših, nežnost otrok, lepota žensk, lepota narave in kar je človek ustvaril s svojim delom - vse to je postalo last in atribut svete zgodovine.

In hkrati so bile vse vrste umetniške ustvarjalnosti renesanse - likovna umetnost, literatura, arhitektura, glasba, gledališče in druge prežete s posvetnim duhom. Zavračanje kanonov srednjeveške kulture, od simbolov srednjega veka, je umetnost renesanse začutila dih življenja.

Najsvetlejša stran italijanske renesanse je bila likovna umetnost, zlasti slikarstvo in kiparstvo. In če se nanašamo na dobo italijanske renesanse, najprej predstavljamo te vrste umetnosti.

Zelo težko je izbrati posamezna imena, ko govorimo o delu umetnikov italijanske renesanse. Pa ne samo zato, ker jih je bilo veliko, ampak predvsem zato, ker je bila tudi povprečna raven italijanske umetnosti tega časa zelo visoka.

Protorenesanca(XIII - začetek XIV. stoletja) - prag renesanse, ko se v umetnosti šele pojavi nekaj novega. Protorenesanca se uveljavi v mestih province Toskana - Pisa, Siena, Firence.

Firence so za renesanso to, kar so Atene za staro Grčijo – središče umetniške kulture. Svetu je dala Danteja, Petrarco, Boccaccia. Živel in delal v Firencah Giotto di Bondone(1266 / 76-1337) - utemeljitelj evropskega slikarstva, utemeljitelj realizma.

"- Glavna dela Giotta so freske. To je razloženo z dejstvom, da je bila v Toskani takrat velika gradnja palač in cerkva. Umetniki so slikali v njih, zato je freska postala glavna vrsta njihovega dela. Najbolj znane Giottove freske se nahajajo v kapeli del Arena v Padovi. Poslikane so v tako bleščečih barvah, da je še danes, 700 let pozneje, kapela videti kot skrinja, posuta z dragimi kamni. V kapeli je 37 slik na svetopisemske teme: »Čaščenje magov", "Judov poljub", "Joahim pri pastirjih" in drugi. Posebej je treba opozoriti na umetnikovo upodobitev Kristusovega življenja in trpljenja.

Giotto zavrača srednjeveški kanon, ki je zahteval izraz primata duha nad telesom, katerega manifestacija so bile breztelesne podolgovate figure, stroge velike oči in noge, ki se le rahlo dotikajo tal. Giotto ima materialne podobe: masivne počepne figure, velika glava, ozka očesna reža. Doživetja likov so naravna: ni teatralizacije. Umetnik opušča ravno zlato ozadje, sprejeto v srednjeveškem slikarstvu, postavlja figure v notranjost ali pokrajino, pogosto vnaša elemente arhitekture.

Ker ni poznal zakonov perspektive in je dopuščal netočnosti v anatomiji, je Giotto lahko prenesel občutek prostora, dal številkam volumen. Ni bil le slikar, ampak tudi izjemen arhitekt.

»Giotto je bil genij tako izjemne moči, da v vsem vesolju ne bi bilo ničesar, česar ne bi mogel upodobiti,« je Giottov sodobnik Giovanni Boccaccio tako visoko hvalil Giottovo delo. In njegov drugi sodobnik, največji pesnik protorenesančne dobe, »ki je postal klasik svetovne književnosti, Dante Alighieri je Giotta poveličal v svoji Božanski komediji v njenem drugem delu, Očiščenje.

Zgodnja renesansa(konec XIV-XV. stoletja) je predstavljala galaksija briljantnih umetnikov: Masaccio (1401-1426), Donatello (1386-1466), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Pietro Perugia no (1445-1523), Sandro Botticelli ( 1445 -1510) in desetine drugih izjemnih umetnikov, katerih slike krasijo muzeje po svetu.

Slikar Masaccio (pravo ime Tommaso di Giovanni), kipar Donatello in arhitekt Philippe Brunelleschi (1337-1446) so odločilne osebnosti zgodnje renesanse.

Ustvarjanje Masaccio odpira XV. stoletje, ki je bilo stoletje največjega razcveta florentinske umetnosti. Masaccio je v Firencah poslikal majhno Brancaccijevo kapelo (poimenovano po naročniku), ki je postala vzor in šola za več generacij italijanskih mojstrov. Tematika fresk je vzeta iz legende o življenju apostola Petra. Toda na končni steni vhodnega loka je umetnik postavil fresko "Izgon iz raja". Tu je bilo prvič po antičnem obdobju prikazano golo človeško telo, prvič v slikarstvu je bila prenesena prostornina, teža figur. Masaccio je prvi prenesel prostor na ravnino z linearno perspektivo (na to je vplival Brunelleschi). Figur ne zlaga v vrste, kot je to počelo prej, ampak jih razporeja na različne razdalje glede na oddaljenost od gledalca. Hkrati je Masacciu uspelo izraziti dramatičnost situacije z iskanjem natančnih značilnosti likov.

Umetnik je živel kratko življenje - 27 let (bil je zastrupljen zaradi zavisti), vendar njegova umetnost ostaja šola visoke veščine.

Kipar Donatello je ustvaril stojalo in monumentalno okroglo skulpturo in relief. Znana so številna njegova dela: podobe sv. Jurija in prerokov, grb Firenc, relief "Herodov praznik" itd. Toda njegovo najbolj znano delo je bil Davidov kip (1430). To je bila prva upodobitev gole figure v monumentalnem kiparstvu tistega časa. Podoba golega telesa, ki je bila razširjena v antiki, je bila v srednjem veku pozabljena.

Po legendi je mladenič - pastir David - rešil svoje ljudstvo tako, da je v enem boju premagal bojevnika sovražnega plemena Goljata. Za ta podvig ga je ljudstvo izvolilo za svojega kralja. Podoba Davida - preprostega človeka, ki je prišel v ospredje zaradi poguma in ljubezni do svojega ljudstva - je bila ena izmed priljubljenih v renesansi. Donatello ga je upodobil v pastirskem klobuku, prepletenem z bršljanom, obrobljenem z dolgimi lasmi, njegov obraz je skoraj prekrival klobuk. V eni roki ima kamen, v drugi pa meč. Davidovo telo je lepo modelirano. Skulptura je zasnovana za krožni pogled in to je bila tudi inovacija, saj so bili srednjeveški kipi tesno povezani z zidom in podrejeni arhitekturi. Tu skulptura nastopa kot samostojna umetnina.

Nemogoče je ne imenovati še enega čudovitega umetnika tistega časa, človeka svetlega, izvirnega talenta in tragične usode - Sandro Botticelli.»Redko se zgodi, da je umetnik tako doživljal, tako izražal vsebino svoje dobe,« je tako Botticellijevo delo opredelil raziskovalec tega obdobja.

Botticelli je naslikal veliko število slik, naredil ilustracije za Dantejevo Božansko komedijo, vendar sta njegovi najbolj znani sliki Pomlad in Rojstvo Venere. Po mitu se je boginja ljubezni, veselja, poroke rodila iz morske pene. To je prva velika (172x278) renesančna slika na antično temo. Pojav necerkvenega slikarstva je bil znamenje časa.

Barvna struktura slike je zadržana, risba prečiščena in natančna. Poza boginje, ki lebdi na školjki, je čista: svojo goloto pokriva z rokami. Vsa ona je utelešenje ženstvenosti, milosti, lepote.

Kasneje, ki so ga prevzele ideje pridigarja Savonarole, se je Botticelli odrekel svojemu delu, zažgal slike, ki so mu ostale, prekinil s starodavnimi temami in začel slikati slike na verske teme. Umrl je v izgnanstvu, pozabljen od vseh, preživel je svojo slavo. Ponovno so ga odkrili v poznem XIX - zgodnjem XX stoletja, njegova umetnost pa se je izkazala za soglasje s francoskimi impresionisti - Edouardom Manetom in celo Modiglianijem.

Konec 15. in začetek 16. stoletja klical "Visoka renesansa" in prva desetletja 16. stoletja kot »zlato dobo« renesanse. V teh letih se je končalo iskanje nove kulture. Značilnosti realizma italijanske renesanse - klasična jasnost, človečnost podob, njihova plastična moč in harmonična ekspresivnost - dosežejo nesluteno višino.

Visoka renesansa ni le nadaljevanje in dopolnitev prejšnjega razvoja, ampak tudi kvalitativno nova stopnja. Njeni najboljši predstavniki ne le nadaljujejo z iskanjem svojih predhodnikov, ampak pridobljeno znanje podrejajo globljim nalogam: v posameznem, konkretnem so sposobni razkriti splošno, značilno. Podobe, ki so jih ustvarili, so slavospev človeški lepoti in modrosti.

Visoka renesansa osvetljuje delo treh velikih titanov, briljantnih umetnikov - Leonarda da Vincija, Raphaela Santija in Michelangela Buonarrotija.

Bil je človek fantastičnega uma in umetniškega genija Leonardo da Vinci(1452-1519). Njegova fenomenalna raziskovalna moč je prodrla na vsa področja znanosti in umetnosti. Še stoletja kasneje so raziskovalci njegovega dela osupli nad genialnostjo uvidov največjega misleca. Leonardo je bil umetnik, kipar, arhitekt, filozof, zgodovinar, matematik, fizik, mehanik, astronom, anaton ... Njegove številne risbe in risbe s projekti stružnic, predilnih strojev, bagra, žerjava, livarne, hidravličnih strojev. spusti se k nam, naprave za potapljače itd. Leonardo je sanjal o letenju in študiral, skiciral, izračunaval vse, kar je povezano z letom ptic in žuželk. Rezultat teh študij so bile risbe in izračuni letala, helikopterja, padala ... Težko je celo našteti, kaj vse je sijajni mislec in ustvarjalec delal in do kakšnih rezultatov je prišel.

V brezmejni množici svojih zanimanj Leonardo na prvo mesto postavlja slikarstvo. »Če hoče slikar videti lepe stvari, ki ga navdihujejo z ljubeznijo, potem je v njegovi moči, da jih rodi, če pa hoče videti grde stvari ... potem je on vladar in bog nad njimi ... Vse, kar obstaja v vesolju kot bistvo, kot pojav ali imaginarno, ima najprej v duši, potem pa v rokah," je zapisal. "Zato je treba slikanje postaviti nad katero koli drugo dejavnost."

Leonardo da Vinci je naslikal veliko slik. Med njimi so "Madona z rožo" ("Madonna Benois"), "Madonna Litta", "Dama s hermelinom", "Marija z otrokom" in mnogi drugi. Njegove Madone so ljubke mlade ženske, katerih obrazi žarijo od ljubezni in občudovanja do svojega otroka. Razlikujejo se po karakterju, po tipu osebnosti; ampak vse so lepe z naravno ženstvenostjo, zemeljsko lepoto. Vsa Leonardova dela so odlična, vendar so njegove najbolj znane stvaritve Zadnja večerja (1495-1498) - slika na steni refektorija milanskega samostana Santa Maria delle Grazie, ki je postala mejnik v avtorjevem znanstvenem raziskovanju in nova beseda v likovni umetnosti; portret žene trgovca Gioconde Mona Lisa (ok. 1503), z njenim nerazkritim, skrivnostnim nasmehom. Mnogi privrženci umetnika so poskušali ta nasmeh ponoviti na platnu, a nikomur ni uspelo. Številna najbolj nadarjena dela so posvečena ženskam, vendar nobeno od njih ni enako v svoji skrivnostni moči himni, ki jo je ustvaril Leonardov genij v čast najlepši in najbolj skrivnostni stvaritvi narave.

Umetnik je v portretu Mona Lise rešil problem, ki je napovedal prihodnja stremljenja likovne umetnosti: ujel je ne samo eno stanje človeka, temveč zapleten proces njegovega duhovnega življenja. In že pet stoletij je Mona Lisa navdihovala pesnike, glasbenike, umetnike, sprožala ugibanja, izzivala ponarejanje in krajo.

Sinteza antičnih tradicij in duha krščanstva je našla najbolj živo utelešenje v delih briljantnega umetnika renesanse Rafael Santi(1483-1520). V njegovem delu sta bila rešena dva glavna problema likovne umetnosti:

podoba plastične popolnosti človeškega telesa, ki izraža duhovno bogastvo in harmonijo človekovega notranjega sveta ter konstrukcijo kompleksne večfiguralne kompozicije.

Rafael je vse življenje iskal popolno, harmonično podobo, ki je svojo idejo utelesila v podobi Madone (»Madona v konjskem hlevu«, »Madona v zelenju«, »Madona s ščitkavcem«, »Madona v fotelj”). Vrhunec Rafaelovega genija je bila "Sikstinska Madona" (1515-1519). Avtorju je uspelo ustvariti podobo idealno lepe ženske z otrokom Kristusom v naročju, ki ga daje kot žrtev za odkup človekovih grehov. Zelene draperije so se razprle in gledalcu se je prikazala Madona, ki je v rokah držala otroka Kristusa. Mirna silhueta Madone jasno izstopa na svetlem nebu. Premika se z lahkotnim, odločnim korakom, čelni veter ji plapola po gubah oblačil, zaradi česar je njena postava videti bolj otipljiva. Njene majhne bose noge se komaj dotikajo svetlobnega oblaka. To ji daje izjemno lahkotnost. In z enako lahkoto nosi svojega sina, ga izteguje k ljudem in ga hkrati tesno drži k sebi.

Lep obraz mladenke izraža veliko notranjo moč. Vsebuje ljubezen do otroka, zaskrbljenost za njegovo usodo in neomajno trdnost, zavest o podvigu, ki ga opravi: mati žrtvuje svojega edinega sina zaradi reševanja ljudi.

Kristusov obraz je neotročje resen. Skozi otroško krhkost se čuti moč: njegove oči gledajo trdo in bistro.

Popolna kompozicija slike ustvarja občutek neverjetne harmonije. Po likovnem jeziku, barvi, plastičnosti, ritmu in kompoziciji je to eno najodličnejših del svetovne likovne umetnosti.

Rafael je delal v različnih žanrih. Je tudi avtor znamenitih fresk (»Atenska šola«, »Parnas«, »Izgon Eliodorja«, »Maša v Bolseni«, »Osvoboditev apostola Petra iz ječe« itd.) in največjih portretist svojega časa. Slikal je dela, v katerih se posamezne poteze združujejo s tipičnimi, ki zaznamujejo podobo dobe (»Portret Julija II.«, »Lev X«, »Portret kardinala«, »Dama s tančico« itd.).

Rafael se je poleg slikarstva ukvarjal tudi z arhitekturo, arheologijo in varovanjem antičnih spomenikov. Raphael je umrl v starosti 37 let, preden je lahko dokončal veliko del, ki jih je začel.

Tretji titan renesanse - Michelapjelo Buonarroti(1475-1564). Po dolgem življenju je deloval tako v obdobju visoke renesanse kot v letih njenega zatona. Največji mojster svoje dobe Michelangelo je vse presegel z močjo in nasičenostjo slikovitih podob, državljanskega patosa, strasti. Slikar, kipar, arhitekt, pesnik Michelangelo je velikodušno prispeval v zakladnico svetovne kulture.

V letih 1496-1499. ustvari svoji prvi kiparski deli "Bacchus" in "Pieta", ki sta mu prinesli slavo. Od tega trenutka do konca njegovega življenja postane podoba čudovitega golega telesa glavna tema Michelangelovega dela. Leta 1504 je končal delo na Davidovem kipu (njegova višina je približno 5,5 m). Skulptura je prejela visoko priznanje javnosti in najvidnejših umetnikov tistega časa, zato je bilo odločeno, da jo postavijo pred mestno hišo v Firencah. Odprtje kipa je povzročilo državno veselico.

Poslikava stropa Sikstinske kapele v Vatikanu priča o titanski delovni sposobnosti, nečloveški napor uma in fizični moči Michelangela. Pred njim se nikomur ni bilo treba lotiti tako velikanskega dela: površina fresk je 600 kvadratnih metrov. m na višini 18 m Michelangelo je delal na njih od leta 1508 do 1512. Na sliki Sikstinskega stropa je 343 figur in kljub religiozni ploskvi (prizor Stare zaveze) je hvalnica človeku, njegovemu popolnost, moč, pogum, lepota.

Zadnji dve desetletji Michelangelovega življenja so zaznamovali izguba upanja, razočaranje in duhovna osamljenost. Toda veliki mojster je še naprej ustvarjal do konca svojih dni in ustvarjal dela, ki pričajo o njegovem nesmrtnem geniju.

Največji umetnik renesanse je bil Tizian Vecellio(1476/77 ali 1480-1576). Živel je dolgo življenje, ki je sovpadalo z burnimi in tragičnimi dogodki v zgodovini Italije. V zgodnjih 20. letih XVI. postane najslavnejši umetnik Benetk in slava ga ne zapusti do konca življenja. Tizianovi čopiči spadajo med stvaritve na mitološke in krščanske teme, dela v portretnem žanru. V kompozicijski iznajdljivosti mu ni bilo para, njegov koloristični talent je bil fenomenalen.

Tizianova zgodnja dela so polna veselja do življenja ("Zemeljska in nebeška ljubezen", "Bacchus in Ariadne" (1523), "Praznik Venere" itd.). V njih nastopa tudi kot pevec antike, ki mu je uspelo vdihniti svobodnega duha tiste dobe.

Ena najbolj znanih slik velikega mojstra je "Ležeča Venera" (1538). V njej avtor razkrije svoj tip lepote. Tizianova Venera je predvsem lepa zemeljska ženska. Ta slika začenja serijo slik, ki prikazujejo lepoto golega ženskega telesa. Ti vključujejo štiri različice "Danai" (1545-1554). Reproducira starodavni ideal lepote, mojster ustvari podobo, ki nosi čudovito zemeljsko načelo, jo napolni s človeškim mesom in veseljem bivanja.

V svoji karieri je Tizian delal v žanru formalnega portreta in bil eden od ustvarjalcev tega žanra. Njegove portrete odlikuje najvišje izvedbeno mojstrstvo, plemenitost barve. Najpomembnejša stvar za Tiziana pa je bil prenos individualnosti in notranjega sveta človeka (»Portret mladeniča z rokavico«, portreti Ippolita Riminaldija, Pietra Aretina, Karla V, papeža Pavla III in mnogih drugih).

Zadnja leta Tizianovega življenja potekajo v razmerah krepitve fevdalno-katoliške reakcije v Italiji, tudi v Benetkah, kamor prodreta jezuitski red in inkvizicija. Tragični motivi se v umetnikovem delu pojavljajo kot posledica strahov in razočaranj. Vedno več piše o antičnih temah (»Venera in Adonis«, »Jupiter in Antiopa«, »Diana in Akteon« itd.).

Narava njegovega slikarstva se spreminja: svetloba, svetla barva se umakne močnemu, viharnemu slikarstvu, kompozicija postane bolj dinamična. Tizianove kasnejše stvaritve po duhovnosti, notranji dramatičnosti in barvni moči presegajo vse, kar je umetnik ustvaril prej. To so "Venera pred ogledalom" (1553), "Spokorna Marija Magdalena" (1565), "Sv. Sebastijan" (1570), "Pieta" (1576). Zadnja Tizianova dela pripadajo pozni renesansi.

Veliki mojster je imel veliko učencev, a nihče od njih ni mogel preseči učitelja. Delo Tiziana je imelo velik vpliv na slikarstvo naslednjega stoletja.

Arhitektura. Arhitektura zavzema eno vodilnih mest v umetniški kulturi renesanse. Renesansa je pomenila novo stopnjo v njenem razvoju. Značilne značilnosti arhitekture v tem obdobju so: povečanje obsega civilne, posvetne gradnje, sprememba narave monumentalne, sakralne arhitekture - vertikalizem, stremljenje navzgor, ki je značilno za gotiko srednjega veka, nadomestijo novi oblike, ki se razvijajo v širino. Človek postane merilo struktur.

Renesančno arhitekturo odlikujejo preprostost volumnov, oblik in ritma; miren in statičen; simetrija kompozicije;

delitev zgradbe v nadstropja z vodoravnimi palicami; jasen vrstni red namestitve okenskih odprtin in arhitekturnih podrobnosti. Iz starodavne arhitekture je sistem reda prenesen sem. Spet postanejo glavni arhitekturni elementi arhitrav, arhivolta, steber, pilon, pilaster in trezor, in glavne geometrijske oblike so kvadrat, pravokotnik, kocka, krogla. Od samega začetka in skozi vsa obdobja renesanse prehaja načelo umetniškega individualizma, svobodnega zatekanja k antičnim oblikam. Nova doba je v svetovno zgodovino arhitekture zapisala velika imena F. Brunelleschija, L. Alberta, D. Bramanteja, Michelangela Buonarrotija, F. Delorma in drugih.

Kot vsi kalčki renesančne kulture tudi nova arhitektura izvira iz Italije. V njegovem razvoju lahko ločimo tri glavna obdobja: zgodnje obdobje - 1420-1500. Njen vodilni arhitekt je bil F. Brunelleschi, glavno središče pa pokrajina Toskana in njeno glavno mesto Firence - zibelka italijanske renesanse; visoko obdobje - 1500-1540, ko D. Bramante postane vodilni arhitekt, središče pa se preseli v Rim; pozno obdobje - 1540-1580 Vodilni arhitekt tega časa je bil veliki kipar in slikar Michelangelo Buonarroti.

Zgodnje obdobje renesančne arhitekture je bilo prehod od srednjeveške gotike k novim arhitekturnim oblikam. V stavbah so bile še ohranjene stare poteze, red ni imel stroge proporcionalne konstrukcije, velik pomen so pripisovali ornamentu. Visoko obdobje je odlikovala strožja, monumentalna arhitektura, pravilno najdena razmerja. Ornamentu niso več pripisovali takšnega pomena. Pozno obdobje, ki nadaljuje in razvija tradicijo prvih dveh, razkriva tudi nove značilnosti - dekorativnost, lepoto, kompleksnost arhitekturnih oblik, ki so kasneje našle svoj polni razvoj v baročnem slogu.

Prvo arhitekturno delo renesanse je bila zgradba sirotišnice v Firencah, ki jo je leta 1421 zasnoval začetnik italijanske renesančne arhitekture. F. Brunelleschi(1377-1446). Ta struktura se je bistveno razlikovala od srednjeveških gotskih stavb in je nosila značilnosti nastajajočega novega sloga.

Za celoten kasnejši razvoj arhitekture je bil velik pomen razvoj in izgradnja največje kupole v Evropi nad firenško katedralo Santa Maria del Fiore (njen premer je 42 m).

V razvoju renesančne arhitekture ima pomembno mesto gradnja palačne arhitekture - palača(hiša pravokotne oblike z zaprtim pravokotnim dvoriščem). Te arhitekturne strukture so imele strog videz trdnjav, saj so opravljale obrambne funkcije. Najboljši primeri palače iz 15. stoletja nahaja v Firencah, od tu se je ta slog postopoma razširil v druga mesta v Italiji. Med najbolj znanimi so Palazzo Pitti (1458), Palazzo Strozzi (1489), Palazzo Gondi (1490) in druge.Ta vrsta zgradbe se je v renesansi še naprej razvijala v smeri večje dekorativnosti.

Visoka renesansa je povezana s povečanjem politične dejavnosti papeštva. Papeža Julij II in Leon X sta v Rim povabila največje arhitekte - Bramanteja, Rafaela, Michelangela in druge, Rim je postal arhitekturna prestolnica Italije in to vlogo obdržal do danes.

Utemeljitelj visoke renesanse v arhitekturi je bil Donato Bramante(1444-1514), njegova največja stvaritev pa je bil projekt veličastne zgradbe renesanse - katedrale sv. Peter. Bil je eden najvišjih dosežkov renesančne arhitekture. Gradnja se je začela leta 1506 in se je nadaljevala do smrti arhitekta. Delo je nadaljeval Rafael Santi, za njim pa Antonio da Sangallo. Leta 1546 je gradnja prešla v roke Michelangela, ki je razvil novo različico projekta. Do njegove smrti (1564) je bila gradnja katedrale v bistvu končana.

Pozna renesansa- to je čas nadaljnjega razvoja tradicij prejšnje stopnje. Njegova posebnost je, da sta se v arhitekturi najbolj jasno razkrila dva dopolnjujoča se trenda: eden je bil povezan z rastjo klasičnih, akademskih tradicij, drugi - s povečanjem dekorativnosti, protobaročnih trendov. Pozno renesanso predstavljajo predvsem dela Michelangela Buonarrotija, Giacoma Vignole, Andree Palladia. Michelangelove arhitekturne mojstrovine kažejo, da se je njihovega ustvarjanja lotil kot kipar, mojster plastike. Pri ustvarjanju te ali one podobe, oblike je včasih kršil konstruktivno logiko in si prizadeval povečati umetniško, čustveno ekspresivnost. Michelangelov genij je pred svojim časom postavil temelje novim trendom, ki so se pozneje razširili in vnaprej določili rojstvo baročnega sloga.

Še en pomemben arhitekt obravnavanega obdobja J. Vignola(1507-1573) je napisal znamenito razpravo "Pravilo petih redov arhitekture", ki so jo praktično uporabljali svetovni arhitekti do 20. stoletja. Opisuje sistem za konstruiranje naročil, ki temelji na večkratnih številčnih razmerjih elementov. Med najboljšimi stvaritvami Vignole so vila papeža Julija III, ki se nahaja v bližini Rima, glavna cerkev jezuitskega reda v Rimu, Il Gesu, in druge.

Ustvarjanje A. Palladio(1508-1580), povezan s svojim rojstnim krajem Vicenco. Imela je velik vpliv na razvoj italijanske in svetovne arhitekture, predvsem na arhitekturo klasicizma v drugi polovici 18. in prvi polovici 19. stoletja.

Palladio je zgradil številne palače v Vicenzi in več vil v njeni bližini. Vsa njegova dela odlikuje široka in raznolika uporaba reda, dovršenost proporcev, neverjetna harmonija, izvrstna plastičnost (Palazzo Chiericati, Valmarana, Villa Rotonda, Olimpico Theatre itd.).

Arhitektura italijanske renesanse je pomembno vplivala na razvoj arhitekture evropskih držav, vendar je tam zaradi stabilnejših fevdalnih odnosov in gotske tradicije zamujala celo stoletje.

Leposlovje. Naravo in vsebino nove dobe je na mnogo načinov izražala leposlovje. Prvi kalčki humanistične ideologije so našli svoj izraz v delu Danteja, »zadnjega pesnika srednjega veka in prvega pesnika novega veka«.

Dante Alighieri (1265-1321),Giovanni Boccaccio(1313-1375) in Francesco Petrarca(1304-1374) - največji pisci italijanske renesanse. Po naravi ustvarjalnosti, temah, žanrih - vsi so popolnoma različni. Vendar obstaja ena značilnost, ki je združila njihovo zgodovinsko usodo. Vsi so veliko napisali in zapustili ne le umetniška dela, ampak tudi nekaj literarnih del, vendar je v zgodovini svetovne književnosti vsako od teh imen povezano z enim glavnim delom: Dante - z Božansko komedijo, Boccaccio - z Dekameron, Petrarka - s pesmimi, posvečenimi Lauri.

Dante je več let delal na svojem glavnem delu in ga dokončal na koncu svojega življenja. Poimenoval jo je "Komedija". Epitet božanska ji je dal Boccaccio v znak občudovanja lepote pesmi in ta epitet se ji je ohranil. Napisana "Božanska komedija" v italijanščini, v žanru vizije, "spanja", priljubljenega v srednjeveški literaturi. Pesem sestavljajo trije deli (»Pekel«, »Čistišče« in »Raj«) in 100 pesmi. Vergil, rimski pesnik, ki je tudi sam v prvem krogu, je postal Dantejev vodnik skozi kroge pekla (teh je devet) in vice. Glavna ideja pesmi je maščevanje za vse zemeljske zadeve v posmrtnem življenju. Niti se vlečejo od Božanske komedije do literature poznejšega časa. V smislu globine filozofskega razumevanja sveta je Goethejeva tragedija "Faust" skladna z njim. V Mojstru in Margariti M. Bulgakova je jasno čutiti vpliv Danteja in Goetheja. "V prvem krogu" A. Solženicin imenuje enega svojih romanov. Ljubezenska zgodba Francesce in Paola postane tema Rahmaninovove opere Francesca da Rimini. Na isto temo je P.I. Čajkovski je napisal simfonično pesnitev Francesca da Rimini.

"Dekameron" (iz grščine - desetdnevnica) G. Boccaccia je zbirka kratkih zgodb z literarnim okvirjem. To je tradicionalna sestava. Tako je zgrajena »Tisoč in ena noč«, tako je nastal Novellino v Italiji. Inovacija je bila podrejenost te oblike zakonitostim "gotske vertikale" - od osnovnega do sublimnega - v tem zaporedju so bile kratke zgodbe, koncepti "vzvišenega" in "nizkega" pa so bili sami sprejeti. humanistična interpretacija. Zapleti romanov so raznoliki. To so starodavne legende in srednjeveške zgodbe, predvsem pa zanesljivi primeri iz življenja in anekdote. Zamisel o Boccacciu in struktura knjige sta se oblikovala pod vplivom Danteja: isti princip od nizkega do vzvišenega - od grešnikov "pekla" do svetega "raja" - pri Danteju; od satiričnih likov do roparskih in končno do pozitivnih idealiziranih junakov – pri Boccacciu. Boccacciova inovativnost je v tem, da je kozmično kompozicijo prenesel v resnično zemeljsko življenje brez angelov, hudičev in svetnikov. Naravni princip v "Dekameronu" je v nasprotju z nenaravnimi zakoni družbe, cerkvenim asketizmom in razrednimi predsodki. Problemi Dekamerona so univerzalni in hkrati družbeni. Delo Boccaccia je tako bogato z dogodki, da so si številni dramatiki izposodili zaplete za svoje drame: Shakespeare - drama "Cymbeline" in komedija "Konec je krona", Lope de Vega, Moliere. Ruski skladatelj D. Bortnjanski je napisal opero na zaplet iz Dekamerona (Sokol, 1786).

Za razliko od Danteja je Petrarka najpogosteje pisal v latinščini, vendar je delo, ki ga je ovekovečilo - "Canzoniere" - "Knjiga pesmi" napisano v ljudskem jeziku. Sam svojim liričnim pesmim ni pripisoval velikega pomena. Šele pozneje je te verze začel jemati resno in jih je večkrat predelal in izboljšal. Petrarka je zbirko pesmi razdelil v dve knjigi: "O življenju Madone Laure", "O smrti Madone Laure".

Petrarkova ljubezen je resnično, zemeljsko čustvo, Laura sama pa konkretna ženska. Petrarka imenuje datum njunega prvega srečanja, datum njene smrti.

Petrarka nima opisa Laure. Govori samo o njenih očeh in postanejo simbol Laure same: "Ne boš videl moje izdaje, oči, ki so me naučile ljubezni." S temi besedami - ideja o zvestobi ljubljeni ženski. A ne samo: lepoto obravnavajo kot najvišjo modrost, ki je sposobna naučiti najlepšega občutka ljubezni. Petrarkov koncept ljubezni je povsem humanističen, saj se mu ljubezen kaže kot čustvo, ki prinaša veselje in muko hkrati. V tem se razlikuje od nebeške ljubezni, ki prinaša samo veselje. Sprememba občutkov - radosti in bolečine, sreče in trpljenja oplemeniti človeka, rodi poezijo. Ljubezen je vedno lepa, človeka obogati, tudi če gre za neuslišano ljubezen. In po Laurinem odhodu iz življenja pesnik ne živi le z upanjem na srečanje v nebesih, ampak tudi s spominom nanjo, ki ga vse živo hrani zanj, kot da odseva njen videz. Ljubezen vedno ostaja del zemeljskega bivanja in pesnikove sreče.

V Kanconierju so prisotni tudi politični motivi, ki odražajo kompleksna razmerja tistega časa. Obstajajo misli, ki še zvenijo moderno. Tako ima Petrarka kulturo za nasprotje vojne, možna je le v razmerah miru: »Grem in kličem: Mir! Mir! Mir! - konča enega od sonetov. Petrarka je veliko prispeval k teoriji verza, saj je odkril najbogatejše možnosti soneta.

In še ena od mnogih, svetla figura literarnega sveta - Niccolo Machiavelli(1469-1527) - italijanski pisatelj in politik pozne renesanse. Njegova politična razprava "The Suvereign" je splošno znana. Sodobna literatura opredeljuje ta žanr kot distopijo: tu se razvijajo najbolj tragične in nehumane ideje 16. stoletja. Vendar Machiavelli ni pisal le političnih razprav, ampak tudi pesmi, kratke zgodbe, komedije. Liki njegove komedije "Mandragora" napovedujejo podobe junakov dramatikov poznejšega časa: lopov Ligrio je podoben Shakespearovemu Jagu in Figaru Beaumarchaisu, hinavec Timoteo je prototip Molierovega Tartuffeja. In to spet kaže, razkriva vpliv, ki ga je imela kultura renesanse na celotno evropsko kulturo.

Uvod

Zgodovinopisje

Glavne faze renesanse

Zgodnja renesansa

Visoka renesansa

Pozna renesansa

Zaključek

Bibliografija

Uvod

Zgodovinopisje

Glavne faze renesanse

Ločimo lahko tri glavna obdobja:

· Zgodnja renesansa ali Quattrocento, približno sovpada s 15. stoletjem.

· Visoka renesansa, prva četrtina 16. stoletja.

· Manierizem ali pozna renesansa (2. polovica 16. stoletja v 17. stoletju).

Zgodnja renesansa

Med Quattrocentom so bile norme klasične arhitekture ponovno odkrite in oblikovane. Preučevanje starodavnih vzorcev je pripeljalo do asimilacije klasičnih elementov arhitekture in ornamentov.

Filippo Brunelleschi

Filippo Brunelleschi (italijansko Filippo Brunelleschi (Brunellesco); 1377-1446) je bil veliki italijanski renesančni arhitekt.

Bruneleschijevo delo:

1412-1413 Križanje v cerkvi Santa Maria Novella v Firencah.

1429-1443 Kapela (kapela) Pazzi (Cappella de'Pazzi), ki se nahaja na dvorišču frančiškanske cerkve Santa Croce (Santa Croce) v Firencah. To je majhna kupolasta stavba s portikom.

· cerkev Santa Maria degli Angeli, začeta leta 1434 v Firencah, je ostala nedokončana.

Kot piše Vasari, je "... 16. aprila odšel v boljše življenje po mnogih naporih, ki jih je vložil v ustvarjanje tistih del, s katerimi si je prislužil veličastno ime na zemlji in počivališče ..."

Santa Maria del Fiore.

Katedrala Santa Maria del Fiore (italijansko La Cattedrale di Santa Maria del Fiore) je katedrala v Firencah, najbolj znana arhitekturna zgradba florentinskega Quattrocenta.

Arhitekturno omembe vredna sta kupola, ki jo je oblikoval Filippo Brunelleschi, in zunanja stenska obloga s polikromiranimi marmornimi ploščami različnih odtenkov zelene (iz Prata) in rožnate (iz Maremme) z belo obrobo (iz Carrare). Duomo (italijansko Duomo), znana tudi kot katedrala Santa Maria del Fiore, je bila zasnovana tako, da sprejme celotno prebivalstvo mesta (90.000 ljudi v času izgradnje), torej je bila nekakšna velika pokrita površina. Zdi se, da rdeča kupola katedrale, ki je postala simbol Firenc, lebdi nad celim mestom. Dimenzije katedrale:

dolžina - 153 metrov

širina v transeptu - 90 metrov

Nenavadno elegantna in hkrati veličastna katedrala je postala nekakšna meja, ki je ločevala arhitekturne tradicije srednjega veka od načel gradnje renesanse.

Med svojim delom se je arhitekt Filippo Brunelleschi soočil s potrebo po izdelavi zaobljene kupole na osmerokotni podlagi, ki jo tvori glavni obok katedrale, katere gradnja se je začela leta 1296. Večina srednjeveških katedral je imela opornike zunaj glavna konstrukcija, ki podpira različne elemente strukture. Ustvarjanje kupole brez zunanjih nosilcev je pomenilo, da bi se kupola med gradnjo lahko prevrnila.

Brunelleschi je to težavo rešil tako, da je dve kupoli vgnezdil eno v drugo in tako, da je zunanji kupoli dal obliko zaobljenega osmerokotnika. Z opeko v obliki ribje kosti je zapolnil tudi prostore med nosilnimi »rebri«. Njegov inovativni pristop se je zdel nekoliko čuden, toda leta 1420 se je začela gradnja kupole, katere glavni del je bil dokončan do leta 1436.

V teh letih se je v umetnosti pojavila želja po organski kombinaciji srednjeveške tradicije s klasičnimi elementi. V tempeljski gradnji glavni tip ostaja bazilika z ravnim stropom ali s križnimi oboki, toda v elementih - razporeditvi in okrasju stebrov in stebrov, razporeditvi lokov in arhitravov, videzu oken in portalov, so arhitekti vodeni po grško-rimskih spomenikih v prizadevanju za oblikovanje ogromnih, prostih prostorov znotraj zgradb. Kasneje, postopoma, tako v splošnem konceptu kot v podrobnostih, vzorci starodavne umetnosti postanejo osnova del.

Najpogosteje je pri oblikovanju stavb korintski red z različnimi modifikacijami kapitela. Novi slog močneje prodira v netempeljsko arhitekturo: palače vladarjev, mestnih oblasti in plemstva, prej podobne trdnjavam, ne odstopajo popolnoma od srednjeveškega videza, spreminjajo se, želja arhitektov, da ohranijo simetrijo in harmonijo proporci so očitni. Te zgradbe imajo skladno prostorna dvorišča, ki jih v spodnjem in zgornjem nadstropju obdajajo pokrite galerije na lokih, ki jih podpirajo stebri ali pilastri antične oblike. Horizontalno razsežnost fasade dajejo graciozni medetažni venci in glavni venec, ki tvori močan rob pod streho.

Kapela Pazzi. Eno najbolj dovršenih in osupljivih Brunelleschijevih del je kapela Pazzi na dvorišču frančiškanske cerkve Santa Croce v Firencah. Naročnik te majhne zgradbe je bil bogati trgovec Andrea Pazzi, ki je pripadal stari aristokratski družini. Leta 1423 je na ozemlju samostana Santa Croce prišlo do požara in njegovo veliko ozemlje je bilo treba obnoviti. Leta 1429 se je na ozemlju samostana začela hitra gradnja, postavili so nov dormitorij (skupna samostanska spalnica) in noviciat (soba za samostanske novince).

Istočasno je Andrea Pazzi sklenil pogodbo s samostanom, s katero se je zavezal zgraditi kapelo, ki naj bi hkrati služila kot kapitularna dvorana za srečanja duhovščine iz samostana Santa Croce in družinska molilnica, ki jo je Brunelleschi vodil do oblikovanje.

Arhitekt se je znašel pred težko nalogo, novo kapelo je »integriral« v prostor zahtevne konfiguracije v globini ozkega in dolgega srednjeveškega dvorišča samostana, pri čemer je zaprl eno od njegovih krajših končnih stranic. Poleg tega se je ozemlje, ki ga je dodelil samostan, nahajalo južno od transepta cerkve tik ob bolj Castellanijevi kapeli (levo), zakristiji in Baroncellijevi kapeli (zadaj).

Kapela Pazzi se razlikuje tako od rimskih templjev kot od gotskih katedral, zanjo pa je značilna konstruktivna jasnost, starodavna preprostost in harmonija. Elementi klasične arhitekture - stebri, pilastri, loki - so sestavljeni v popolnoma novih kombinacijah, ki ustvarjajo vtis izjemne lahkotnosti in gracioznosti.

Za gradnjo kapele je arhitekt uporabil kovinske module in jo oblikoval z geometrijskimi formulami, kot za San Lorenzo, vendar je organizacija prostora v kasnejših delih arhitekta postala bolj kompaktna in racionalna. Polkrožna kupola pokriva osrednji del, vendar je tudi središče pravokotnika. Odprti prostor manjše stranice gleda na glavni trg in je povezan z apsido z oltarjem.

Fasada te majhne kupolaste stavbe s portikom se odpira na dvorišče s trijemom s šestimi stebri z veliko obokano odprtino v središču. Poleg tega je polkrog loka odrezan s pilastri zgornjega sloja. Kremasto površino kapele na zunanji strani poudarjajo geometrijske oblike v temnem kamnu. Harmonično razmerje, lahkotnost in milost, značilna za Brunelleschijev slog, so še posebej opazni v tej majhni mojstrovini.

Novejše arhivske najdbe in restavratorska dela so pokazala, da je bila kapela dokončana šele leta 1461 in da je bila njena zunanja stena, skrita s portikom, prvotno zamišljena kot ravna fasada. Zato številni raziskovalci verjamejo, da je bil šeststebrni trijem z lahkim podstrešjem, prerezanim z lokom, dozidan po Brunelleschijevi smrti.

Kapela Pazzi ostaja eden od izjemnih primerov zgodnje renesanse in najvišjih dosežkov ne le Brunelleschija, ampak celotne italijanske renesančne arhitekture, naročilo, ki ga je uresničil arhitekt, je določalo razvoj renesančne arhitekture več desetletij.

Italijanske arhitekturne spomenike zgodnje renesanse najdemo predvsem v Firencah; med njimi so elegantna in hkrati preprosta tehnična rešitev kupola katedrale Santa Maria del Fiore (1436) in palača Pitti, ki jo je ustvaril Filippo Brunelleschi, ki je določil vektor razvoja renesančne arhitekture; palače Riccardi, ki jih je zgradil Michelozzo-Michelozzi, palači Strozzi Benedetto da Maiano in S. Kronak, palače Gondi (Giuliano da San Gallo), palače Ruccellai Leon Battista Alberti. V Rimu je mogoče opaziti majhne in velike beneške palače Bernardo di Lorenzo, Certosa v Pavia Borgognone, Palazzo Vendramin Calergi P. Lombardo, Corner Spinelli, Trevisan, Cantarini in Doževo palačo v Benetkah.

Visoka renesansa

V nadaljevanju visoke renesanse so se razvile ideje, prevzete iz antične arhitekture, ki so bile bolj gotovo uresničene. Z vstopom na papeški prestol Julija II (1503) se je središče italijanske umetnosti preselilo iz Firenc v Rim, papež je na svoj dvor pritegnil najboljše umetnike Italije. Pod njim in njegovimi neposrednimi nasledniki nastajajo v Rimu številne monumentalne zgradbe, ki veljajo za umetnine. Študij starodavne dediščine postane temeljitejši, reproducira se dosledneje in strožje; relikti srednjega veka izginejo, umetnost popolnoma temelji na klasičnih načelih.

Glavni spomeniki italijanske arhitekture tega časa so posvetne zgradbe, ki jih odlikuje harmonija in veličina njihovih razmerij, eleganca podrobnosti, dekoracija in okraski karnis, oken, vrat; palače s svetlimi, večinoma dvonadstropnimi galerijami na stebrih in stebrih. Pri gradnji templja se teži k kolosalnosti in veličastnosti; prišlo je do prehoda iz srednjeveškega križnega oboka v rimski škatlasti obok, kupole slonijo na štirih masivnih stebrih.

Predstavnik tega obdobja je bil Donato Bramante (1444-1514), ki je pri gradnji stavb strogo sledil klasičnim načelom. Na Tempiettu na dvorišču cerkve San Pietro in Montorio (1503) so Bramanteja navdihnile rotunde rimskih templjev. Bramante je zgradil tudi Palazzo della Cancelleria, palačo Giraud, dvorišče Saint-Damaso v Vatikanski palači, izdelal pa je tudi načrt za baziliko svetega Petra v Rimu in začel postavljati stavbo. Toda težko ga imenujemo suženj klasičnih oblik; njegov slog je določal italijansko arhitekturo v celotnem 16. stoletju.

Donato Bramante

Donato Bramante (pravo ime Pascuccio d'Antonio, Pascuccio d'Antonio; 1444-1514) - ustanovitelj in največji predstavnik visoke renesančne arhitekture. Njegovo najbolj znano delo je glavni tempelj zahodnega krščanstva – bazilika svetega Petra v Vatikanu.

Mladost je preživel v Urbinu, kjer sta nanj vplivala umetnika Piero della Francesca in Luciano Laurana. Začel kot slikar. Leta 1476 je bil v tej funkciji povabljen v Milano na dvor vojvode Lodovica Mora, kjer se je srečal z Leonardom da Vincijem, čigar ideje na področju urbanizma so imele velik vpliv nanj.

Bramantejevo milansko obdobje je trajalo dvajset let. Postavil je več zgradb, na primer oltar cerkve Santa Maria delle Grazie. Od leta 1499, potem ko so francoske čete zavzele Milano, se je preselil v Rim. Tu je Bramantejeva umetnost pridobila klasično čistost in monumentalnost. Največjo plastično celovitost je dosegel v majhni kapeli-rotundi Tempietto (1502) na dvorišču samostana San Pietro in Montorio. Pod papežem Julijem II. je postal glavni papeški arhitekt; od 1503 je po naročilu Julija II. opravil obsežno delo v Vatikanu (dvorišče San Damazo in dvorišče Belvedere). Zasnoval je in začel graditi glavni rimski tempelj – katedralo svetega Petra v Vatikanu (od leta 1505) in uspel zgraditi tempelj do višine lokov. Delo Bramanteja je eden od vrhuncev renesančne arhitekture.

V kompleksu Vatikanske palače sta dve zgradbi Bramanteja - dvorišča Belvedere (1503-1545) in San Damaso (okoli 1510). Druga Bramantejeva izjemna dela so okrogel tempelj Tempietto na dvorišču samostana San Pietro in Montorio (1502), dvorišče cerkve Santa Maria della Pace in pročelje Palazzo Cancelleria (1499-1511), ena najimenitnejših renesančnih palač v Rimu.

Dela Bramanteja:

Milansko obdobje:

ü Santa Maria presso San Satiro (njegovo prvo arhitekturno delo) (1482-86). Gre za prestrukturiranje in ponovno registracijo stavbe, zgrajene v 9. stoletju. Kompleks obsega kratko triladijsko cerkev v obliki črke T, prekrito s banjastimi oboki, in osmerostrano zakristijo na desnem kraku transepta. Vsi glavni strukturni in arhitekturni elementi kupole so si izposojeni od Bruneleschija; to je tako rekoč nadaljnja študija kupole kapele Pazzi. V notranjosti je kupola cerkve Santa Maria presso San Satiro kasetirana sferična površina z okroglim svetlobnim oknom na sredini.

ü Katedrala v Paviji. (1488). Bramante je eden od graditeljev.

ü Santa Maria delle Grazie (1492-97). Bramante se je ukvarjal s prestrukturiranjem cerkve. Njemu pripada le splošna zamisel, osebno pa je zgradil samo kore, ki obkrožajo kupolo od zunaj, in glavni del stavbe brez kupole. Glavni značilni prijem je stopničasta razporeditev posameznih delov stavbe, ki dodatno razkriva kupolo - kompozicijsko središče stavbe. Bramante je zgradil obednico v tej cerkvi, kjer je Leonardo da Vinci pozneje napisal svojo "Zadnjo večerjo"

rimsko obdobje:

Terase:

ü Santa Maria della Pace (1500-1504). Kompozicija je razdeljena na dve ravni. Prvi nivo je arkada, drugi pa odprt portik, kjer se izmenjujejo stebri s prostostoječimi stebri. Privlačnost do dekorativnosti in polikromnosti izgine. Brez arhivolt

ü Palazzo della Cancelleria (1499-1511). Fasada je zelo dolga, rustikovana z imitacijo lepljenega zidu. Kompozicija je razdeljena na tri nivoje, skoraj brez dekoracije. Prva dva nivoja so arkade s stebri toskanskega reda, tretji nivo so pilastri. Stebri spodnjega sloja so temnejše barve kot stolpci zgornjega sloja.

ü Dvorni Belvedere (1505). Ni izvedeno. Šlo naj bi za enovit ansambel s terasasto organizacijo prostora na eni sami osi.

ü San da Maza (1510)

ü Tempietto (kapela - rotunda; "mali tempelj"; tri glavne stopnice; kripta).

ü Katedrala svetega Petra. (1506 - 1514). Bramantejev načrt je temeljil na enakostraničnem grškem križu. V vogalih naj bi bile štiri kupolaste kapele, v vogalih zunanjega volumna pa štirje zvoniki. Kompozicija naj bi bila sredinsko-osna in strogo simetrična. Do Bramantejeve smrti so bili postavljeni le štirje srednji stebri in del južne stene.

Njegovi privrženci so bili Baldassare Peruzzi, čigar najboljša dela sta vila Farnesian in Palazzo Massimi v Rimu, veliki Rafael Santi, ki je zgradil palačo Pandolfini v Firencah, Antonio da Sangallo, ki je zgradil palačo Farnese v Rimu.

Razvila se je tudi beneška arhitekturna šola, katere glavni predstavnik je bil Jacopo Tatti Sansovino, ki je zgradil knjižnico svetega Marka in Palazzo Corner. Z začetkom druge polovice 16. stoletja so se v italijanski arhitekturi zgodile spremembe, ki so se izražale v želji umetnikov po vse natančnejši reprodukciji klasičnih modelov, čemur so začeli posvečati celotne razprave, vendar se objekti, ki so se gradili, nadaljujejo. da se odlikujejo po gracioznosti in plemenitosti.

Glavni predstavniki arhitekture tega časa so bili Vignola, ki je zgradil Il Geso v Rimu in vilo Farnese v Viterbu, slikar in biograf Vasarijevih umetnikov, zgradil je palačo Uffizi v Firencah, Andrea Palladio, ki je ustvaril več palač, baziliko in olimpijsko gledališče v Vicenzi, Genovežan Galeazzo Alessi , ki je postavil cerkev Marije da Carignano, palačo Spinola in palačo Sauli v Genovi.

Tempietto

Tempietto (Tempietto; dobesedno »tempelj«) je prostostoječa kapela rotunda, ki jo je zgradil Bramante po naročilu španskih monarhov Ferdinanda in Izabele na rimskem hribu Janiculum leta 1502. Bilo je prvo delo milanskega arhitekta v Rimu in je naredila pravo senzacijo. Prvič se je delo visoke renesanse pojavilo pred Rimljani: kljub svoji miniaturni velikosti natančen izbor proporcev naredi Tempietto brezšiven, graciozen in veličasten.

Tempietto je del kultnega kompleksa Svetega Petra v Montoriu (San Pietro in Montorio), postavljenega v Trastevereju na mestu, kjer naj bi bil križan apostol Peter. V notranjosti - "Bičanje" in "Preobrazba" Sebastiana del Piomba (ki mu je pri delu pomagal sam Michelangelo), velik Vasarijev strop in grob legendarne Beatrice Cenci. Zadnje veliko delo Rafaela, "Preobrazba", je bilo odstranjeno iz templja in leta 1797 preneseno v Vatikan. Gradnjo kapele Raimondi je leta 1640 vodil Bernini.

Katedrala svetega Pavla

Katedrala svetega Petra (italijansko Basilica di San Pietro; St. Peter's Basilica) je katoliška stolnica, ki je največja zgradba v Vatikanu in je do nedavnega veljala za največjo krščansko cerkev na svetu. Ena od štirih patriarhalnih bazilik v Rimu in obredno središče Rimskokatoliške cerkve. Skupna višina katedrale je 136 m.

Nekoč na mestu, kjer je stala katedrala sv. Petra so se nahajali vrtovi Neronovega cirkusa (od njega je, mimogrede, obelisk iz Heliopolisa, ki še danes stoji na Trgu sv. Petra). Prva bazilika je bila zgrajena leta 324, v času vladavine prvega krščanskega cesarja Konstantina. Oltar katedrale je bil postavljen nad grobnico, ki je od drugega stoletja veljala za grobišče sv. Petra, ki je bil leta 66 mučen v Neronovem cirkusu. Na drugem koncilu leta 800 je papež Leon III okronal Karla Velikega za zahodnega cesarja. V XV stoletju. baziliki, ki je obstajala že enajst stoletij, je grozil propad, pod Nikolajem V. pa so jo začeli širiti in obnavljati. Julij II. je to vprašanje radikalno rešil, ko je na mestu antične bazilike ukazal zgraditi ogromno novo katedralo, ki naj bi zasenčila tako poganske templje kot obstoječe krščanske cerkve in s tem prispevala h krepitvi papeške države in širjenju vpliv katolicizma.

Pri načrtovanju in gradnji katedrale sv. Peter. Leta 1506 je bil odobren projekt arhitekta Donata Bramanteja, po katerem so začeli postavljati osrednjo zgradbo v obliki grškega križa (z enakimi stranicami). Po Bramantejevi smrti so gradnjo vodili Rafael, ki se je vrnil k tradicionalni obliki latinskega križa (s podolgovato četrto stranjo), nato Baldassare Peruzzi, ki se je odločil za središčno strukturo, in Antonio da Sangallo, ki je izbral bazilikana oblika. Končno je bilo leta 1546 vodenje dela zaupano Michelangelu. Vrnil se je k zamisli o centralni kupolasti strukturi, vendar je njegov projekt vključeval ustvarjanje vhodnega portika z več stebri z vzhodne strani (v najstarejših rimskih bazilikah, tako kot v starodavnih templjih, je bil vhod z vzhoda, ne zahodna stran). Michelangelo je naredil vse nosilne strukture bolj masivne in izpostavil glavni prostor. Postavil je boben osrednje kupole, samo kupolo pa je po njegovi smrti (1564) dokončal Giacomo della Porta in ji dal bolj podolgovato obliko. Od štirih majhnih kupol, ki jih je predvidel Michelangelov projekt, je arhitekt Vignola postavil le dve. V največji meri so se arhitekturne oblike, v obliki, kot jih je zamislil Michelangelo, ohranile na oltarju, zahodni strani.

A zgodba se tu ni končala. V začetku XVII. po navodilih Pavla V. je arhitekt Carlo Maderno podaljšal vzhodni krak križa - središčnemu objektu je dodal triladijski bazilikalni del in se tako vrnil k obliki latinskega križa ter zgradil fasado. Posledično se je izkazalo, da je kupola skrita s fasado, izgubila je svoj prevladujoči pomen in jo zaznamo le od daleč, z Via della Concigliazione.

Potreben je bil prostor, ki bi sprejel veliko število vernikov, ki so se zgrinjali v katedralo, da bi prejeli papeški blagoslov ali se udeležili verskih slovesnosti. To nalogo je opravil Gian Lorenzo Bernini, ki je ustvarjal v letih 1656-1667. trg pred katedralo je eno najodličnejših del svetovne urbanistične prakse.

Višina fasade, ki jo je zgradil arhitekt Maderna, je 45 m, širina 115 m, podstrešna fasada je okronana z ogromnimi, 5,65 m visokimi kipi Kristusa, Janeza Krstnika in enajstih apostolov (razen apostola Petra). Iz portika vodi pet portalov v katedralo. Vrata osrednjega portala so bila narejena sredi 15. stoletja. in prihajajo iz stare bazilike. Nasproti tega portala je nad vhodom v portik znameniti Giottov mozaik s konca 13. stoletja. "Navichella". Reliefi skrajno levega portala - "Vrata smrti" - so nastali v letih 1949-1964. veliki kipar Giacomo Manzu. Zelo ekspresivna je podoba papeža Janeza XXIII.

Katedrala v notranjosti navdušuje s harmonijo razmerij in s svojo ogromno velikostjo ter bogastvom dekoracije - veliko je kipov, oltarjev, nagrobnikov, veliko čudovitih umetnin.

Galerija Uffizi

Galerija Uffizi (italijansko Galleria degli Uffizi, dobesedno - "galerija pisarn") - palača v Firencah, zgrajena v letih 1560-1581. in je danes eden največjih in najpomembnejših muzejev evropske likovne umetnosti.

Zgodovina Uffizija se začne julija 1559, ko vladar Firenc Cosimo I. Medici načrtuje združitev vseh upravnih služb mesta v skupni prostorni palači. Za izvedbo projekta je bil povabljen mojster Giorgio Vasari, ki je začel delati leta 1560. Toda leta 1574 je Vasari umrl in njegov naslednik Bernardo Buontalenti je dokončal gradnjo. Od leta 1575 se je v stavbi Uffizi začelo nastajanje muzeja - njegova osnova je bila zbirka družine Medici.

Po padcu dinastije Medičejci je zbirka še naprej rasla. Zdaj vključuje številne mojstrovine italijanskih mojstrov, kot so Giotto, Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, Giorgione, Tizian, Uccello, Fra Filippo Lippi, Cimabue, Piero della Francesca in drugi. Veliko je tudi primerov antičnega, francoskega, španskega, Nemška, nizozemska in flamska umetnost.

Pozna renesansa

V arhitekturi je bil izveden eksperiment z oblikami, razvojem in kombinacijo starodavnih podob, prisotno je zapletanje detajlov, upogibanje, lom in prekinitev arhitekturnih linij, zapletena ornamentika, velika gostota stebrov, polstebrov in pilastrov v prostora. Poudarjeno je svobodnejše razmerje prostora in materije. Kasneje se je iz tega trenda razvil baročni slog, nato pa v 18. stoletju rokokojski slog. Do 20. stoletja je imel pojem "manirizem" negativen prizvok ("maniren", "pretenciozen"), do danes pa se izraz uporablja le za opis ustreznega zgodovinskega obdobja in je na splošno nevtralen.

Michelangela (1475-1564) lahko imenujemo ustanovitelj manieristične smeri v arhitekturi, v čigar delu se kaže težnja po svobodni interpretaciji načel in oblik starodavne umetnosti. Michelangelo je ustvaril grobnico Medičejcev v cerkvi San Lorenzo v Firencah, kupolo bazilike svetega Petra, razvojni projekt Kapitolskega griča v Rimu. Pripisujejo mu nastanek "velikanskega reda" - pilastra, ki se razteza od baze do fasadnega entablatura.

Drug primer tega stila arhitekture je Palazzo Te Giulio Romano v Mantovi s svojimi ogromnimi ložami, rustikalnimi zidovi, parkovnimi votlinami in obsežnimi freskami.

Lorenzo Bernini je ustvaril polkrožna stebrišča katedrale sv. Petra, nadstrešek nad njenim glavnim prestolom, palači Barberini in Bracciano.

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti (polno ime - Michelangelo de Francesco de Neri de Miniato del Sera in Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni, (italijansko Michelangelo di Francesci di Neri di Miniato del Sera i Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni); 1475-1564) - italijanski kipar , slikar, arhitekt, pesnik, mislec. Eden največjih mojstrov renesanse.

Michelangelo se je rodil 6. marca 1475 v toskanskem mestu Caprese pri Arezzu v družini mestnega svetnika Lodovica Buonarrotija. Kot otrok je bil vzgojen v Firencah, nato je nekaj časa živel v mestu Settignano. Leta 1488 se je Michelangelov oče sprijaznil s sinovimi nagnjenji in ga dal za vajenca v atelje umetnika Domenica Ghirlandaia, kjer je študiral eno leto. Leto kasneje gre Michelangelo v šolo kiparja Bertolda di Giovannija, ki je obstajala pod pokroviteljstvom Lorenza de Medicija, dejanskega lastnika Firenc.

Medičejci prepoznajo Michelangelov talent in ga podpirajo. Michelangelo je nekaj časa živel v palači Medici. Po smrti Medičejcev leta 1492 se Michelangelo vrne domov.

Leta 1496 kardinal Rafael Riario kupi Michelangelov marmorni "Kupid" in umetnika povabi na delo v Rim.

Michelangelo je umrl 18. februarja 1564 v Rimu. Pokopan je bil v cerkvi Santa Croce v Firencah. Pred smrtjo je narekoval oporoko z vsem zanj značilnim lakonizem: "Svojo dušo dajem Bogu, svoje telo zemlji, svoje premoženje svojim sorodnikom."

Michelangelov genij je pustil pečat ne le v umetnosti renesanse, ampak tudi v vsej nadaljnji svetovni kulturi. Njegovo delovanje je povezano predvsem z dvema italijanskima mestoma – Firencami in Rimom. Po naravi svojega talenta je bil predvsem kipar. To je čutiti tudi v mojstrovih slikah, nenavadno bogatih s plastičnostjo gibov, kompleksnimi pozami, izrazito in močno modelacijo volumnov. V Firencah je Michelangelo ustvaril nesmrten primer visoke renesanse - kip "David" (1501-1504), ki je za dolga stoletja postal standardna podoba človeškega telesa, v Rimu - kiparsko kompozicijo "Pieta" (1498-1499). ), ena prvih inkarnacij figure mrtveca v plastiki. Svoje najbolj veličastne načrte pa je umetnik lahko uresničil prav v slikarstvu, kjer je deloval kot pravi inovator barv in oblik.

Po naročilu papeža Julija II. je poslikal strop Sikstinske kapele (1508-1512), ki predstavlja svetopisemsko zgodbo od stvarjenja sveta do potopa in vključuje več kot 300 figur. V letih 1534-1541 je v isti Sikstinski kapeli za papeža Pavla III. izvedel veličastno, dramatično fresko Zadnja sodba. Michelangelova arhitekturna dela presenetijo s svojo lepoto in veličino - ansambel Kapitolskega trga in kupola vatikanske katedrale v Rimu.

Umetnost je pri njem dosegla tako popolnost, da je ne boste našli niti med starimi niti med novimi ljudmi še mnogo, mnogo let. Njegova domišljija je bila tako in tako popolna in stvari, ki so mu bile predstavljene v ideji, so bile takšne, da je bilo nemogoče izvesti tako velike in neverjetne načrte z njegovimi rokami, in pogosto je opustil svoje stvaritve, poleg tega jih je veliko uničil; tako je znano, da je malo pred smrtjo zažgal veliko risb, skic in kartonov, ki jih je ustvaril lastnoročno, tako da nihče ni mogel videti truda, ki ga je premagal, in na kakšne načine je preizkušal svojo genialnost, da bi pokazal samo popolno je.

Giacomo da Vignola

Giacomo da Vignola, pogosto preprosto Vignola (Il Vignola; pravo ime Jacopo de Barozzi; 1507-1573) je manieristični arhitekt iz Bologne, ki izziva Palladia in Serlia za naziv najvplivnejšega mojstra pozne renesanse. Njegovi osrednji deli - cerkev Il Gesu v Rimu in vila Farnese v Capraroli - sta tlakovali pot oblikovanju baročnega sloga.

Vignola, ki se je izobraževal v svojem rojstnem mestu, je odšel v Rim, da bi študiral pri Sangallu in skiciral starine za ilustriranje nove izdaje Vitruvija. Na povabilo Franca I. je za 18 mesecev (v letih 1541-43) odpotoval na kraljevi dvor v Fontainebleau, kjer naj bi se spoprijateljil s Serliom in Primaticciom. Po vrnitvi v Rim je stopil v službo papeža Julija III., za katerega je s

Giorgio Vasari in Bartolomeo Ammannati sta v letih 1551-55 zgradila Villa Giulia po vzoru starorimskih vil.

Leta 1550 Vignola je pod vodstvom Michelangela postavil dve majhni kupoli na katedrali sv. Petra in po mojstrovi smrti vodil dela na katedrali. Istočasno je zgradil cerkev Sant'Andrea na Via Flaminia - prvo, v kateri je kupola dobila podolgovato ovalno obliko. Vignolin naslednji korak k baroku je bila cerkev Santa Anna dei Palafrenieri, že v celoti vpisana v oval. Deloval kot tajnik Vitruvijeve akademije.

Končno je leta 1568 Vignola začel delati na najbolj posnemani cerkvi v zgodovini arhitekture, Il Gesu, glavnem templju jezuitskega reda. Da bi ustvaril iluzijo velikega notranjega prostora v Il Gesù, je povezal stranski kapeli z ladjo. Po smrti Vignole je tempelj dokončal Giacomo della Porta. Model arhitekturne iluzije, ki ga je predlagal Vignola, je postal temelj, na katerem je nastala baročna arhitektura.

Tristo let so evropski arhitekti proučevali redovni sistem po Vignolovi razpravi »Pravilo petih redov arhitekture« (1562). Tako kot Palladijeve razprave je Vignolina knjiga postala glavni vir, iz katerega so se učili o renesančni arhitekturi zunaj Italije.

Vila Farnese

Palazzo ali vila Farnese (italijansko: Villa Farnese), v domači literaturi tudi grad Caprarola, je utrjena renesančna posest kardinala Alessandra Farneseja v mestu Caprarola, v Laciju, 50 km severozahodno od Rima. Eden največjih gradbenih projektov italijanske renesanse.

Vilo-trdnjavo so začeli graditi po ukazu bodočega papeža Pavla III v 1520-ih. Pod vodstvom mlajšega Sangalla. Za primer sovražnikovega napada so pod vilo pripravili peterokotno kamnito utrdbo (italijansko rocco), a je projekt pri tem zastal.

Leta 1559 je gradnjo obnovil papežev vnuk, kardinal Alessandro Farnese, ki se je nameraval umakniti s papeškega dvora na podeželje. Od takrat do svoje smrti leta 1573 je na tem projektu delal najvidnejši mojster rimskega manierizma Vignola.

Po smrti lastnika stavbe leta 1589 je vila prešla v roke parmskih vojvod iz hiše Farnese, ki so postopoma vso njeno vsebino preselili v Neapelj. Trenutno je prazna vila odprta za brezplačen obisk turistov, poletni paviljon, imenovan "casino" (italijansko casino), pa služi kot ena od rezidenc predsednika Italije.

Vila Farnese se dviga nad okoliško dolino, ki je v starih časih pripadala Farneseju. Spodnja rustikalna etaža je izjemno stroga in spominja na trdnjavski bastion. V glavno nadstropje vodita dve masivni simetrični stopnišči, podobni tistim, ki jih je Michelangelo načrtoval za Kapitolsko palačo, a bližje baročnemu idealu. Tudi dekoracija zgornjih nivojev stavbe iz lokalnega rumenega kamna je zadržana.

Vignola, ki je pred tem zgradil vilo Giulia za papeža, je pri oblikovanju notranjosti izhajal iz idej Bramanteja. V zgornja nadstropja vodi pet zakrivljenih, psevdo spiralnih stopnic, od katerih je sprednja t.i. "kraljevsko". Glavno nadstropje (italijansko: piano nobile) prereže pet ogromnih oken.

Freske »kraljevskih« stopnic je izdelal Antonio Tempesta; brata Zuccaro sta delala na pleskanju prednjih stanovanj. Na stenah so upodobljena tako dejanja samih Farnesejev kot podvigi starodavnih junakov - Herkula in Aleksandra.

Na vrtu vile so poleg obrezanega grmičevja in fontan, ki so obvezne za obdobje manierizma, jarki z dvižnimi mostovi - še en namig, da je bila stavba zgrajena v burnem času papeške zgodovine, ki je sledil plenjenju Rima.

Andrea Palladio

Vignolin sodobnik Andrea Palladio (1508-1580), čigar delo zaključuje obdobje pozne renesanse, je svoje delovanje omejil na rodno mesto - Vicenzo, vendar njegova vloga v razvoju italijanske in svetovne arhitekture daleč presega severno Italijo.

V tem mestu je ustvaril lahkotno in zračno zgradbo bazilike. V njeni arkadi je bila izvedena kombinacija arhitrava in arhivolte, kar je močno olajšalo vtis stene.

Za dela Palladia je značilna popolnost v gradnji reda, odlična izdelava detajlov in posebna plastičnost, mehkoba vseh elementov arhitekture. Palladio je v Vicenzi zgradil številne palače in v njeni bližini - več vil za lokalno plemstvo.

Palače, ki jih je zgradil Palladio, so dvonadstropne, kar je značilno za severno Italijo, njihova pročelja so okrašena z orodji, vendar so v vsaki predstavljeni v posebni različici.

Palladio je svoja načela v še večji meri udejanjil v Palazzo Chieregati (gradnja se je začela leta 1551), ki je kasneje postala zgled za številne zgradbe zgodnjega baroka.

V Palazzo Iseppo da Porto igra rustikalno prvo nadstropje vlogo podstavka, na katerem so nameščeni jonski polstebri drugega nadstropja.

V Palazzo Valmarano se že uporablja drugačen sistem: tu se uporablja tako imenovani veliki red v obliki korintskih pilastrov, ki pokriva obe nadstropji.

V najbolj znani Palazzo Capyataniato je bil uporabljen velik red v obliki korintskih polstebrov, vzdolž prvega nadstropja poteka loža. Druge palače Palladio ponujajo različne, vsakič posebne možnosti za uporabo naročil. Nobeden od arhitektov renesančnih naročil ni prejel tako široke in raznolike uporabe, da ne omenjamo popolnosti reprodukcije v razmerjih in plastičnosti.

Izjemno zanimive so vile Palladio. Razvijajo isto osnovno shemo v različnih različicah: glavni prizmatični volumen s portikom in pedimentom, ki ga krona, na straneh dopolnjujejo galerije, ki jih zaključujejo majhna gospodarska poslopja. To vrsto kompozicije je sprejela in široko uporabljala arhitektura klasicizma - zahodnoevropska in ruska.

Najbolj znana vila Palladia - Villa Rotonda (ustanovljena leta 1553) - nima stranskih galerij in je v tem pogledu izjema med drugimi podobnimi strukturami. Njen tloris je kvadraten. Štiri enake fasade so obdarjene s stebričastimi portiki s pedimenti. Stavba je okronana z ravno kupolo, ki jo osredotoča. Kot vedno pri Palladiu, ta zgradba očara z neverjetno harmonijo proporcev.

Ena njegovih pomembnih zgradb je Teatro Olimpico, katerega gradnjo v Vicenzi so začeli leta 1555 in dokončal arhitekt Scamozzi leta 1585.

Palladijevo delo je imelo velik vpliv na svetovno arhitekturo, predvsem na arhitekturo klasicizma v drugi polovici 18. in prvi polovici 19. stoletja.

Vila Rotunda

La Rotonda je podeželska hiša ali vila, ki jo je zgradil Andrea Palladio na vrhu hriba blizu Vicenze za upokojenega vatikanskega uradnika Paola Almerica. Po prenosu leta 1591 v last bratov Capra se je Villa Almerico preimenovala v Villa Capra (Vila Capra). Včasih se imenuje Villa Almerico Capra.

Vila Rotunda, ki je pod zaščito Unesca kot svetovna dediščina, je splošno priznana kot ena osrednjih zgradb v zgodovini evropske arhitekture. Za paladijeve arhitekte je bil to najbolj cenjen primer graščine. Na tisoče stavb po vsem svetu je bilo zgrajenih po njegovi podobi - od ameriškega posestva Monticello do katedrale sv. Sofije v Carskem Selu.

Villa Capra je ena prvih zasebnih hiš v zgodovini, rešena v obliki antičnega templja. Stavba ima popolno simetrijo, ki temelji na skrbno izračunanih matematičnih razmerjih. Vila ima štiri enake fasade z jonskimi portiki, do katerih vodi balustrada s kipi starodavnih bogov. Med prvimi ponovitvami vile izven Italije so pripadale posesti angleških aristokratov - hiša Chiswick in grad Mereworth.

Vincenzo Scamozzi, ki je bil odgovoren za dokončanje in okrasitev vile po Palladijevi smrti, jo je okronal s kupolo-rotundo kot rimski Panteon. Iz okrogle luknje na vrhu kupole naj bi se po besedah ustvarjalcev sončna svetloba zlivala v okroglo dnevno sobo v središču stavbe. Njegove stene so pokrite z dovršenimi freskami. Vsi ostali prostori so zasnovani tako, da tudi vanje čez dan enakomerno pokuka sonce.

Za razliko od mnogih spomenikov renesančne arhitekture, ki se tiho nasprotujejo okoliški pokrajini, se vila popolnoma prilega vanjo. Do njega od sprednjih vrat vodi široka uličica za kočije. Palladio in Scamozzi sta v tem svojem delu dosegla harmonijo z naravo, ki je evropska arhitektura od antike ni poznala.

Značilnosti renesančne arhitekture

Renesančni arhitekti so si izposodili značilne poteze rimske klasične arhitekture. Oblika stavb in njihova namembnost ter temeljna načela urbanističnega načrtovanja pa so se od pradavnine spreminjali. Rimljani nikoli niso gradili zgradb, kot so bile cerkve zgodnjega obdobja razvoja oživljenega klasičnega sloga ali dvorci uspešnih trgovcev 15. stoletja. Po drugi strani pa v opisanem času ni bilo treba graditi ogromnih zgradb za šport ali javna kopališča, ki so jih gradili Rimljani. Klasične norme so bile preučene in poustvarjene, da bi služile sodobnim namenom.

Tloris renesančnih stavb določajo pravokotne oblike, simetrija in proporci na osnovi modula. V templjih je modul pogosto razpon ladje. Problem celovite enotnosti konstrukcije in fasade je prvi prepoznal Brunelleschi, čeprav ga v nobenem delu ni rešil. Prvič se to načelo manifestira v stavbi Alberti - Basilica di Sant'Andrea v Mantovi. Izboljšanje projekta posvetne zgradbe v renesančnem slogu se je začelo v 16. stoletju in doseglo najvišjo točko v delu Palladia.

Fasada je simetrična glede na navpično os. Cerkvene fasade so praviloma izmerjene s pilastri, loki in entablaturo, na vrhu pa je pediment. Razporeditev stebrov in oken izraža željo po središču. Prvo fasado v renesančnem slogu lahko imenujemo fasada katedrale v Pienzi (1459-1462), ki jo pripisujejo florentinskemu arhitektu Bernardu Gambarelliju (znanemu kot Rossellino), možno je, da je Alberti sodeloval pri ustvarjanju templja.

Stanovanjske stavbe imajo pogosto karniso, v vsaki etaži se ponovi razporeditev oken in pripadajočih detajlov, glavna vrata so označena z določeno lastnostjo - balkonom ali obdana z rjo. Eden od prototipov takšne organizacije fasade je bila palača Rucellai v Firencah (1446-1451) s tremi vrstami pilastrov.

Večina italijanskih srednjeveških stavb je bila pokrita s preprostimi strehami; katedrala v Orvietu, zgrajena v 13. stoletju, je bila pokrita s streho z odprtimi špirovci.

V Italiji še nikoli niso uporabljali zelo nagnjene strehe, ki je značilna za območja s precejšnjimi snežnimi padavinami. Celo v milanski katedrali so imele strehe kljub gotskemu značaju arhitekture zelo rahel naklon. Tovrstne strehe so uporabljali vso renesanso.

Terasa, slabo zaščitena pred dežjem, se je razširila šele sredi 16. stoletja. Hkrati skušajo ohraniti njegovo obliko, a se izogniti nevšečnostim, ki so prirojene: skoraj vse italijanske terase so v bistvu strehe z majhnim naklonom, skrite za balustrado.

Hkrati z vrsto dvokapne strehe so v velikih dvoranah občinskih palač XV. V Padovi in Vicenzi, pa tudi v mnogih beneških zgradbah, najdemo valjaste strehe. To so nosilne konstrukcije, katerih nosilci so zmanjšani na kroge iz debelih desk, združenih skupaj. Po nenavadnem naključju so si te kmetije v najrazličnejših obdobjih izmislile arhitekturne šole, med katerimi ni mogoče niti slutiti nobene povezave ali medsebojnega posnemanja: Philibert Delorme verjetno ni poznal padovanske bazilike in seveda Padove iz 15. stoletja. Sploh ni bilo predvideno, da njihov sistem pripada najstarejšim tradicijam Indije.

Likovna umetnost renesanse

Prve predhodnice renesančne umetnosti so se pojavile v Italiji v 14. stoletju. Umetniki tega časa, Pietro Cavallini (1259-1344), Giotto (1267-1337), Simone Martini (1284-1344), ki so risali slike tradicionalnih verskih tem in izhajali iz tradicije mednarodne gotike, so začeli uporabljati nove umetniške tehnike: gradnja tridimenzionalne kompozicije, uporaba pokrajine v ozadju, kar jim je omogočilo, da so slike postale bolj realistične, živahne. To je njihovo delo močno razlikovalo od prejšnje ikonografske tradicije, polne konvencij v podobi.

Umetnost renesanse je nastala na podlagi humanizma (iz latinščine humanus - "človek") - trenda družbene misli, ki izvira iz 14. stoletja. v Italiji, nato pa v drugi polovici 15. in v 16. stol. razširila v druge evropske države. Humanizem je razglašal najvišjo vrednoto človeka in njegovo dobro. Privrženci tega trenda so verjeli, da ima vsak človek pravico do svobodnega osebnostnega razvoja in uresničevanja svojih sposobnosti. Ideje humanizma so bile najbolj popolno in živo utelešene v umetnosti, katere glavna tema je bila lepa, harmonično razvita oseba z neomejenimi duhovnimi in ustvarjalnimi možnostmi. Humanisti so se zgledovali po antiki, ki jim je služila kot vir znanja in zgled umetniške ustvarjalnosti. Velika preteklost Italije, ki je nenehno spominjala nase, je bila takrat dojeta kot najvišja popolnost, medtem ko se je umetnost srednjega veka zdela nesposobna in barbarska. Izraz "preporod", ki se je pojavil v 16. stoletju, je pomenil rojstvo nove umetnosti, oživljanje klasične starodavne kulture. Kljub temu se umetnost renesanse veliko zahvaljuje umetniškemu izročilu srednjega veka. Staro in novo sta bila neločljivo povezana in soočena. Umetnost renesanse ob vsej protislovni raznolikosti izvora zaznamuje globoka in temeljna novost. Postavila je temelje sodobne evropske kulture. Vse glavne umetniške zvrsti – slikarstvo in grafika, kiparstvo, arhitektura – so se močno spremenile.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (italijansko Sandro Botticelli, pravo ime Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (italijansko Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi), 1. marec 1445 - 17. maj 1510) je najvidnejši slikar toskanske šole.

Sandro Botticelli je eden najboljših predstavnikov umetnosti italijanske zgodnje renesanse.

Umetnikovo delo je napolnjeno z značilnostmi prefinjenosti in aristokratske prefinjenosti, slike so izjemno čustvene, prežete z občutkom osebnih izkušenj, ki odražajo kompleksna protislovja dobe. Globoka poduhovljenost in poetični čar podob, ki v kasnejših delih dobijo odtenek zlomljenosti, označujeta slikarja kot človeka, ki globoko doživlja duhovne pretrese svojega časa.

Rojen v družini premožnega meščana Mariana li Vannija Filipepija. Prejel dobro izobrazbo. Vzdevek Botticelli ("sod") je Sandru prešel od njegovega brata posrednika, ki je bil debel človek. Slikarstva se je učil pri menihu Filippu Lippiju in od njega prevzel tisto strast do upodabljanja ganljivih motivov, ki odlikuje Lippijevo zgodovinsko slikarstvo. Nato je delal za slavnega kiparja Verrocchia. Leta 1470 je organiziral lastno delavnico. Od drugega brata, ki je bil draguljar, je prevzel subtilnost in natančnost linij. Nekaj časa se je učil pri Leonardu da Vinciju v delavnici Verrocchia. Izvirna lastnost Botticellijevega talenta je njegova nagnjenost k fantastičnemu. Bil je eden prvih, ki je v umetnost svojega časa uvedel antični mit in alegorijo, s posebno ljubeznijo pa je delal mitološke teme. Še posebej spektakularna je njegova Venera, ki gola plava po morju v školjki, bogovi vetrov pa jo zasipajo z dežjem vrtnic in školjko poženejo na obalo.

Najboljše ustvarjanje Botticellija velja za freske, ki jih je začel leta 1474 v Sikstinski kapeli v Vatikanu. Domnevno je bil Botticelli privrženec Savonarole. Po legendi je že v starosti svojo mladostno sliko zažgal na grmadi nečimrnosti. Rojstvo Venere je bila zadnja taka slika. Pridno študiral Danteja; Plod te študije so bile gravure na bakru, priložene izdaji Dantejevega Pekla (Magnina izdaja), ki je izšla v Firencah leta 1481.

V letih 1470-1480 postane portret samostojen žanr v delu Botticellija ("Človek z medaljo", c. 1474; "Mladenič", 1480).

Dokončal veliko slik po naročilu Medičejcev. Zlasti je naslikal prapor Giuliana Medicija, brata Lorenza Veličastnega. Botticelli je postal znan po svojem občutljivem estetskem okusu in delih, kot so Oznanjenje (1489-1490), Zapuščena ženska (1495-1500) itd. V zadnjih letih svojega življenja je Botticelli očitno zapustil slikarstvo. Leta 1504 je umetnik sodeloval v komisiji, ki je določila mesto za postavitev Davidovega kipa Michelangela, vendar njegov predlog ni bil sprejet. Znano je, da je imela umetnikova družina hišo v četrti Santa Maria Novella in dohodek iz vile v Belsguardu. Sandro Botticelli je pokopan v družinski grobnici v cerkvi Ognisanti. Po oporoki je bil pokopan blizu groba Simonette Vespucci, ki je navdihnila najlepše podobe mojstra.

Po Botticelliju je poimenovan krater na Merkurju.

Leonardo da Vinci

Leonardo di ser Piero da Vinci (italijansko Leonardo di ser Piero da Vinci, 15. april 1452, vas Anchiano, blizu mesta Vinci, blizu Firenc - 2. maj 1519, grad Clos-Lucet, blizu Amboise, Touraine, Francija) - veliki italijanski umetnik (slikar, kipar, arhitekt) in znanstvenik (anatom, matematik, fizik, naravoslovec), izrazit predstavnik tipa »univerzalnega človeka« (latinsko homo universale) – ideala italijanske renesanse. Imenovali so ga čarovnik, hudičev služabnik, italijanski Faust in božanski duh. Bil je pred svojim časom za nekaj stoletij. Leonardo, ki je bil v času svojega življenja obdan z legendami, je simbol brezmejnih stremljenj človeškega uma. Leonardo, ki je razkril ideal renesančnega "univerzalnega človeka", je bil v kasnejši tradiciji razumljen kot oseba, ki je najbolj jasno orisala obseg ustvarjalnih iskanj tega obdobja. Bil je začetnik umetnosti visoke renesanse.

Leonardo da Vinci se je rodil 15. aprila 1452 v vasi Anchiano pri Vinciju: nedaleč od Firenc ob "treh zjutraj", to je ob 22.30 (po sodobnem odštevanju).

Njegova starša sta bila 25-letni notar Piero in njegova ljubljena, kmečka žena Katerina. Leonardo je prva leta svojega življenja preživel z materjo. Njegov oče se je kmalu poročil z bogato in plemenito deklico, vendar se je ta poroka izkazala za brez otrok in Piero je svojega triletnega sina vzel na vzgojo. Ločen od matere je Leonardo vse življenje poskušal poustvariti njeno podobo v svojih mojstrovinah. Takrat je živel pri dedku. V Italiji so tedaj nezakonske otroke obravnavali skoraj kot zakonite dediče. Številni vplivni ljudje mesta Vinci so sodelovali pri nadaljnji usodi Leonarda. Ko je bil Leonardo star 13 let, je njegova mačeha umrla pri porodu. Oče se je ponovno poročil - in spet kmalu ostal vdovec. Živel je 67 let, bil štirikrat poročen in imel 12 otrok. Oče je Leonarda poskušal vpeljati v družinski poklic, a brez uspeha: sina niso zanimali zakoni družbe.

Verrocchiova delavnica se je nahajala v intelektualnem središču tedanje Italije, mestu Firencah, kar je Leonardu omogočilo študij humanistike, pa tudi pridobitev nekaterih tehničnih veščin. Študiral je risanje, kemijo, metalurgijo, obdelavo kovine, mavca in usnja. Poleg tega se je mladi vajenec ukvarjal z risanjem, kiparstvom in modeliranjem. Delavnico so pogosto obiskovali znani mojstri, kot so Ghirlandaio, Perugino, Botticelli in Lorenzo di Credi. Pozneje, tudi ko Leonarda oče vzame na delo v svojo delavnico, nadaljuje sodelovanje z Verrocchiem.

Leta 1473, ko je bil star 20 let, se je Leonardo da Vinci kvalificiral za mojstra v Cehu svetega Luke.

Pri 24 letih so Leonarda in še tri mladeniče privedli pred sodišče zaradi lažnih in anonimnih obtožb sodomije. Bili so oproščeni. O njegovem življenju po tem dogodku je zelo malo znanega, verjetno pa je imel v letih 1476-1481 svojo delavnico v Firencah.

Leta 1482 je Leonardo, ki je bil po Vasariju zelo nadarjen glasbenik, ustvaril srebrno liro v obliki konjske glave. Lorenzo Medici ga je kot mirovnika poslal k Lodovicu Moru, z njim pa kot darilo poslal liro.

Leonardo se je 19. decembra 1515 udeležil srečanja kralja Franca I. s papežem Leonom X. v Bologni. Frančišek je rokodelcu naročil, naj izdela mehaničnega leva, ki je sposoben hoditi, iz čigar prsi pa bo vzhajal šopek lilij. Morda je ta lev pozdravil kralja v Lyonu ali pa je bil uporabljen med pogajanji s papežem. Leta 1516 je Leonardo sprejel povabilo kralja in se naselil v gradu Clos Luce, nedaleč od kraljevega gradu Amboise. Tu je s prijateljem in študentom Francescom Melzijem preživel zadnja tri leta svojega življenja in prejemal približno 10.000 skudov pokojnine.

V Franciji Leonardo skoraj ni slikal. Mojstrova desna roka je bila odrevenela in brez pomoči se je komaj premikal. 67-letni Leonardo je tretje leto svojega življenja v Amboisu preživel v postelji. 23. aprila 1519 je zapustil oporoko in 2. maja umrl obkrožen s svojimi učenci in svojimi mojstrovinami v Clos Luce. Po Vasariju je da Vinci umrl v naročju kralja Franca I., njegovega tesnega prijatelja. Ta nezanesljiva, a v Franciji razširjena legenda se odraža v slikah Ingresa, Angelike Kaufman in mnogih drugih slikarjev. Leonardo da Vinci je bil pokopan na gradu Amboise. Na nagrobniku je bil vgraviran napis: »V zidovih tega samostana počiva pepel Leonarda da Vincija, največjega umetnika, inženirja in arhitekta francoskega kraljestva.«

Njegov glavni dedič je bil Francesco Melzi: poleg denarja je prejel slike, orodje, knjižnico itd. Salai in njegov služabnik sta dobila polovico Leonardovih vinogradov.

Leonardo je našim sodobnikom znan predvsem kot umetnik. Poleg tega je možno, da bi bil Da Vinci lahko tudi kipar: raziskovalca z univerze v Perugii - Giancarlo Gentilini in Carlo Sisi - trdita, da je glava iz terakote, ki so jo našli leta 1990, edino kiparsko delo Leonarda da Vincija, ki je prišlo do nas. Sam Da Vinci pa se je v različnih obdobjih svojega življenja štel predvsem za inženirja ali znanstvenika. Likovni umetnosti se ni posvečal veliko in je delal precej počasi. Zato Leonardova umetniška dediščina količinsko ni velika, številna njegova dela so bila izgubljena ali močno poškodovana. Vendar pa je njegov prispevek k svetovni umetniški kulturi izjemno pomemben tudi v ozadju kohorte genijev, ki jih je dala italijanska renesansa. Zahvaljujoč njegovim delom je slikarska umetnost prešla na kakovostno novo stopnjo svojega razvoja. Renesančni umetniki, ki so bili pred Leonardom, so odločilno opustili številne konvencije srednjeveške umetnosti. To je bilo gibanje k realizmu in veliko je bilo že doseženega v študiju perspektive, anatomije, večje svobode pri kompozicijskih odločitvah. Toda glede slikovitosti, dela z barvo, so bili umetniki še vedno precej konvencionalni in omejeni. Črta na sliki je jasno orisovala predmet, slika pa je imela videz naslikane risbe. Najbolj pogojna je bila pokrajina, ki je igrala stransko vlogo. Leonardo je spoznal in utelesil novo slikarsko tehniko. Njegova linija ima pravico do zamegljenosti, saj jo tako vidimo. Spoznal je pojave sipanja svetlobe v zraku in pojav sfumata - meglice med gledalcem in upodobljencem, ki mehča barvne kontraste in linije. Tako se je realizem v slikarstvu premaknil na kakovostno novo raven.

Tizian Vecellio

Tizian (pravzaprav Tiziano Vecellio) je bil rojen leta 1476-77. (po drugih virih - v 1480-ih). Tizian je izhajal iz stare družine mesteca Pieve di Cadore, ki se nahaja v Alpah. Pri 9-10 letih je pokazal nagnjenost k risanju in so ga poslali na študij v Benetke. Učil se je pri več mojstrih, med drugim pri Giovanniju Belliniju, v čigar delavnici se je zbližal z Giorgionejem. Okoli leta 1508 je pomagal Giorgioneju pri izvedbi poslikav nemškega kompleksa v Benetkah.

Tizianovo delo odlikuje izjemno širok in vsestranski obseg slikarskih vrst in žanrov. Tizian je eden od ustanoviteljev monumentalne oltarne slike, krajine kot samostojnega žanra, različnih vrst portretov, vključno s slovesno-ceremonialnim. Tizian sodi med največje koloriste svetovnega slikarstva, ki je pomembno vplival na njegov razvoj v 17. stoletju. V njegovem delu sobivajo idealne podobe z živimi liki, tragični konflikti s prizori veselja, religiozne kompozicije z mitološkimi in zgodovinskimi slikami.

Tizianovo dolgo življenje je razdeljeno na štiri ustvarjalna obdobja. Zgodnje obdobje (pred letom 1519) je prežeto z mirnim, veselim razpoloženjem, občutkom srečne polnosti življenja. Dela iz začetka 1510 (»Kristus in grešnik«, Umetnostna galerija, Glasgow), razkrivajo bližino umetnosti Giorgioneja, čigar nedokončane slike je ravno v tem času dokončal. Do sredine 1510-ih, po natančni študiji dela Rafaela in Michelangela, Tizian razvije neodvisen slog (»Flora«, »Cezarjev denar«). Umetnika pritegnejo podobe veličastne ženske lepote, kot na primer v najbolj znani sliki tega obdobja Ljubezen na zemlji in nebu. Slika razveseljuje z odličnim slikarstvom, zlasti pri upodobitvi veličastnega golega ženskega telesa in razkošnih tkanin. Tizianova slava je rasla, kmalu je postal znan tudi zunaj Italije.

V poznih 1510-1530-ih. v delu Tiziana se začne novo obdobje, povezano z družbenim in kulturnim vzponom Benetk. V tem obdobju umetnik ustvarja monumentalne oltarne slike, polne patosa (»Marijino vnebovzetje (Assunta)«, »Madona iz družine Pesaro«), slike na evangelijske zgodbe (»Pokopavanje«, 1520, Louvre, Pariz), mitološke kompozicije. ("Bacchus in Ariadne", "Venera iz Urbina").

Pozna leta 1530-1540 - razcvet Tizianove portretne umetnosti. Med njegovimi najboljšimi portreti so "Papež Pavel III.", "Karl V. v bitki pri Mühlbergu", "Pietro Aretino". Poleg posameznih umetnik ustvarja tudi skupinske portrete (»Papež Pavel III. z Alessandrom in Ottaviem Farnesejem«).

Tizian je bil zelo priljubljen. Pokrovili so ga številni vplivni ljudje tako v Italiji kot v drugih evropskih državah. Nemški cesar Karel V. je Tizianu podelil naziv "Palatinski grof", naslov državnega svetnika in najvišji čin "vitez zlate ostroge z znakom meča in verige". Prestolonaslednik Filip II. je tudi pokrovitelj umetnika in mu celo dal pokojnino.

V Tizianu je bil umetnikov genij združen s preudarnostjo beneškega trgovca. Uspešno je vodil komercialne posle, upravljal številne hiše, posestva in vile ter opravljal finančne posle. Tiziana je obšla slava zelo pohlepnega človeka. Vendar pa je bil v svojem osebnem življenju vzor visoke morale. Ko se je leta 1525 poročil z neko Cecilijo (ki je z njim že imela dva otroka), jo je pet let kasneje izgubil in do konca svojih dni živel sam. Znana je le ena njegova minljiva strast - 18-letna Irene Spielenberg, vendar ni niti enega dokaza o njegovem razmerju s kurtizanami.

Od sredine XVI. se je začelo pozno obdobje Tizianovega dela. V teh letih izvaja številne mitološke skladbe (»Danaë«, »Venera in Adonis«, »Izobraževanje Kupida«, »Venera pred ogledalom«, »Ugrabitev Evrope«), se nanaša na verske teme ( »Sv. Hieronim«, »Spokorna Marija Magdalena«). Umetnik je v teh delih dosegel ne le višine slikovne spretnosti, temveč tudi največje globine v interpretaciji mitoloških in verskih tem.

Tiziana skrbi tragična stran življenja, spektakel človeškega trpljenja ("Kronanje s trnjem"). Zadnja Tizianova velika oltarna slika Objokovanje Kristusa je posvečena isti temi.

Tizian je umrl zaradi kuge 27. avgusta 1576. Pokopan je bil v kapeli cerkve Santa Maria Gloriosa dei Frari, za katero je nekoč naslikal oltarno sliko Marijinega vnebovzetja.

Odkritja renesanse na področju duhovne kulture in umetnosti so imela velik zgodovinski pomen za razvoj evropske umetnosti v naslednjih stoletjih. Zanimanje zanje traja še danes.

Tako so zapovedi renesanse raznolike: v njej so bile tako ali drugače predvidene in predvidene skoraj vse smeri, ki jih je evropska umetnost živela v naslednjih stoletjih.

Zaključek

Razvoj renesančne arhitekture je privedel do inovacij v uporabi gradbenih tehnik in materialov, do razvoja arhitekturnega besedišča. Pomembno je omeniti, da je za gibanje revival značilen odmik od anonimnosti obrtnikov in pojav osebnega stila arhitektov. Znanih je nekaj mojstrov, ki so gradili dela v romanskem slogu, pa tudi arhitektov, ki so gradili veličastne gotske katedrale. Medtem ko so bila renesančna dela, tudi majhne zgradbe ali samo projekti, lepo dokumentirana že od svojega nastanka.

Bibliografija

N. Dmitrieva "Kratka zgodovina umetnosti"

Auguste Choisy "Splošna zgodovina arhitekture"

Upoštevati je treba še eno kulturno ustanovo - knjižnico, ki je odprta za bralce. Postane tudi skladišče edinstvenih pisnih spomenikov preteklosti. Poglavje II. Vrste in namen italijanskih knjižnic 2.1 Zasebne knjižnice V času renesanse je v družbenem življenju prevladovala zasebna knjižnica kot ena od vrst knjižnic, saj so prav te knjižnice, ker so bile lepe ...

... (krščanska) shema periodizacije kulturnozgodovinskega procesa označuje obdobje med antiko in modernim časom. Običajno kulturni zgodovinarji menijo, da je srednji vek obdobje od izumiranja helenistične klasične, antične kulture do njene ponovne oživitve. Ta doba je imela različna obdobja, ki so zajemala 1000 let. Zato je za razumevanje posebnosti te kulture priporočljivo dirkati ...

Kaj je Revival. Obuditev povezujemo z dosežki na kulturnem področju, predvsem na področju likovne umetnosti. Pred očmi vsakega, ki se vsaj malo spozna na zgodovino umetnosti, so harmonično lepe in veličastne podobe, ki so jih ustvarili umetniki: nežne Madone in modri svetniki, pogumni bojevniki in meščani, polni pomena. Njihove figure se slovesno dvigajo na ozadju marmornih obokov in stebrov, za katerimi se širijo prozorne svetle pokrajine.

Umetnost vedno pripoveduje o svojem času, o ljudeh, ki so takrat živeli. Kakšni ljudje so ustvarili te podobe, polne dostojanstva, notranjega miru, zaupanja v svoj pomen?

Izraz "renesansa" je prvi uporabil Giorgio Vasari sredi 16. stoletja. v svoji knjigi o slavnih italijanskih slikarjih, kiparjih in arhitektih XIII-XVI. Ime se je pojavilo v trenutku, ko se je doba sama končala. Vasari je v ta koncept vložil zelo jasen pomen: razcvet, vzpon, oživitev umetnosti. Kasneje se je želja po oživitvi starodavnih tradicij v kulturi, ki je značilna za to obdobje, začela šteti za nič manj pomembno.

Fenomen renesanse so ustvarile razmere in potrebe družbe na pragu novega veka (tj. čas na obrobju oblikovanja industrijske družbe), sklicevanje na antiko pa je omogočilo iskanje ustreznih oblik za izražanje nove ideje in razpoloženja. Zgodovinski pomen tega obdobja je v oblikovanju novega tipa osebnosti in v ustvarjanju temeljev nove kulture.

Novi trendi v življenju italijanske družbe. Da bi lažje razumeli bistvo sprememb, ki so se začele na družbenem in duhovnem področju, si je treba predstavljati, kako se je v srednjem veku gradilo razmerje med posameznikom in družbo. Tedaj se je človekova osebnost raztopila v tistem majhnem kolektivu (kmečka skupnost, viteški red, meniška bratovščina, obrtna delavnica, trgovski ceh), na katerega so človeka navezale okoliščine njegovega izvora in rojstva. On sam in vsi okoli njega so ga dojemali predvsem kot na primer fra (brata) – člana samostanske bratovščine, ne pa kot določeno osebo z določenim imenom.

Odnosi med ljudmi, norme obnašanja in njihovega dojemanja so izdelani in jasno definirani. Če se osredotočimo le na teoretično plat zadeve, potem lahko rečemo takole: duhovščina je bila dolžna moliti za vse laike, plemstvo vse zaščititi pred morebitno zunanjo grožnjo, kmetje pa podpirati in hraniti prve in drugi posesti. V praksi je bilo vse to seveda daleč od teoretične idile, a porazdelitev funkcij vlog je bila prav taka. Družbena neenakost je bila trdno utrjena v javni zavesti, vsako posestvo je imelo svoje strogo določene pravice in obveznosti, igralo je družbeno vlogo, ki je strogo ustrezala njegovemu družbenemu položaju. Rojstvo je posamezniku zagotovilo določeno mesto v strukturi družbe, svoj položaj je lahko spreminjal skoraj izključno v okviru tiste stopnice družbene lestvice, ki ji je po izvoru pripadal.

Pritrjenost na določeno družbeno nišo je ovirala svoboden razvoj človeškega posameznika, vendar mu je zagotavljala določena družbena jamstva. Tako je bila srednjeveška družba usmerjena v nespremenljivost, stabilnost kot idealno stanje. Spadala je v tip tradicionalnih družb, katerih glavni pogoj za obstoj je konservativnost, poslušnost tradiciji in običajem.

Stari pogled na svet je bil usmerjen k dejstvu, da je zemeljsko življenje le kratko obdobje, ko se človek pripravlja na glavno, večno, onostransko življenje. Večnost si je podredila minljivo resničnost. Upanje na dobre spremembe je bilo povezano izključno s tem resničnim življenjem, z Večnostjo. Zemeljski svet, ta »dolina žalosti«, je bil zanimiv le toliko, kolikor je bil šibek odsev drugega, glavnega sveta. Odnos do človeka je bil ambivalenten - strogo je delil njegov zemeljski, smrtni in grešni začetek, ki bi ga morali prezirati in sovražiti, ter vzvišeno, duhovno, ki je bilo edino vredno obstoja. Za ideal je veljal asketski menih, ki se je odpovedal radostim in skrbem zemeljskega življenja.

Človek je bil del majhne družbene skupnosti, zato so vse njegove dejavnosti, vključno z ustvarjalnimi, dojemali kot rezultat skupnih prizadevanj. Ustvarjalnost je bila pravzaprav anonimna, naše poznavanje dela posameznega srednjeveškega kiparja ali slikarja pa je naključno in fragmentarno. Mesto, skupnost je zgradila katedralo in vse njene podrobnosti so bile del ene celote, zasnovane za celovito dojemanje. Arhitektski mojstri, zidarski mojstri, rezbarski mojstri, slikarski mojstri so postavljali zidove, ustvarjali kipe in vitraže, slikali stene in ikone, a skoraj nihče od njih ni želel ohraniti svojega imena za zanamce. V idealnem primeru bi morali na najboljši možni način ponoviti, reproducirati tisto, kar je posvečeno z avtoriteto antike in je veljalo za »original«, ki ga je treba posnemati.

Prvi korak k nastanku novih trendov v življenju družbe je bila rast in razvoj mest. Apeninski polotok, zagozden kot iztegnjen škorenj v prostranstva Sredozemskega morja, je zavzemal izjemno ugoden položaj v srednjeveškem svetu. Prednosti te lege so postale še posebej očitne, ko je na Zahodu začelo oživljati gospodarsko življenje in je rasla potreba po trgovinskih stikih z bogatimi državami Bližnjega vzhoda. Iz 12. stoletja Italijanska mesta so začela cveteti. Križarske vojne so postale spodbuda za hiter razvoj mestnega gospodarstva: vitezi, ki so se odpravili osvojit sveti grob, so potrebovali ladje za prečkanje morja; orožje za boj; izdelkov in raznih gospodinjskih pripomočkov. Vse to so ponujali italijanski obrtniki, trgovci, pomorščaki.

V Italiji ni bilo močne centralne oblasti, zato je vsako mesto skupaj z okoliškim podeželjem postalo mesto-država, katerih blaginja je bila odvisna od spretnosti njenih obrtnikov, živahnosti njenih trgovcev, tj. od podjetnosti in energije vseh prebivalcev.

Osnova gospodarskega življenja družbe, ki je obstajala v Italiji v 14.-15. stoletju, je bila industrija in trgovina, skoncentrirana v mestih. Ohranil se je cehovski sistem, državljanske pravice so imeli samo člani cehov; ne vsi prebivalci mesta. Da, in različne delavnice so se močno razlikovale po stopnji vpliva: na primer v Firencah so od 21 delavnic največji vpliv uživale »starejše delavnice«, ki so združevale ljudi najprestižnejših poklicev. Člani višjih delavnic, »debeluhi«, so bili namreč podjetniki, novosti v gospodarskem življenju pa so se kazale v nastajanju elementov (zaenkrat le elementov!) nove gospodarske strukture.

Renesančno mesto. Kultura renesanse je urbana kultura, vendar se je mesto, ki jo je rodilo, opazno razlikovalo od srednjeveškega mesta. Navzven to ni bilo preveč vpadljivo: isto visoko obzidje, ista naključna postavitev, ista katedrala na glavnem trgu, iste ozke ulice. "Mesto je raslo kot drevo: ohranilo je svojo obliko, vendar se je povečalo, mestno obzidje pa je kot obročki na rezu označevalo mejnike njegove rasti." Torej v Firencah v XIII. je bilo potrebno dvakrat stoletje, da se je obroč zidov razširil. Do sredine XIV. prostor, namenjen urbanemu razvoju, se je povečal za 8-krat. Vlada je poskrbela za gradnjo in ohranitev obzidja.

Mestna vrata so služila kot stična točka z zunanjim svetom. Stražarji, ki so stali pri vratih, so pobirali pristojbino od trgovcev in kmetov, ki so prihajali v mesto, prav tako so zaščitili mesto pred morebitnim napadom sovražnika. Pred začetkom topniške dobe so bili zidovi z močnimi vrati precej zanesljiva zaščita pred zunanjimi vdori, dovolj sta bili le hrana in voda. Ta omejitev je povzročila gnečo, da bi povečali število nadstropij stavb. Za Italijo je značilno, da so rivalske premožne družine postavljale visoke stolpe, katerih vertikale so skupaj z zvoniki cerkva dajale silhueti mesta podobo kamnitega gozda. Videz Siene je na primer opisan v vrsticah A. Bloka takole: "Konice cerkva in stolpov ste zataknili v nebo."

Mesto je umetno organiziran prostor. Ulice in trgi italijanskih mest iz 13. stoletja. tlakovana s kamni ali kamenčki. Vsakdanje življenje ljudi je potekalo večinoma na ulici. Trgovci, menjalci in obrtniki so opravljali denarne transakcije na ulici; obrtniki so pogosto delali na ulici pod krošnjami; srečevali so se na ulici ali trgu in razpravljali o različnih vprašanjih; rojstvih, bankrotih, smrtih, porokah, usmrtitvah. Življenje vsakega meščana je potekalo pred sosedi.

Osrednji trg ni bil okrašen le z veličastno katedralo, ampak tudi s skulpturami. Primer takšne dekoracije je v Firencah trg pred Palazzo Vecchio (mestno hišo). V sprednjem delu mesta je bilo še posebej opazno sosedstvo starih stavb romanskega (v manjši meri gotskega) sloga in novih renesančnih stavb. Prebivalci sosednjih mest so med seboj tekmovali v okraševanju trgov, cerkva in javnih zgradb.

V XIV-XV stoletju. v italijanskih mestih se je hitro gradilo, stare zgradbe so rušili in jih nadomeščali z novimi. Propadanje stavb še zdaleč ni bilo vedno razlog za to - okusi so se spremenili, blaginja je rasla in hkrati želja po dokazovanju novih priložnosti. Primer te vrste je tisti, ki se je začel v XIV. zgradili novo florentinsko katedralo (Duomo, bolj znano kot Santa Maria del Fiori), katere kupola je bila za svoj čas največja na Zahodu.

Včasih so premožne družine za prenovljeno fasado združevale več starih bivališč. Tako je arhitekt L. B. Alberti po naročilu družine Ruchelai zgradil palačo v novem slogu, ki za rustikalno fasado skriva osem hiš. Pas med hišami je bil spremenjen v dvorišče. Takšna tehnika je omogočila vključitev bivalnih prostorov, skladišč in trgovin, lož in vrta v en sam kompleks. Glavna arhitekturna oblika posvetne mestne stavbe -palazzo - palače premožnih meščanov, ki je imela pravokotno obliko z dvoriščem. Pročelja palače, obrnjena proti ulici, so ustrezala življenjskim razmeram, ki so bile značilne za italijanska mesta-republike. Izrazito groba obdelava kamna (rustovka), ki je bila obložena s steno spodnjega nadstropja, debele stene, majhna okna - vse to je spominjalo, da bi lahko takšna palača služila kot zanesljivo zavetje med številnimi političnimi konflikti znotraj mesta.

Notranjost je obsegala niz prostorov, okrašenih s stenskimi poslikavami in pokritih z lesenimi, izrezljanimi in redkeje štukaturnimi stropi. Ob slovesnih priložnostih so stene okrasili s stenskimi preprogami (špajdami), kar je prispevalo tudi k ohranjanju toplote v prostorih. Prostorna Yu

sobe (strofe), marmornate stopnice so ustvarjale vtis slovesnega sijaja. Okna so zapirali z lesenimi polkni, včasih so jih pokrili z naoljenim platnom, kasneje (a to je bilo že skorajda pregrešno razkošje!) so jih zapolnili s koščki stekla, vtaknjenimi v svinčeni pokrov. Glavno kurilno sredstvo je ostalo ognjišče v kuhinji, pa tudi ognjišča v velikih sprednjih prostorih, ki so prej krasila kot grela. Zato so poskušali zagotoviti postelje z baldahinom in ograditi težke zavese iz okolice. Nemogoče je bilo ogreti celotno sobo z vročim kamnom ali steklenico tople vode. Praviloma je imel samo glava družine "svojo" sobo, študijski studio, "delovno mesto na korespondenci rokopisov, razmišljanj, samotnega poznavanja sveta in sebe", ostalo gospodinjstvo pa živela skupaj. Vsakdanje življenje premožne družine se je največkrat odvijalo na dvorišču in galerijah, ki so ga obdajale.

Razmeroma maloštevilni, a masivni in z rezbarijami in poslikavami bogato okrašeni kosi pohištva so pričali o želji po udobju. Najpogostejši primeri pohištva so bili poročna skrinja (cassonne), skrinja z naslonjalom, masivne garderobne omare, okrašene z arhitekturnimi detajli, mize, fotelji in tabureji. Notranjost ni bila okrašena le s stenskimi poslikavami, temveč tudi z bronastimi svetilkami, poslikano keramiko (majolika), ogledali v izrezljanih okvirjih, srebrno in stekleno posodo ter čipkastimi prti.

Mnogi arhitekti so sanjali o spremembi videza mest v skladu z novimi okusi, vendar je bilo to nemogoče: obsežna gradnja je zahtevala ogromna sredstva in nič manj pooblastil za izvajanje množičnega rušenja hiš. Navsezadnje je bilo za to potrebno porušiti toliko hiš, preseliti toliko ljudi, vendar za to ni bilo sredstev. Zato so se morali zadovoljiti z gradnjo posameznih stavb, najpogosteje katedral ali palazz premožnih družin. Mesta so obnavljali postopoma, kakor je bilo potrebno in mogoče, nenačrtno, njihova zunanja podoba pa je ostala pretežno srednjeveška.

Idealna renesančna mesta so se pojavljala skoraj izključno v načrtih in kot ozadja slikovnih kompozicij. »Model renesančnega mesta je odprt model. Jedro je ... prosti prostor trga, ki se odpira navzven z razglednimi odprtinami ulic, s pogledi v daljavo, onstran mestnega obzidja ... tako so upodobili mesto umetniki, tako avtorji arhitekturnih razprav si ga oglejte. V idealnem primeru se renesančno mesto ne varuje pred odprtim prostorom ne-mesta, nasprotno, obvladuje ga, si ga podreja ... Arhitekturna misel renesanse ... se odločno zoperstavlja mestu kot umetnemu in spretno ustvarjenega dela, naravnemu okolju. Mesto se ne bi smelo pokoriti lokalnosti, ampak bi si jo podredilo ... Mesto srednjega veka je bilo vertikalno. Mesto 15. stoletja je idealno zasnovano kot horizontalno ... ”Arhitekti, ki so načrtovali nova mesta, so upoštevali spreminjajoče se razmere in namesto običajnih trdnjavskih zidov predlagali gradnjo obrambnih utrdb okoli mesta.

Videz ljudi. Spremenil se je videz ljudi, spremenil se je svet stvari, s katerim so se obdajali. Seveda so bivališča revnih (majhna lesena zgradba ali soba za trgovino brez oken) ostala enaka kot pred več sto leti. Spremembe so prizadele uspešen, premožen del prebivalstva.

Oblačila so se spreminjala glede na razpoloženje in okuse dobe. Okuse so zdaj določale potrebe in zmožnosti civilistov, premožnih meščanov, ne pa vojaški sloj vitezov. Vrhnja oblačila so bila šivana iz večbarvnih, pogosto vzorčastih tkanin, kot so brokat, žamet, sukno in težka svila. Lan se je začel uporabljati izključno kot spodnja obleka, ki je gledala skozi vezalke in razporke zgornje obleke. "Zunanja obleka starejšega državljana, tudi če ni imel nobene volilne funkcije, je bila nujno dolga, široka in je dajala njegovemu videzu pečat resnosti in pomembnosti." Oblačila mladih so bila kratka. Sestavljali so jo srajca, telovnik s stoječim ovratnikom in na telovnik privezane tesne nogavice, pogosto večbarvne. Če v petnajstem stoletju prednost so imele svetle in kontrastne barve, nato pa od začetka XYI stoletja. enobarvna oblačila, okrašena s krznom in verižico iz plemenitih kovin, postajajo bolj modna.

Ženska oblačila v 15. stoletju Odlikovala sta jo mehkoba oblik in večbarvnost. Čez srajce in obleke z dolgimi ozkimi rokavi, visokim pasom in velikim kvadratnim izrezom so nosili ogrinjalo (sikoro), ki je bilo sestavljeno iz treh pol. Zadnja plošča je padala po hrbtu v prostih gubah, dve polici pa sta bili pogrnjeni po okusu lastnika. Celotna silhueta je spominjala na antiko. Z začetkom XVI. pri ženskih oblekah je poudarjena horizontalna delitev. Veliko vlogo pri dekoriranju obleke začne igrati čipka, ki uokvirja izrez in robove rokavov. Pas pade na naravno mesto, vratni izrez je večji, rokavi so bolj obsežni, krilo je bolj veličastno. Oblačila naj bi poudarjala lepoto močne, zdrave ženske.

Odkritje človeškega "jaza". V življenju italijanske renesančne družbe staro in novo sobivata in se prepletata. Tipična družina tega obdobja je velika družina, ki združuje več generacij in več vej sorodnikov, podrejenih glavnemu patriarhu, vendar se poleg te znane hierarhije pojavi še en trend, povezan s prebujanjem osebne samozavesti.

Navsezadnje so se s pojavom pogojev za nastanek nove gospodarske strukture in nove družbe v Italiji spremenile tudi zahteve za ljudi, njihovo vedenje, odnos do zemeljskih zadev in skrbi. Osnova gospodarskega življenja nove družbe je bila trgovina in obrtna proizvodnja, skoncentrirana v mestih. Toda preden se je večina prebivalstva koncentrirala v mestih, preden so nastale manufakture, tovarne, laboratoriji, so obstajali ljudje, ki so jih sposobni ustvarjati, ljudje, ki so bili energični, ki so stremeli k nenehnim spremembam, se borili za uveljavitev svojega mesta v življenju. Prišlo je do osvoboditve človeške zavesti od hipnoze Večnosti, po kateri se je začelo ostreje čutiti vrednost trenutka, pomen minljivega življenja, želja po popolnejšem občutenju polnosti bivanja.

Pojavila se je nova vrsta osebnosti, ki jo odlikujejo pogum, energija, želja po dejavnosti, brez poslušnosti tradicijam in pravilom, sposobna delovati na nenavaden način. Te ljudi so zanimali različni življenjski problemi. Tako je v računskih knjigah florentinskih trgovcev med številkami in seznami različnega blaga mogoče najti razprave o usodi ljudi, o Bogu, o najpomembnejših dogodkih političnega in umetniškega življenja. Za vsem tem čutimo povečano zanimanje za človeka, za njega samega.

Človek je svojo individualnost začel obravnavati kot nekaj edinstvenega in dragocenega, še toliko bolj pomembno, ker ima sposobnost nenehnega izboljševanja. Hipertrofiran občutek lastne osebnosti v vsej svoji izvirnosti posrka celotnega človeka renesanse. Odkriva lastno individualnost, se z veseljem potopi v svoj duhovni svet, šokiran nad novostjo in kompleksnostjo tega sveta.

Pesniki so še posebej občutljivi za zajemanje in posredovanje razpoloženja dobe. V liričnih sonetih Francesca Petrarke, posvečenih lepi Lauri, je očitno, da je njihov glavni lik avtor sam in ne predmet njegovega čaščenja. Bralec o Lauri ne bo izvedel pravzaprav skoraj ničesar, razen tega, da je sama popolnost, z zlatimi kodri in zlatim značajem. Njihovo navdušenje, njihov izkušnje, njihov Trpljenje je Petrarka opisoval v sonetih. Ko je izvedel za Laurino smrt, moj sirote, za katerim je žaloval:

Pel sem o njenih zlatih kodrih,

Pel sem njene oči in roke,

Častiti muke z nebeško blaženostjo,

In zdaj je mrzel prah.

In jaz brez svetilnika, v lupini siroti Skozi vihar, ki mi ni tuj,

Lebdim skozi življenje in vladam naključno.

Zavedati se je treba, da je odkritje osebnega "jaza" zadevalo le eno polovico človeške rase - moške. Ženske so bile v tem svetu dojete kot bitja brez lastne vrednosti. Morale so skrbeti za gospodinjstvo, rojevati in vzgajati majhne otroke, ugajati moškim s svojim prijetnim videzom in obnašanjem.

Pri uresničevanju človeškega "jaza" je bila pomembna prisotnost rezultatov in ne področje dejavnosti, kjer so bili doseženi - naj bo to uveljavljen trgovski posel, veličastna skulptura, dobljena bitka ali občudovanja vredna pesem ali slika. . Vedeti veliko, veliko brati, študirati tuje jezike, se seznaniti s spisi starodavnih avtorjev, zanimati se za umetnost, razumeti veliko o slikarstvu in poeziji - to je bil ideal človeka v renesansi. Visok standard osebnostnih zahtev je prikazan v eseju Baldasarja Castiglioneja »O dvoru« (1528): »Želim, da bi bil naš dvorjan več kot povprečno seznanjen z literaturo ... tako da ne zna le latinsko, ampak tudi grško ... ... tako da dobro pozna pesnike, pa tudi govornike in zgodovinarje in ... zna pisati v verzih in prozi ... Ne bom zadovoljen z našim dvornikom, če še ni glasbenik ... Obstaja še ena stvar, ki ji pripisujem velik pomen: to je ravno sposobnost risanja in znanje slikanja.

Dovolj je našteti nekaj imen slavnih ljudi tistega časa, da bi razumeli, kako raznoliki so bili interesi tistih, ki so veljali za tipičnega predstavnika svoje dobe. Leon Batista Alberti - arhitekt, kipar, poznavalec antike, inženir. Lorenzo Medici je državnik, briljanten diplomat, pesnik, poznavalec in pokrovitelj umetnosti. Verrocchio je kipar, slikar, draguljar in matematik. Michelangelo Buonarroti - kipar, slikar, arhitekt, pesnik. Raphael Santi - slikar, arhitekt. Vse jih lahko imenujemo junaške osebnosti, titani. Hkrati ne smemo pozabiti, da velikost označuje lestvico, vendar ne daje ocene njihovih dejavnosti. Titani renesanse niso bili le ustvarjalci, ampak tudi dobri geniji svoje države.

Običajni pojmi o tem, kaj je »dovoljeno« in kaj »nezakonito«, so izgubili pomen. Hkrati so izgubila pomen stara pravila odnosov med ljudmi, ki morda niso dajala absolutne ustvarjalne svobode, a so tako pomembna za življenje v družbi. Želja po uveljavljanju je imela različne oblike - takšen odnos je lahko in je povzročil ne le briljantne umetnike, pesnike, mislece, katerih dejavnosti so bile usmerjene v ustvarjanje, ampak tudi genije uničenja, genije zlobnosti. Primer te vrste je primerjalni opis dveh slavnih sodobnikov, katerih vrhunec delovanja je bil na prelomu iz 15. v 16. stoletje.

Leonardo da Vinci (1452-1519)) - oseba, o kateri je lažje reči, česa ni vedel, kot našteti, kaj bi lahko naredil. Slavni slikar, kipar, arhitekt, inženir, pesnik, glasbenik, naravoslovec, matematik, kemik, filozof - vse to se upravičeno nanaša na Leonarda. Razvil je projekt za letalo, tank, najzapletenejše namakalne naprave in še veliko več. Delal je tam, kjer je bilo bolj priročno najti pokrovitelje med vladajočo elito, jih zlahka zamenjati in umrl v Franciji, kjer je na njegovem nagrobniku zapisano, da je bil "velik francoski umetnik". Njegova osebnost je postala poosebitev ustvarjalnega duha renesanse.

Leonardov sodobnik je bil slavni condottiere Cesare Borgia (1474-1507).Široka izobrazba je bila v njem združena z naravnimi talenti in nebrzdanim egoizmom. Njegova ambicija se je pokazala v poskusu oblikovanja močne države v središču Italije. Sanjal je o združitvi celotne države v primeru uspeha, bil je spreten in uspešen poveljnik in učinkovit vladar. Da bi dosegel svoj cilj, se je ta prefinjeni poznavalec in poznavalec lepote zatekel k podkupovanju, prevaram in umorom. Takšne metode so se mu zdele povsem sprejemljive za dosego velikega cilja - ustvarjanje močne države v središču Italije. Okoliščine so C. Borgii preprečile uresničitev njegovih načrtov.

Leonardo da Vinci in Cesare Borgia sta sodobnika, prav tako značilna za svojo kritično dobo, ko so stara pravila in norme človeškega življenja izgubljale svoj pomen, nova pa družba še ni sprejela. Človeška osebnost si je prizadevala za samopotrditev z uporabo vseh sredstev in priložnosti. Tudi zanjo so stare ideje o »dobrem« in »slabem«, o »dovoljenem« in »nezakonitem« izgubile pomen. "Ljudje so zagrešili najbolj divje zločine in se zanje nikakor niso pokesali, in to zato, ker je bil tedaj zadnji kriterij človeškega vedenja posameznik, ki se je počutil izoliranega." Pogosto sta bili v eni osebi združeni nesebična predanost svoji umetnosti in nebrzdana krutost. Takšen je bil na primer kipar in draguljar B. Cellini, o katerem so rekli: "razbojnik z vilinskimi rokami."

Želja posameznika, da se izrazi na kakršen koli način, se imenuje titanizem. Titani renesanse so postali poosebljenje dobe, ki je odkrila vrednost človeka "JAZ", vendar se je ustavil pred problemom vzpostavljanja določenih pravil v odnosih med nosilci številnih različnih "jazov".

Odnos do ustvarjalne osebe in položaj umetnika v družbi. Zgodil se je obrat k tipu civilizacije, ki vključuje aktivno človeško poseganje v okolje - ne le samoizboljševanje, ampak tudi preoblikovanje okolja - narave, družbe - z razvojem znanja in njegovo uporabo v praktični sferi. Najpomembnejša stvar pri človeku je bila torej njegova sposobnost samouresničevanja in ustvarjalnosti (v najširšem pomenu besede). To pa je pomenilo zavrnitev celovite ureditve v korist priznanja zasebne pobude. Srednjeveški ideal kontemplativnega življenja je izpodrinil nov ideal aktivnega, dejavnega življenja, ki je omogočil puščanje vidnih dokazov o človekovem bivanju na Zemlji. Dejavnost postane glavni namen obstoja: zgraditi čudovito zgradbo, osvojiti veliko dežel, izklesati skulpturo ali naslikati sliko, ki bo poveličevala svojega ustvarjalca, obogateti in za seboj pustiti uspešno trgovsko podjetje, ustanoviti novo stanje, napisati pesem ali zapustiti številne potomce - vse to je bilo v določenem pomenu enakovredno, je človeku omogočilo, da pusti svoj pečat. Umetnost je omogočila, da se je ustvarjalni princip manifestiral v človeku, rezultati ustvarjalnosti pa so dolgo ohranili spomin nanj, ga približali nesmrtnosti. Ljudje tiste dobe so bili prepričani:

Ustvarjanje lahko preživi ustvarjalca:

Stvarnik bo odšel, poražen od narave,

Vendar pa je slika, ki jo je ujel

Stoletja bo grela srca.

Te vrstice Michelangela Buonarrotija je mogoče pripisati ne le umetniški ustvarjalnosti. Želja po samoizražanju, patos samopotrjevanja je v tem obdobju postala smisel duhovnega življenja italijanske družbe. Ustvarjalna oseba je bila zelo visoko cenjena in povezana predvsem z ustvarjalnim umetnikom.

Tako so se umetniki dojemali in to ni bilo v nasprotju z javnim mnenjem. Znane so besede, ki naj bi jih florentinski draguljar in kipar Benvenuto Cellini izrekel nekemu dvorjanu: »Morda je na vsem svetu samo eden, kot sem jaz, a pred vsakimi vrati je deset takih, kot si ti.« Legenda pravi, da je vladar, ki se mu je dvornik pritožil nad umetnikovo drznostjo, podpiral Cellinija in ne dvorjana.

Umetnik je lahko obogatel kot Perugino, dobil plemiški naziv kot Mantegna ali Tizian, se pridružil ožjemu krogu vladarjev kot Leonardo ali Rafael, a večina umetnikov je imela status rokodelcev in se je imela za take. Kiparji so bili v isti delavnici z zidarji, slikarji z lekarnarji. Umetniki so po predstavah svojega časa pripadali srednjemu sloju meščanov, natančneje dnu tega sloja. Večina jih je veljala za ljudi srednjega razreda, ki so morali nenehno delati, iskati naročila. D. Vasari, ko govori o svoji ustvarjalni poti, nenehno ugotavlja, da je moral za izpolnitev enega naročila v Neapelj, drugega v Benetke, tretjega v Rim. Vmes med temi potovanji se je vrnil v rodni Arezzo, kjer je imel hišo, ki jo je nenehno opremljal, okraševal, širil. Nekateri umetniki so imeli svoje hiše (v 15. stoletju je v Firencah hiša stala 100-200 florintov), drugi so jo najemali. Za slikanje srednje velike freske je slikar porabil približno dve leti, za to pa je prejel 15-30 florintov, v ta znesek pa so bili vključeni tudi stroški uporabljenega materiala. Kipar je za izdelavo skulpture porabil približno eno leto in za svoje delo prejel približno 120 florinov. V slednjem primeru je treba upoštevati dražji potrošni material.

Poleg denarnih plačil so včasih mojstri dobili pravico jesti v samostanu. Vsevedni Vasari je opisal primer slikarja Paola Uccella, ki ga je opat dolgo in pridno hranil s sirom, dokler mojster ni prenehal prihajati v službo. Potem ko je umetnik menihom potožil, da se je naveličal sira, ti pa so o tem obvestili opata, je slednji spremenil jedilnik.

Zanimiva je primerjava podatkov o finančnem stanju dveh kiparjev Donatella in Ghibertija, ki sta ju sodobniki enako (in visoko) cenila. Prvi med njimi je bil po svoji naravi in načinu življenja nepreviden v denarnih zadevah. Legenda priča, da je ves svoj (precejšnji) zaslužek spravil v denarnico, ki je visela ob vratih, iz tega denarja pa so lahko jemali vsi člani njegove delavnice. Tako je leta 1427 slavni mojster Donatello najel hišo za 15 florinov na leto in imel čisti dohodek (razlika med tem, kar je dolgoval, in tistim, kar mu je bil dolžan) - 7 florinov. Gospodarski Lorenzo Ghiberti je istega leta 1427 imel hišo, zemljišče, bančni račun (714 florinov) in čisti dohodek -185 florinov.

Mojstri so se rade volje lotili izpolnjevanja različnih naročil za okrasitev cerkva, bogatih palač in okrasitev mestnih praznikov. »Ni bilo trenutne hierarhije žanrov: umetniški predmeti so bili nujno funkcionalne narave ... Oltarne podobe, poslikane skrinje, portreti, poslikani prapori so izhajali iz ene delavnice ... Takšna je bila umetniška samozavest in človek je lahko le ugibati o stopnji čarobnosti enotnosti mojstra z njegovim delom, za katerega je sam drgnil barve, sam je lepil čopič, sam je zbil okvir - zato ni videl temeljne razlike med sliko in oltar in skrinjo.

Tekmovanja med umetniki za pravico do donosnega državnega naročila so bila običajna praksa. Najbolj znano od teh tekmovanj je tekmovanje za pravico do izdelave vrat za firenško krstilnico (krstilnico), organizirano v prvih letih 15. stoletja. San Giovanni je bil drag vsem prebivalcem mesta, saj so bili tam krščeni, obdarjeni z imenom vsakega od njih, od tam so vsi začeli svojo življenjsko pot. Na natečaju so sodelovali vsi slavni mojstri, zmagal pa je Lorenzo Ghiberti, ki je o tem pozneje ponosno pisal v svojih Zapiskih.

Stoletje pozneje je potekalo še eno znano tekmovanje. To je naročilo za okrasitev dvorane sveta, ki ga je firenška senorija podelila dvema najbolj znanima tekmecema, Leonardu da Vinciju in Michelangelu Buonarrotiju. Razstava kartonov (risb v naravni velikosti) mojstrov je postala dogodek v javnem življenju republike.

Humanizem. Srednjeveški misleci so poveličevali vzvišeno, duhovno načelo v človeku in preklinjali nizkotno, telesno. Ljudje nove dobe so v človeku opevali tako dušo kot telo, menijo, da sta enako lepa in enako pomembna. Od tod tudi ime te ideologije – humanizem (homo- Človek).

Humanizem renesanse je vključeval dve komponenti: humanizem, visoko duhovnost kulture; in kompleks humanitarnih disciplin, namenjenih preučevanju zemeljskega življenja osebe, kot so slovnica, retorika, filologija, zgodovina, etika in pedagogika. Humanisti so poskušali spremeniti celoten sistem znanja za reševanje problemov človeškega zemeljskega življenja. Pomensko jedro humanizma je bila uveljavitev novega razumevanja posameznika, sposobnega svobodnega samorazvoja. Tako se je manifestiral glavni trend zgodovinske perspektive modernizacijskega razvoja - sprememba, prenova, izboljšava.

Humanisti niso predstavljali številčnega, ampak vplivnega družbenega sloja družbe, predhodnika bodoče inteligence. Humanistična inteligenca je vključevala predstavnike meščanov, plemstva in duhovščine. Svoje znanje in interese so uporabili v različnih dejavnostih. Med humanisti lahko imenujemo izjemne politike, pravnike, sodnike, umetnike.

Človek v predstavitvi ljudi tistega časa je bil primerjan s smrtnim bogom. Bistvo renesanse je v tem, da je bil človek prepoznan kot »krona stvarstva«, vidni zemeljski svet pa je dobil samostojno vrednost in pomen. Celoten svetovni nazor tega obdobja je bil osredotočen na poveličevanje zaslug in sposobnosti človeka, zato se ni naključno imenoval humanizem.

Srednjeveški teocentrizem je nadomestil antropocentrizem. Človek kot najpopolnejša božja stvaritev je bil v središču pozornosti filozofov in umetnikov. Antropocentrizem renesanse se je kazal na različne načine. Tako je bila primerjava arhitekturnih objektov s človeškim telesom, narejenim v antiki, dopolnjena v krščanskem duhu. »Leon Batista Alberti, ki je iz poganskega Vitruvija izločil svetopisemski antropomorfizem in primerjal razmerja stebrov z razmerji med višino in debelino človeka ... je po Avguštinu Blaženem povezal človeška razmerja s parametri Noetovega skrinjo in Salomonov tempelj. Izrek »človek je merilo vseh stvari« je imel za renesanso aritmetični pomen.

Italijanski humanist, ki je živel v drugi polovici 15. stoletja, je znal najbolj prepričljivo izraziti bistvo antropocentrizma. Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494 ). Ima esej z naslovom "Govor o človekovem dostojanstvu". Že samo ime je zgovorno, v katerem je poudarjen ocenjevalni moment - "človeško dostojanstvo". V tej razpravi Bog, ko nagovarja človeka, pravi: »Postavil sem te v sredino sveta, da bi s svojimi očmi lažje prodrl okolico. Ustvaril sem te kot bitje, ki ni nebeško, ampak ne samo zemeljsko, ne smrtno, a tudi ne nesmrtno, tako da ti, osvobojen omejitev, sam postaneš stvarnik in si v celoti skoješ svojo podobo.

Človek se izkaže za najpopolnejšo stvaritev, popolnejšo od celo nebesnih bitij, saj so že od samega začetka obdarjeni s svojimi lastnimi vrlinami in jih človek lahko razvije sam, njegova hrabrost, njegova plemenitost pa bo odvisna izključno od njegove osebne sposobnosti. kakovosti. (virtu). Takole je o človeških zmožnostih zapisal arhitekt in pisatelj Leon Batista Alberti: »Tako sem spoznal, da je v naši moči doseči vse pohvale, v kakršni koli vrednosti, s pomočjo lastne vneme in spretnosti, ne le z milostjo. narave in časa ...« Humanistični znanstveniki so iskali potrditev svojega odnosa do človeka pri filozofih drugih obdobij in našli podobna stališča pri mislecih antike.

Starodavna dediščina. Navada zanašanja na nekakšno avtoriteto je prisilila humaniste, da so iskali potrditev svojih pogledov tam, kjer so našli ideje, ki so bile po duhu podobne - v delih starodavnih avtorjev. "Ljubezen do starodavnih" je postala značilna lastnost, ki razlikuje predstavnike te ideološke smeri. Obvladovanje duhovne izkušnje antike naj bi prispevalo k oblikovanju moralno dovršene osebe in s tem k duhovnemu očiščenju družbe.

Srednji vek ni nikoli popolnoma prekinil s staro preteklostjo. Italijanski humanisti so na antiko gledali kot na ideal. Misleci prejšnjega tisočletja so med antičnimi avtorji izpostavljali Aristotela, humaniste so bolj pritegnili slavni govorniki (Ciceron) ali zgodovinarji (Tit Livij), pesniki. V spisih starodavnih so se jim zdele najpomembnejše misli o duhovni veličini, ustvarjalnih zmožnostih in junaških dejanjih ljudi. F. Petrarka je bil eden prvih, ki je začel posebej iskati starodavne rokopise, preučevati starodavna besedila in se sklicevati na starodavne avtorje kot na najvišjo avtoriteto. Humanisti so opustili srednjeveško latinščino in poskušali svoje skladbe pisati v klasični »ciceronski« latinščini, zaradi česar so morali realnost sodobnega življenja podrediti zahtevam slovnice. Klasična latinščina je združevala svoje učenjake po vsej Evropi, vendar je njihovo »republiko učenjakov« ločila od tistih, ki niso bili vešči latinščine.

Renesančna in krščanska tradicija. Nove življenjske razmere so zahtevale zavrnitev starih krščanskih idealov ponižnosti in brezbrižnosti do zemeljskega življenja. Ta patos zanikanja je bil zelo opazen v kulturi renesanse. Hkrati pa ni prišlo do zavračanja krščanskega nauka. Renesančni ljudje so se še naprej imeli za dobre katoličane. Kritika cerkve in njenih voditeljev (predvsem meništva) je bila zelo pogosta, vendar je šlo za kritiko ljudstva cerkve in ne krščanskega nauka. Poleg tega humanisti niso kritizirali le nemoralnosti vedenja nekega dela cerkvenikov, zanje je bil srednjeveški ideal umika, zavračanja sveta nesprejemljiv. Takole je pisal humanist Caluccio Salutati svojemu prijatelju, ki se je odločil za menih: »Ne verjemi, o Pellegrino, da je beg od sveta, izogibanje pogledu na lepe stvari, zapiranje v samostan ali umik v sket je pot do popolnosti.«

Krščanske ideje so precej mirno sobivale v glavah ljudi z novimi normami vedenja. Med zagovorniki novih idej so bile številne osebnosti katoliške cerkve, tudi najvišji, vse do kardinalov in papežev. V umetnosti, zlasti v slikarstvu, je ostala prevladujoča religiozna tematika. Najpomembneje je, da so renesančni ideali vključevali krščansko duhovnost, ki je bila antiki popolnoma tuja.

Sodobniki so delovanje humanistov cenili kot najvišji dosežek kulture svojega časa, njihovi potomci pa poznajo njihove visoko izobražene študije bolj po posluhu. Za naslednje generacije je njihovo delo, v nasprotju z deli umetnikov, arhitektov in kiparjev, zanimivo kot zgodovinski pojav. Medtem pa so ravno ti pedantni poznavalci latinščine, ti ljubitelji sklepanja

0 vrlinah starih je razvilo temelje novega pogleda na svet, človeka, naravo, vcepilo družbi nove etične in estetske ideale. Vse to je omogočilo odmik od tradicij srednjega veka in dalo nastajajoči kulturi prenovljen videz. Zato je za zanamce italijanska zgodovina renesančnega obdobja najprej zgodovina razcveta italijanske umetnosti.

Problem prenosa prostora. Za renesanso je značilen spoštljiv, skorajda spoštljiv odnos do znanja, do učenja. Beseda znanost se je takrat uporabljala v pomenu znanja v najširšem pomenu besede. Obstajal je samo en način pridobivanja znanja - opazovanje, kontemplacija. Najbolj napredna veja znanja v tistem času se je izkazala za znanje, povezano z vizualnim preučevanjem zunanjega sveta.

»Dolg proces zorenja znanosti o naravi in življenju se začne že v trinajstem stoletju. In njen začetek je bila revolucija v razvoju vida, povezana z napredkom optike in izumom očal ... Konstrukcija linearne perspektive je vodoravno razširila vidno polje in s tem omejila prevlado navpičnice, usmerjene v nebo. v. Vir informacij je bilo človeško oko. Samo umetnik, oseba, ki nima samo ostrega očesa, ampak tudi sposobnost ujeti in posredovati gledalcu videz predmeta ali pojava, ki ga gledalec ne vidi, a bi rad izvedel, je lahko posredoval informacije. , ustvarite vidno podobo katerega koli predmeta. Od tod navdušenje in ponos nad besedami D. Vasarija, ki je zapisal: »Oko, imenovano okno duše, je glavni način, po katerem lahko splošen občutek v največjem bogastvu in sijaju obravnava neskončne stvaritve narava ...”

Zato ni presenetljivo, da so renesančni ljudje častili slikarstvo kot znanost, in to najpomembnejšo med znanostmi: »O, neverjetna znanost, ti ohranjaš pri življenju smrtne lepote smrtnikov, delaš jih trajnejše od stvaritev naravo, ki jo čas nenehno spreminja, kar jih pripelje do neizogibne starosti ...« je v svojih zapiskih na različne načine ponavljal Leonardo da Vinci.

V tem primeru je prenos iluzije tridimenzionalnosti predmeta, njegove lokacije v prostoru, tj. sposobnost ustvarjanja zanesljive risbe. Barva je igrala podrejeno vlogo, služila je kot dodatna dekoracija. "Perspektiva je bila glavna intelektualna igra tistega časa ..."

Vasari je v svojih "Biografijah" posebej opozoril na navdušenje številnih umetnikov 15. stoletja. študij linearne perspektive. Tako se je slikar Paolo Uccello dobesedno "fiksiral" na probleme perspektive, vse svoje napore je posvetil pravilni gradnji prostora, se naučil prenesti iluzijo zmanjšanja in izkrivljanja arhitekturnih podrobnosti. Umetnikova žena je »pogosto rekla, da je Paolo cele noči sedel v svojem ateljeju in iskal zakone perspektive in da ji je, ko ga je poklicala spat, odgovoril: »Oh, kako prijetna je ta perspektiva!«

Faze italijanske renesanse. Kultura italijanske renesanse je šla skozi več stopenj. Imena obdobij tradicionalno določajo stoletja:

- prelom XIII-XIV stoletja. - Ducento, protorenesansa (predrenesansa). Center - Firence;
- XIV stoletje. -trecento (zgodnja renesansa);
- XV stoletje. - quattrocento (praznovanje kulture renesanse). Ob Firencah se nova kulturna središča pojavijo v Milanu, Ferrari, Mantovi, Urbinu, Riminiju;
- XVI stoletje. -cinquecento, obsega: visoko renesanso (prva polovica 16. stoletja), vodstvo v kulturnem življenju preide v Rim, in pozno renesanso (50-80 let 16. stoletja), ko postanejo Benetke zadnje središče renesančne kulture.

Protorenesanca. V zgodnjih fazah renesanse so bile Firence glavno središče nove kulture. Ikonični lik-pesnik Dante Alighieri (1265-1321 ) in slikar Giotto di Bondone (1276-1337 ), oba izhajata iz Firenc, obe osebnosti sta značilni za novo zgodovinsko dobo - aktivni, aktivni, energični. Samo eden od njih, Dante, je po dejavni udeležbi v političnem boju končal svoje življenje kot politični izgnanec, drugi, Giotto, ki je bil ne le slavni umetnik, ampak tudi arhitekt, je živel kot ugleden in uspešen državljan. . (na pol). Vsak na svojem področju ustvarjanja je bil inovator in hkrati dopolnilec tradicije.

Slednja lastnost je bolj značilna za Danteja. Njegovo ime je postala nesmrtna s pesmijo "Božanska komedija", ki pripoveduje o avtorjevem potepanju po drugem svetu. V tem delu so koncentrirane vse glavne ideje srednjeveškega pogleda na svet. V njej staro in novo drug ob drugem. Zaplet je precej srednjeveški, vendar pripovedan na nov način. Najprej je pomembno omeniti, da je Dante opustil latinščino. Pesem je napisana v toskanskem narečju. Podana je podoba srednjeveške navpične slike vesolja: krogi pekla, gora čiščenja, prostori raja, a glavni junak je sam Dante, ki ga na potepanju po peklu spremlja rimski pesnik Virgil in Čistišče, v raju pa sreča »božansko Beatrice«, žensko, ki jo je pesnik ljubil vse življenje. Vloga, ki je v pesmi dodeljena smrtnici, nakazuje, da je avtor bolj kot v preteklost obrnjen v prihodnost.

Pesem naseljujejo številni liki, aktivni, neukrotljivi, energični, njihovi interesi so usmerjeni v zemeljsko življenje, skrbijo jih zemeljske strasti in dejanja. Pred bralcem se gibljejo različne usode, značaji, situacije, a to so ljudje prihajajoče dobe, katerih duh ni obrnjen k večnosti, temveč k trenutnemu zanimanju »tukaj in zdaj«. Zlobneži in mučeniki, junaki in žrtve, ki vzbujajo sočutje in sovraštvo - vsi presenečajo s svojo vitalnostjo in ljubeznijo do življenja. Velikansko sliko vesolja je ustvaril Dante.

Umetnik Giotto si je zadal cilj posnemati naravo, ki bo postala temelj slikarjev naslednje dobe. To se je pokazalo v želji po prenosu volumna predmetov, zatekanju k svetlobnemu in senčnemu modeliranju figur, uvajanju pokrajine in notranjosti v sliko, poskušanju organizirati sliko kot odrsko platformo. Poleg tega je Giotto opustil srednjeveško tradicijo polnjenja celotnega prostora sten in stropov s slikami, ki združujejo različne teme. Stene kapel so prekrite s freskami, ki se nahajajo v pasovih, vsak pas pa je razdeljen na več ločenih slik, posvečenih določeni epizodi in uokvirjenih z okrasnim vzorcem-okvirjem. Gledalec, ki gre ob stenah kapele, preučuje različne epizode, kot da bi obračal strani knjige.

Najbolj znana Giottova dela so stenske poslikave (freske) v cerkvah v Assisiju in Padovi. V Assisiju je slika posvečena življenju

Frančiška Asiškega, malo pred tem razglašenega za svetnika. Padovanski cikel je povezan z novozaveznimi zgodbami, ki pripovedujejo o življenju Device Marije in Jezusa Kristusa.

Giottova inovativnost ni bila samo v uporabi novih tehnik, ne le v "kopiranju" narave (kar so njegovi neposredni sledilci razumeli preveč dobesedno - jottesco), temveč v poustvarjanju novega pogleda na svet s slikovnimi tehnikami. Slike, ki jih je ustvaril, so polne trdnosti in mirne veličine. Takšna sta enako Marija, ki slovesno sprejema novico o svojem izbrancu (»oznanjenje«), in dobrodušni sv. Frančišek, ki poveličuje enotnost in harmonijo vesolja (»Sv. Frančišek pridiga pticam«), in Kristus, ki se mirno sreča z zahrbtnim Judovim poljubom (»Judov poljub«). Dante in Giotto veljata za mojstra, ki sta v italijanski renesansi začela razvijati temo junaškega človeka.

Trecento. Slavo tega obdobja so prinesli mojstri, ki so v umetnosti razvili lirično temo. Zvočne kitice Petrarkovih sonetov o lepi Lauri odmevajo v prefinjeni linearnosti del sienskih umetnikov. Na te slikarje so vplivale gotske tradicije: koničasti vrhovi cerkva, suličasti loki, 5-oblika krivulje figur, ploskost podobe in dekorativnost črte odlikujejo njihovo umetnost. Najslavnejši predstavnik sienske šole velja Simone Martini (1284-1344). Zanj je značilna oltarna kompozicija s prizorom oznanjenja, uokvirjena z izvrstnimi pozlačenimi rezbarijami, ki tvorijo podolgovate gotske loke. Zlato ozadje celotno sceno spremeni v fantastično vizijo, figure pa so polne dekorativne finese in muhaste miline. Eterični lik Marije, muhasto upognjen na zlatem prestolu, njen nežni obraz nas spomni na Blokove vrstice: "zahrbtne Madone škilijo svoje dolge oči." Umetniki tega kroga so razvili lirično linijo v umetnosti renesanse.

V XIV stoletju. oblikovanje italijanskega knjižnega jezika. Pisatelji tistega časa so rade volje sestavljali smešne zgodbe o zemeljskih zadevah, domačih težavah in dogodivščinah ljudi. Ukvarjali so se z vprašanji: kako se bo človek obnašal v določenih okoliščinah; Kako se med seboj ujemajo besede in dejanja ljudi? Takšne kratke zgodbe (novele) so bile združene v zbirke, ki so predstavljale nekakšno "človeško komedijo" tiste dobe. Najbolj znan med njimi je Dekameron » Giovanni Boccaccio (1313-1375 ), je enciklopedija vsakdanjega življenja in običajev življenja svojega časa.

Za zanamce Francesco Petrarca (1304-1374) - prvi lirski pesnik modernega časa. Za svoje sodobnike je bil največji politični mislec, filozof, mojster misli več generacij. Imenuje se prvi humanist. V njegovih razpravah so bile razvite glavne tehnike in teme, ki so značilne za humanizem. Petrarka je bil tisti, ki se je obrnil k preučevanju starodavnih avtorjev, se nenehno skliceval na njihovo avtoriteto, začel pisati v pravilni (»ciceronski«) latinščini, dojemal probleme svojega časa skozi prizmo starodavne modrosti.

V glasbi so se pojavili novi trendi v delih takih mojstrov, kot je F. Landini. To smer so poimenovali "nova umetnost". Takrat so se rodile nove glasbene oblike posvetne glasbe, kot sta balada in madrigal. S prizadevanji skladateljev "nove umetnosti" so bili melodija, harmonija in ritem združeni v enoten sistem.

Quattrocento. To obdobje odpira dejavnost treh mojstrov: arhitekta Filippo Brunelleschi (1377-1446 ), kipar Donatello(1386-1466 ), slikar Masaccio (1401-1428 ). Njihovo rojstno mesto Firence postane priznano središče nove kulture, katere ideološko jedro je bilo poveličevanje človeka.

V arhitekturnih načrtih Brunelleschija je vse podrejeno povzdigovanju človeka. To se je kazalo v tem, da so bile zgradbe (tudi ogromne cerkve) zgrajene tako, da se tam človek ne bi zdel izgubljen in nepomemben, kot v gotski katedrali. Svetle arkade (elementi, ki v antiki niso imeli analogov) krasijo zunanje galerije sirotišnice, lahka in stroga notranjost je postavljena v resno razpoloženje, veličastna in lahka osmerokotna kupola krona prostor katedrale Santa Maria della Fiore. Pročelja mestnih palač-palazzov, v katerih grobo zidavo prvega nadstropja (rustika) poudarjajo elegantna portalna okna, so polna stroge zadržanosti. Ta vtis je dosegel arhitekt Filippo Brunelleschi.

Kipar Donato, ki se je v zgodovino umetnosti zapisal pod vzdevkom Donatello, je oživil v srednjem veku pozabljeno vrsto prostostoječe skulpture. Uspelo mu je združiti antični ideal skladno razvitega človeškega telesa s krščansko duhovnostjo in intenzivno intelektualnostjo. Podobe, ki jih je ustvaril, pa naj gre za razburjeno napetega preroka Avvakuma (»Zukkone«), zamišljenega zmagovalca Davida, umirjeno skoncentrirano Marijo Anunziato, strašnega Gatamelata v svoji brezstrastni vztrajnosti, poveličujejo junaško načelo v človeku.

Tomaso Masaccio je nadaljeval Giottove reforme v slikarstvu. Njegove figure so voluminozne in poudarjeno materialne (»Madona z detetom in sv. Ana«), stojijo na tleh in ne »lebdijo« v zraku (»Adam in Eva, izgnana iz raja«), postavljene so v prostor, ki ga je umetniku uspelo podati s tehnikami centralne perspektive (»Trojica«).

Masacciove freske v kapeli Brancacci prikazujejo apostole, ki so spremljali Kristusa na njegovih zemeljskih potepanjih. To so navadni ljudje, ribiči in obrtniki. Umetnik pa jih ne želi obleči v cunje, da bi poudaril njihovo preprostost, ampak se izogiba tudi bujnim oblačilom, ki bi kazala na njihovo izbranost, ekskluzivnost. Zanj je pomembno pokazati brezčasni pomen dogajanja.

Renesančni mojstri srednje Italije so se poskušali izogniti tovrstnim detajlom. Zdelo se je pomembneje prenesti tipično, posplošeno, ne pa individualno, naključno, prenesti veličino osebe. Da bi to naredil, se je na primer Piero della Francesca zatekel k tehnikam, kot sta uporaba "nizkega obzorja" in primerjava človeških figur, ogrnjenih v širokih plaščih, z arhitekturnimi oblikami ("Kraljica iz Sabe pred Salomonom").

Ob tem junaškem izročilu se je razvilo še eno lirično. Prevladovala je dekorativnost, večbarvnost (površina številnih slik tiste dobe spominja na elegantne preproge) in vzorčenje. Liki, ki jih upodabljajo mojstri te smeri, so melanholično premišljeni, napolnjeni z nežno žalostjo. Majhne stvari v vsakdanjem življenju, muhasti detajli predstavljajo pomemben del njihove privlačnosti. Umetniki tega kroga so vključevali tako florentinske mojstre kot umetnike drugih šol. Najbolj znani med njimi so Fra Beato Angelico, Fra Filippo Lippi, Domenico Ghirlandaio, Benozzo Gozzoli, Pietro Perugino, Carlo Crivelli.

Najbriljantnejši mojster te smeri je bil Firentinec Sandro Botticelli (1445-1510 ). Ganljiva, pretresljiva lepota njegovih Madon in Vener je za mnoge povezana z umetnostjo Quattrocenta nasploh. Prefinjeno zbledele barve, čudaške, zdaj tekoče, zdaj vijugajoče linije, svetlobne figure, ki drsijo nad tlemi in se ne opazijo. Botticelli je eden najbolj očarljivih umetnikov renesanse, čigar delo združuje vpliv srednjeveške estetike, tekoče znanje novih umetniških tehnik in slutnjo krize humanistične kulture. V njegovem slikarstvu so mitološki, alegorični in svetopisemski motivi. Te zaplete prenaša čopič preproste in iskrene osebe, ki se je pridružila filozofskim idejam neoplatonizma.

Botticellijeva umetnost se je razmahnila na dvoru neuradnega vladarja Firenc, bankirja Lorenza Medicija, ki je bil tipična družbenopolitična osebnost svojega časa: premeten in zvijačen politik, trd vladar, navdušen ljubitelj umetnosti, dober pesnik. Ni zagrešil takšnih grozodejstev kot S. Malatesta ali C. Borgia, vendar se je v svojih dejanjih na splošno držal istih načel. Zanj je bila značilna (spet v duhu časa) želja po demonstraciji zunanjega razkošja, sijaja, prazničnosti. Pod njim so Firence slovele po svojih briljantnih karnevalih, katerih obvezna sestavina so bile kostumirane procesije, med katerimi so igrali majhne gledališke predstave na mitološke in alegorične teme, ki so jih spremljali ples, petje in recitacija. Ta praznovanja so napovedala nastanek gledališke umetnosti, katere vzpon se je začel v naslednjem, 16. stoletju.

Kriza idej humanizma. Humanizem se je osredotočal na poveličevanje človeka in je gojil upanje, da se bo svobodna človeška osebnost lahko neskončno izboljševala, hkrati pa se bo izboljšalo življenje ljudi, odnosi med njimi bodo prijazni in harmonični. Dve stoletji sta minili od začetka humanističnega gibanja. Spontana energija in aktivnost ljudi sta ustvarili marsikaj - veličastne umetnine, bogata trgovska podjetja, znanstvene razprave in duhovite kratke zgodbe, a življenje ni postalo boljše. Poleg tega je bila vedno bolj moteča misel na posmrtno usodo drznih ustvarjalcev. Kaj lahko opraviči človekovo zemeljsko dejavnost z vidika posmrtnega življenja? Humanizem in celotna kultura renesanse na to vprašanje nista dala odgovora. Svoboda posameznika, zapisana na zaporu humanizma, je porodila problem osebne izbire med dobrim in zlim. Izbira ni bila vedno narejena v korist dobrega. Boj za moč, vpliv, bogastvo je vodil v nenehne krvave spopade. Kri je zalila ulice, hiše in celo cerkve Firenc, Milana, Rima, Padove in vseh velikih in majhnih mestnih držav v Italiji. Smisel življenja je bil reduciran na doseganje konkretnih in otipljivih uspehov in dosežkov, hkrati pa ni imel višje utemeljitve. Poleg tega »igra brez pravil«, ki je postala pravilo življenja, ni mogla trajati predolgo. To stanje je povzročilo vse večjo željo po vnosu elementa organiziranosti in gotovosti v življenje družbe. Treba je bilo najti višjo utemeljitev, višjo spodbudo za noro vrenje človeške energije.

Niti humanistična ideologija, usmerjena v reševanje problemov zemeljskega življenja, niti stari katolicizem, katerega etični ideal je bil obrnjen k čisto kontemplativnemu življenju, nista mogla zagotoviti korespondence med spreminjajočimi se življenjskimi potrebami in njihovo ideološko razlago. Verska dogma se je morala prilagoditi potrebam družbe aktivnih, podjetnih, neodvisnih individualistov. Vendar so bili poskusi cerkvenih reform v razmerah Italije, nekdanjega ideološkega in organizacijskega središča katoliškega sveta, obsojeni na neuspeh.

Najbolj presenetljiv primer tega je poskus dominikanskega meniha Girolama Savonarole, da izvede takšno reformo v razmerah Firenc. Po smrti briljantnega Lorenza de' Medicija so Firence doživele politično in gospodarsko krizo. Navsezadnje je sijaj dvora Medici spremljalo poslabšanje gospodarstva Firenc, oslabitev njegovega položaja med sosednjimi državami. Ogromni dominikanski menih Savonarola je pridobil ogromen vpliv v mestu, saj je pozival k zavrnitvi razkošja, prizadevanju za nečimrne umetnosti in vzpostavitvi pravičnosti. Večina meščanov (vključno z umetniki, kot so Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi) se je navdušeno začela boriti proti zlu, uničevati luksuzne predmete, sežigati umetnine. S prizadevanji rimske kurije je bil Savonarola strmoglavljen in usmrčen, moč oligarhije je bila obnovljena. Toda prejšnje, spokojno in veselo zaupanje v ideale, namenjeno poveličevanju popolnega človeka, je izginilo.

Visoka renesansa. Jedro humanistične ideologije je bil subverzivni patos emancipacije, osvoboditve. Ko so bile njene možnosti izčrpane, je morala priti kriza. Kratko obdobje, približno tri desetletja, je trenutek zadnjega vzleta pred začetkom rušenja celotnega sistema idej in razpoloženj. Središče kulturnega razvoja se je v tem času preselilo iz Firenc, ki so izgubljale svojo republikansko moč in red, v Rim, središče teokratične monarhije.

Trije mojstri so najpopolneje izrazili visoko renesanso v umetnosti. Lahko rečemo, čeprav seveda nekoliko pogojno, da je najstarejši med njimi, Leonardo da Vinci (1452-1519 ), opeval človeški intelekt, um, ki človeka povzdigne nad okoliško naravo; najmlajši, Rafael Santi (1483-1520 ), ustvarili popolno lepe podobe, ki utelešajo harmonijo duhovne in telesne lepote; A Michelangelo Buonarroti (1475-1564) poveličeval moč in energijo človeka. Svet, ki ga ustvarjajo umetniki, je realnost, a očiščena vsega malenkostnega in naključnega.

Glavna stvar, ki jo je Leonardo zapustil ljudem, je njegova slika, ki poveličuje lepoto in um človeka. Že prvo Leonardovo samostojno delo - glava angela, ki jo je za krst napisal njegov učitelj Verrocchio, je občinstvo presenetilo s premišljenim in premišljenim videzom. Umetnikovi liki, pa naj gre za mlado Marijo, ki se igra z otrokom (»Madonna Benois«), prelepo Cicilijo (»Dama s hermelinom«) ali apostole in Kristusa v prizoru »Zadnje večerje«, so v prvi vrsti misleča bitja. Dovolj je, da se spomnimo slike, znane kot portret Mona Lise ("Gioconda"). Pogled mirno sedeče ženske je poln takšnega vpogleda in globine, da se zdi, da vidi in razume vse: občutke ljudi, ki jo gledajo, zapletenost njihovih življenj, neskončnost kozmosa. Za njo je čudovita in skrivnostna pokrajina, a ona se dviga nad vse, je glavna na tem svetu, pooseblja človeški intelekt.

V osebnosti in delu Raphaela Santija se je s posebno polnostjo pokazala želja po harmoniji, notranjem ravnovesju, mirnem dostojanstvu, značilnem za italijansko renesanso. Za seboj ni pustil le slik in arhitekturnih del. Njegove slike so tematsko zelo raznolike, a ko se govori o Rafaelu, se najprej spomnijo podobe njegovih Madon. Imata precej podobnosti, ki se kažejo v duhovni jasnosti, otroški čistosti in jasnosti notranjega sveta. Med njimi so premišljeni, zasanjani, spogledljivi, osredotočeni, vsaka pooseblja enega ali drugega vidika ene podobe - ženske z otroško dušo.

Najslavnejša Rafaelova Madona, Sikstinska Madona, izpade iz tega niza. Takole je opisan vtis sovjetskih vojakov, ki so jo leta 1945 videli vzeti iz rudnika, kjer so jo skrili nacisti: »Na sliki sprva nič ne pritegne pozornosti; tvoj pogled drsi, ne ustavi se pred ničemer, do tistega trenutka, dokler ne sreča drugega, ki se premika proti pogledu. Temne, široko postavljene oči vas mirno in pozorno gledajo, zavite v prozorno senco trepalnic; in že se je nekaj nejasnega zganilo v tvoji duši, da si pozoren ... Še vedno poskušaš razumeti, v čem je stvar, kaj točno na sliki te je opozorilo, vznemirilo. In vaše oči nehote vedno znova pritegnejo njen pogled ... Pogled Sikstinske Madone, rahlo zamegljen od žalosti, je poln zaupanja v prihodnost, proti kateri s tako veličino in preprostostjo nosi svojega najdražjega sina .

Podobno dojemanje slike izražajo takšne poetične vrstice: »Kraljestva so propadla, morja izsušena, / Citadele zgorele do tal, / Aona v materinski žalosti / iz preteklosti v prihodnost je šla.«

V delu Raphaela je še posebej živa želja po iskanju skupnega, tipičnega v posamezniku. Govoril je o tem, da je moral videti veliko lepih žensk, da je pisal Lepoto.

Umetniki italijanske renesanse se pri ustvarjanju portreta niso osredotočali na podrobnosti, ki pomagajo prikazati posameznika v človeku (oblika oči, dolžina nosu, oblika ustnic), temveč na posploševanje- tipične, ki sestavljajo »vrstne« značilnosti človeka.

Michelangelo Buonarroti je bil tako čudovit pesnik kot sijajen kipar, arhitekt in slikar. Michelangelovo dolgo ustvarjalno življenje je vključevalo čas najvišjega razcveta renesančne kulture; on, ki je preživel večino titanov renesanse, je moral opazovati propad humanističnih idealov.

Moč in energija, s katero so prežeta njegova dela, se zdi včasih pretirana, premočna. V delu tega mojstra je patos ustvarjanja, značilen za to dobo, združen s tragičnim občutkom pogubnosti tega patosa. Kontrast fizične moči in nemoči je prisoten v številnih kiparskih podobah, kot so figure "Sužnji", "Jetniki", znamenita skulptura "Noč", pa tudi v podobah sibil in prerokov na stropu. Sikstinska kapela.

Posebno tragičen vtis naredi slika s prizorom poslednje sodbe na zahodni steni Sikstinske kapele. Po besedah likovnega kritika je »dvignjena Kristusova roka vir vrtinčastega sferičnega gibanja, ki se odvija okoli osrednjega ovala ... Svet se premika, visi nad breznom, ves niz teles visi nad brezno v zadnji sodbi ... V jeznem izbruhu se je dvignila Kristusova roka. Ne, ljudem se ni prikazoval kot odrešenik ... in Michelangelo ni hotel tolažiti ljudi ... Ta Bog je precej nenavaden ... je golobrad in mladostno hiter, močan je v svoji telesni moči in vse njegova moč je dana jezi. Ta Kristus ne pozna usmiljenja. Zdaj bi bilo samo opravičevanje zla.

Renesansa v Benetkah: praznovanje barve. Bogata trgovska republika je postala središče pozne renesanse. Med kulturnimi središči Italije so Benetke zavzemale poseben položaj. Novi trendi so tja prodrli mnogo kasneje, kar je mogoče razložiti z močnimi konservativnimi občutki, ki so obstajali v tej oligarhični trgovski republiki, povezani s tesnimi odnosi z Bizancem in pod močnim vplivom »bizantinske manire«.

Zato se duh renesanse pokaže v umetnosti Benečanov šele od druge polovice 15. stoletja. v delih več generacij umetnikov družine Bellini.

Poleg tega ima beneško slikarstvo še eno opazno razliko. V likovni umetnosti drugih italijanskih šol je bila glavna stvar risba, sposobnost prenosa prostornine teles in predmetov z modeliranjem svetlobe in sence (slavno sfumato Leonardo da Vinci), Benečani pa so pripisovali velik pomen igri barv. Vlažno ozračje Benetk je pripomoglo k temu, da so umetniki z veliko pozornostjo obravnavali slikovitost svojih del. Ni presenetljivo, da so bili Benečani prvi italijanski umetniki, ki so se obrnili na tehniko oljnega slikanja, ki se je razvila na severu Evrope, na Nizozemskem.

Pravi razcvet beneške šole je povezan z ustvarjalnostjo Giorgione de Castelfranco (1477-1510 ). Ta zgodaj preminuli mojster je zapustil nekaj slik. Človek in narava sta glavna tema del, kot so "Country Concert", "Speča Venera", "Thunderstorm". "Med naravo in človekom vlada vesela harmonija, ki je, strogo gledano, glavna tema podobe." Barva ima v Giorgionejevem slikarstvu pomembno vlogo.

Najbolj znan predstavnik beneške šole je bil Tizian Vecelio,čigar letnica rojstva ni znana, vendar je umrl zelo star leta 1576 med epidemijo kuge. Slikal je slike na svetopisemske, mitološke, alegorične teme. V njegovem slikarstvu je močan življenjski začetek, junaki in junakinje so polni moči in telesnega zdravja, veličastni in lepi. Oltarna podoba Marijinega vnebovzetja (Assunta) in antični motiv bakanalije sta enako nasičena z energijo impulza in gibanja. S filozofskim prizvokom sta prežeta tudi Cezarjev denar (Kristus in Juda) ter Ljubezen na zemlji in nebu. Umetnik je opeval žensko lepoto ("Venera iz Urbina", "Danae", "Dekle s sadjem") in tragični trenutek človekovega odhoda iz življenja ("Objokovanje Kristusa", "Pokopavanje"). Veličastno lepe slike, harmonične podrobnosti arhitekturnih oblik, čudovite stvari, ki napolnjujejo notranjost, mehka in topla barva slik - vse to priča o ljubezni do življenja, ki je lastna Tizianu.

Enako temo je nenehno razvijal drugi Benečan, Paolo Veronese (1528-1588 ). Ob besedi "beneško slikarstvo" najprej pomislimo na njegove obsežne "Praznike" in "Praznovanja", njegove alegorije v slavo blaginje Beneške republike. Veronese nima vsestranskosti in modrosti Tiziana. Njegovo slikarstvo je bolj dekorativno. Ustvarjen je bil predvsem za okrasitev palače beneške oligarhije in oblikovanje uradnih zgradb. Veder temperament in iskrenost sta to panegirično sliko spremenila v veselo praznovanje življenja.

Treba je opozoriti, da so Benečani pogosteje kot predstavniki drugih italijanskih šol starinske zgodbe.

politične ideje. Postalo je očitno, da humanistično prepričanje, da bo svoboden in vsemogočen človek postal srečen in osrečil vse okoli sebe, ni upravičeno, in začelo se je iskanje drugih možnosti za doseganje sreče. Ko je usihalo upanje na sposobnost posameznika, da ustvari pogoje za srečno ali vsaj mirno življenje ljudi, se je pozornost preusmerila na možnosti organizirane človeške skupnosti - države. Pri izvoru politične misli sodobnega časa je Firentinec Niccolo Machiavelli (1469-1527 ), ki je bil državnik, zgodovinar, dramatik, vojaški teoretik in filozof. Poskušal je razumeti, kako bi morala biti družba organizirana, da bi ljudje živeli mirneje. Močna moč vladarja je tista, ki bi po njegovem mnenju lahko zagotovila red. Naj bo vladar krut kot lev in zvit kot lisica, naj zaščiti svojo moč in odpravi vse tekmece. Po Machiavelliju naj bi neomejena in nenadzorovana oblast prispevala k nastanku velike in močne države. V takem stanju bo večina ljudi živela mirno, brez strahu za svoja življenja in premoženje.

Delovanje Machiavellija je pričalo, da je čas »igre brez pravil« precej utrudil družbo, da je bilo treba ustvariti silo, ki bi združevala ljudi, urejala odnose med njimi, vzpostavila mir in pravičnost, država pa se je začela obravnavati kot taka sila.

Mesto umetnosti v družbi. Kot smo že omenili, je bila takrat najbolj cenjeno področje delovanja umetniška ustvarjalnost, saj se je umetnostni jezik izražal v celotni dobi. Verska zavest je izgubljala prodoren vpliv na življenje družbe, znanstvena spoznanja pa so bila šele v povojih, zato so svet dojemali skozi umetnost. Umetnost je imela vlogo, ki je v srednjem veku pripadala veri, v družbi novega in sodobnega časa pa znanosti. Vesolje ni bilo dojeto kot mehanični sistem, ampak kot celovit organizem. Glavno sredstvo za dojemanje okolja je bilo opazovanje, kontemplacija, fiksiranje videnega, kar je najbolje omogočalo slikarstvo. Ni naključje, da Leonardo da Vinci slikanje imenuje znanost, poleg tega najpomembnejša med znanostmi.

Številna dejstva pričajo o pomembnosti videza izjemne umetnine v očeh sodobnikov.

O tekmovanjih med umetniki za pravico do donosnega državnega naročila je bilo omenjeno zgoraj. Enako sporno je bilo vprašanje, kje naj stoji Michelangelov "David", nekaj desetletij pozneje pa se je enaka težava pojavila pri postavitvi "Perzeja" B. Cellinija. In to je le nekaj najbolj znanih primerov te vrste. Takšen odnos do nastajanja novih umetniških stvaritev, namenjenih okrasitvi in poveličevanju mesta, je bil povsem naraven za urbano življenje renesanse. Epoha je o sebi spregovorila v jeziku umetnin. Zato je vsak dogodek v umetniškem življenju postal pomemben za celotno družbo.

Teme in interpretacija zapletov v umetnosti italijanske renesanse. Prvič v tisoč letih obstoja krščanske kulture so umetniki začeli upodabljati zemeljski svet, ga povzdigovati, poveličevati, pobožanstvovati. Tematika umetnosti je ostala skoraj izključno religiozna, vendar se je v okviru te tradicionalne tematike zanimanje relativno preusmerilo na življenjsko afirmativno tematiko.

Prva stvar, na katero pomislimo ob omembi italijanske renesanse, je podoba Marije z dojenčkom, ki jo predstavlja mlada ljubica (Madona) z ganljivo lepim otrokom. »Madona z otrokom«, »Madona s svetniki« (tako imenovani »Sveti intervju«), »Sveta družina«, »Čaščenje magov«, »Rojstvo«, »Procesija magov« so priljubljene teme umetnost dobe. Ne, nastala sta tako "Križanja" kot "Žalovanja", vendar ta nota ni bila glavna. Kupci in umetniki, ki so svoje želje utelešali v vidnih podobah, so v tradicionalnih verskih zapletih našli nekaj, kar je nosilo upanje in vero v svetel začetek.

Med liki svetih legend so se pojavile podobe resničnih ljudi, npr donatorji(donatorji), umeščeni izven okvirja oltarne kompozicije ali kot protagonisti množičnih procesij. Dovolj je spomniti se na "Čaščenje magov" S. Botticellija, kjer so v elegantni množici vernikov prepoznavni člani družine Medici in kamor je umetnik domnevno postavil avtoportret. Hkrati so se razširile neodvisne portretne podobe sodobnikov, naslikane iz narave, po spominu, po opisih. V zadnjih desetletjih 15. st umetniki so začeli vedno bolj upodabljati prizore mitološke narave. Takšne slike naj bi okrasile prostore palače. Prizore iz sodobnega življenja so vključili v verske ali mitološke kompozicije. Sama po sebi modernost v vsakdanjih pojavnih oblikah umetnikov ni preveč zanimala, sublimne, idealne teme so oblačili v znane vizualne podobe. Mojstri renesanse niso bili realisti v sodobnem pomenu besede, s sredstvi, ki so jim bila na voljo, so poustvarili svet človeka, očiščen vsakdanjika.

S tehniko linearne perspektive so umetniki na ravnini ustvarili iluzijo tridimenzionalnega prostora, napolnjenega s figurami in predmeti, ki so se zdeli tridimenzionalni. Ljudje na renesančnih slikah so predstavljeni kot veličastni in pomembni. Njihove drže in geste so polne resnosti in slovesnosti. Ozka ulica ali prostoren trg, elegantno opremljena soba ali prosto razprostirajoči se griči - vse služi kot ozadje za figure ljudi.

V italijanskem renesančnem slikarstvu je krajina oziroma notranjost predvsem okvir za človeške figure; subtilno modeliranje svetlobe in sence ustvarja vtis materialnosti, vendar ne grobega, ampak izvrstno zračnega (ni naključje, da je Leonardo menil, da je idealen čas za delo sredi dneva v oblačnem vremenu, ko je svetloba mehka in razpršena); nizek horizont naredi figure monumentalne, kot da se z glavo dotikajo neba, zadržanost njihovih drž in gest jim daje slovesnost in veličastnost. Liki niso vedno lepi v potezah obraza, so pa vedno napolnjeni z notranjim pomenom in pomembnostjo, samozavestjo in umirjenostjo.

Umetniki se v vsem in vedno izogibajo skrajnostim in nesrečam. Takole je umetnostni kritik opisal muzejske vtise o italijanskem renesančnem slikarstvu: »Dvorane italijanske umetnosti XIV-XVI stoletja odlikuje ena zanimiva lastnost - presenetljivo so tihe z obilico obiskovalcev in različnimi izleti ... Tišina lebdi s sten, s slik - veličastna tišina visokega neba, mehkih gričev, velikih dreves. In veliki ljudje ... Ljudje so večji od neba. Svet, ki se širi za njimi - s cestami, ruševinami, rečnimi bregovi, mesti in viteškimi gradovi - vidimo kot z višine leta. Je obsežen, podroben in spoštljivo odstranjen."

V zgodbi o razstavi kartonov, ki sta jih Leonardo in Michelangelo naredila za Svetovno dvorano (slike ne eden ne drugi nista nikoli dokončala) velja opozoriti na dejstvo, da se je Firenčanom zdelo še posebej pomembno videti kartoni. Posebej so cenili risbo, ki prenaša obliko, prostornino upodobljenih predmetov in teles, pa tudi idejni koncept, ki ga je mojster poskušal utelešiti. Barva v slikarstvu je bila zanje bolj dodatek, ki poudarja obliko, ki jo ustvarja risba. In še nekaj: sodeč po ohranjenih kopijah naj bi obe deli (posvečeni sta bili dvema bitkama, pomembnima za zgodovino mestne države Firence) postali tipična manifestacija renesančnega pristopa k umetnosti, kjer je bila glavna stvar oseba. Kljub vsej razliki v kartonih, Leonardo in Michelangelo, prepletena v eno kroglo med bojem za prapor konjskih vojakov pri Leonardu (»Bitka pri Anghiariju«) in vojakov, ki hitijo k orožju, ujeta s strani sovražnika med plavanjem v reki , pri Michelangelu (»Bitka pri Cashinu«), - splošen pristop k predstavitvi upodobljenega je očiten, zahteva izbiro človeške figure, ki ji podredi okoliški prostor. Navsezadnje so igralci pomembnejši od kraja dogajanja.

Zanimivo je spremljati, kako se je miselnost tiste dobe odražala v umetnosti s primerjavo več del, posvečenih prikazovanju iste teme. Ena najljubših zgodb tistega časa je bila zgodba o svetem Sebastijanu, ki so ga rimski vojaki usmrtili zaradi njegove predanosti krščanstvu. Ta tema je omogočila prikaz junaštva človeške osebe, ki je sposobna žrtvovati svoje življenje za svoja prepričanja. Poleg tega je zaplet omogočil, da se obrnemo na podobo golega telesa, da uresničimo humanistični ideal - harmonično kombinacijo lepega videza in čudovite človeške duše.

Sredi XV. Na to temo je bilo napisanih več člankov. Avtorji so bili precej različni mojstri: Perugino, Antonello de Mesina in drugi. Ob pogledu na njihove slike nas preseneti umirjenost, občutek notranjega dostojanstva, ki prežema podobo lepega golega mladeniča, ki stoji ob stebru ali drevesu in zasanjano gleda v nebo. Za njim je mirna podeželska pokrajina ali prijeten mestni trg. Samo prisotnost puščic v telesu mladeniča gledalcu pove, da je pred nami prizor usmrtitve. Bolečine, tragedije, smrti ni čutiti. Ti lepi mladeniči, ki jih druži usoda mučenika Sebastijana, se zavedajo svoje nesmrtnosti, tako kot so ljudje, ki so živeli v Italiji v 15. stoletju, čutili njihovo neranljivost, vsemogočnost.

Na sliki, ki jo je naslikal umetnik Andrea Mantegna, občutimo tragičnost dogajanja, njegovega sv. Sebastian se počuti, kot da umira. In končno, sredi XVI. Tizian Vecelio je napisal svojo sv. Sebastijan. Na tem platnu ni podrobne pokrajine. Kraj dejanja je samo naveden. V ozadju ni naključnih figur, ni bojevnikov-krvnikov, ki merijo na svoj plen, ničesar, kar bi gledalcu lahko povedalo pomen situacije, hkrati pa je čutiti tragičen konec. To ni samo smrt človeka, to je smrt celega sveta, ki gori v škrlatnih bliskih univerzalne katastrofe.

Vrednost kulture italijanske renesanse. Tla, iz katerih je nastala kultura italijanske renesanse, so bila uničena v 16. stoletju. Večji del države je bil podvržen tujim vpadom, novo gospodarsko strukturo je spodkopal premik glavnih trgovskih poti v Evropi iz Sredozemlja v Atlantik, poljske republike so padle pod oblast ambicioznih kondotijerjev plačancev in val individualističnih energija izgubila svojo notranjo utemeljitev in v pogojih oživljanja postopoma zamrla.fevdalnih redov (ponovna fevdalizacija družbe). Poskus ustvarjanja nove družbe, ki temelji na emancipaciji človekove osebnosti, na pobudo podjetništva, je bil v Italiji za dolgo časa prekinjen. Država je propadala.

Po drugi strani pa se je kulturna tradicija, ki jo je ustvarila ta družba, razširila s prizadevanji italijanskih mojstrov po vsej Evropi, postala standard za evropsko kulturo kot celoto, dobila nadaljnje življenje v svoji različici, ki ji je bilo dodeljeno ime "visoka", " znanstvena" kultura. Ostali so spomeniki renesančne kulture - čudovite zgradbe, kipi, stenske slike, slike, pesmi, modri zapisi humanistov, ostala so izročila, ki so postala odločilna za kulturo tistih ljudstev, ki so bila pod njenim vplivom naslednja tri stoletja in pol (do konec 19. stoletja), in ta vpliv se je postopoma zelo razširil.

Posebej je treba opozoriti in poudariti pomen likovne umetnosti italijanske renesanse z njeno željo, da na ravnino stene ali deske prenese na list papirja, zaprt v platnenem okvirju, iluzijo tridimenzionalnega prostora, napolnjenega z iluzorji. tridimenzionalne slike ljudi in predmetov - kaj lahko imenujemo “okno Leonarda Danilova I.E. Italijansko mesto iz 15. stoletja. Resničnost, mit, slika. M., 2000.S. 22, 23. Glej: Golovin V.P. Svet umetnika zgodnje renesanse. M.: Založba Moskovske državne univerze, 2002. Str. 125. Boyadzhiev G. Italijanski zvezki. M., 1968. S. 104.

Lazarev V.N. Stari italijanski mojstri. M., 1972. S. 362.

Rich E. Pisma iz Ermitaža // Aurora. 1975. št. 9. S. 60.

Uvod

Renesansa je revolucija predvsem v sistemu vrednot, v oceni vsega, kar obstaja, in v zvezi z njim. Obstaja prepričanje, da je človek najvišja vrednota. Takšen pogled na osebo je določil najpomembnejšo značilnost renesančne kulture - razvoj individualizma na področju pogleda na svet, celovito manifestacijo individualnosti v javnem življenju. Antična kulturna dediščina je imela veliko vlogo pri oblikovanju renesančne miselnosti. Rezultat povečanega zanimanja za klasično kulturo je bilo preučevanje starodavnih besedil in uporaba poganskih prototipov za utelešenje krščanskih podob. Oživitev antike je pravzaprav dala ime celotni dobi (navsezadnje je renesansa prevedena kot ponovno rojstvo).

V obdobju renesanse v evropskih državah, med oblikovanjem meščanskih narodov, nacionalnih jezikov in kultur, pride do opaznih sprememb v dejavnosti knjižnic. Odpirajo se nove univerzitetne in javne knjižnice. Številne samostanske knjižnice preidejo v last mest. V knjižničnih zbirkah prevladujejo knjige v nacionalnih jezikih, oblikujejo se nova pravila za sestavljanje katalogov, urejanje zbirk in servisiranje bralcev.

Mesta, ki ustvarjajo knjižnice, jih odpirajo ne le za škofe, menihe, znanstvenike, študente, ampak tudi za pravnike, trgovce, mornarje, obrtnike. V tem obdobju so bile dejavnosti mnogih nadarjenih znanstvenikov povezane s knjižnično prakso.

Dela B.F. Volodina, L.I. Vladimirov, O. I. Talalakina. Njihove monografije pripovedujejo o renesančnih knjižnicah, njihovem nastanku, pa tudi o gradnji in opisu notranjosti. Dela E. Gombricha in E. Chamberlaina opisujejo samo renesanso, kulturo Italije. Opozoriti bi rad tudi na dela N.V. Revunenkova, V.G. Kuznetsova in N.V. Revyakina, ki govori o nastanku humanizma in njegovi vlogi pri oblikovanju in razvoju renesanse.

Namen tega dela je pregled in študij italijanskih knjižnic renesanse.

Med študijem se rešujejo naslednje naloge: prepoznavanje glavnih značilnosti italijanske kulture v renesansi, razvoj literature, nastanek humanistične misli, preučevanje zasebnih in javnih knjižnic ter njihova gradnja. in opis notranjosti.

Delo je sestavljeno iz uvoda; dve poglavji: Renesansa kot kulturni razcvet Italije v XIV-XVI stoletju, vrste in namen italijanskih knjižnic; zaključek in seznam literature, uporabljene pri tem predmetu.

Renesansa kot kulturni razcvet Italije v 14.-16.

Italijanska kultura v času renesanse

Obdobje renesanse ali evropske renesanse je proces ločitve od fevdalne preteklosti in čas aktivnega dialoga z antičnimi predniki. Rojstni kraj renesanse je Italija, kjer so se humanistične težnje v mestnem življenju začele jasno kazati v drugi polovici 13. stoletja.

Kulturo renesanse običajno delimo na dve obdobji:

Obdobje tako imenovane "zgodnje renesanse" v Italiji zajema čas od 1420 do 1500. Umetnost se v teh osemdesetih letih še ni popolnoma odrekla tradiciji bližnje preteklosti, ampak poskuša vanje vmešati elemente, izposojene iz klasične antike. Šele pozneje in le malo po malo, pod vplivom vedno bolj spreminjajočih se življenjskih in kulturnih razmer, umetniki popolnoma opuščajo srednjeveške temelje in pogumno uporabljajo primere antične umetnosti, tako v splošnem konceptu svojih del kot v podrobnostih.

Drugo obdobje renesanse - čas najveličastnejšega razvoja njegovega sloga - običajno imenujemo "visoka renesansa". V Italiji se razteza od približno 1500 do 1580. V tem času se je težišče italijanske umetnosti preselilo iz Firenc v Rim, zahvaljujoč pristopu na papeški prestol Julija II. Pod njim postane Rim tako rekoč nove Atene Periklovega časa: v njem nastanejo številne monumentalne zgradbe, izvajajo se veličastna kiparska dela, slikajo se freske in slike, ki še danes veljajo za bisere slikarstva.

Glavna stvar, ki je značilna za to dobo, je vrnitev v arhitekturi k načelom in oblikam starodavne, predvsem rimske umetnosti. V tej smeri je poseben pomen namenjen simetriji, proporciji, geometriji in vrstnemu redu komponent, kar jasno dokazujejo ohranjeni primeri rimske arhitekture. Kompleksno sorazmerje srednjeveških stavb nadomesti urejena razporeditev stebrov, pilastrov in preklad, asimetrične obrise zamenja polkrog loka, polkrogla kupole, niše in edikule.

Največji razcvet je renesančna arhitektura doživela v Italiji, za seboj pa je pustila dve mesti spomenika: Firence in Benetke. Veliki arhitekti so delali na ustvarjanju tamkajšnjih stavb - Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti, Donato Bramante, Giorgio Vasari in mnogi drugi.

Renesančni umetniki, ki so slikali slike tradicionalnih verskih tem, so začeli uporabljati nove umetniške tehnike: graditi tridimenzionalno kompozicijo z uporabo pokrajine v ozadju. To jim je omogočilo, da so slike postale bolj realistične, živahne, kar je pokazalo ostro razliko med njihovim delom in prejšnjo ikonografsko tradicijo, polno konvencij v podobi.

V renesansi poklicna glasba izgubi značaj čisto cerkvene umetnosti in je pod vplivom ljudske glasbe, prežete z novim humanističnim svetovnim nazorom. Umetnost vokalne in vokalno-instrumentalne polifonije dosega visoko raven v delu predstavnikov "nove umetnosti" v Italiji.

Pojavljajo se različne zvrsti posvetne glasbene umetnosti. Oblikujejo se nove zvrsti instrumentalne glasbe, nastajajo nacionalne izvajalske šole na lutnji, orglah in virginalu. V Italiji cveti umetnost izdelovanja lokov z bogatimi izraznimi možnostmi. Renesansa se zaključi s pojavom novih glasbenih zvrsti – samospeva, kantate, oratorija in opere, ki so prispevale k postopni uveljavitvi homofonega sloga.

Razvoj znanja v XIV-XVI stoletju. pomembno vplivala na predstave ljudi o svetu in mestu človeka v njem. Velika geografska odkritja, heliocentrični sistem sveta Nikolaja Kopernika so spremenili predstave o velikosti Zemlje in njenem mestu v vesolju ter dela Paracelsusa in Vesalija, v katerih so se prvič po antiki poskušale raziskati. Struktura človeka in procesi, ki se v njem dogajajo, so zaznamovali začetek znanstvene medicine in anatomije.

Velike spremembe so se zgodile tudi v družboslovju. V delih Jeana Bodina in Niccola Machiavellija so bili zgodovinski in politični procesi najprej obravnavani kot rezultat interakcije različnih skupin ljudi in njihovih interesov. Istočasno so bili narejeni poskusi razviti "idealno" družbeno strukturo: "Utopija" Thomasa Morea, "Mesto sonca" Tommasa Campanella. Zahvaljujoč zanimanju za antiko so bila obnovljena številna starodavna besedila, mnogi humanisti so preučevali klasično latinščino in staro grščino.

Povezava med umetnostjo in znanostjo je ena od značilnih značilnosti kulture renesanse. Prava podoba sveta in človeka je morala temeljiti na njihovem spoznanju, zato je imelo spoznavno načelo v umetnosti tega časa še posebej pomembno vlogo. Seveda so umetniki iskali podporo v znanosti, ki je pogosto spodbujala njihov razvoj.