Tuja glasbena literatura. T. G. Saveljeva. Spremni zapiski o glasbeni literaturi tujih držav. O knjigi "Glasbena literatura tujih držav" I. A. Prohorova

Spremni zapiski o glasbeni literaturi tujih držav so dopolnitev obstoječih učbenikov glasbene literature. Vsebina priročnika ustreza programu predmeta PO.02.UP.03. »Glasbena literatura« dodatnih predpoklicnih splošnih izobraževalnih programov s področja glasbene umetnosti »Klavir«, »Godala«, »Pihala in tolkala«, »Ljudska glasbila«, »Zborovsko petje«, ki jih priporoča Ministrstvo za kulturo. Ruske federacije.

Podporni zapisi o glasbeni literaturi so namenjeni razvijanju humanitarne vzgoje in posebnih kompetenc učencev, zlasti: "... oblikovati glasbeno mišljenje, veščine zaznavanja in analize glasbenih del, pridobiti znanje o vzorcih glasbene oblike, o posebnostih glasbenega jezika, izraznih sredstvih glasbe" 1 .

Učbenik predstavlja delo skladateljev v kontekstu kulturnih in zgodovinskih obdobij, preučuje se v tesni povezavi z zgodovinskimi dogodki in sorodnimi umetnostmi. Povzetek gradiva so glavne teze raziskav zgodovine glasbe in glasbene literature V. N. Bryantseva, V. S. Galatskaya, L. V. Kirillina, V. D. Konen, T. N. Livanova, I. D. Prokhorova in drugih znanih muzikologov, posplošeno in jedrnato učno gradivo v obliki tabel, diagramov in vizualnih podpor. Vizualni nosilci (reprodukcije slik znanih umetnikov, portreti skladateljev, njihovih sorodnikov in prijateljev, vidnih osebnosti kulture in umetnosti, zgodovinske osebnosti ipd.) ne le spremljajo in dopolnjujejo verbalne informacije, temveč so nosilci informacij na področju likovne umetnosti. umetnosti, so neposredno povezani z obdobji in smermi v glasbi, delom skladateljev, odražajo zgodovino, kulturo in umetnost evropskih držav.

Vsebina referenčnih opomb je sestavljena iz štirih sklopov, ki so razdeljeni na teme, ki zajemajo obdobja razvoja evropske glasbe od glasbene kulture stare Grčije do dela romantičnih skladateljev 19. stoletja. Prvi del torej obravnava glasbeno kulturo stare Grčije, srednjega veka in renesanse. Drugi del obravnava barok, delo J. S. Bacha in G. F. Händla. Tretji del je posvečen dobi klasicizma, kjer je poudarek na delu dunajskih klasikov - J. Haydna, W. A. ​​​​Mozarta in L. Beethovna. Četrti del predstavlja gradivo o dobi romantike, delo F. Schuberta in F. Chopina, kratek pregled dela romantičnih skladateljev devetnajstega stoletja F. Mendelssohna, F. Liszta, R. Schumanna, G. Berlioza, D. Verdi, R. Wagner, J. Brahms, J. Bizet.

Priročnik vsebuje tudi slovarje pomenov, pojmov in pojmov, ki jih najdemo v besedilu, kratko analizo in glasbene primere proučevanih del.

Ob strogem podajanju snovi v tabelah in diagramih so v priročniku zanimivosti iz življenja skladateljev, podane v obliki pripovedi in pospremljene z barvitimi likovnimi ilustracijami, ki osvežijo dojemanje in pozornost otrok.

Referenčni zapisi o glasbeni literaturi tujih držav so namenjeni učencem Otroške umetniške šole, Otroške glasbene šole drugega in tretjega letnika (5. in 6. razred), ki se izobražujejo po dodatnih predstrokovnih splošnih izobraževalnih programih s področja glasbene umetnosti. Učitelji glasbeno-teoretičnih in posebnih disciplin otroških glasbenih šol, otroških umetniških šol lahko uporabljajo učbenik pri študiju nove snovi, ponavljanju in sistematizaciji obravnavanih tem, pripravah na vmesno in zaključno spričevalo učencev, pripravah na glasbeno-teoretične olimpijade, samostojnem delu. učencev, skupinske in individualne vadbe, delno pri izvajanju dodatnih splošnorazvojnih programov v področja glasbene umetnosti, v kulturni in izobraževalni dejavnosti.

K referenčnim zapisom je priložen delovni zvezek, ki je namenjen delu v razredu.

Spodaj so fragmenti priročnika "Spremni zapisi o glasbeni literaturi tujih držav".

Za nakup priročnika Tatyane Guryevne Savelyeve "Referenčne opombe o glasbeni literaturi tujih držav" se obrnite na avtorja na [e-pošta zaščitena]

_____________________________________________

1 Zgledni program pri predmetu PO.02. UP.03. Glasbena literatura. - Moskva 2012

______________________________________________________

Glasbena knjižnica Veseli nas, da ste v naši glasbeni knjižnici našli in prenesli gradivo, ki vas zanima. Knjižnica se nenehno dopolnjuje z novimi deli in gradivi, naslednjič pa boste zagotovo našli kaj novega in zanimivega za vas. Knjižnica projekta je dopolnjena na podlagi učnega načrta in gradiva, priporočenega za poučevanje in širjenje obzorja učencev. Tu bodo koristne informacije našli tako učenci kot učitelji. knjižnica predstavlja tudi metodično literaturo. Naši ljubljenčki Skladatelji in izvajalci Sodobni umetniki Tukaj boste našli tudi biografije uglednih umetnikov, skladateljev, slavnih glasbenikov ter njihova dela. V rubriki delo objavljamo posnetke izvedb, ki vam bodo v pomoč pri učenju, slišali boste, kako to delo zveni, poudarke in nianse dela. Čakamo vas na classON.ru. VN Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 - 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791 Franz Schubert 1797 - 1828 www.classON.ru Joseph Haydn 1732 - 1809 Ludwig van Beethoven 1770 - 1827 Fryderyk Chopin več o njenem izobraževanju otrok in v Rusiji v izobilju približno od 10. stoletja pr. Razvijajo se vizualne umetnosti - umetniki upodabljajo glasbenike, ki spremljajo verske obrede, vojaške pohode, lov, slovesne procesije, plese s petjem in igranjem na instrumente. Takšne slike so se ohranile zlasti na stenah templjev in keramičnih vazah, najdenih med izkopavanji. Pojavi se pisanje - in avtorji rokopisov vanje uvajajo poetična besedila pesmi in hvalnic, podajajo zanimive informacije o glasbenem življenju. Sčasoma pisci veliko pozornosti posvečajo filozofskim razpravam o glasbi, njeni pomembni družbeni, tudi izobraževalni vlogi, pa tudi teoretskemu preučevanju prvin njenega jezika. Večina teh informacij se je ohranila o glasbi v nekaterih državah starodavnega sveta, na primer v starodavni Kitajski, starodavni Indiji, starem Egiptu, zlasti v tako imenovanih starodavnih državah - stari Grčiji in starem Rimu, kjer so temelji evropske kulture. so bile položene 2. Uvod Glasba od antičnih časov do J. S. Bacha Dragi otroci! Lani ste že imeli pouk glasbene literature. Obravnavali so osnovne elemente glasbenega jezika, nekatere glasbene oblike in zvrsti, izrazne in likovne možnosti glasbe ter orkester. Ob tem je prostodušno tekel pogovor o najrazličnejših obdobjih - bodisi o antiki, bodisi o sodobnosti ali vračanju v stoletja, ki so nam manj ali bolj oddaljena. In zdaj je čas, da se seznanimo z glasbeno literaturo v kronološko zaporednem – zgodovinskem – vrstnem redu1. O glasbi v stari Grčiji Kako smo prišli do informacij o glasbi starega sveta. Prepričljiv dokaz velike kulturne in zgodovinske vloge antike je dejstvo, da so se v stari Grčiji v 8. stoletju pred našim štetjem rodila javna športna tekmovanja, olimpijske igre. . In dve stoletji pozneje so tam začela prirejati glasbena tekmovanja - Pitijske igre, ki jih lahko štejemo za daljne prednike sodobnih tekmovanj. Pitijske igre so potekale v templju, zgrajenem v čast pokrovitelja umetnosti, boga sonca in svetlobe Apolona. Po mitih je, ko je premagal pošastno kačo Python, sam ustanovil te igre. Znano je, da jih je nekoč zmagal Sakkad iz Argosa, ki je igral na aulos, pihalo, ki je blizu oboi, programska igra o boju Apolona, ​​s Pythonom.Za starogrško glasbo je bila značilna povezava s poezijo, ples, gledališče. Junaški epski pesmi "Iliada" in "Odiseja", ki ju pripisujejo legendarnemu pesniku Homerju, sta bili zapeti s pojočim glasom. Pevci so bili običajno, podobno kot mitološki Orfej, avtorji pesniškega besedila in glasbe, sami pa so se spremljali na liri. Na veselicah so izvajali zborovske plesne pesmi s pantomimskimi potezami. V starogrških tragedijah in komedijah je velika vloga pripadala zboru: komentiral je dejanje, izražal svoj odnos do.Med izkopavanjem so arheologi našli najpreprostejša glasbila (na primer pihala - živalske kosti z izvrtanimi luknjami) in določili da so bile izdelane pred približno štirideset tisoč leti. Glasbena umetnost je torej že takrat obstajala. Potem ko je bil leta 1877 izumljen fonograf - prva naprava za mehansko snemanje in reprodukcijo zvoka, so glasbeniki-raziskovalci začeli potovati na tiste konce sveta, kjer so nekatera plemena še imela primitiven način življenja. Od predstavnikov takih plemen so s pomočjo fonografa posneli vzorce petja in instrumentalnih melodij. Toda takšni posnetki dajejo seveda le približno predstavo o tem, kakšna je bila glasba v tistih davnih časih. Beseda "kronologija" (pomeni "zaporedje zgodovinskih dogodkov v času") izvira iz dveh grških besed - "chronos" ("čas") in "logos" ("doktrina"). 1 Latinska beseda "antiguus" pomeni "starodaven". Izraz "starodavni", ki izhaja iz njega, se nanaša na zgodovino in kulturo stare Grčije in starega Rima. 2 2 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti, ki temelji na dejanjih junakov. Sodobni muzikologi imajo nekaj informacij o glasbi antičnega sveta, a kljub temu zavidajo zgodovinarjem drugih umetnosti. Za veliko število veličastnih spomenikov starodavne arhitekture so se ohranile starodavne likovne umetnosti, zlasti kiparstvo, našli so številne rokopise z besedili tragedij in komedij velikih starodavnih dramatikov. Toda glasbena dela, nastala v istem obdobju in celo mnogo pozneje, nam ostajajo v bistvu neznana. Zakaj se je tako zgodilo? Dejstvo je, da se je izkazalo za zelo težko nalogo iznajti dovolj natančen in priročen sistem notnega zapisa (notacije), tistega, ki ga je vsak od vas obvladal, ko se je šele začel učiti glasbe. Za rešitev je bilo potrebnih več stoletij. Res je, stari Grki so izumili zapis črk. Korake glasbenih načinov so označili z določenimi črkami abecede. Toda ritmični znaki (iz pomišljajev) niso bili vedno dodani. Šele sredi 19. stoletja našega štetja so znanstveniki končno razvozlali skrivnosti tega zapisa. Če pa so v starogrških glasbenih rokopisih uspeli natančno razvozlati razmerje zvokov po višini, potem je razmerje v trajanju le približno. Poleg tega je bilo najdenih zelo malo takšnih rokopisov in vsebujejo zapise le nekaj monofoničnih del (na primer himne) in pogosteje - njihove fragmente. zadostna vidljivost. Zato glasbeniki že dolgo uporabljajo ikone pomožnih namigov. Te ikone so bile nameščene nad besedami pesmi in so označevale posamezne zvoke ali njihove majhne skupine. Niso navedli točnega razmerja zvokov ne po višini ne po trajanju. A s svojim napisom so nastopajoče spominjale na smer gibanja melodije, ki so jo znali na pamet in jo prenašali iz roda v rod. V državah zahodne in srednje Evrope, o katerih glasbi bomo govorili kasneje v tem učbeniku, so takšne ikone imenovali nevme. Na nevme so zapisovali starodavne katoliške liturgične pesmi – gregorijanski koral. To splošno ime izhaja iz imena papeža Gregorja I3. Po legendi je konec 6. stoletja sestavil glavno zbirko teh enoglasnih napevov. Namenjene so samo moškim in fantom pri bogoslužnem izvajanju – solo in unisono z zborom, napisane so v latinskih molitvenih besedilih. Toda v 11. stoletju je italijanski menih Guido d'Arezzo (»iz Arezza«) izumil nov način zapisovanja. V samostanu je učil fante petja in želel, da bi si lažje zapomnili duhovne petje. nevme so začeli postavljati na vodoravno črto, nad in pod njo. Ta črta je ustrezala enemu določenemu zvoku in tako določila približno višino posnetka. In Guido je prišel na idejo, da nariše štiri vzporedne črte hkrati (»vladarji«) na enaki razdalji drug od drugega in na njih in med njimi postavljajo nevme.Tako je prednik nastal sodobno glasbeno osebje - kot strogo obrobljeno platno, ki je omogočilo natančno označevanje razmerja višin zvokov z tone in poltone. In hkrati je notni zapis postal bolj vizualen - kot slika, ki prikazuje gibanje melodije, njene ovinke. Zvoke, ki so ustrezali ravnilom, je Guido označil s črkami latinske abecede. Njihovi slogi so se začeli kasneje spremenili in se sčasoma spremenili v znake, ki so jih poimenovali ključi. »sedeči« na ravnilih in med njimi, so se sčasoma spremenili v ločene note, v katerih so glave najprej imele obliko kvadratov. Vprašanja in naloge 1. Kdaj so po mnenju znanstvenikov nastala najstarejša glasbila? Kaj pravi? 2. Kaj je fonograf, kdaj je bil izumljen in kako so ga raziskovalci začeli uporabljati? 3. O glasbi katerih držav starega veka je ohranjenih največ podatkov? Na zemljevidu določi – okoli katerega morja so se nahajale tri take države. 4. Kdaj in kje so se začela izvajati starodavna glasbena tekmovanja – Pitijske igre? 5. S katerimi umetnostmi je bila glasba tesno povezana v stari Grčiji? 6. Katere zapise so izumili stari Grki? V čem je netočna? Naziv "Rimski papež" nosi duhovnik, ki vodi Katoliško cerkev kot mednarodno duhovno organizacijo. Katolicizem je poleg pravoslavja in protestantizma ena od krščanskih veroizpovedi. 4 Stari Rimljani so govorili latinsko. Po padcu Rimskega cesarstva leta 476 se je latinščina postopoma prenehala govoriti. Iz nje so prišli tako imenovani romanski jeziki - italijanščina, francoščina, španščina, portugalščina. 3 Kako je nastal priročni zapis V srednjem veku (za začetek tega zgodovinskega obdobja štejemo 6. stoletje našega štetja) je bil črkovni zapis skoraj pozabljen. 3 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti Govorice o novi metodi zapisovanja so - kot nekakšen čudež - dosegle papeža Janeza XIX. K sebi je poklical Gvida in zapel njemu neznano melodijo po izmišljenem posnetku. V prihodnosti se je število vzporednih vladarjev večkrat spremenilo, zgodilo se je - celo povečalo na osemnajst. Šele do konca 17. stoletja je "zmagalo" sedanje petvrstično osebje. Uporabljenih je bilo tudi veliko različnih ključev. Šele v 19. stoletju so postali najpogostejši violinski in basovski ključi. Po izumu Guida d'Arezza je bila dolgo časa rešena še ena težka naloga - kako izboljšati notacijo, tako da označuje natančno razmerje zvokov ne samo v višini, ampak tudi v trajanju.Čez nekaj časa so se domislili za to uporabljamo glasbene znake, različne po obliki. Temu so sprva dodali mnoga konvencionalna pravila, ki so otežila uporabo v praksi. In v nekaj stoletjih se je postopoma razvila bolj priročna notacija - točno tista, ki jo nadaljujemo uporabljati zdaj. Po začetku 17. stoletja so ga izboljšali le v podrobnostih. In njegov ritmični princip, ki so ga tako dolgo iskali, se zdaj zdi najpreprostejši od vseh. Sestoji iz dejstva, da cela nota po trajanju je vedno enaka dvema polovicama – različna po slogu, polovica dvema četrtinama, ena četrtina dvema osminama itd., da so takti začeli ločevati takte v 16. stoletju, velikost pa na začetku notni zapis je bil brez napak naveden je iz 17. stoletja. Vendar pa takrat že niso obstajali samo glasbeni rokopisi, ampak tudi tiskane note. Kajti glasbeno tiskanje se je začelo kmalu po izumu tiska – proti koncu 15. stoletja. V antičnem svetu in dolgo v srednjem veku je bila glasba praviloma enoglasna. Bilo je le nekaj manjših izjem. Na primer, pevec je izvajal pesem in jo sinhroniziral (torej igral istočasno) med igranjem na instrument. Hkrati sta se lahko glas in inštrument včasih nekoliko razpršila, oddaljila drug od drugega in kmalu spet zbližala. Tako so v enoglasnem zvočnem toku nastajali in izginjali »otočki« dvoglasja. Toda na prelomu prvega in drugega tisočletja naše dobe se je polifonično skladišče začelo dosledno razvijati in kasneje postalo prevladujoče v profesionalni glasbeni umetnosti. Ta zapletena in dolga formacija se je osredotočala predvsem na področje katoliške cerkvene glasbe. Primer se je začel z izumom (kdo - neznano) naslednje tehnike. En pevec (ali več pevcev) je izvajalo glavni glas - počasno gladko melodijo gregorijanskega korala. In drugi glas se je gibal strogo vzporedno - natanko v istem ritmu, le ves čas na razdalji oktave, kvarte ali kvinta. Zdaj za naša ušesa zveni zelo ubogo, »prazno«. Toda pred tisoč leti je takšno petje, ki je odmevalo pod oboki cerkve, katedrale, začudeno in navdušeno, odprlo glasbi nove izrazne možnosti. Čez nekaj časa so cerkveni glasbeniki začeli iskati bolj prilagodljive in raznolike metode vodenja drugega glasu. In potem so začeli vse bolj spretno združevati tri, štiri glasove, kasneje včasih tudi več glasov. Vprašanja in naloge 1. Kaj je bilo v praksi črkovnega zapisa neprijetno? 2. Kaj so nevme predlagale srednjeveškim koristom? 3. Kaj je gregorijanski koral in zakaj se tako imenuje? 4. Pojasnite bistvo izuma Guida d'Arezza 5. Kaj je bila naslednja naloga, ki jo je bilo treba rešiti po izumu Guida 6. Od kdaj se notni zapis ni več bistveno spreminjal? stoletja cerkveni glasbenik Perotyn Bil je izjemen predstavnik pevska umetnost - pariška "šola Notre Dame" ("šola Gospe"). Perotinove pesmi so zvenele v stavbi izjemne lepote. To je znameniti spomenik srednjeveške gotske arhitekture, ki ga je opisal francoski pisatelj iz XIX. stoletja Victor Hugo v znameniti V romanu "Notre Dame Cathedral". Kako se je začela razvijati polifonija v glasbi Tako se je začela razvijati polifonija. V prevodu iz grškega jezika ta beseda pomeni "polifonija". Toda polifonija se imenuje samo ta vrsta polifonije v kateri zvenita dva ali več enakih glasov hkrati, poleg tega ima vsak od njih svojo samostojno melodijsko linijo. če en glas vodi glavno melodijo, medtem ko so ji drugi podrejeni (ga spremljajo, jo spremljajo), potem je to homofonija - drugi.Zahvaljujoč izboljšanju notnega zapisa so postopoma, zlasti od 13. stoletja, glasbeni rokopisi začeli bolj in natančneje razvozlati. To je omogočilo seznanitev ne le z informacijami o glasbeni kulturi, ampak tudi s samo glasbo preteklih obdobij. Ni bilo naključje, da so uspehi notacije sovpadli z začetkom razvoja polifonije - pomembne faze v zgodovini glasbene umetnosti. 4 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti Maša je postala glavna glasbena zvrst. Navadna maša 5 vključuje šest glavnih pesmi nabožnih latinskih besedil. To so "Kiriyo Eleison" ("Gospod, usmili se"), "Gloria" ("Slava"), "Credo" ("Verujem"), "Sanctus" ("Sveti"), "Benedictus" ("Blaženi" ) in "Agnus Dei" ("Jagnje božje"). Sprva je gregorijanski koral pri mašah zvenel v en glas. Toda približno do 15. stoletja se je maša spremenila v cikel zapletenih polifoničnih delov 6. Hkrati so začeli zelo spretno uporabljati imitacije. Prevedeno iz latinščine "imitatio" pomeni "posnemanje". V glasbi lahko včasih posnemamo zunajglasbene zvoke, na primer trke slavca, oglašanje kukavice, šumenje morskih valov. Potem se imenuje onomatopeja ali onomatopeja. In posnemanje v glasbi je takšna tehnika, ko jo po tem, ko se melodija konča z enim glasom, drugi glas natančno (ali ne povsem natančno) ponovi iz drugega zvoka. Drugi glasovi lahko nato vstopijo na enak način. V homofonični glasbi se lahko na kratko pojavijo imitacije. In v polifonični glasbi je to ena glavnih metod razvoja. Pomaga, da je melodično gibanje skoraj neprekinjeno: premori in kadence hkrati v vseh glasovih se pojavljajo v večglasni glasbi le v obliki redkih izjem7. S kombiniranjem posnemanja z drugimi večglasnimi sredstvi so skladatelji iz svojih maš preoblikovali velika zborovska dela, v katerih se štiri ali pet glasov prepleta v kompleksno zvočno tkivo. V njej je že težko razločiti melodijo gregorijanskega korala in prav tako težko slišati molitvene besede. Bile so celo maše, pri katerih so bile kot glavne uporabljene melodije ljudskih posvetnih pesmi. To stanje je skrbelo najvišje katoliške duhovne oblasti. Sredi 16. stoletja je nameravala na splošno prepovedati večglasno petje med cerkvenimi službami. Toda do takšne prepovedi ni prišlo po zaslugi čudovitega italijanskega skladatelja Palestrine, ki je skoraj vse življenje preživel v Rimu in je bil blizu papeškega dvora (njegovo polno ime je Giovanni Pierluigi da Palestrina, to je "iz Palestrine" - majhno mesto blizu Rima). Palestrina je s svojimi mašami (napisal jih je več kot sto) uspel pojav polifonije. Ker ima spremljava akordno-harmonično osnovo, se homofono skladišče glasbene predstavitve imenuje tudi homofono-harmonično. Vprašanja in naloge 1. Od kdaj so glasbeni rokopisi vedno bolj natančno dešifrirani? 2. S katero pomembno novo stopnjo v zgodovini glasbene umetnosti je sovpadal uspeh notnega zapisa? 3. Kdaj, v kateri glasbi in na podlagi katerih melodij se je postopoma oblikovalo večglasje? 4. Kaj je bil vzporedni dvoglas? Skupaj zapojte več vzporednih četrtin, kvint in oktav. 5. Kakšna je razlika med polifonijo in homofonijo? Kako se je večglasje razvijalo naprej Medtem ko se je večglasje začelo razvijati v cerkvenem petju, je enoglasje še naprej prevladovalo v posvetni glasbi. Na primer, dešifriranih je bilo veliko posnetkov enoglasnih pesmi, ki so jih sestavili in izvajali srednjeveški pesniki-pevci v 12.-14. Na jugu Francije, v Provansi, so jih imenovali trubadurji, na severu Francije - trouvers, v Nemčiji - minnesingerji. Mnogi med njimi so bili slavni vitezi in so v svojih pesmih pogosto opevali lepoto in krepost »lepe gospe«, ki so jo častili. Melodije pesmi teh pesnikov-pevcev so bile pogosto blizu ljudskim napevom, tudi plesnim, ritem pa je bil podrejen ritmu pesniškega besedila. Kasneje, v XIV-XVI stoletju, so se nemški pesniki-pevci iz vrst obrtnikov združili v delavnice, ki so se imenovali Meistersingers ("mojstri pevci"). Cerkvena polifonija in monofonija posvetne pesmi se nista izkazali za ločeni drug od drugega. Tako v glasov, ki so bili v duhovnih napevih dodani gregorijanskemu koralu, je postal opazen vpliv posvetnih pesmi (na primer pesmi trubadurjev in trouveurjev). Istočasno so se proti koncu 13. stoletja v Franciji pojavila povsem posvetna polifona dela , kjer so stranke vseh glasov temeljile na melodijah pesemskega značaja, besedila pa niso bila sestavljena v latinščini, temveč v francoščini.Sčasoma v katoliški cerkveni glasbi še vedno obstajajo posebne maše, posvečene cerkvenim praznikom.Spomnimo se, da a cikel je delo več ločenih delov (ali skladb), ki jih združuje skupna ideja. ) je melodični in harmonski obrat, ki zaključuje celotno glasbeno delo ali njegov del 5 6 5 www.classON.ru izobraževanje na področju ruske umetnosti, da bi dokazali, da lahko polifone skladbe, čeprav ostajajo zelo vešče, zvenijo pregledno in da so liturgična besedila jasno slišana. Glasba Palestrine je eden od vrhov starodavne zborovske polifonije tako imenovanega strogega sloga. Popelje nas v svet razsvetljene vzvišene kontemplacije - kot da izžareva enakomeren, pomirjujoč sijaj. pesniki, glasbeniki, znanstveniki in ljubitelji umetnosti. Prevzela jih je ideja, da ustvarijo novo vrsto izrazitega solopetja s spremljavo in ga združijo z gledališko akcijo. Tako so se rodile prve opere, katerih zapleti so bili vzeti iz antične mitologije. Prva je »Daphne«, ki sta jo sestavila skladatelj Jacopo Peri (skupaj z Y. Korea) in pesnik O. Rinuccini. Izvedena je bila leta 1597 v Firencah (delo v celoti ni ohranjeno). V starogrški mitologiji je Daphne hči rečnega božanstva Ladona in boginje zemlje Gaie. Ko je bežala pred Apolonovim preganjanjem, je molila za pomoč bogovom in se spremenila v lovor (v grščini "daphne" - "lovor") - Apolonovo sveto drevo. Ker je Apolon veljal za boga zaščitnika umetnosti, so zmagovalce Pitijskih iger začeli okronati z lovorovim vencem, katerega ustanovitelj je veljal za Apolona. Lovorov venec in ločena veja lovorja sta postala simbola zmage, slave in nagrade. Dve drugi operi, ki sta nastali leta 1600 (eno J. Perija, drugo G. Caccinija), se imenujeta "Evridika", ker obe uporabljata isto pesniško besedilo, ki temelji na starogrškem mitu o legendarnem pevcu Orfeju. Prve italijanske opere so izvajali v palačah in hišah plemičev. Orkester je sestavljalo nekaj starodavnih glasbil. Vodil ga je glasbenik, ki je igral na čembalo (italijansko ime za čembalo). Uverture še ni bilo, začetek nastopa pa so naznanile fanfare trobente. In v vokalnih delih je prevladoval recitativ, v katerem je bil glasbeni razvoj podrejen pesniškemu besedilu. Kmalu pa je glasba v operah začela dobivati ​​vse bolj samostojen in pomemben pomen. To je zasluga prvega izjemnega opernega skladatelja - Claudia Monteverdija. Njegova prva opera - "Orfej" - je bila uprizorjena leta 1607 v Mantovi. Njen junak je spet isti legendarni pevec, ki je s svojo umetnostjo pomiril Hada, boga podzemlja mrtvih, in izpustil na zemljo Evridiko, Orfejevo ljubljeno ženo. Toda Hadov pogoj - preden zapusti svoje kraljestvo, nikoli ne pogleda Evridike - je Orfej prekršil in jo znova, za vedno, izgubil. Monteverdijeva glasba je tej žalostni zgodbi dala liričen in dramatičen izraz brez primere. Vokalni deli, zbori, orkestrske epizode so v Monteverdijevem Orfeju postali mnogo bolj raznoliki. V tem delu se je začel oblikovati melodični ariozni slog - najpomembnejša posebnost italijanske operne glasbe. Po zgledu Firenc so opere začele nastajati in izvajati ne samo v Mantovi, ampak tudi v italijanskih mestih, kot so Rim, Benetke in Neapelj. Zanimanje za nov žanr se je začelo porajati tudi v drugih evropskih državah in njihovih Vprašanja in naloge 1 . Kdo so trubadurji, trouverji, minnesingerji in mastersingerji? 2. Ali obstaja povezava med starim cerkvenim večglasjem in posvetnimi pesemskimi melodijami? 3. Poimenuj glavne dele navadne mase. 4. Navedite primere onomatopeje v glasbi. 5. Kaj imenujemo imitacija v glasbi? 6. Kaj je Palestrini uspelo doseči v svojih mašah? Rojstvo opere. Oratorij in kantata Tik pred začetkom 17. stoletja - prvega stoletja zgodovinskega obdobja, imenovanega novi vek - se je v glasbeni umetnosti zgodil izjemno pomemben dogodek: v Italiji se je rodila opera. Glasba se že od antičnih časov uporablja v različnih gledaliških predstavah. V njih so lahko poleg instrumentalnih in zborovskih točk izvajali tudi posamezne vokalne sole, kot so pesmi. In v operi so pevci in pevke postali igralci in igralke. Njihovo petje je ob spremljavi orkestra v kombinaciji z odrskim dogajanjem začelo podajati glavno vsebino predstave. Dopolnjujejo jo scenografija, kostumi, pogosto tudi plesi – balet. Tako je v operi glasba vodila tesno skupnost različnih umetnosti. To ji je odprlo velike nove umetniške možnosti. Operni pevci so začeli z neverjetno močjo prenašati osebna čustvena doživetja ljudi - tako vesela kot žalostna. Hkrati je bilo najpomembnejše izrazno sredstvo v operi homofona kombinacija solo pevskega glasu z orkestrsko spremljavo. In če se je do 17. stoletja profesionalna glasba v zahodni Evropi razvijala predvsem v cerkvi in ​​je bila maša največja zvrst, je potem glavno središče postalo glasbeno gledališče, največja zvrst pa opera. Konec 16. stoletja je v italijanskem mestu Firence zbral krog 6. www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju umetnosti v Rusiji so vladarji vzeli v navado, da v svojo dvorno službo povabijo italijanske glasbenike. To je prispevalo k temu, da je italijanska glasba za dolgo časa postala najvplivnejša v Evropi. V Franciji je v 17. stoletju nastala lastna nacionalna opera, drugačna od italijanske. Njegov ustanovitelj - Jean-Baptiste L yul l in - Italijan po rojstvu. Kljub temu je pravilno začutil posebnosti francoske kulture in ustvaril nekakšen francoski operni stil. V Lullyjevih operah so na eni strani veliko mesto zasedli recitativi in ​​majhne arije recitativne narave, na drugi strani pa baletni plesi, svečane koračnice in monumentalni zbori. Skupaj z mitološkimi zapleti, veličastnimi kostumi, upodobitvijo magičnih čudežev s pomočjo gledaliških strojev je vse to ustrezalo sijaju in sijaju dvornega življenja v času vladavine francoskega kralja Ludvika XIV. Prvo opero v Nemčiji, Daphne (1627), je ustvaril največji nemški skladatelj predbachove dobe Heinrich Schüttz. Toda njena glasba se ni ohranila. In v državi ni bilo pogojev za razvoj opernega žanra: resnično so se oblikovali šele z začetkom 19. stoletja. In v delu Schutza so glavno mesto zasedle ekspresivne vokalno-instrumentalne skladbe na duhovnih besedilih. Leta 1689 so v Londonu izvedli prvo angleško opero Didona in Enej skladatelja izjemnega talenta Henryja Purcella. Glasba te opere očara s srčnimi besedili, poetično fantazijo in barvitimi vsakdanjimi podobami. Vendar pa po Purcellovi smrti skoraj dve stoletji med angleškimi skladatelji ni bilo izjemnih glasbenih ustvarjalcev. Na prehodu iz 16. v 17. stoletje sta se hkrati z opero in tudi v Italiji rodila o r a t o r i in cant ata. Podobna je operi v tem, da pri njenem izvajanju sodelujejo tudi solisti, zbor in orkester ter da zvenijo tudi arije, recitative, vokalne zasedbe, zbore, orkestralne epizode. Toda v operi ne izvemo razvoja dogodkov (zapleta) ne samo iz tega, kar solisti pojejo, ampak tudi iz tega, kar delajo in kaj se sploh dogaja na odru. In v oratoriju in kantati ni odrskega dejanja. Izvajajo se v koncertnem okolju, brez kostumov in kulis. Obstaja pa tudi razlika med oratorijem in kantato, čeprav ni vedno jasna. Običajno je oratorij delo večjega obsega in z bolj razvitim verskim zapletom. Pogosto ima epsko-dramatski značaj. V zvezi s tem je v oratorij pogosto vključen pripovedni recitacijski del pevca-pripovedovalca. Posebna vrsta duhovnih oratorijev je "strast" ali "pasivno" (prevedeno iz latinščine - "trpljenje"). Pasijon pripoveduje o trpljenju in smrti Jezusa Kristusa, križanega na križu. 7 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti Kantate so glede na vsebino verbalnega besedila razdeljene na duhovne in posvetne. V 17. stoletju in v začetku 18. stoletja je v Italiji nastalo veliko manjših, komornih kantat. Sestavljene so iz izmenjevanja dveh ali treh recitativov z dvema ali tremi arijami. V prihodnosti so se razširile kantate pretežno slovesne narave. Duhovne kantate in »strasti« različnih konstrukcij so bile najbolj razvite v Nemčiji. arije in fascinantno je uporabiti virtuozni pasažni gib. V zapuščini Corellija in Vivaldija veliko mesto pripada žanru triosonate. V večini trio sonat dva glavna dela igrajo violine, tretji del pa spremlja čembalo ali orgle, pri čemer basovski glas podvajata violončelo ali fagot. Po triosonati se je pojavila sonata za violino ali drugo glasbilo ob spremljavi čembala. kot tudi concerto grosso - koncert za orkester (prvi - godala). Za številna dela teh žanrov je značilna oblika stare sonate. Običajno je štiridelni cikel z razmerjem počasnega-hitrega-počasnega-hitrega tempa. Nekoliko pozneje, že v 18. stoletju, je Vivaldi začel skladati solistične koncerte za violino in nekatere druge instrumente ob spremljavi orkestra. Tam je bil cikel treh delov: "hitro-počasi-hitro". Vprašanja in naloge 1. Kje in kdaj se je rodila opera? Pojasnite, v čem se opera razlikuje od gledališke predstave z glasbo. 2. Katero je najpomembnejše izrazno sredstvo v operni glasbi? 3. Kako se imenuje prva opera Claudia Monteverdija in kakšne lastnosti se kažejo v njeni glasbi? 4. Povejte nam o značilnostih starih francoskih oper. 5. Poimenujte prvo opero, napisano v Nemčiji, in prvo opero, napisano v Angliji. 6. Kakšna je glavna razlika med oratorijem in kantato od opere? 7. Kaj so "strasti" ("pasivne")? Že v starem Egiptu so orgle začele svojo stoletno zgodovino. Do 17. stoletja je postal zelo kompleksen inštrument s širokimi umetniškimi možnostmi. Majhne orgle je bilo potem mogoče najti celo v zasebnih domovih. Uporabljali so jih za treninge, igrali so variacije na melodije ljudskih pesmi in plesov. In velike orgle z bleščečimi vrstami cevi, z izrezljanimi lesenimi trupi so zvenele, kot zdaj, v cerkvah in katedralah. Dandanes so v številnih koncertnih dvoranah tudi orgle. V sodobnih orglah je več tisoč cevi in ​​do sedem klaviatur (manualov), ki se nahajajo ena nad drugo - kot stopnice. Cevi je toliko, ker so razdeljene v skupine – registre. Registre vklapljamo in preklapljamo s posebnimi ročicami, da dobimo drugačno barvo (timber) zvoka. Orgle so opremljene tudi s pedalom. To je cela nožna tipkovnica s številnimi velikimi tipkami. S pritiskom nanje z nogami lahko organist izvabi in tudi dolgo vzdržuje basovske zvoke (takšne zdržane zvoke imenujemo tudi pedal ali orgelska točka). V smislu bogastva tonov, če je mogoče primerjati najlažji pianissimo z gromkim fortissimom, orglam ni para med glasbili. V 17. stoletju je orglarska umetnost v Nemčiji dosegla posebno velik razcvet. Tako kot v drugih državah so bili nemški cerkveni organisti tako skladatelji kot izvajalci. Niso le spremljali duhovnih pesmi, ampak so tudi solirali. Med njimi je bilo veliko nadarjenih virtuozov in improvizatorjev, ki so s svojim igranjem pritegnili cele množice ljudi. Eden najimenitnejših med njimi je Dietrich Buxtehude. Mladi Johann Sebastian Bach je prišel peš iz drugega mesta, da bi ga poslušal. Buxtehudejevo raznoliko in obsežno delo predstavlja glavne zvrsti orgelske glasbe tistega časa. Po eni strani so to preludiji, fantazije in instrumentalna glasba 17. stoletja, njene zvrsti in oblike.Igranje na instrumente je dolgo časa najpogosteje podvajalo dele glasov v vokalnih delih ali spremljanih plesih. Razdeljene so bile tudi instrumentalne priredbe vokalnih skladb. Samostojni razvoj instrumentalne glasbe se je okrepil šele v 17. stoletju. Hkrati so se v njem še naprej razvijale umetniške tehnike, ki so se razvile v vokalni polifoniji. Obogatili so jih z elementi homofonega sklada, ki temelji na pesmi in plesu. Istočasno so izrazni dosežki operne glasbe začeli vplivati ​​na instrumentalne skladbe. Violina ima poleg briljantnih virtuoznih sposobnosti zelo melodičen glas. In prav v rojstnem kraju opere, v Italiji, se je violinska glasba začela posebej uspešno razvijati. Konec 17. stoletja je delo Arcangela Corellija doživelo razcvet in začela se je ustvarjalna dejavnost Antonia Vivaldija. Ti izjemni italijanski skladatelji so ustvarili številna instrumentalna dela s sodelovanjem in z glavno vlogo violine. V njih lahko violina poje tako ekspresivno kot človeški glas v operi 8 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetniške tokate. V njih se polifone epizode prosto izmenjujejo z improvizacijskimi pasažami in akordi. Po drugi strani pa so to strožje zgrajene skladbe, kar je pripeljalo do nastanka fuge, najkompleksnejše oblike imitativne polifonije. Buxtehude je naredil tudi veliko orgelskih priredb protestantskega korala v obliki koralnih preludijev. Za razliko od gregorijanskega petja je to splošno ime za duhovne pesmi v latinščini, ampak v nemščini. Pojavili so se v 16. stoletju, ko se je od katolicizma ločila nova vrsta krščanskega nauka, protestantizem. Melodična osnova protestantskega petja so bile nemške ljudske pesmi. V 17. stoletju so protestantsko petje začeli izvajati v zboru vsi župljani ob podpori orgel. Za takšne zborovske priredbe je značilno štiriglasno akordno skladišče z melodijo v zgornjem glasu. Kasneje se je takšno skladišče imenovalo zborovsko, tudi če se pojavi v instrumentalnem delu. Organisti so zaigrali tudi na godala s tipkami in zanje komponirali. Skupno ime za dela za ta glasbila je klavirska glasba8. Prve informacije o glasbilih s strunami s tipkami segajo v 14.-15. Do 17. stoletja je čembalo postalo najpogostejši med njimi. Tako se imenuje v Franciji, v Italiji se imenuje cembalo, v Nemčiji - kielflugel, v Angliji - čembalo. Ime manjših instrumentov v Franciji je epinet, v Italiji - spinets Anglije - virginel. Čembalo je prednik klavirja, ki se je začel uporabljati od sredine 18. stoletja. Ko pritisnete na tipke čembala, se zdi, da peresa ali usnjeni jeziki, nameščeni na palicah, stisnejo strune. Izkazalo se je sunkovito, zvočno in hkrati rahlo šumeče. Pri čembalu moč zvoka ni odvisna od moči udarca na tipke. Zato je na njem nemogoče delati crescende in diminuende - za razliko od klavirja, na katerem je to mogoče zaradi bolj prožne povezave tipk s kladivci, ki udarjajo po strunah. Čembalo ima lahko dve ali tri klaviature in napravo, ki omogoča spreminjanje barve zvoka. Zvok drugega majhnega instrumenta s tipkami - klavikorda - je šibkejši od zvoka čembala. A po drugi strani je na klavikordu možno bolj spevno igranje, saj njegovih strun ne ubiramo, ampak nanje pritiskamo kovinske ploščice. Ena glavnih zvrsti zgodnje glasbe za čembalo je suita iz več delov, ki so oblikovno zaokroženi, napisani v enem ključu. V vsakem od delov se običajno uporablja gibanje neke vrste plesa. Osnova stare suite so štirje plesi različnega, ne vedno natančno razčiščenega narodnega izvora. To so ležerni allemande (mogoče iz Nemčije), bolj okretni zvončki (iz Francije), počasni sarabande (iz Španije) in hitri gigue (iz Irske ali Anglije). Od konca 17. stoletja so se po vzoru pariških čembalistov začele suite dopolnjevati s francoskimi plesi, kot so menuet, gavotte, bourre in passepied. Vstavili so jih med glavne plese in tvorili vmesne odseke ("integ" v latinščini pomeni "med"). Starodavno francosko glasbo za čembalo odlikujejo eleganca, gracioznost in obilo majhnih melodičnih okraskov, kot so mordenti in trili. Francoski stil čembala se je razcvetel v delu Françoisa Couperina (1668 - 1733), z vzdevkom Veliki. Ustvaril je okrog dvesto in pol predstav in jih združil v sedemindvajset suit. Postopoma so v njih začele prevladovati predstave z različnimi programskimi imeni. Najpogosteje so to kot miniaturni portreti žensk na čembalu - dobro usmerjene zvočne skice neke značajske lastnosti, videza, obnašanja. Takšne so na primer predstave "Gloomy", "Touching", "Nimble", "Scattered", "Mischievous". Njegov veliki sodobnik Johann Sebastian Bach je pokazal veliko zanimanje za francosko glasbo za čembalo, vključno z igrami Francoisa Couperina. Vprašanja in naloge 1. Kdaj se je okrepil samostojni razvoj instrumentalnih zvrsti? 2. Kateri je najljubši inštrument Arcangela Corellija in Antonia Vivaldija. 3. Povejte nam o zgradbi organa. 4. V kateri državi je orglarska umetnost še posebej cvetela? Kaj je protestantsko petje? 5. Povejte nam o napravi čembala. Kateri plesni gibi so uporabljeni v glavnih delih stare suite za čembalo? Tako je uvodni del učbenika na kratko predstavil nekaj pomembnih dogodkov v svetu glasbe od antičnih časov. Šlo je za zgodovinsko »ekskurzijo«, ki je pripomogla k nadaljnjemu seznanjanju z dediščino velikih zahodnoevropskih glasbenikov, ki so delovali v 18. in 19. stoletju. Nekaj ​​časa se je klavir imenoval glasba za vsa glasbila s tipkami, vključno s pihalnim instrumentom s tipkami - orglami. 8 9 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju umetnosti v Rusiji Johannova življenjska pot Rod, družina, otroštvo. Johann Sebastian Bach se je rodil leta 1685 v Turingiji - eni od regij Srednje Nemčije, v majhnem mestu Eisenach, obdanem z gozdovi. V Turingiji so se še vedno čutile hude posledice tridesetletne vojne (1618-1648), v kateri sta se spopadli dve veliki skupini evropskih sil. Ta uničujoča vojna se je zgodila prednikom Johanna Sebastiana, ki so bili tesno povezani z nemškim obrtno-kmečkim okoljem. Njegov prapraded Veit je bil pek, a je imel tako rad glasbo, da se od citer, inštrumenta, podobnega mandolini, nikoli ni ločil, tudi med izleti v mlin je igral med mletjem moke. In med njegovimi potomci, ki so se naselili v Turingiji in sosednjih regijah, je bilo toliko glasbenikov, da so vse, ki so opravljali ta poklic, tam imenovali »Bach«. To so bili cerkveni organisti, violinisti, flavtisti, trobentači, nekateri so se izkazali kot skladateljski talent. Bili so v službi mestnih občin in na dvorih vladarjev malih kneževin in vojvodin, na katere je bila razdeljena Nemčija. Sebastian Bach 1685-1750 Neverjetna je usoda glasbe tega velikega nemškega skladatelja, od rojstva katerega je minilo več kot tristo let. V času življenja je bil uveljavljen predvsem kot organist in poznavalec glasbil, po smrti pa je bil za nekaj desetletij skoraj pozabljen. Toda postopoma so začeli ponovno odkrivati ​​njegovo delo in ga občudovati kot dragocen umetniški zaklad, neprekosljiv v spretnosti, neizčrpen v globini in človečnosti vsebine. »Ne potok! "Morje mu je ime." Tako je o Bachu rekel še en glasbeni genij - Beethoven9. Sam Bach je uspel objaviti le zelo majhen del svojih del. Sedaj jih je objavljenih več kot tisoč (veliko več jih je izgubljenih). Prva popolna Bachova dela so začela tiskati v Nemčiji sto let po njegovi smrti in je obsegala šestinštirideset obsežnih zvezkov. In nemogoče je niti približno izračunati, koliko je bilo natisnjenih in koliko ločenih izdaj Bachove glasbe še tiskajo v različnih državah. Tako veliko je stalno povpraševanje po njem. Zavzema namreč obsežno in častno mesto ne le v svetovnem koncertnem repertoarju, ampak tudi v izobraževalnem. Johann Sebastian Bach je še naprej učitelj dobesedno vseh, ki se ukvarjajo z glasbo. Je resen in strog učitelj, zahteva sposobnost koncentracije, da bi obvladal umetnost izvajanja polifoničnih del. Toda kdor se ne boji težav in je zelo pozoren na svoje zahteve, bo za svojo strogostjo čutil modrost in dobroto srca, ki ga uči s svojimi čudovitimi nesmrtnimi stvaritvami. Hiša v Eisenachu, kjer se je rodil JSBach 9 »Bach« v nemščini pomeni »tok«. 10 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti Oče Johanna Sebastiana je bil violinist, mestni in dvorni glasbenik v Eisenachu. Najmlajšega sina je začel poučevati glasbo in ga poslal v cerkveno šolo. Fant je imel lep visok glas in je pel v šolskem zboru. Ko je bil star deset let, so mu umrli starši. Starejši brat, cerkveni organist v sosednjem mestu Ohrdruf, je skrbel za siroto. Mlajšega brata je dodelil tamkajšnjemu liceju in ga sam učil orgel. Kasneje je Johann Sebastian postal tudi čembalist, violinist in violist. In že od otroštva je sam obvladal glasbeno kompozicijo in prepisal skladbe različnih avtorjev. En notni zvezek, ki ga je v mesečnih nočeh še posebej zanimal, je moral na skrivaj od starejšega brata prepisati. Toda ko je bilo dolgotrajno trdo delo končano, je to ugotovil, se razjezil na Johanna Sebastiana zaradi njegovega nepooblaščenega dejanja in mu neusmiljeno odvzel rokopis. Začetek samostojnega življenja. Lüneburg. Pri petnajstih letih je Johann Sebastian naredil odločilen korak - preselil se je v oddaljeno severnonemško mesto Lüneburg, kjer je kot štipendist vstopil v šolo pri samostanski cerkvi. V šolski knjižnici se je lahko seznanil z velikim številom rokopisov skladb nemških glasbenikov. V Lüneburgu in Hamburgu, kamor je hodil po podeželskih cestah, je bilo mogoče poslušati igranje nadarjenih organistov. Možno je, da je Johann Sebastian obiskal operno hišo v Hamburgu - takrat edino v Nemčiji, ki ni izvajala predstav v italijanščini, ampak v nemščini. Tri leta kasneje je uspešno končal šolo in začel iskati službo bližje domovini. Weimar. Potem ko je bil kratek čas violinist in organist v treh mestih, se je Bach leta 1708, že poročen, za devet let naselil v Weimarju (Türingen). Tam je bil organist na knežjem dvoru, nato pa vicecapella mojster (pomočnik vodje kapele – skupine pevcev in instrumentalistov). Bach je kot najstnik v Ohrdrufu začel skladati glasbo, zlasti prirejati protestantske korale za orgle, njegov najljubši instrument. In v Weimarju so se pojavila številna njegova izjemna zrela orgelska dela, kot so Toccata in fuga v d-molu, Passacaglia10 v c-molu, zborovski preludiji. Do takrat je Bach postal neprekosljiv izvajalec in improvizator na orglah in čembalu. To je prepričljivo potrdil naslednji primer. Nekoč je Bach odšel v Dresden, glavno mesto Saške, kjer so se odločili, da bodo organizirali tekmovanje med njim in Louisom Marchandom, slavnim francoskim organistom in čembalistom. Toda on, ko je prej slišal, kako Bach improvizira na čembalu z neverjetno ustvarjalno iznajdljivostjo, je pohitel na skrivaj zapustiti Dresden. Tekmovanje se ni izvedlo. Na weimarskem dvoru je bila priložnost seznaniti se z deli italijanskih in francoskih skladateljev. Bach je njihove dosežke obravnaval z velikim zanimanjem in umetniško pobudo. Tako je na primer naredil številne proste priredbe za čembalo in orgle violinskih koncertov Antonia Vivaldija. Tako so nastali prvi klavirski koncerti v zgodovini glasbene umetnosti. Tri leta v Weimarju naj bi Bach vsako četrto nedeljo komponiral novo duhovno kantato. Skupno je tako nastalo več kot trideset del. Ko pa je ostareli dvorni kapelnik, katerega naloge je dejansko opravljal Bach, umrl, izpraznjeno mesto ni dobil on, temveč nesposobni sin pokojnika. Ogorčen zaradi takšne krivice je Bach podal odstop. Zaradi "nespoštljivega zahtevanja" so ga odredili v hišnem priporu. Toda pokazal je pogumno, ponosno vztrajnost in vztrajal pri svojem. In mesec dni pozneje je moral vojvoda neradi izdati "neusmiljen ukaz", naj nepokornega glasbenika izpustijo v divjino. Köthen. Konec leta 1717 se je Bach z družino preselil v Köthen. Mesto dvornega kapelnika mu je ponudil knez Leopold Anhalt iz Köthena, vladar majhne državice v soseščini Turingije. Bil je dober glasbenik – pel je, igral čembalo in violo da gamba 11. Princ je svojemu novemu kapelniku zagotovil dobro finančno podporo in ga spoštoval. Bachove naloge, ki so mu vzele relativno malo časa, so vključevale vodenje kapele osemnajstih vokalistov in instrumentalistov, spremljanje princa in sam igranje čembala. V Köthnu je nastalo veliko Bachovih del za različne instrumente. Klavirska glasba je med njimi zelo raznolika. Po eni strani so to skladbe za začetnike – Passacaglia je počasen trosmerni ples španskega izvora. Na njegovi podlagi so nastale instrumentalne skladbe v obliki variacij z večkrat ponavljajočo se melodijo v basu. 10 11 Viola da gamba je starodavno glasbilo, ki izgleda kot violončelo. 11 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti majhni preludiji, dvodelne in tridelne invencije. Napisal jih je Bach, da bi se učil s svojim najstarejšim sinom Wilhelmom Friedemannom. Po drugi strani pa je to prvi od dveh zvezkov monumentalnega dela - "Dobro temperirani klavir", ki skupaj vključuje 48 preludijev in fug, ter veliko skladbo koncertnega načrta - "Kromatična fantazija in fuga". Köthenskemu obdobju pripada tudi nastanek dveh zbirk klavirskih suit, znanih kot "francoska" in "angleška". Princ Leopold je jemal Bacha s seboj na potovanja v sosednje države. Ko se je Johann Sebastian leta 1720 vrnil s takšnega potovanja, ga je doletela huda žalost - njegova žena Maria Barbara je pravkar umrla in zapustila štiri otroke (še trije so umrli zgodaj). Leto in pol pozneje se je Bach znova poročil. Njegova druga žena Anna Magdalena je imela dober glas in je bila zelo muzikalna. Med študijem pri njej je Bach sestavil dve klavirski »Note Books« iz svojih del in delno iz del drugih avtorjev. Anna Magdalena je bila prijazna in skrbna spremljevalka v življenju Johanna Sebastiana. Rodila mu je trinajst otrok, od katerih jih je šest preživelo do polnoletnosti. Leipzig. Leta 1723 se je Bach preselil v Leipzig, glavno trgovsko in kulturno središče Saške, sosednje Turingije. S princem Leopoldom je ohranil dobre odnose. Toda v Köthnu so bile možnosti glasbene dejavnosti omejene - ni bilo ne velikih orgel ne pevskega zbora. Poleg tega je imel Bach starejše sinove, ki jim je želel dati dobro izobrazbo. V Leipzigu je Bach prevzel položaj kantorja - vodje deškega zbora in učitelja pevskih šol; v cerkvi svetega Tomaža (Thomaskirche). Sprejeti je moral vrsto omejevalnih pogojev, na primer »ne zapustiti mesta brez dovoljenja mestnega glavarja«. Cantor Bach je imel veliko drugih nalog. Na dele je moral razdeliti majhen šolski pevski zbor in zelo majhen orkester (ali bolje rečeno ansambel), tako da je glasba zvenela med bogoslužji v dveh cerkvah, pa tudi na porokah, na pogrebih in na raznih veselicah. In vsi zboristi niso imeli dobrih glasbenih podatkov. Šolska hiša je bila umazana, zanemarjena, učenci slabo hranjeni in beraško oblečeni. Bach, ki je hkrati veljal za leipziškega »glasbenega direktorja«, je na vse to opozoril cerkvene oblasti in mestno upravo (magistrat). Toda v zameno je prejel malo materialne pomoči, veliko pa malenkostnega pisarniškega prigrizkov in graj. Z učenci se ni ukvarjal samo s petjem, ampak tudi z igranjem na inštrumente, poleg tega je zanje na lastne stroške najel učitelja latinščine. Cerkev in šola sv. Tomaža (levo) v Leipzigu. (Iz stare gravure). Kljub težkim življenjskim okoliščinam se je Bach navdušeno ukvarjal z ustvarjalnostjo. V prvih treh letih službovanja je z zborom skoraj vsak teden zložil in vadil novo duhovno kantato. Skupno je ohranjenih okoli dvesto Bachovih del v tem žanru. Znanih je tudi več deset njegovih posvetnih kantat. Praviloma so bile dobrodošlice in čestitke, naslovljene na različne plemenite osebe. Toda med njimi je takšna izjema, kot je strip "Coffee Cantata", napisan v Leipzigu, podoben prizoru iz komične opere. Pripoveduje, kako je mlada, živahna Lizhen zasvojena z novo modo za kavo, proti volji in opozorilom očeta, starega godrnjača Schlendriana. V Leipzigu je Bach ustvaril svoja najodmevnejša monumentalna vokalno-instrumentalna dela - Pasijon po Janezu, Pasijon po Mateju12 in Mašo v h-molu, ki so jim vsebinsko blizu, ter veliko število različnih instrumentalnih skladb, med njimi tudi drugi zvezek " Dobro temperirani klavir", zbirka Janez in Matej (pa tudi Marko in Luka) sta privrženca naukov Jezusa Kristusa, ki sta sestavila evangelije - zgodbe o njegovem zemeljskem življenju, trpljenju ("strasti") in smrt. "Evangelij" v grščini pomeni "dobra novica". 12 12 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti "Umetnost fuge". Potoval je v Dresden, Hamburg, Berlin in druga nemška mesta, tam igral na orgle, preizkušal nove instrumente. Več kot deset let je Bach vodil "Glasbeno šolo" v Leipzigu - družbo, ki so jo sestavljali študentje in ljubitelji glasbe - instrumentalisti in pevci. Pod vodstvom Bacha so javno koncertirali iz del posvetne narave. V komunikaciji z glasbeniki mu je bila tuja kakršna koli arogantnost in je o svoji redki spretnosti govoril takole: "Moral sem trdo delati, kdor je tako trd, bo dosegel enako." Veliko skrbi, a tudi veliko veselja je Bachu prinesla velika družina. V njenem krogu bi lahko organiziral celotne domače koncerte. Štirje njegovi sinovi so postali slavni skladatelji. To sta Wilhelm Friedemann in Carl Philipp Emanuel (otroka Marije Barbare), Johann Christoph Friedrich in Johann Christian (otroka Ane Magdalene). Z leti se je Bachu poslabšalo zdravje. Močno se mu je poslabšal vid. V začetku leta 1750 je prestal dve neuspešni operaciji oči, oslepel in umrl 28. julija. Johann Sebastian Bach je živel težko in delavno življenje, obsijano z briljantnim ustvarjalnim navdihom. Ni zapustil pomembnega bogastva in Ana Magdalena je umrla deset let pozneje v dobrodelnem domu za revne. In najmlajša Bachova hči, Regina Susanna, ki je živela do 19. stoletja, je bila rešena pred revščino z zasebnimi donacijami, pri katerih je Beethoven veliko sodeloval.Ustvarjalnost Bachova glasba je povezana s kulturo njegove domovine.Dela obeh nemških in tujih skladateljev. V svojem delu je sijajno posploševal in obogatil dosežke evropske glasbene umetnosti. Večino kantat, »Janezov pasijon«, »Matejev pasijon«, Mašo v h-molu in številna druga dela na duhovna besedila je napisal Bach ne samo po dolžnosti ali navadi cerkvenega glasbenika, ampak ogreti z iskrenim verskim čustvom. Polni so sočutja do človeških žalosti, prežeti z razumevanjem človeških radosti. Sčasoma so daleč presegli templje in ne nehajo globoko navduševati poslušalcev različnih narodnosti in veroizpovedi.Bachove duhovne in posvetne skladbe so med seboj povezane v svoji resnični človečnosti. cel svet glasbenih podob. Bachova neprekosljiva polifonična veščina je obogatena s homofono-harmoničnimi sredstvi. Njegove vokalne teme so organsko prežete z instrumentalnimi razvojnimi prijemi, instrumentalne teme pa so pogosto tako čustveno nasičene, kot da se nekaj pomembnega poje in izgovarja brez besed. Toccata in fuga v d-molu za orgle13 To zelo priljubljeno delo se začne z zaskrbljujočim, a pogumnim krikom volje. Sliši se trikrat, pada iz ene oktave v drugo in vodi do gromkega akordičnega ropota v spodnjem registru. Tako se na začetku tokate začrta temno zasenčen, grandiozen zvočni prostor. 1 Adagio Vprašanja in naloge 1 . Kaj je nenavadnega v usodi Bachove glasbe? 2. Povejte nam o Bachovi domovini, njegovih prednikih in njegovih otroških letih. 3. Kdaj in kje se je začelo Bachovo samostojno življenje? 4. Kako je potekala in kako se je končala Bachova dejavnost v Weimarju? 5. Povejte nam o Bachovem življenju v Köthnu in o njegovih delih teh let. 6. Katere inštrumente je igral Bach in kateri je bil njegov najljubši inštrument? 7. Zakaj se je Bach odločil preseliti v Leipzig in s kakšnimi težavami se je tam srečal? 8. Povejte nam o dejavnostih Bacha kot skladatelja in Bacha kot izvajalca v Leipzigu. Poimenuj dela, ki jih je tam ustvaril. Toccata (v italijanščini "toccata" - "dotik", "hit" iz glagola "toccare" "dotik", "dotik") je virtuozna skladba za glasbila s tipkami. 13 13 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti V nadaljevanju se slišijo močni »vrtinčasti« virtuozni odlomki in široki akordični »izbruhi«. Večkrat so ločeni s premori in postanki na podaljšanih akordih. To nasprotje hitrega in počasnega gibanja spominja na previden oddih med boji z nasilnimi elementi. In po svobodni, improvizacijsko zgrajeni tokati zazveni fuga. Osredotoča se na posnemovalni razvoj ene teme, v kateri voljno načelo tako rekoč brzda elementarne sile: 2 Allegro moderato Široko raztegnjena se fuga razvije v kodo - zadnji, končni del. Tu spet izbruhne improvizacijski element tokate. Toda končno jo pomirijo napete imperativne pripombe. In zadnji takti celotnega dela so dojeti kot ostra in veličastna zmaga neizprosne človeške volje. Posebna skupina Bachovih orgelskih del so koralni preludiji. Med njimi se z globoko ekspresivnostjo odlikuje vrsta sorazmerno majhnih skladb lirične narave. V njih je zven zborovske melodije obogaten s prosto razvitimi spremljevalnimi glasovi. Tako je na primer predstavljena ena od Bachovih mojstrovin, koralni preludij v f-molu. Izumi klavirske glasbe Bach je sestavil več zbirk preprostih skladb izmed tistih, ki jih je komponiral med poučevanjem svojega najstarejšega sina Wilhelma Friedemanna. V eno od teh zbirk je postavil petnajst dvoglasnih večglasnih skladb v petnajst tonalitetov in jih poimenoval »invencije«. V prevodu iz latinščine beseda "izum" pomeni "izum", "izum". Bachove dvoglasne invencije, ki jih lahko izvajajo glasbeniki začetniki, so res izjemne po polifonični domiselnosti in hkrati umetniški izraznosti. Tako se prva dvodelna invencija v C-duru rodi iz kratke, gladke in lagodne teme umirjenega, razumnega značaja. Poje jo zgornji glas in takoj posnema _ ponovi v drugi oktavi - spodnji: 14 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti odbijanje žog. Med ponavljanjem (imitacijo) zgornjega glas nadaljuje melodično gibanje. Tako nastane opozicija temi, ki zveni v basu. Nadalje se ta opozicija - z enakim melodičnim vzorcem - včasih oglasi, ko se tema ponovno pojavi v enem ali drugem glasu (takti 2-3, 7-8, 8-9). V takšnih primerih se opozicija imenuje zadržana (v nasprotju z neobdržanimi, ki se ob vsaki uvedbi teme sestavijo na novo). Tako kot v drugih večglasnih delih so tudi v tem izumu odseki, kjer tema ne zveni v polni obliki, ampak so uporabljeni le njeni posamezni obrati. Takšni deli so umeščeni med predstavitve teme in se imenujejo interludiji. Splošno celovitost invencije v C daje razvoj na eni temi, ki je značilen za večglasno glasbo. Na sredini skladbe se izvede odmik od glavnega ključa, proti koncu pa se vrne. Ob poslušanju tega izuma si lahko predstavljamo, da dva učenca pridno ponavljata lekcijo in si poskušata povedati bolje, z večjo ekspresijo. V tej skladbi, ki je po zgradbi podobna C-dur invenciji, ima veliko vlogo posebna tehnika. Po začetnem uvodu teme V zgornjem glasu spodnji glas ne posnema le nje, ampak tudi njeno nadaljevanje (kontrapozicijo). Tako za nekaj časa nastane nepretrgan kanonik in posnemanje ali likanon. Hkrati z dvoglasnimi izumi je Bach zložil petnajst triglasnih polifoničnih skladb v istih tonalitetih. Poimenoval jih je! "simfonije" (v prevodu iz grščine - "sozvočja"). Kajti v starih časih so polifona instrumentalna dela pogosto imenovali tako. Kasneje pa je postalo običajno, da so te kose imenovali tridelni izumi. Uporabljajo bolj zapletene tehnike polifonega razvoja. Najbolj osupljiv primer je triglasna invencija v f-molu (devetka). Začne se s hkratno uvedbo dveh kontrastnih tem. Osnova enega od njih, ki zveni v basovskem glasu, je odmerjeno napeto spuščanje po kromatičnih poltonih. Takšne poteze so pogoste v tragičnih arijah iz starih oper. Je kot mračen glas zle usode, usode. Druga tema v srednjem, altovskem glasu je prežeta z otožnimi motivi-vzdihljaji: V prihodnje se tretja tema tesno prepleta s tema temama s še bolj prodorno prosečimi vzkliki. Vse do samega konca predstave ostaja glas zle usode neizprosen. Toda glasovi človeške žalosti ne prenehajo. Imajo neugasljivo iskro človeškega upanja. In za trenutek se zdi, da utripa v zadnjem akordu F-dura. Bachova Simfonija v h-molu za čembalo v Bachovi hiši v Eisenachu 15 www.classON.ru Izobraževanje otrok v ruski umetniški sferi (triglasna invencija št. 15) je znana tudi po svoji lirični prodornosti. V predgovoru k rokopisu svojih izumov in "simfonij" je Bach nakazal, da bi morale pomagati razviti "pevski način igranja". Na čembalu je bilo to težko doseči. Zato je Bach raje doma, tudi pri pouku s študenti, uporabljal še en strunski instrument s tipkami - klavikord. Njegov šibek zvok je neprimeren za koncertno izvedbo. Toda, kot že omenjeno, za razliko od čembala strune klavikorda niso ubrane, ampak so nežno vpete s kovinskimi ploščicami. To prispeva k melodičnosti zvoka in omogoča ustvarjanje dinamičnih odtenkov. Tako je Bach tako rekoč predvidel možnosti melodičnega in skladnega glasu, ki vodi klavir - inštrument, ki je bil v njegovem času oblikovan še nepopoln. In te želje velikega glasbenika bi se morali spomniti vsi sodobni pianisti. Courante je trojni ples francoskega izvora. Toda za zvončke francoskega čembala je bilo značilno nekaj ritmične prefinjenosti in manir. Courante v Bachovi suiti v c-molu je soroden italijanski različici te plesne zvrsti – bolj živahen in gibljiv. K temu pripomore prožna kombinacija dveh glasov, ki navidezno izzivata drug drugega: »Francoska suita« v c-molu Tri zbirke Bachovih klavirskih suit imajo različna imena. Sam je šest suit, vključenih v tretjo zbirko, poimenoval »partitas« (ime suite »partita« najdemo ne le pri njem14). In drugi dve zbirki - vsaka po šest del - sta se po Bachovi smrti iz nenatančno pojasnjenih razlogov začeli imenovati "Francoske suite" in "Angleške suite". Druga od "Francoskih suit" je bila napisana v c-molu. Po tradiciji, uveljavljeni v starodavnih suitah, vsebuje štiri glavne dele - Allemande, Courante, Sarabande in Gigue ter še dva vmesna dela - Aria in Menuet, vstavljena med Sarabando in Gigue. Allemande je ples, ki se je oblikoval v XVI-XVII stoletju v več evropskih državah - Angliji, Nizozemski, Nemčiji, Franciji in Italiji. Tako je bil na primer stari nemški allemande nekoliko zapleten skupinski ples. Toda po vstopu v klavirske suite je alemanda do 18. stoletja skoraj izgubila svoje plesne značilnosti. Od svojih "prednikov" je ohranila le lagodno umirjeno hojo velikosti štiri ali dve četrtini. Sčasoma je postal ohlapno zgrajen uvod. Videti je kot premišljen lirični preludij in Allemande iz Bachove suite v c-molu. Tukaj najpogosteje trije glasovi vodijo svoje vrstice. Včasih pa je z njimi povezan še četrti glas. Hkrati je najbolj melodičen glas zgornji: Sarabanda je triglasni španski ples. Nekoč je bil hiter, temperamenten, kasneje pa je postal počasen, slovesen, pogosto blizu pogrebnemu sprevodu. Sarabanda iz Bachove suite je bila od začetka do konca starana v tridelnem skladišču. Gibanje srednjih in spodnjih glasov je vedno strogo, zgoščeno (prevladujejo četrtine in osmine). In gibanje zgornjega glasu je veliko bolj svobodno in mobilno, zelo ekspresivno. Tu prevladujejo šestnajstinke, pogosto najdemo poteze v širokih intervalih (kvinta, šestina, sedma). Tako se oblikujeta dve kontrastni plasti glasbene predstavitve, ustvarja se lirično intenziven zvok15: »Razdeljeno na dele« - beseda »partita« je prevedena iz italijanščine (iz glagola »partire« - »razdeliti«). V sarabandi vodilni zgornji glas ni toliko v nasprotju z ostalimi, ampak ga dopolnjujejo. 14 15 16 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti Preludij in fuga v c-molu iz prvega zvezka Dobro temperiranega klavirja Preludij in fuga v C-duru, Preludij in fuga v c-molu, Preludij in fuga v C-dur, preludij in fuga C-mol - in tako naprej skozi vseh dvanajst poltonov, vključenih v oktavo. Rezultat je skupaj 24 dvodelnih ciklov "preludij in fuga" v vseh durovih in molovih tonalitetih. Tako sta zgrajena oba zvezka (skupaj - 48 preludijev in fug) Bachovega Dobro temperiranega klavirja. To veličastno delo je priznano kot eno največjih v svetovni glasbeni umetnosti. Preludiji in fuge iz teh dveh zvezkov so vključeni v izobraževalni in koncertni repertoar vseh profesionalnih pianistov. V času Bacha se je pri uglaševanju inštrumentov s tipkami postopoma dokončno uveljavila enotna temperamentnost - delitev oktave na dvanajst enakih poltonov. Prej je bil sistem prilagajanja bolj zapleten. Pri njej so v tipkah z več kot tremi ali štirimi znaki nekateri intervali in akordi zveneli neuglašeno. Zato so se skladatelji izogibali uporabi takšnih ključev. Bach je prvi briljantno dokazal v Dobro temperiranem klavirju, da je z enakim temperamentom mogoče enako uspešno uporabljati vseh 24 tipk. To je skladateljem odprlo nova obzorja, povečalo je na primer možnost modulacije (prehodov) iz ene tonaliteta v drugo. V Dobro temperiranem klavirju je Bach vzpostavil tip dvostavčnega cikla »preludij in fuga«. Preludij je zgrajen prosto. V njem ima lahko pomembna vloga homofono-harmonski sklad in improvizacija. To ustvarja kontrast s fugo kot strogo polifonim delom. Hkrati dele cikla "preludij in fuga" združuje ne le skupna tonaliteta. Med njimi se v vsakem primeru subtilne notranje povezave manifestirajo na svoj način. Te skupne tipične značilnosti lahko zasledimo v Preludiju in fugi v c-molu iz prvega zvezka Dobro temperiranega klavirja. Preludij je sestavljen iz dveh glavnih delov. Prostornejša prva se popolnoma zapolni s hitrim enotnim gibom šestnajstin v obeh rokah. Od znotraj je nasičen z ekspresivnimi melodičnimi in harmoničnimi elementi. Zdi se, kot da ob bregovih priklenjen nemirni potok vre: Gigue je hiter, živahen ples, ki izvira iz Irske in Anglije16. V starih časih so angleški mornarji radi plesali jig. V suitah je giga običajno zadnji, končni stavek. V svojem Giguetu v c-molu Bach pogosto uporablja tehniko kanoničnega posnemanja med dvema glasovoma (kot v Invenciji v F-duru). Predstavitev te igre je prežeta s »poskakujočim« pikčastim ritmom: v primerjavi s kontrastom med Allemande in Courantejem je kontrast med Sarabando in Gigueom ostrejši. Omehčata pa ga dva dodatna dela, vstavljena mednju. Del z imenom "Aria" ne zveni bolj kot solo vokalna točka v operi, ampak kot umirjena, domiselna pesem. Naslednji menuet je francoski ples, ki združuje gibljivost z gracioznostjo. Torej v tej suiti z eno samo splošno tonaliteto so vsi deli različno primerjani v figurativnem smislu. Dimenzije šablone so pretežno tristranske. V XVIII. stoletju so to predvsem 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti v srednjem glasu, jasna, reliefna, dobro zapomnjena tema z elastičnim plesnim ritmom: 11 Moderato Energična vztrajnost je v temi združena z gracioznostjo, zvitimi nagajivimi pokukanji skozi zbranost močne volje. To daje možnosti za nadaljnji pester in dinamičen razvoj. Na začetku razvoja tema zveni lahkotno - edinokrat, ko je izvedena v duru (Es-dur). V reprizi dobi od treh glavnih odlomkov teme v glavnem tonalitetu (c-mol) drugi, v basu, tako močan obseg, da si prikliče v spomin divjanje naravnih sil v preludiju. In še nekaj, končna izvedba teme fuge se konča z razsvetljenim house durovim akordom. V takšni podobnosti med koncema preludija in fuge se razkriva notranje čustveno razmerje kontrastnih delov cikla. Po kopičenju močne energije se ta tok na koncu prvega odseka tako rekoč prelije čez rob in na začetku naslednjega odseka postane še bolj silovit in grozi, da bo pometel vse na svoji poti. Ta vrhunec preludija zaznamujeta sprememba tempa v najhitrejšega (Pgesto) in uporaba večglasnega sredstva - dvoglasnega kanona. A divjočo prvino nenadoma ustavijo oblastne poteze akordov in pomenljive fraze recitativa. Sledi druga sprememba tempa - na najpočasnejšega (Adagio). In po tretji spremembi tempa v zmerno hiter A11eggo v zadnjih taktih preludija tonična orgelska točka v basu postopoma upočasni gibanje šestnajstih not v desni roki. Postane mehko razprostrt in zamrzne na akordu C-dura. Tam je mir, tišina. Po takšnem svobodnem, improvizacijskem zaključku preludija se pozornost preusmeri na drugo, kontrastno raven. Začne se triglasna fuga. Ta beseda v latinščini in italijanščini pomeni "tek", "let", "hiter tok". V glasbi je fuga zapleteno polifono delo, kjer se zdi, da glasovi odmevajo in se dohitevajo. Večina fug temelji na eni sami temi. Manj pogoste so fuge z dvema, še redkeje s tremi ali štirimi temami. In glede na število glasov so fuge dvo-, tri-, štiri- in petglasne. Enojne temne fuge se začnejo s predstavitvijo teme v glavnem tonalitetu v katerem koli glasu. Temo nato izmenično posnemajo drugi glasovi. Tako nastane prvi del fuge, ekspozicija. V drugem razdelku - razvoj - se tema pojavi samo v drugih ključih. In v tretjem, zadnjem delu - reprizi9 - je spet izvedena v glavnem tonalitetu, vendar ni več predstavljena enoglasno. Tukaj se ekspozicija zagotovo ne ponavlja. V fugah se pogosto uporabljajo ohranjene protipostavke in interludiji. Bachova zadevna fuga v c-molu se začne in se pojavi v fugi - najvišji obliki polifone glasbe - je dosegla svojo polno zrelost in najsvetlejši razcvet v Bachovem delu. Slavni ruski skladatelj in pianist 19. stoletja Anton Grigorjevič Rubinstein je v svoji knjigi »Glasba in njeni predstavniki« ob občudovanju »Dobro temperiranega klavirja« zapisal, da je tam mogoče najti »fuge religioznih, junaških, melanholičnih, veličasten, žalosten, šaljiv, pastoralni, dramski značaj; v eni stvari so si vsi podobni - v lepoti ... ”V starosti Johanna Sebastiana Bacha je bil veliki nemški skladatelj Georg Friedrich Handel (1685-1759) - čudovit mojster polifonije, virtuozni organist. Njegova usoda je bila drugačna. Večino svojega življenja je preživel zunaj Nemčije, selil se je iz ene države v drugo (več desetletij je živel v Angliji). 18 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti Handel je avtor številnih oper, oratorijev, različnih instrumentalnih del. Oblikovanje klasičnega stila v glasbi. Vprašanja in naloge 1. . Kaj imajo skupnega Bachova duhovna in posvetna dela? 2. Povejte nam o figurativni naravi Toccate in fuge v d-molu za orgle. 3. Zapojte teme Bachovih izumov, ki jih poznate. Kaj je nasprotovanje, ko se imenuje zadržano? 4. Kaj je interludij v večglasnem delu? Katero posnemanje imenujemo kanonično ali kanonsko? 5. Poimenujte in opišite glavne dele "Francoske suite" v c-molu. 6. Kako je zgrajen Bachov dobro temperirani klavir? 7. Kakšna je glavna razlika med preludijem in fugo? Pokažite to na primeru Preludija in fuge v c-molu iz prvega zvezka Dobro temperiranega klavirja. So tudi med njimi podobnosti? Glasbeno gledališče 18. stoletja, zlasti njegova srednja in druga polovica, je čas velikih sprememb na vseh področjih evropske glasbene umetnosti. Z začetkom tega stoletja sta se v italijanski operi postopoma pojavili dve zvrsti - opera seria (resna) in opera buffa (komična). V serijskih operah so še vedno prevladovali mitološki in zgodovinski zapleti, v katerih so se pojavljali tako imenovani "visoki" junaki - mitološka božanstva, kralji starodavnih držav, legendarni poveljniki. In v buffa operah so zapleti postali pretežno sodobni vsakdanji. Tu so bili junaki navadni ljudje, ki so delovali energično in realistično. Služabnica Giovannija Battiste Pergolesija Giovannija Battiste Pergolesija, ki se je javnosti pojavila leta 1733 v Neaplju, je bila prvi izrazit primer opere buffa. Junakinja, podjetna služkinja Serpina, se spretno poroči s svojim čemernim gospodarjem Ubertom in sama postane ljubica. Kot mnoge zgodnje italijanske buffa opere je bila tudi Služabnica-gospodarica prvotno uprizorjena kot odrski interludij med vmesnimi presledki med dejanji Pergolesijeve opere seria Ponosni jetnik (spomnimo se, da je beseda "interludij" latinskega izvora in pomeni "interakcija"). Kmalu je Služabnica kot samostojno delo pridobila veliko slavo v mnogih državah. Komična opera se je rodila v Franciji v drugi polovici 18. stoletja. Nastal je iz veselih, duhovitih komičnih predstav z glasbo, ki so jih izvajali v gledališčih na pariških sejmih. In da se je spremenila v komično opero, kjer so vokalne številke postale glavna značilnost likov, je primer italijanske buffa opere pomagal francoskim pravičnim komedijam. Za to predstavo v Parizu je bila izjemnega pomena operna skupina italijanskih »buffonov«, ko je prestolnico Francije dobesedno očarala Pergolesijeva »Hlapka gospa«. Za razliko od italijanske opere buffa se v francoskih komičnih operah arijske številke ne izmenjujejo z recitativi, temveč s pogovornimi dialogi. Zgrajen je tudi Singspire - nemška in avstrijska različica komične opere, ki se je pojavila v 2. Glavna dela Vokalna in instrumentalna dela »Pasijon po Janezu«, »Pasijon po Mateju« Maša v h-molu Svete kantate (okoli 200 ohranjene) in posvetne kantate (ohranjenih več kot 20) Orkestralna dela 4 suite (»uverture«) 6 »Brandenburških koncertov« Koncerti za solo instrumente s komornim orkestrom 7 koncertov za čembalo 3 koncerti za dva, 2 za tri čembala 2 koncerta za violino Koncert za dve violini Dela za lokalna glasbila 3 sonate in 3 partite za violino solo 6 sonat za violino in čembalo 6 suit (»sonat«) za violončelo solo Orgelska dela 70 zborovskih preludijev Preludiji in fuge Tokata in fuga v d-molu Passacaglia v c-molu Dela za klaviature Zbirka »Mali preludiji in fuge« 15 dvoglasnih invencij in 15 triglasnih invencij (»simfonij«) 48 preludijev in fug dobro temperiranega klavirja 6 »francoskih« in 6 angleških suit 6 suit (partite) Concerto Italiano za čembalo solo Kromatična fantazija in fuga Art of Fugue 19 www.classON.ru Za glasbeni jezik vseh različic komične opere je značilna tesna povezanost z ljudskimi pesmimi in plesnimi melodijami. V drugi polovici 18. stoletja je resne operne zvrsti korenito preoblikoval veliki nemški skladatelj Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Svojo prvo reformistično opero Orfej in Evridika (1762) je napisal po zgodbi o legendarnem starogrškem pevcu, ki je bila v operah večkrat uporabljena že od najzgodnejših (o tem je bilo govora v uvodu). Gluck je prehodil težko pot do svoje reforme v operi. Slučajno je obiskal številne evropske države - Nemčijo, Avstrijo, Dansko, pa tudi na Češkem, naseljeno s Slovani, skupaj z Italijo - v Angliji. Preden se je trdno ustalil na Dunaju, je Gluck postavil 17 svojih opernih serij na odre gledališč v Milanu, Benetkah, Neaplju, Londonu, Kopenhagnu, Pragi in drugih mestih. Opere tega žanra so izvajali v dvornih gledališčih številnih evropskih držav. Izjema je bila Francija. Tam so sredi 18. stoletja še naprej komponirali in uprizarjali resne opere le v tradicionalnem francoskem stilu. Toda Gluck je natančno preučeval operne partiture slavnih francoskih skladateljev Jean-Baptista Lullyja in Jean-Philippa Rameauja. Poleg tega je Gluck napisal in na Dunaju uspešno postavil osem del v novem žanru francoske komične opere. Nedvomno je dobro poznal italijanske buffa opere, nemški in avstrijski singspiel. Vse to znanje je omogočilo Glucku, da je odločno obnovil že zastarele kompozicijske principe resnih oper. V svojih reformističnih operah, uprizorjenih najprej na Dunaju in nato v Parizu, je Gluck začel prenašati čustvena doživetja likov z veliko večjo resnicoljubnostjo in dramatično intenzivnostjo, učinkovitostjo. Odpovedal se je kopičenju virtuoznih odlomkov v arijah in povečal ekspresivnost recitativov. Njegove opere so postale glasbeno in scensko razvojno smotrnejše, kompozicijsko bolj harmonične. Tako so se v glasbenem jeziku in pri gradnji novih komičnih in reformiranih resnih oper prepoznale pomembne razlikovalne lastnosti novega, klasičnega sloga - aktivna učinkovitost razvoja, preprostost in jasnost izraznih sredstev, kompozicijska harmonija in splošna plemenitost in vzvišen značaj glasbe. Ta slog se je postopoma izoblikoval v evropski glasbi v 18. stoletju, dozorel v letih 1770-1780 in prevladoval do sredine drugega desetletja 19. stoletja. Opozoriti je treba, da ima lahko definicija "klasične" drug, širši pomen. »Klasika« (ali »klasika«) imenujemo tudi glasbena in druga umetniška dela, ki so bila prepoznana kot zgledna, dovršena, neprekosljiva – ne glede na čas njihovega nastanka. V tem smislu lahko maše italijanskega skladatelja Palestrine iz 16. stoletja, opere Prokofjeva in simfonije Šostakoviča, ruskih skladateljev 20. stoletja, imenujemo klasika ali klasika. Instrumentalna glasba Na enaki široki mednarodni podlagi kot Gluckova operna reforma je v 18. stoletju potekal intenziven razvoj instrumentalne glasbe. Izvedena je bila s skupnimi močmi skladateljev iz številnih evropskih držav. Na podlagi pesmi in plesa, razvijanja klasične jasnosti in dinamičnosti glasbenega jezika, so postopoma oblikovali nove zvrsti cikličnih instrumentalnih del - kot so klasična simfonija, klasična sonata, klasični godalni kvartet. Sonatna oblika je pri njih zelo pomembna. Zato se instrumentalni cikli imenujejo sonata ali sonatno-simfonija. sonatno obliko. Že veste, da je najvišja oblika polifone glasbe fuga. In sonatna oblika je najvišja oblika homofone harmonske glasbe, kjer je le včasih mogoče uporabiti polifonične tehnike. Po svoji konstrukciji sta si ti dve obliki podobni. Tako kot fuga so tudi v sonatni obliki trije glavni deli: ekspozicija, razvoj in rekapitulacija. A med njimi so tudi pomembne razlike. Glavna razlika med sonatno obliko in fugo se takoj pojavi v ekspoziciji 18. Velika večina fug je v celoti zgrajena na eni temi, ki se izvaja izmenično v vsaki ekspoziciji. Ta nemška beseda izhaja iz "singen" ("peti") in “Spiel” (“igra”). 18 Beseda je latinskega izvora in pomeni "predstavitev", "prikaz". 20 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju umetnosti v Rusiji glas. In v ekspoziciji sonatne oblike se praviloma pojavljata dve glavni temi, bolj ali manj različni po značaju. Najprej zveni tema glavnega dela, kasneje se pojavi tema stranskega dela. V nobenem primeru pa definicije "stran" ne smete razumeti kot "sekundarne". Kajti tema stranskega dela nima v sonatni obliki nič manj pomembne vloge kot tema glavnega dela. Beseda "sekundarna" je tukaj uporabljena, ker za razliko od prve nujno zveni v ekspoziciji ne v glavnem ključu, ampak v drugem, torej kot v sekundarnem. V klasični glasbi, če je glavni del v ekspoziciji dur, potem je stranski del naveden v ključu dominante (na primer, če je ključ glavnega dela C-dur, potem je ključ stranskega dela G glavni). Če je glavni del v ekspoziciji mol, potem je stranski del naveden v paralelnem duru (na primer, če je tonaliteta glavnega dela C-mol, potem je tonaliteta stranskega dela Es-dur). Med glavno in stransko stranjo je nameščen majhen snop ali povezovalna serija. Tu se lahko pojavi tudi samostojna, melodično reliefna tema, pogosteje pa se uporabljajo intonacije teme glavnega dela. Vezni del deluje kot prehod v stranski del, modulira se v ključ stranskega dela. Tako je kršena tonska stabilnost. Govorice začnejo pričakovati začetek nekega novega "glasbenega dogodka". Izkazalo se je, da je videz teme stranske zabave. Včasih lahko pred razlago sledi uvod. In po stranskem delu zveni bodisi majhen zaključek ali cel zadnji del, pogosto s samostojno temo. Tako se konča ekspozicija, ki popravi ton stranskega dela. Po navodilih skladatelja se celotna ekspozicija lahko ponovi. Razvoj - drugi del sonatne oblike. V njej se teme, poznane iz razstave, pojavljajo v novih različicah, se na različne načine izmenjujejo in primerjajo. Takšna interakcija pogosto ne vključuje celih tem, temveč motive in fraze, ločene od njih. To pomeni, da so teme v razvoju tako rekoč razdeljene na ločene elemente, ki razkrivajo energijo, ki jo vsebujejo. V tem primeru pride do pogoste menjave ključev (glavni ključ je tu prizadet redko in ne za dolgo). Teme in njihovi elementi, ki se pojavljajo v različnih ključih, se zdijo osvetljeni na nov način, prikazani z novih zornih kotov. Potem ko razvoj v razvoju doseže pomembno napetost na vrhuncu, njegov tok spremeni smer. Na koncu tega odseka se pripravlja vrnitev v glavni ključ, pride do reprize. Repriza je tretji del sonatne oblike. Začne se z vrnitvijo glavnega dela v glavnem ključu. Povezovalni del ne vodi do novega ključa. Nasprotno, fiksira glavni ključ, v katerem se sedaj ponavljata sekundarni in zadnji del. Repriza torej s svojo tonsko stabilnostjo uravnava nestabilnost razvoja in daje celoti klasično harmonijo. Reprizo lahko včasih dopolni končna konstrukcija - koda (izhaja iz latinske besede, ki pomeni "rep"). Torej, ko zazveni fuga, je naša pozornost usmerjena v poslušanje, razmišljanje in čutenje v eno glasbeno idejo, ki jo uteleša ena tema. Ko neko delo slišimo v sonatni obliki, naš sluh sledi primerjavi in ​​interakciji dveh glavnih (in komplementarnih) tem – kot bi sledil razvoju različnih glasbenih dogodkov, glasbenega dogajanja. To je glavna razlika med umetniškimi možnostmi teh dveh glasbenih oblik. Klasični sonatni (sonatno-simfonični) cikel. Približno v zadnji tretjini 18. stoletja se je v glasbi dokončno izoblikoval klasični sonatni cikel. Prej je v instrumentalnih delih prevladovala oblika suite, kjer so se izmenjevali počasni in hitri deli, in ji blizu oblika stare sonate. Sedaj je v klasičnem sonatnem ciklu natančno določeno število delov (običajno trije ali štirje), vendar se je njihova vsebina bolj zapletla. Prvi stavek je običajno napisan v sonatni obliki, o čemer smo govorili v prejšnjem odstavku. Hodi hitro ali zmerno hitro. Najpogosteje je A11eggo. Zato se tak stavek običajno imenuje sonatni alegro. Glasba v njej je pogosto energičnega, učinkovitega značaja, pogosto napeta, dramatična. Drugi stavek je vedno v nasprotju s prvim po tempu in splošnem značaju. Pogosto je počasen, najbolj liričen in melodičen. Lahko pa je tudi drugačen, na primer podoben počasni pripovedi ali plesno graciozen.V tridelnem ciklu je zadnji, tretji del, finale spet hiter, navadno hitrejši, a manj notranje intenziven v primerjavi z do prvega. Finali klasičnih sonatnih ciklov (predvsem simfonij) pogosto slikajo podobe množične praznične zabave, njihova tematika pa je blizu ljudskim pesmim in plesom. V tem primeru se pogosto uporablja oblika rondo (iz francoskega "ronde" - "krog"). Kot veste, se tukaj prvi del (refren) večkrat ponovi in ​​izmenjuje z novimi deli (epizodami). 21 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju umetnosti v Rusiji njegova prva opera? 3. Do kdaj je klasika dozorela in do kdaj je klasika prevladovala v glasbi? Pojasnite razliko med obema definicijama "klasike". 4. Kakšna je podobnost v splošni konstrukciji med fugo in sonatno obliko? In kaj je glavna razlika med njima? 5. Poimenujte glavne in dodatne odseke sonatne oblike. Nariši njen diagram. 6. Kako se med seboj ujemata glavni in stranski del sonatne oblike v ekspoziciji in v reprizi? 7. Kaj je značilno za razvoj v sonatni obliki? 8. Opišite dele klasičnega sonatnega cikla. 9. Poimenujte glavne vrste klasičnih sonatnih ciklov glede na sestavo izvajalcev. Vse to odlikuje številne finale štiridelnih ciklov. Toda v njih sta med skrajnimi deli (prvi in ​​četrti) nameščena dva srednja dela. Ena - počasna - v simfoniji je običajno druga, v kvartetu pa tretja. Tretji stavek klasičnih simfonij 18. stoletja je Menuet, ki zaseda drugo mesto v kvartetu. Tako smo omenili besede "sonata", "kvartet", "simfonija". Razlika med temi cikli je odvisna od sestave izvajalcev. Posebno mesto ima simfonija - delo za orkester, zasnovano tako, da zveni v veliki sobi pred številnimi poslušalci. V tem smislu je koncert blizu simfonije - tristavčne skladbe za solistični instrument s spremljavo orkestra. Najpogostejši komorni instrumentalni cikli so sonata (za en ali dva instrumenta), trio (za tri instrumente), kvartet (za štiri instrumente), kvintet (za pet instrumentov)19. Sonatna oblika in sonatno-simfonični cikel sta se tako kot celoten klasični slog v glasbi oblikovala v 18. stoletju, ki ga imenujemo »doba razsvetljenstva« (ali »doba razsvetljenstva«), pa tudi »doba razuma«. V tem stoletju, zlasti v njegovi drugi polovici, so bili v številnih evropskih državah imenovani predstavniki tako imenovanega »tretjega stanu«. To so bili ljudje, ki niso imeli ne plemiških ne duhovnih naslovov. Za svoj uspeh so se zahvalili lastnemu delu in iniciativi. Razglašali so ideal »naravnega človeka«, ki ga je narava sama obdarila z ustvarjalno energijo, bistrim umom in globokimi čustvi. Ta optimistični demokratični ideal so na svoj način odražale glasba ter druge oblike umetnosti in literature. Zmago človeškega uma in neumornih rok na začetku razsvetljenstva je na primer poveličal znameniti roman angleškega pisatelja Daniela Defoeja, ki je izšel leta 1719, Življenje in neverjetne dogodivščine Robinsona Crusoeja. Joseph Haydn 1732-1809 Klasični slog v glasbi je dosegel svojo zrelost in razcvet v delih Josepha Haydna, Wolfganga Amadeusa Mozarta in Ludwiga van Beethovna. Življenje in delo vsakega izmed njih sta dolgo preživela na Dunaju, glavnem mestu Avstrije. Zato Haydna, Mozarta in Beethovna imenujemo dunajski klasiki. Avstrija je bila večnacionalni imperij. V njem so poleg Avstrijcev, katerih materni jezik je nemščina, živeli Madžari in različni slovanski narodi, med njimi Čehi, Srbi, Hrvati. Njihove pesmi in Vprašanja in naloge 1 . Poimenujte nacionalne različice komičnih oper 18. stoletja. Kakšna je razlika med konstrukcijo italijanske opere buffa in konstrukcijo francoske komične opere? 2. S katerimi državami in mesti je bila povezana dejavnost velikega opernega reformatorja Christopha Willibalda Glucka? Na kateri ploskvi je napisal imena drugih instrumentalnih ciklov komornih zasedb - sekstet (6), septet (7), oktet (8), nonet (9), decimet (10). Opredelitev "komorne glasbe" izhaja iz italijanske besede "camera" - "soba". Kajti do 19. stoletja so se skladbe za več inštrumentov pogosto izvajale doma, torej so jih razumeli kot »sobno glasbo«. 19 22 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruskih umetniških plesnih melodij je bilo mogoče slišati tako v vaseh kot v mestih. Na Dunaju je ljudska glasba zvenela povsod - v središču in na obrobju, na križiščih ulic, v javnih vrtovih in parkih, v restavracijah in lokalih, v bogatih in revnih zasebnih hišah. Dunaj je bil tudi glavno središče profesionalne glasbene kulture, osredotočeno na cesarski dvor, plemiške kapele 1 in plemiške salone, katedrale in cerkve. V avstrijski prestolnici so že dolgo gojili italijansko opero seria, tu je Gluck, kot že rečeno, začel svojo operno reformo. Glasba je bogato spremljala dvorne veselice. Toda Dunajčani so rade volje obiskovali vesele farse z glasbo, iz katere so se rodili singšpili, in zelo radi so plesali. Od treh velikih dunajskih glasbenih klasikov je Haydn najstarejši. Ko se je rodil Mozart, je imel 24 let, ob rojstvu Beethovna pa 38 let. Haydn je živel dolgo življenje. Zgodaj umrlega Mozarta je preživel za skoraj dve desetletji in je bil še živ, ko je Beethoven že ustvaril večino svojih zrelih del. Za zasebno knežje gledališče je napisal več kot dva ducata oper v žanrih seria, buffa, pa tudi več "lutkovnih" oper za predstave, ki jih igrajo lutke. Toda področje njegovega glavnega ustvarjalnega zanimanja in dosežkov je simfonična in komorna2 instrumentalna glasba. Skupno je več kot 800 skladb3. Med njimi je posebej pomembnih več kot 100 simfonij, več kot 80 godalnih kvartetov in več kot 60 klavirskih sonat. V njihovih zrelih vzorcih se je z največjo popolnostjo, svetlostjo in izvirnostjo razkril optimistični pogled na svet velikega avstrijskega skladatelja. Samo včasih se ta svetli odnos pobota z bolj mračnim razpoloženjem. Vedno znova jih premagajo Haydnova neusahljiva ljubezen do življenja, bistro opazovanje, veder humor, preprosto, zdravo in hkrati poetično dojemanje okoliške stvarnosti. Življenjska pot Zgodnje otroštvo. Rorau in Hainburg. Franz Joseph Haydn se je rodil leta 1732 v vasi Rorau, ki se nahaja v vzhodni Avstriji, blizu madžarske meje in nedaleč od Dunaja. Haydnov oče je bil spreten kočijaž, njegova mati je služila kot kuharica na posestvu grofa, lastnika Roraua. Njegovega najstarejšega sina Josefa, ki so ga v družini ljubkovalno klicali Zepperl, so starši zgodaj začeli navajati na delavnost, natančnost, čistočo. Haydnov oče sploh ni poznal glasbe, je pa rad pel, spremljal se je na harfi, še posebej, ko je bil v svojem. gostje so se zbrali v majhni hiši. Zepperl je prepeval z jasnim srebrnastim glasom in razkril izjemen posluh za glasbo. In ko je bil deček star le pet let, so ga poslali v sosednje mesto Hainburg k daljnemu sorodniku, ki je vodil cerkveno šolo in pevski zbor. V Hainburgu se je Sepperl naučil brati, pisati, računati, peti v zboru, začel pa je osvajati tudi veščine igranja na klavikord in violino. Vendar mu ni bilo lahko živeti v tuji družini. Mnogo let kasneje se je spominjal, da je takrat prejel "več udarcev kot hrane". Takoj ko je Zepperl prišel v Hainburg, so mu naročili, naj se nauči utripati v timpane, da bi lahko sodeloval v isti cerkveni procesiji z glasbo. Fant je vzel sito, čeznj potegnil kos blaga in začel pridno telovaditi. Svojo nalogo je uspešno opravil. Le pri organizaciji procesije so morali zelo nizki osebi na hrbet obesiti glasbilo. In bil je grbav, kar je povzročilo smeh občinstva. V kapeli katedrale svetega Štefana na Dunaju. Ob obisku Hainburga je kapelnik dunajske katedrale in dvorni skladatelj Georg Reuter opozoril na izjemne glasbene sposobnosti Haydna, ki je bil iskren vernik. Je avtor številnih mašnih in drugih vokalnih in instrumentalnih del na duhovna besedila. 23 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti Zepperl. Tako se je leta 1740 osemletni Haydn znašel v glavnem mestu Avstrije, kjer je bil sprejet kot zborist v kapeli stolne (glavne) katedrale svetega Štefana. delam sam. Težaven začetek samostojnega življenja. Ko se je mladeniču do osemnajstega leta začel krhati glas – začasno je postal hripav in izgubil gibčnost, so ga nesramno in neusmiljeno vrgli iz kapele. Ker se je znašel brez zatočišča in sredstev, bi lahko umrl od lakote in mraza, če ga nekaj časa ne bi zaščitil znani pevec, ki je živel z ženo in otrokom v majhni sobici pod streho. Haydn je začel prevzemati vsako glasbeno delo, ki se je pojavilo: kopiral je note, dajal ure petja, igranja klavirja, sodeloval kot violinist v uličnih instrumentalnih ansamblih, ki so ponoči izvajali serenade v čast enega od meščanov. Končno je lahko najel sobico v šestem in zadnjem nadstropju hiše v središču Dunaja. Sobo je prebadal veter, v njej ni bilo peči, pozimi je voda pogosto zmrzovala. V takšni stiski je Haydn živel deset let. Vendar ni izgubil srca in se navdušeno ukvarjal s svojo najljubšo umetnostjo. "Ko sem sedel za svoj stari, črvivi klavir," se je spominjal na stara leta, "nisem zavidal sreče nobenemu kralju." Haydnu je pri premagovanju vsakdanjih težav pomagal živahen, veder značaj. Nekoč je na primer ponoči svoje kolege glasbenike postavil v samotne kotičke na eni izmed dunajskih ulic in na njegov znak je vsak zaigral, kar mu je bilo všeč. Nastal je »mačji koncert«, ki je razburil okoliške prebivalce. Dva izmed glasbenikov sta končala na policiji, a pobudnika škandalozne "serenade" niso izročili. Haydn, ki je bil seznanjen s priljubljenim komičnim igralcem, je v sodelovanju z njim skomponiral singspiel "The Lame Demon" in zaslužil majhen znesek denarja, mu je služil kot lakaj. Haydn je postopoma začel pridobivati ​​slavo na Dunaju kot učitelj in skladatelj. Spoznal je znane ljudi; glasbeniki in ljubitelji glasbe. V hiši uglednega uradnika je začel sodelovati pri nastopanju komornih zasedb in ustvaril svoje prve godalne kvartete za koncerte na svojem podeželskem posestvu. In Haydn je svojo prvo simfonijo napisal leta 1759, ko je dobil na razpolago majhen orkester in postal vodja kapele grofa Morzina. Grof je obdržal samo neporočene glasbenike. Haydn, ki se je poročil s hčerko dunajskega frizerja, je bil prisiljen to skrivati. Toda to se je nadaljevalo le do leta 1760, ko je na Dunaju, velikem lepem mestu z veličastnimi zgradbami in arhitekturnimi ansambli, fanta preplavil val novih živih vtisov. Naokoli je zvenela večnacionalna ljudska glasba. V stolnici in na cesarskem dvoru, kjer je nastopil tudi zbor, so se izvajala slavnostna vokalna in instrumentalna dela. Toda pogoji obstoja so se spet izkazali za težke. Pri učilnici, vajah in nastopih so bili zboraši zelo utrujeni. Hranili so jih slabo, nenehno so bili napol lačni. Za svoje potegavščine so bili strogo kaznovani. Mali Haydn se je še naprej pridno učil umetnosti petja, igranja na klavir in violino, močno pa si je želel skladati glasbo. Vendar Reuter temu ni posvetil pozornosti. Prezaposlen s svojimi zadevami mu je v vseh devetih letih Haydnovega bivanja v kapeli dal le dve lekciji kompozicije. Toda Josef je trmasto, marljivo sledil svojemu cilju in nekaj let kasneje je napisal še en singspiel z naslovom "The New Lame Imp". 20 24 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti so bile grofove materialne zadeve omajane in razpustil je svojo kapelo. Haydnova poroka je bila neuspešna. Njegovo izbranko je odlikoval težek, čemeren značaj. Skladateljski posli njenega moža je sploh niso zanimali – do te mere, da je iz rokopisov njegovih skladb izdelovala papilotke in obloge za paštete. Nekaj ​​let kasneje je Haydn začel živeti ločeno od svoje žene. Nista imela otrok. V kapeli knezov Esterhazyjev. Leta 1761 bogat Madžar; Princ Pal Antal Esterhazy je povabil Haydna v Eisenstadt kot podkapelnika. Od tega trenutka se je začelo Haydnovo službovanje pri družini Esterhazy, ki je trajalo cela tri desetletja. Pet let pozneje je postal kapelnik – po smrti starejšega glasbenika, ki je bil na tem položaju. dediča Pala Antala, ki je umrl leta 1762, je odlikoval predanost razkošju in dragi zabavi, njegov brat Myklosh 1 z vzdevkom Veličastni. Nekaj ​​let pozneje je svojo rezidenco iz Eisenstadta preselil v novo podeželsko palačo s 126 sobami, jo obdal z ogromnim parkom, v bližini zgradil operno hišo s 400 sedeži in lutkovno gledališče ter občutno povečal število glasbenikov v kapeli. . Delo v njem je Haydnu dalo dobro finančno podporo, poleg tega pa - priložnost, da je veliko skladal in se takoj preizkusil v praksi, usmerjal orkestralno izvedbo svojih novih del. V Esterhazu (kot se je imenovala nova knežja rezidenca) so pogosto prirejali množične sprejeme, pogosto tudi z udeležbo visokih tujih gostov. Zahvaljujoč temu je Haydnovo delo postopoma postalo znano tudi zunaj Avstrije. A pri vsem tem je bila, kot pravijo, druga plat medalje. Ko je vstopil v službo, je Haydn podpisal pogodbo, po kateri je postal nekakšen glasbeni služabnik. Vsak dan, pred in po večerji, se je moral pojavljati pred palačo v napudrani lasulji in belih nogavicah, da je poslušal ukaze princa. Pogodba je Haydna zavezovala, da mora nujno pisati »vso glasbo, ki jo želi njegovo gospostvo, da ne bo nikomur pokazal novih skladb, še več, da ne bo dovolil, da bi jih kdo odpisal, temveč da jih bo hranil samo za njegovo gospostvo in brez njegove vednosti in milosti. dovoljenje, da ne komponiram ničesar za nikogar" . Poleg tega je moral Haydn opazovati red v kapeli in obnašanje glasbenikov, poučevati pevce in biti odgovoren za varnost instrumentov in not. Ni živel v palači, ampak v sosednji vasi, v majhni hiši. Iz Eisenstadta se je knežji dvor pozimi selil na Dunaj. In iz Esterhazyja je Haydn lahko prišel v prestolnico le občasno s princem ali s posebnim dovoljenjem. V dolgih letih, preživetih v Eisenstadtu in Esterhaseju, je Haydn prešel pot od glasbenika začetnika do velikega skladatelja, čigar delo je doseglo visoko umetniško dovršenost in je bilo priznano ne le v Avstriji, ampak tudi daleč zunaj njenih meja. Torej, šest "Pariških simfonij" (št. 82-87) je napisal po naročilu iz glavnega mesta Francije, kjer so zveneli z uspehom leta 1786. Haydnova srečanja z Wolfgangom Amadeusom Mozartom na Dunaju segajo v osemdeseta leta 19. stoletja. Prijateljsko zbliževanje je blagodejno vplivalo na delo obeh velikih glasbenikov. Sčasoma se je Haydn vse bolj zavedal svojega odvisnega položaja. V njegovih pismih prijateljem iz Esterhazyja na Dunaju, napisanih v prvi polovici leta 1790, so takšni stavki: "Zdaj - sedim v svoji puščavi - zapuščen - kot uboga sirota - skoraj brez družbe ljudi - žalosten .. Zadnji knezi Esterhazy so imeli v lasti ogromna posestva, veliko služabnikov in v svojih palačah živeli kraljevsko življenje. Posebna 25 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti Dneve nisem vedel, ali sem kapelnik ali kapelnik ... Žalostno je biti ves čas suženj ...» Nov preobrat v usoda. Izleti v Anglijo. Miklós Esterházy je umrl jeseni 1790. Bil je razsvetljen ljubitelj glasbe, igral je godala in ni mogel, da ne bi na svoj način cenil takšnega "glasbenega služabnika", kot je bil Haydn. Knez mu je zapustil veliko dosmrtno pokojnino. Miklošev dedič Antal, brezbrižen do glasbe, je kapelo odpustil. Toda v želji, da bi slavni skladatelj še naprej ostal njegov dvorni kapelnik, je Haydnu celo povečal denarna plačila, ki je tako postal prost službenih dolžnosti in je lahko popolnoma razpolagal sam s seboj. Haydn se je preselil na Dunaj z namenom skladanja glasbe in sprva zavračal ponudbe za obisk drugih držav. Potem pa je pristal na ponudbo za dolgo potovanje v Anglijo in v začetku leta 1791 prispel v London. Tako je Haydn, bližajoč se šestdesetemu rojstnemu dnevu, prvič na lastne oči videl morje in se prvič znašel v drugem stanju. Za razliko od Avstrije, ki je bila po svoje še vedno fevdalno-aristokratska, je bila Anglija že dolgo meščanska dežela, družbeno, tudi glasbeno, življenje v Londonu pa je bilo zelo drugačno od dunajskega. V Londonu, velikem mestu s številnimi industrijskimi in komercialnimi podjetji, so prevladovali koncerti, ki niso bili namenjeni izbranim osebam, povabljenim v palače in salone plemstva, ampak organizirani v javnih dvoranah, kamor so vsi prihajali za plačilo. Ime Haydna je bilo v Angliji že obdano z avreolom slave. Tako znani glasbeniki kot visoke osebe so ga obravnavali ne le kot enakega, ampak tudi s posebnim spoštovanjem. Njegova nova dela, pri izvedbi katerih je nastopil kot dirigent, so naletela na navdušenje in bila velikodušno plačana. Haydn je dirigiral velikemu orkestru 40-50 ljudi, torej dvakrat večjemu od Esterhazyjeve kapele. Oxfordska univerza mu je podelila častni doktorat glasbe. Haydn se je leto in pol pozneje vrnil na Dunaj. Na poti je obiskal nemško mesto Bonn. Tam je prvič srečal mladega Ludwiga van Beethovna, ki se je kmalu preselil na Dunaj z namenom študirati pri Haydnu. Toda Beethoven se od njega ni dolgo učil. Dva glasbena genija, preveč različna po starosti in temperamentu, takrat nista našla pravega medsebojnega razumevanja. Beethoven pa je svoje tri klavirske sonate (št. 1-3) med izidom posvetil Haydnu. Haydnovo drugo potovanje v Anglijo se je začelo leta 1794 in je trajalo celo nekaj več kot leto in pol. Uspeh je bil spet zmagoslaven. Iz številnih ustvarjenih del; med temi potovanji in v zvezi z njimi je bilo posebej pomembnih dvanajst tako imenovanih "londonskih simfonij". Zadnja leta življenja in ustvarjalnosti. Naslednji knez Esterházyja, Miklós II., se je bolj kot njegov predhodnik zanimal za glasbo. Zato je Haydn začel včasih teči z Dunaja v Eisenstadt in po prinčevem naročilu napisal več maš. Glavna dela skladatelja zadnjih let - dva monumentalna oratorija "Stvarjenje sveta" in "Letni časi" - so bila na Dunaju z velikim uspehom izvedena (eden leta 1799, drugi leta 1801). Prikaz starodavnega kaosa, iz katerega nato nastane svet, nastanek Zemlje, rojstvo življenja na Zemlji in nastanek človeka – takšna je vsebina prvega od teh oratorijev. Štirje deli drugega oratorija (»Pomlad«, »Poletje«, »Jesen«, »Zima«) so sestavljeni iz dobro usmerjenih glasbenih skečev podeželske narave in kmečkega življenja. 26 www.classON.ru Vzgoja otrok na področju ruske umetnosti Po letu 1803 Haydn ni več komponiral. Tiho je živel svoje življenje, obdan s slavo in častjo. Haydn je umrl spomladi 1809, na vrhuncu napoleonskih vojn, ko so Francozi vstopili na Dunaj. violončela in kontrabasi. Skupino lesenih pihal sestavljajo flavte, oboe, klarineti in fagoti 21. Haydnovo skupino trobil sestavljajo rogovi in ​​trobila, od tolkal pa je uporabil samo timpane in šele v zadnji, dvanajsti Londonski simfoniji je dodal trikotnik. , činele in boben. Vprašanja in naloge 1. Katere tri velike skladatelje imenujemo dunajski glasbeni klasiki? Kaj pojasnjuje takšno opredelitev? 2. Povejte nam o glasbenem življenju Dunaja v 18. stoletju. 3. Poimenujte glavne glasbene zvrsti v Haydnovem delu. 4. Kje in kako sta minila Haydnovo otroštvo in mladost? 5. Kako je Haydn začel samostojno pot? 6..Kako je potekalo Haydnovo življenje in delo v času njegovega službovanja v kapeli knezov Esterhazyjev? 7. Povejte nam o Haydnovih potovanjih v Anglijo in o njegovih zadnjih letih življenja. Simfonična ustvarjalnost Ko je Haydn leta 1759 napisal svojo prvo simfonijo, je že obstajalo in nastajalo veliko del v tej zvrsti. Nastali so v Italiji, Nemčiji, Avstriji in drugih evropskih državah. Sredi 18. stoletja so na primer simfonije, ki so nastale in izvajane v nemškem mestu Mannheimu, ki je imelo za tisti čas najboljši orkester, pridobile splošno slavo. Med skladatelji tako imenovane »mannheimske šole« je bilo veliko Čehov. Eden od prednikov simfonije je tridelna italijanska operna uvertura (z razmerjem delov po tempu: »hitro-počasi-hitro«. V zgodnjih (»predklasičnih«) simfonijah se je še tlakovala pot bodoči klasični simfoniji, katere zaščitni znak sta bila pomen figurativne vsebine in dovršenost forme. Na tej poti je Haydn v osemdesetih letih 17. stoletja prišel do svojih zrelih simfonij. In hkrati so se pojavile zrele simfonije še zelo mladega Mozarta, ki je neverjetno hitro napredoval v višine umetniškega mojstrstva. Haydn je svoje Londonske simfonije, ki so kronale njegove dosežke v tej zvrsti, ustvaril po prezgodnji Mozartovi smrti, ki ga je globoko pretresla. V Haydnovih zrelih simfonijah se je uveljavila naslednja tipična kompozicija štiristavčnega cikla: sonatni alegro, počasni stavek, menuet in finale (običajno v obliki ronda ali sonatnega alegra). Hkrati je bila klasična sestava orkestra iz štirih skupin instrumentov določena v glavnih značilnostih. Vodilna skupina - niz. Vključuje violine, viole, Haydn ni vedno uporabljal klarinetov. Tudi v njegovih Londonskih simfonijah se pojavijo le v petih (od dvanajstih). 21 27 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti Ta simfonija je znana kot "Vojaška". Obstajajo tudi imena za nekatere druge Haydnove simfonije. V večini primerov jih skladatelj sam ne poda in označujejo samo eno podrobnost, pogosto slikovito, na primer imitacijo klepetanja v počasnem delu simfonije "Piščanec" ali "tikanje" - v počasnem delu simfonije " Ure". Posebna zgodba je povezana s simfonijo v f-molu, ki je dobila ime »Farewell«. Ima še dodaten peti del (natančneje Adagio tipa coda). Med njegovim nastopom člani orkestra eden za drugim ugasnejo sveče na svojih konzolah, vzamejo instrumente in odidejo. Ostaneta le dva violinista, ki tiho in žalostno odigrata zadnje takte in prav tako odideta. Za to obstaja naslednja razlaga. Kot nekoč poleti je princ Mikloš I. glasbenike svoje kapele v Esterhazu zadržal dlje kot običajno. Želeli so si čim prej priti na počitnice, da bi videli svoje družine, ki so živele v Eisenstadtu. In nenavaden drugi finale poslovilne simfonije je služil kot namig na te okoliščine. Poleg simfonij ima Haydn še številna druga dela za orkester, med njimi več kot sto posameznih menuetov. In nenadoma se vse veselo spremeni: začne se ekspozicija sonatnega alegra. Namesto počasnega tempa - hitrega (Allegro con spirito - "Hitro, z navdušenjem"), namesto težkih basovskih sozvočij - se iz istih zvokov G rodi prvi motiv mobilne, nalezljivo vesele plesne teme glavnega dela. in A-flat v visokem registru. Vsi motivi te teme, navedeni v glavnem tonalitetu, se začnejo s ponovitvijo prvega zvoka - kot z gorečim teptanjem: Simfonija v Es-duru To je enajsta od dvanajstih Haydnovih "Londonskih simfonij". Njegov glavni ključ je Es-dur. Znana je kot »timpani tremolo simfonija« 22. Simfonija je sestavljena iz štirih stavkov. Prvi del se začne s počasnim uvodom. Tremolo (»frakcija«) timpana, uglašenega na toniko, zveni nežno. Je kot oddaljen grom. Nato se sama tema uvoda razgrne v gladkih širokih "ledgeh". Najprej jo v oktavni unisono igrajo violončela, kontrabasi in fagoti. Zdi se, kot da neke skrivnostne sence tiho lebdijo in se včasih ustavijo. Tukaj oklevajo in zamrznejo: v zadnjih korakih uvoda se enoglasja večkrat izmenjujejo na sosednjih zvokih G in A-flat, kar prisili uho, da pričakuje - kaj se bo zgodilo potem? Temo dvakrat ponovijo klavirska godala, dopolnjuje pa jo divje grmenje plesne zabave, ki zveni močno v celotnem orkestru. Ta ropot hitro preplavi in ​​v veznem delu se spet pojavi kanček skrivnostnosti. Tonska stabilnost je porušena. Prisotna je modulacija v B-duru (dominanta E-dura) - ključ stranskega dela. V veznem delu ni nove teme, sliši pa se izvirni motiv teme Timpani - polkrogle z napeto kožo, po katerih se udarja z dvema palicama. Vsaka hemisfera lahko proizvede samo zvok ene višine. Klasične simfonije običajno uporabljajo dve hemisferi, uglašeni na toniko in dominanto. 22 28 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti glavnega dela in oddaljeni opomnik na temo uvoda: Razstava se konča z afirmacijo tonaliteta stranskega dela (B-dur). Razstava se ponavlja in sledi razvoj. Nasičen je s polifoničnim posnemanjem in tonsko-harmoničnim razvojem motivov, izoliranih od teme glavnega dela. Tema stranske igre se pojavi proti koncu razvoja. Izvedena je v celoti v tonaliteti D-dura, daleč od glavnega, se pravi, kaže se v novi, nenavadni luči. In nekega dne (po splošnem premoru s fermato) se v basu pojavijo tudi intonacije skrivnostne teme uvoda. Razvoj zveni pretežno klavir in pianissimo, le občasno - forte in fortissimo z ločenimi poudarki sforzando. To poveča vtis skrivnostnosti. Motivi iz teme glavne zabave v svojem razvoju včasih spominjajo na fantastičen ples. Lahko si predstavljamo, da je to ples skrivnostnih luči, ki včasih močno utripajo. V reprizi v Es-duru se ne ponovi samo glavni del, ampak tudi stranski del, vezivo pa se preskoči. Nekaj ​​skrivnosti se pojavi v kodi. Začne se, tako kot uvod, s tempom Adagio, tihim tremolom timpanov in počasnimi unisonskimi potezami. A kmalu, čisto na koncu prvega dela, se vrnejo hiter tempo, glasna zvočnost in veselo plesno »stopanje«. Drugi del simfonije - Andante - je variacija na dve temi - pesem v c-molu in koračnica v c-duru. Konstrukcija teh tako imenovanih dvojnih variacij je naslednja: orisani sta prva in druga tema, nato sledita: prva variacija prve teme, prva variacija druge teme, druga variacija prve teme, druga variacija druge teme in koda, ki temelji na materialu druge teme. Do danes se raziskovalci prepirajo o narodnosti prve teme. Hrvaški glasbeniki menijo, da je to po svojih značilnostih hrvaška ljudska pesem, medtem ko madžarski glasbeniki menijo, da je to madžarska pesem. V njej najdejo svoje nacionalne značilnosti tudi Srbi, Bolgari, Poljaki. Tega spora ni mogoče z gotovostjo rešiti, saj posnetki takšne tematike stranskega dela spet veseli ples. Toda v primerjavi z glavno stranko ni tako energična, ampak bolj graciozna, ženstvena. Melodija zveni na violinah z oboo. Tipična spremljava valčka to temo približa landerju - avstrijskemu in južnonemškemu plesu, enemu od prednikov valčka: 29 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti stare melodije in njenih besed ni bilo mogoče najti. Očitno so se v njem združile poteze več slovanskih in madžarskih napevov; takšna je zlasti svojevrstna poteza za povečano sekundo (E-flat - fadiez): variacije druge teme nadaljujejo junaško koračnico, okrašeno z virtuoznimi pasažami - gracijami flavte. In v veliki kodi se zgodijo nepričakovani obrati v razvoju »glasbenih dogodkov«. Prvič, koračnica se spremeni v nežen, prozoren zvok. Nato se iz nje izoliran motiv s pikčastim ritmom intenzivno razvije. To vodi do nenadnega pojava tonalitete Es-dura, po kateri zadnji odlomek koračnice zazveni svetlo in slovesno v C-duru. Tretji del simfonije - Menuet - izvirno združuje dostojanstveno hojo visokodružbenega plesa s muhastimi širokimi poskoki in sinkopami v melodiji: spev in druga, korakajoča durova tema. V nasprotju s prvim ima hkrati nekaj afinitete z njim - četrti takt, naraščajoča in nato padajoča smer melodije ter povišan četrti korak (fadiez): To muhasto temo sproži gladek, umirjen gib v Triu - srednji del Menueta, ki se nahaja med prvim delom in njegovo natančno ponovitvijo23: Razstava prve teme s klavirjem in klavirskimi godali je kot lagodna pripoved, kot začetek zgodbe o nenavadnih dogodkih. Prvo od teh lahko predstavimo z nenadoma glasno predstavitvijo druge, koračnice, v kateri so pihala dodana godalni skupini. Pripovedni ton je ohranjen v prvi variaciji prve teme. A otožni in previdni odmevi se pridružijo njenemu zvoku. V prvi variaciji druge teme solo violina obarva melodijo s čudaškimi vzorčastimi pasažami. V drugi različici prve teme dobi pripoved nenadoma viharen, razburjen značaj (uporabljena so vsa glasbila, tudi timpani). V drugem je Menuet (oziroma njegovi po značaju skrajno subtilno bizarni odseki) v nasprotju z ljudskimi in vsakdanjimi temami, na eni strani prvega in drugega dela simfonije, na drugi strani pa njene zadnji, četrti del - finale. Kot se spodobi za klasični sonatni alegro, je v ekspoziciji glavni del predstavljen v glavni tonaliteti Es-dura, stranski del v dominantni tonaliteti B-dura, v reprizi pa oba zvenijo v Es-duru. V stranskem delu pa so dolgo časa srednji del orkestralnih del običajno izvajali trije instrumenti. Od tod tudi ime "trio". 23 30 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju umetnosti v Rusiji je popolnoma nova tema. Zgrajena je na materialu teme glavne zabave. izhaja iz francoske besede "ronde", kar pomeni "krog" ali "okrogli ples". Vprašanja in naloge 1. Kdaj sta Haydn in Mozart komponirala svoje zrele simfonije? 2. Iz katerih delov je običajno sestavljena Haydnova simfonija? Poimenuj skupine inštrumentov v Haydnovem orkestru. 3. Katere naslove Haydnovih simfonij poznate? 4. Zakaj se Haydnova simfonija v Es-duru imenuje "s tremolom ali Taurusom"? S katerim razdelkom se začne? 5. Opišite glavne teme sonatne oblike v prvem stavku te simfonije. 6. V kakšni obliki in na katere teme je bil napisan drugi del simfonije? 7. Opišite glavne teme in sklope tretjega dela. 8. Kakšna je posebnost korelacije med temami glavnega in stranskih delov v finalu? Kakšna je povezava med značajem glasbe v prvem stavku simfonije in v njenem finalu? Tako se izkaže, da celoten finale temelji na eni temi. Skladatelj, kot v zapleteni igri, v celoti obnovi temo ali pa spretno kombinira njene različice in posamezne elemente. In sama po sebi je zanimiva. Navsezadnje se v njem najprej pojavi harmonična osnova - tako imenovana "zlata poteza" dveh rogov - značilen signal lovskih rogov. In šele nato se na to osnovo nadgradi plesna melodija, ki je blizu hrvaškim ljudskim pesmim. Začne se s "stopanjem" na en zvok, v prihodnosti pa se ta motiv večkrat ponovi, posnema, premika iz enega glasu v drugega. To spominja na uvodni motiv glavne teme prvega stavka in na to, kako se tam razvija. Poleg tega je skladatelj nakazal isti tempo v finalu - Allegro con spirito. Tako v finalu končno zavlada element vedrega ljudskega plesa. Toda tukaj ima poseben značaj - izgleda kot zapleten krožni ples, skupinski ples, v katerem je ples združen s pesmijo in igro. To potrjuje tudi dejstvo, da se v ekspoziciji glavni del ponovi v glavnem tonu še dvakrat - po majhni prehodni epizodi in po stranskem delu. To pomeni, da se zdi, da se nadaljuje in se premika v krogu. In to v sonatno obliko vnaša značilnosti rondo forme. Sama beseda rondo, kot že omenjeno, klavirska ustvarjalnost Ko je Haydn ustvarjal svoja klavirska dela, je klavir iz glasbene prakse postopoma izrinil čembalo in klavikord. Haydn je svoje zgodnje skladbe pisal za ta starodavna glasbila s tipkami, v kasnejših izdajah pa je začel označevati "za čembalo ali klavir" in nazadnje včasih le "za klavir". Med njegovimi klavirskimi deli imajo najpomembnejše mesto solistične sonate. Prej je veljalo, da jih je imel Haydn le 52. Potem pa se je zaradi iskanja raziskovalcev to število povečalo na 62. Najbolj znane med njimi so sonate v d-duru in e-molu24. Sonata v D-duru Tema glavnega dela, s katerim se začenja prvi del te sonate, je od veselja in vedrine pljuskajoč ples z deško nagajivimi oktavnimi skoki, gracioznimi notami, mordenti in ponavljanji zvokov. Takšno glasbo si lahko predstavljamo tudi kot igrano v operebuffa: v prejšnjih izdajah so te sonate natisnjene kot "št. 37" in "št. 34", v poznejših izdajah pa kot "št. 50" in "št. 53" . 24 31 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti Toda nato nagajivi skoki iz glavnega dela prodrejo v razvoj teme stranskega dela, nato pa - razburkani prehod Gibanje iz povezovalnega dela. Postane bolj napeto, razmahne in se nenadoma hitro umiri – kot po neki hipni odločitvi. Po tem se razstava zaključi z nonšalantno plesno zaključno zabavo. V razvoju je spet veliko živahnega vrveža. Tu oktavni preskoki iz teme glavnega dela, ki se pomaknejo v levo roko, postanejo še bolj nagajivi, pasažni stavek pa doseže še večjo napetost in širino kot pri razvoju teme stranskega dela v ekspoziciji. V reprizi zvok stranskih in končnih delov v glavnem tonu (D-dur) trdno vzpostavlja prevlado veselega razpoloženja. Najmočnejši kontrast vnaša v sonato kratek drugi stavek, ki je počasen in zadržan. Zapisana je v istoimenskem ključu v d-molu. V glasbi se sliši težak korak sarabande - star ples, ki pogosto prevzame značaj pogrebne procesije. In v ekspresivnih melodičnih vzklikih s trojčki in pikčastimi ritmičnimi figurami je podobnost z otožnimi melodijami madžarskih ciganov: Veseli, kipeči odlomki šestnajstin zapolnjujejo vezni del. In tema stranskega dela (v ključu A-dur) je prav tako plesna, le bolj zadržana, elegantna: 32 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti Sonata v e-molu. Nanj se je marljivo pripravljal, a ga potem zaradi službenih obveznosti v Esterhazyjevi kapeli ni mogel izvesti. Možno je, da so se sanje o daljnem "čezmorskem" potovanju in z njimi povezane izkušnje odražale v sonati E-mol, ki je nastala v tistem času. To je edina izmed redkih Haydnovih molovih sonat, kjer se v prvem stavku izrazita liričnost združuje z zelo hitrim tempom. Svojevrstna je tudi tema glavnega dela tega stavka, s katerim se sonata začne: Toda v Haydnovi optimistični umetnosti vedno premagajo mračne podobe smrti svetle podobe življenja. In d-mol drugi del te sonate, ki se ne konča na toniki, ampak na dominantnem akordu, neposredno prehaja silovit D-dur finale 25. Finale je zgrajen v obliki ronda, kjer je glavna tema - refren ( v glavni tonaliteti D-dur) - se ponovi trikrat, med njegovimi ponovitvami pa se spreminjajo odseki - epizode: prva epizoda je v d-molu, druga pa v G-duru. Tu le v prvi, v d-molu, epizodi zdrsnejo otožni spomini - odmev srednjega dela. Druga epizoda, v G-duru, je že nemarno vesela in vodi v komično "preklic" desne in leve roke na isto noto. Leteča in plešoča glavna tema finala (refren rondo) je ena najbolj veselih Haydnovih: uvodni stavki teme so tukaj sestavljeni iz kombinacije dveh elementov. V basu, v levi roki, se klavir giblje po molovem toničnem trizvoku – kot kliče, naj hiti nekam daleč. In prav tam v desni roki sledijo drhteči, kot bi dvomili, kolebajoči motivi-odgovori. Splošno gibanje teme je mehko, valovito, nihajoče. Poleg tega je velikost prvega stavka - 6/8 - značilna za žanr barkarole - "pesmi na vodi"26. V veznem delu je modulacija v G-dur vzporedno z E-molom - tonaliteta stranskih in končnih delov. Vezni in zaključni del, napolnjen z ganljivimi pasažami šestnajstin, uokvirjata stranski del - lahkoten, zasanjan, na kar nakazujejo italijanske besede "attacca subito il Finale", kar pomeni "takoj začeti finale". Sprva so se pesmi beneških gondoljerjev imenovale barcarolle. Samo ime žanra izhaja iz italijanske besede "barca" - "čoln". 25 26 33 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju umetnosti Rusija, kot da bi se dvignila: narava, z zvokom signalov, kot bi klicala na povratno pot, zdelo se je, da se je srce zagnalo v veseli tesnobi! In tu se po prehodu akordov pojavi glavna tema tretjega stavka (finale). To je refren rondo oblike, v kateri je napisan Finale. Videti je kot navdahnjena spremljevalna pesem, ki pomaga hiteti »na polna jadra« v rodne dežele: Torej, shema rondo oblike v finalu je naslednja: refren (E-mol), prva epizoda (E-dur) , refren (E-mol), druga epizoda ( E-dur), refren (E-mol). Obe epizodi sta povezani z refrenom in med seboj z melodično sorodnostjo. Ko zazvenijo vezni, sekundarni in končni deli, domišljija riše mamljive podobe - kako svobodno piha pošten veter, kako veselo se nese hitro gibanje naprej. Nadalje v razvoju, zgrajenem na materialu glavnih, povezovalnih in končnih delov, prevladujejo odstopanja v molovih tonalitetah. V glavni, torej ne durski, ampak molovi tonaliteti, v reprizi zvenijo sekundarni in zadnji deli, ki so postali prostornejši. Kljub temu pa žalost in duhovne dvome dokončno premaga stremljenje v neznano daljavo. Takšen je pomen zadnjih taktov prvega stavka, kjer se osupljivo ponovi invokativni začetek teme glavne partije. Drugi del sonate, počasen, v G-duru, je nekakšna instrumentalna arija, prežeta z lahkotnim kontemplativnim razpoloženjem. Njena svetla koloratura je polna odmevov ptičjega žvrgolenja, žuborenja potokov: Vprašanja in naloge 1. Poimenujte glavno zvrst Haydnove klavirske glasbe. Koliko njegovih sonat je znanih? 2. Opišite glavne dele prvega stavka sonate v D-duru. Ali je v tem delu povezava med glavnim in stranskim delom? 3. Kakšen kontrast v glasbo vnaša drugi stavek sonate v D-duru? Kakšna je njegova povezava s finalom? 4. Povejte nam o značilnostih strukture in narave teme glavnega dela prvega dela sonate v e-molu. Dozorite in označite preostale teme in razdelke tega dela. 5. Kakšen je značaj drugega stavka sonate v e-molu? 6. Povejte nam o obliki finala sonate v e-molu in naravi njene glavne teme. Večja dela Več kot 100 simfonij (104) Niz koncertov za različne inštrumente in orkester Več kot 80 kvartetov (za dve violini, violo in violončelo) (83) 62 klavirskih sonat Creation in Seasons oratoriji 24 oper Priredbe škotskih in irskih pesmi Vendar, ne glede kako sladek je miren počitek nekje daleč, v naročju 34 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti, napisane v številnih žanrih - njegove simfonije, instrumentalni koncerti, različne komorne zasedbe, klavirske sonate, Rekviem za zbor, solisti in orkester. Mozartov nenavadno zgodaj in hitro razvit fenomenalen talent je ustvarjal okoli njegovega imena; halo legendarnega "glasbenega čudeža". Svetla značilnost; kot navdahnjenega umetnika ga je dal A. S. Puškin v igri (»mala tragedija«) »Mozart in Salieri«. Na njeni podlagi je bila napisana istoimenska opera N. A. Rimskega Korsakova 27. Mozart je bil najljubši skladatelj P. I. Čajkovski 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Življenjska pot Družina. Zgodnje otroštvo. Rojstni kraj Wolfganga Amadeusa Mozarta, ki se je rodil januarja 1756, je avstrijsko mesto Salzburg. Slikovito se razprostira na gričevnatih bregovih hitre reke Salzach, ki je svojo strugo položila v vzhodnem predgorju Alp. Salzburg je bil glavno mesto majhne kneževine, katere vladar je imel duhovno dostojanstvo nadškofa. V njegovi kapeli je služboval oče Wolfganga Amadeusa, Leopold Mozart. Bil je resen in visoko izobražen glasbenik – plodovit skladatelj, violinist, organist in pedagog. "Šola igranja violine", ki jo je izdal, je bila razširjena v več državah, vključno z Rusijo. Od sedmih otrok Leopolda in njegove žene Ane Marije sta preživela le dva - najmlajši sin Wolfgang Amadeus in hči Maria Anna (Nannerl), ki je bila starejša! brat že štiri leta in pol. Ko je njegov oče začel učiti Nannerla, ki je imel odlične sposobnosti, igrati čembalo, se je kmalu začel učiti s triletnim Wolfgangom, pri čemer je opazil njegov najboljši posluh in neverjeten glasbeni spomin, štiri leta je deček že poskušal skladal glasbo, njegove prve ohranjene skladbe za čembalo pa je posnel njegov oče, ko je bil avtor star le pet let. Obstaja zgodba o tem, kako je štiriletni Wolfgang poskušal sestaviti klavirski koncert. Skupaj s peresom je pomočil prste v črnilnik in na notni papir pisal madeže. Ne takrat, ko je oče pokukal v ta otroški posnetek, skozi madeže ni odkril v njem nedvomne glasbene smiselnosti. Eden največjih glasbenih genijev, avstrijski skladatelj Wolfgang Amadeus Mozart je dočakal le 35 let. Od tega je trideset let skladal glasbo in zapustil zapuščino več kot 600 del, dal neprecenljiv prispevek k zlatemu skladu svetovne umetnosti. Najzvestejšo, najvišjo oceno Mozartovega ustvarjalnega daru za časa njegovega življenja je dal njegov starejši sodobnik Joseph Haydn. »... Vaš sin,« je nekoč rekel očetu Wolfganga Amadeusa, »je največji skladatelj, ki ga poznam osebno in po imenu; ima okus, poleg tega pa največ znanja v kompoziciji. Glasbi Haydna in Mozarta, ki ju imenujemo dunajska klasika, je skupno optimistično aktivno-dejstveno dojemanje sveta, kombinacija preprostosti in naravnosti v izražanju čustev s svojo poetično vzvišenostjo in globino. Hkrati je med njunimi umetniškimi interesi pomembna razlika. Haydnu so bližje ljudsko-vsakdanje in lirsko-epske podobe, Mozartu pa pravzaprav lirične in lirsko-dramske. Mozartova umetnost navdušuje predvsem s svojo občutljivostjo za čustvena doživetja človeka ter natančnostjo in živostjo v utelešenju različnih človeških značajev. To ga je naredilo za izjemnega opernega skladatelja. Njegove opere, predvsem Figarova svatba, Don Giovanni in Čarobna piščal, že tretje stoletje uživajo nespremenljiv uspeh in jih uprizarjajo na odrih vseh glasbenih gledališč. Eno najbolj častnih mest v svetovnem koncertnem repertoarju zavzemajo Mozartova dela.Različica, da je Salieri zastrupil Mozarta iz zavisti, je le legenda. Čajkovski je orkestriral štiri Mozartove klavirske skladbe in iz njih sestavil suito Mozartiana. 27 28 35 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti bo izvedel violinski koncert... zaigral na klaviaturo pokrito z robcem tako dobro, kot da bi bilo pred njegovimi očmi, potem bo od daleč poimenoval vse zvoke, ki jih bodo enega za drugim ali v akordih posneli na klavirju ali katerem koli drugem inštrumentu ali izdali predmeti - zvonec, kozarec, ura. Na koncu bo improviziral ne samo na čembalu, ampak tudi na orglah, kolikor dolgo bo občinstvo želelo, in to v poljubnih, tudi najtežjih, tipkah, ki mu jih rečejo ... ”Prva koncertna potovanja. Leopold Mozart se je odločil, da bo s svojimi nadarjenimi otroki začel koncertirati v večjih glasbenih središčih. Prvo potovanje - v nemško mesto München - se je zgodilo v začetku leta 1762, ko je bil Wolfgang star komaj šest let. Šest mesecev pozneje je družina Mozart odšla na Dunaj. Tam sta Wolfgang in Nannerl nastopila na cesarskem dvoru, doživela izjemen uspeh in bila zasuta z darili. Poleti 1763 so se Mozarti podali na veliko potovanje v Pariz in London. A najprej so obiskali številna nemška mesta, na poti nazaj pa spet Pariz, pa tudi Amsterdam, Haag, Ženevo in še nekaj drugih mest. Predstave malih Mozartov, zlasti Wolfganga, so povsod, tudi na najveličastnejših kraljevih dvorih, vzbujale presenečenje in občudovanje. Po navadi tistega časa se je Wolfgang pojavil pred plemiškim občinstvom v izvezeni črni obleki in napudrani lasulji, hkrati pa se je obnašal s čisto otroško spontanostjo, lahko je na primer skočil na kolena pred cesarico. . Koncerti, ki so trajali 4-5 ur zapored, so bili za male glasbenike zelo naporni, za občinstvo pa so se spremenili v svojevrstno zabavo. Takole je pisalo v eni od napovedi: »... Deklica v dvanajstem letu in fant v sedmem letu bosta zaigrala koncert za čembalo. .. Poleg tega je deček 36 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti. Koncertna turneja je trajala več kot tri leta in je Wolfgangu prinesla veliko različnih izkušenj. Slišal je veliko število instrumentalnih in vokalnih del, srečal nekaj izjemnih glasbenikov (v Londonu - z najmlajšim sinom Johanna Sebastiana Bacha, Johannom Christianom). Med nastopi je Wolfgang navdušeno študiral kompozicijo. V Parizu so izšle štiri njegove sonate za violino in čembalo, kar kaže, da so bile to dela sedemletnega dečka. V Londonu je napisal svoje prve simfonije. Vrnitev v Salzburg in bivanje na Dunaju. Prva opera. Konec leta 1766 se je vsa družina vrnila v Salzburg. Wolfgang se je začel načrtno ukvarjati s skladateljsko tehniko pod vodstvom očeta. Mozarti so celotno leto 1768 preživeli na Dunaju. Po pogodbi z gledališčem je dvanajstletni Wolfgang po italijanskih vzorih v treh mesecih napisal buffa opero The Imaginary Simple Girl. Začele so se vaje, vendar so nastop začeli prelagati in nato popolnoma odpovedati (verjetno zaradi spletk zavistnežev). Zgodilo se je šele naslednje leto v Salzburgu. Na Dunaju je Wolfgang komponiral tudi številna druga glasbena dela, vključno s petimi simfonijami, in uspešno vodil svojo slovesno mašo ob posvetitvi nove cerkve. Izleti v Italijo. Od konca leta 1769 do začetka leta 1773 je Wolfgang Amadeus opravil tri dolga potovanja po Italiji z očetom. V tej »deželi glasbe« je mladi Mozart z velikim uspehom nastopal v več kot ducatih mestih, med drugim v Rimu, Neaplju, Milanu, Firencah. Dirigiral je svoje simfonije, igral čembalo, violino in orgle, improviziral sonate in fuge na dane teme, arije na dana besedila, izvrstno igral težka dela iz oči in jih ponavljal v drugih tonalitetah. Dvakrat je obiskal Bologno, kjer se je nekaj časa učil pri znamenitem učitelju – teoretiku in skladatelju Padreju Martiniju. Štirinajstletni Mozart je bil kot posebna izjema izbran za člana bolonjske filharmonične akademije, potem ko je sijajno prestal težko preizkušnjo (napisal je polifono skladbo z uporabo zapletenih polifoničnih tehnik). In po listini so bili vanj dovoljeni le glasbeniki, ki so dopolnili dvajset let in imajo izkušnje s predhodnim bivanjem v tej avtoritativni ustanovi. V Rimu, ko je obiskal Sikstinsko kapelo v Vatikanu (papeško rezidenco) 29, je Mozart nekoč slišal veliko polifono duhovno skladbo za dva zbora italijanskega skladatelja Gregoria Allegrija iz 17. stoletja. To delo je veljalo za last papeža in ga ni bilo dovoljeno prepisovati ali razširjati. Toda Mozart je celotno kompleksno zborovsko partituro zapisal po spominu in papeški zborist je potrdil točnost posnetka. Italija - velika dežela ne le glasbe, ampak tudi likovne umetnosti in arhitekture - je Mozartu dala obilico umetniških vtisov. Posebej so ga navduševali obiski opernih hiš. Mladenič je tako obvladal italijanski operni slog, da je v kratkem času napisal tri opere, ki so bile nato z velikim uspehom uprizorjene v Milanu. To sta dve operni seriji - "Mithridates, kralj Ponta" in "Lucius Sulla" - in pastoralna opera na mitološki ploskvi "Ascanio in Alba"30. Izleti na Dunaj, München, Mannheim, Pariz. Kljub sijajnemu ustvarjalnemu in koncertnemu uspehu Wolfgang Amadeus ni uspel dobiti službe na dvoru nobenega od vladarjev italijanskih držav. Moral sem se vrniti v Salzburg. Tu je namesto pokojnega nadškofa zavladal nov, bolj despotski in neotesan vladar. Mozarti, ki so bili v njegovi službi, so težje dobili dopust za nova potovanja. In operna hiša, za katero je Mozart želel skladati, v Salzburgu ni bila na voljo, druge možnosti za glasbeno dejavnost pa so bile omejene. Potovanje na Dunaj za oba glasbenika je bilo mogoče le zaradi tega, ker je sam salzburški nadškof želel obiskati glavno mesto Avstrije. Nerad je dal tudi dovoljenje Mozartom za potovanje v; München, kjer je bila uprizorjena nova opera buffa mladega skladatelja. In za naslednje potovanje je z veliko težavo dobil dovoljenje le Wolfgang Amadeus. Oče je bil prisiljen ostati v Salzburgu, mama pa je šla spremljat sina. Prvi daljši postanek je bil v nemškem mestu Mannheim. Tu je Wolfganga Amadeusa in Ano Marijo v svoji hiši prisrčno sprejel eden od vodij takrat slavnega simfoničnega orkestra, predstavnik predklasične mannheimske skladateljske šole. V Mannheimu so Mozarta skladali italijanski umetniki, vključno z Michelangelom. 30 Pontsko kraljestvo je starodavna država ob Črnem morju, predvsem sedanji turški obali (»Pont Euxinus«, to je »gostoljubno morje«, starogrško ime za Črno morje). Lucius Sulla je starogrška vojaška in politična osebnost. Pastorala (iz italijanske besede "pastore" - "pastir") je delo z zapletom, ki idealizira življenje v naročju narave. Sikstinska kapela - domača cerkev papežev v Vatikanu; zgrajena je bila v 15. stoletju pod papežem Sikstom IV. Stene in strop kapele so poslikani z velikimi 29 37 www.classON.ru Vzgoja otrok na področju ruske umetnosti številnimi deli, večinoma instrumentalnimi, ki jih zaznamuje že zrel glasbeni slog. Toda tudi tu ni bilo prostega delovnega mesta za Wolfganga Amadeusa. Spomladi 1778 sta Mozart in njegova mati prispela v Pariz. Vendar se upanje, da bi tam dobilo resnično priznanje in zasedel pomemben položaj, ni uresničilo. V prestolnici Francije so čudežnega otroka, to na videz živo igračo, že pozabili, cvetočega talenta mladega glasbenika pa niso prepoznali. Mozart ni imel sreče niti z organizacijo koncertov niti z naročilom za opero. Živel je od mizernih zaslužkov od pouka, za gledališče je lahko pisal le glasbo za majhen balet "Drobance". Izpod njegovega peresa so nastala nova izjemna dela, ki pa takrat niso pritegnila resne pozornosti. In poleti je Wolfgang Amadeus utrpel hudo žalost: njegova mati je zbolela in umrla. V začetku naslednjega leta se je Mozart vrnil v Salzburg. Opera Idomeneo. Prelomi z nadškofom in se preseli na Dunaj. Najpomembnejši dogodki v prihodnjih letih za Mozarta so bili nastanek in uprizoritev opere Idomeneo, kralj Krete v Münchnu, njena velika uspešnica. Tu so bile združene najboljše lastnosti italijanske opere seria z načeli Gluckove operne reforme. To je tlakovalo pot nastanku Mozartovih živo izvirnih opernih mojstrovin. ... Bilo je 1781. Mozart je star 25 let. Je avtor tristo in pol del, polnih novih ustvarjalnih idej. In za salzburškega nadškofa je le glasbeni služabnik, ki ga ošabni in despotski gospodar vedno bolj zatira in ponižuje, ga sili, da bi sedel za mizo v ljudski sobi »nad kuharji, a pod lakaji«, mu ne dovoli. iti kamorkoli brez dovoljenja, niti kjerkoli nastopati . Mozartu je vse to postalo nevzdržno in podal je odstop. Nadškof ga je dvakrat zavrnil s kletvicami in zmerljivkami, njegovo spremstvo pa je glasbenika nesramno brcnilo skozi vrata. Toda on, potem ko je doživel duhovni šok, je ostal trden pri svoji odločitvi. Mozart je bil prvi veliki skladatelj, ki se je ponosno rešil finančno varnega, a odvisnega položaja dvornega glasbenika. Dunaj: zadnje desetletje. Mozart se je naselil na Dunaju. Le občasno je za kratek čas zapustil avstrijsko prestolnico, na primer ob prvi postavitvi njegove opere Don Giovanni v Pragi ali med dvema koncertnima turnejama po Nemčiji. Leta 1782 se je poročil s Constance Weber, ki sta jo odlikovali po vedri naravi in ​​muzikalnosti. Drug za drugim so se rojevali otroci (a od šestih so štirje umrli kot dojenčki). Mozartovi zaslužki od koncertiranja kot izvajalca njegove klavirske glasbe, od objav skladb in produkcij oper so bili neredni. Poleg tega Mozart, ki je bil prijazna, zaupljiva in nepraktična oseba, ni znal preudarno ravnati z denarnimi zadevami. Imenovanje konec leta 1787 na slabo plačano mesto dvornega komornega glasbenika, ki mu je bilo naročeno komponirati le plesno glasbo, ga ni rešilo pogosto izkušene potrebe po denarju. Kljub temu je Mozart v desetih dunajskih letih ustvaril več kot dvesto in pol novih del. Med njimi so zablesteli njegovi najsvetlejši umetniški dosežki v številnih žanrih. V letu Mozartove poroke je bil na Dunaju z velikim uspehom uprizorjen njegov singspiel Abduction from the Seraglio, iskrivi; humor31. In opera-buffa "Figarova svatba", izvirnik; žanr "vesela drama" "Don Juan" in pravljica "Čarobna piščal", ki sta nastala v zadnjih dunajskih letih, spadata med najvišje vrhove, ki jih je doseglo glasbeno gledališče nasploh! njegova zgodba. Tri svoje najboljše simfonije, ki so se izkazale za zadnje, vključno s tisto v g-molu (št. 40), je Mozart napisal poleti 1788. V istem desetletju so se pojavila številna druga instrumentalna dela skladatelja - štiriglasna orkestralna "Mala nočna serenada", številni klavirski koncerti, sonate in različne komorne zasedbe. Mozart je Haydnu posvetil šest svojih godalnih kvartetov, s katerim sta spletla topla prijateljstva. V teh letih je Mozart z velikim zanimanjem preučeval dela Bacha in Händla. Mozartovo najnovejše delo je Requiem, maša za mrtve za zbor, soliste in orkester. Julija 1791 jo je skladatelju naročil moški, ki ni želel izdati svojega imena. Zdelo se je skrivnostno, lahko je vzbudilo mračne slutnje. Šele nekaj let kasneje se je izkazalo, da je naročilo dobil dunajski grof, ki je želel kupiti delo nekoga drugega in ga izdati za svoje. Resno bolan Mozart ni mogel v celoti dokončati Rekviema. Po osnutkih jo je dokončal eden od skladateljevih učencev. Obstaja zgodba, da so na predvečer smrti velikega glasbenika, ki je sledila v noči na 5. december 1791, prijatelji z njim peli dele še nedokončanega dela. V skladu z otožno zasnovo v Rekviemu je navdahnjena lirična in dramska izraznost Mozartove glasbe dobila posebno vzvišenost in resnost. Zaradi pomanjkanja sredstev je bil Mozart pokopan v skupnem grobu za 31 32 Seraglio - ženska polovica v domovih bogatih vzhodnih plemičev. Latinska beseda "requiem" pomeni "mir". 38 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju umetnosti v Rusiji je slabo, natančen kraj njegovega pokopa pa ostaja neznan. za Susanno, grofico, oblečeno v njeno obleko. Osramočen svoje žene je Almaviva prisiljen Figaru in Susanni več preprečiti poročno praznovanje, ki veselo in srečno konča "nori dan", poln najrazličnejših nepričakovanih dogodkov. Opera se začne z uverturo, ki je pridobila veliko popularnost in se pogosto izvaja na simfoničnih koncertih 34. Za razliko od mnogih drugih uvertur ta uvertura ne uporablja tem, ki zvenijo v sami operi. Tukaj je živo preneseno splošno razpoloženje kasnejšega dejanja, njegova fascinantna hitrost in kipeča veselost. Uvertura je napisana v sonatni obliki, vendar brez razvoja, ki ga nadomešča kratka povezava med ekspozicijo in reprizo. Hkrati je jasno razločenih pet tem, ki se hitro zamenjujejo. Prva in druga sestavljata glavno serijo, tretja in četrta - stransko serijo, peta - končno serijo. Vsi so energični, hkrati pa ima vsak svoj poseben značaj. Hitro, s hudomušno okretnostjo se giblje prva tema glavnega dela, ki jo unisono igrajo godala in fagoti: Vprašanja in naloge 1. Kaj ima glasba Mozarta skupnega z glasbo Haydna? In kakšna je razlika med umetniškimi interesi teh dveh dunajskih klasikov? 2. Povejte nam o družini in zgodnjem otroštvu Wolfganga Amadeusa Mozarta. 3. V katerih državah in mestih je Mozart nastopal kot majhen deček? Kakšni so bili ti nastopi? 4. Pri kateri starosti je Mozart napisal svojo prvo opero buffa? Kako se je imenoval in kje je bil postavljen? 5. Povejte nam o potovanjih mladega Mozarta v Italijo. 6. Katera mesta je Mozart obiskal pozneje? Je bilo njegovo potovanje v Pariz uspešno? 7. Povejte nam o Mozartovem razhodu s salzburškim nadškofom. 8. Opišite zadnje desetletje Mozartovega življenja in dela. Poimenujte glavna dela, ki jih je ustvaril v tem obdobju. Opera "Figarova svatba" Premiera Mozartove opere "Figarova svatba" je bila leta 1786 na Dunaju. Pri prvih dveh izvedbah je čembalu dirigiral sam skladatelj. Uspeh je bil ogromen, veliko a ukrep se je ponavljal za bis. Libreto (besedno besedilo) te opere v štirih dejanjih je v italijanščini napisal Lorenzo da Ponte po komediji francoskega pisatelja Beaumarchaisa Nori dan ali Figarova svatba. Leta 1875 je P. I. Čajkovski ta libreto prevedel v ruščino in v njegovem prevodu se opera izvaja pri nas. Mozart je Figarovo svatbo imenoval opera buffa. Ni pa le zabavna komedija s smešnimi situacijami. Glavne junake slika glasba kot različne žive človeške like. In glavna ideja Beaumarchaisove igre je bila blizu Mozartu. Kajti sestoji iz tega, da se služabnik grofa Almaviva Figaro in njegova nevesta, služabnica Susanna, izkažeta za pametnejša in spodobnejša od svojega naslovljenega gospodarja, katerega spletke spretno razkrivata. Grofu je Susanna všeč in poskuša odložiti njeno poroko. Toda Figaro in Susanna iznajdljivo premagata vse ovire, ki se pojavijo, in na svojo stran pritegneta grofovo ženo in mladega paža Cherubina v službi plemenite osebe. Povezovalna tema osrednje zabave, zabava napolnjena se razlikuje predvsem Spomnimo, beseda "uvertura" izhaja iz francoskega glagola "ouvrir", ki pomeni "odpreti", "začeti". 33 34 39 www.classON.ru drzna vzgoja otrok na področju ruske umetnosti z lestvicami, se pojavi prva tema stranskega dela, katerega melodijo izvajajo violine. Tema ima ritmično muhast, rahlo muhast, a vztrajen značaj: vokalne številke. Torej, prva solo številka v delu Figara (zaupana je bila baritonu) - majhna arija (kavatina) - zveni takoj po tem, ko je Susanna obvestila svojega zaročenca, da je grof začel zasledovati njeno dvorjenje. V zvezi s tem Figaro posmehljivo zapoje melodijo v stavku menueta - galantnega visokodružbenega plesa (skrajni odseki tridelne reprizne oblike kavatine): Druga tema stranskega dela je podobna odločilnim vzklikom: In tema končnega dela je najbolj uravnotežena, kot bi vse poravnala: V reprizi se stranski in zaključni del ponovita že v glavni tonaliteti D-dura. Združuje jih koda, ki še bolj poudarja veder in živahen značaj uverture. V tej Mozartovi operi veliko mesto zavzemajo vokalne zasedbe, predvsem dueti (za dva lika) in tercete (za tri like). Ločujejo jih recitativi ob spremljavi čembala. In drugo, tretje in zadnje, četrto dejanje se končajo s finali - velikimi ansambli, v katerih sodeluje šest do enajst likov. Solaži se na različne načine vključujejo v dinamični razvoj dogajanja: v srednjem delu kavatine zadržani gib zamenja hiter, elegantno tritaktno melodijo zamenja odločna dvotaktna. Tu Figaro že odločno izrazi svojo namero, da bo za vsako ceno preprečil zahrbtne »načrte svojega gospodarja: Naslovljena je na mlado stran Cherubino. Po naključju je slišal, kako je grof poskušal izpovedati svojo ljubezen do Suzanne, in tako nezaželeni priči je bilo ukazano, da gre v vojaško službo. Figaro v svoji ariji veselo in duhovito posmehuje situacijo, slika mladeniča, razvajenega z dvornim življenjem, slike surovega vojaškega življenja. V glasbi se to odraža s spretno kombinacijo provokativne plesnosti z »militantnimi« fanfarnimi potezami. To je refren, ki zveni trikrat v obliki ronda: Druga je majhna arija pesmi podobne narave "Vroča kri vznemirja srce." To je bolj zadržana izpoved nežnih čustev, sramežljivo namenjena sami grofici: Suzana (sopran) je v mnogih zasedbah opisana kot energična, spretna in iznajdljiva, v tem pa nič manjša od Figara. Hkrati je njena podoba subtilno poetizirana v svetli zasanjani ariji iz četrtega dejanja. V njem Susanna v mislih nagovori Figara z nežnim pozivom: Sam Cherubino (njegovo vlogo izvaja nizek ženski glas - mezzosopran) je v dveh arijah opisan kot goreč mladenič, ki še vedno ne more razumeti svojega čustva, pripravljena vzljubiti vsak korak. Ena od njih je hkrati vesela in drhteča arija »Povej, ne morem razložiti«. Združuje melodičnost z ritmom, kot da občasno utripa od vznemirjenja: 41 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti Vprašanja in naloge 1 . Kdaj in kje je bila premiera Mozartove Figarove noči? 2. Na kateri komediji temelji njen libreto? 3. Kaj je glavna ideja tega dela? 4. Kako je zgrajena uvertura v opero? 5. Povejte nam o značilnostih dveh solističnih številk v delu Figaro. 6. Kateremu glasu je zaupana vloga Cherubina? Pojte melodije njegovih arij. 7. Kako je Suzana označena v ansamblih in kako - v ariji iz četrtega dejanja? Četrta različica (z metanjem leve roke čez desno) je, nasprotno, bolj pogumna. Peta variacija, kjer začetni lagodni tempo Andante grazioso zamenja zelo počasen - Adagio, je melodična instrumentalna arija, obarvana s koloraturo. In potem sprememba tempa v hitrem (Allegro) ustreza veselemu plesnemu značaju zadnje, šeste variacije. Drugi stavek sonate je Menuet. Kot običajno je zgrajena v tristavčni reprizni obliki z natančnim ponavljanjem v reprizi glasbe prvega stavka. Med njima je srednji del (Trio) 35. V vseh delih Menueta se moško odločne in oblastne pometljive intonacije primerjajo z ženskimi nežnimi in gladkimi intonacijami, podobnimi ekspresivnim liričnim vzklikom-nagovorom. Sonata v A-duru za Klavierja Mozarta, znana sonata v A-duru, ki jo običajno imenujemo Turška marčna sonata, je nenavadno zgrajen cikel. Prvi stavek tukaj ni sonatni alegro, ampak šest variacij na lahkotno in umirjeno, domiselno graciozno temo. Videti je kot pesem, ki bi jo lahko v dobrem, mirnem razpoloženju zapeli v dunajskem glasbenem življenju. V njenem nežnem nihajočem ritmu je podobnost s stavkom Siciliane - starega italijanskega plesa ali plesne pesmi: Skladatelj je tretji del sonate (finale) poimenoval "A11a Turca" - "Na turški način." Kasneje je bilo temu finalu dodeljeno ime "Turški marš". Z intonacijsko strukturo turške ljudske in profesionalne glasbe, ki je za evropska ušesa nenavadna, ni nič skupnega. Toda v 18. stoletju se je v evropski, predvsem gledališki glasbi pojavila moda za koračnice, ki so jih običajno imenovali "turški". Uporabljajo tembrsko barvo »janičarskega« orkestra, v katerem so prevladovala pihala in tolkala – veliki in mali bobni, činele, triangle. Vojaki pehotnih enot turške vojske so se imenovali janičarji. Glasbo njihovih koračnic so Evropejci dojemali kot divjo, hrupno, "barbarsko". Med različicami ni ostrih kontrastov, vendar imajo vse drugačen značaj. V prvi različici prevladuje graciozno muhasto melodično gibanje, v drugi pa je graciozna igrivost združena s šaljivim odtenkom (omembe vredne so "nagajive" graciozne note v levem delu). Tretja variacija - edina, ki ni napisana v A-duru, temveč v A-molu - je polna rahlo žalostnih melodičnih figur, ki se premikajo enakomerno, kot z nežno sramežljivostjo: Na koncu Tria je oznaka "Minuetto da capo" . Italijanščina - "iz glave", "od začetka". 35 "Da capo" prevedeno iz 42 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju ruske umetnosti Finale je napisano v nenavadni obliki. Lahko ga opredelimo kot triglasni zbor (v A-duru). Ponavljajoče se ponavljanje zbora daje zgradbi finala značilnosti ronda. Prvi stavek - z lahkotnimi "krožečimi" motivi (a-mol) - in srednji stavek - z melodičnim pasažnim stavkom (f-mol) - naravno združujeta graciozno plesnost z jasnim koračniškim korakom: Dolgo je veljalo, da Mozart je sonato v A-duru zložil poleti 1778 v Parizu. Potem pa so odkrili informacijo, da se je to zgodilo nekaj let kasneje, na Dunaju. Takšen podatek je še toliko bolj verjeten, ker je tam leta 1782 potekala premiera Mozartovega singspiela Ugrabitev iz Seralja. V njej se dogajanje odvija v Turčiji, v glasbi uverture in v dveh koračnicah podobnih zborih pa je opazno posnemanje »janičarske« glasbe. Poleg tega je hrupno? Mozart je kovaško »janičarsko« kodo v A-duru dodal finalu senatov šele leta 1784, ko je delo izšlo. Omeniti velja tudi, da v sonati, tako kot v "Ugrabitev iz Seraglia", velika vloga pripada žanrom pesmi in marša. Pri vsem tem se je pokazala povezava instrumentalne glasbe z gledališko glasbo, ki je zelo značilna za Mozarta. Vprašanja in naloge 1. Kaj je neobičajnega v ciklu Mozartove sonate v A-duru? Povejte nam o naravi teme in šestih variacijah nanjo v prvem delu tega dela. 2. Katera plesna zvrst je uporabljena v drugem delu sonate? 3. Pojasni, zakaj se finale sonate v A-duru imenuje Turški marš. Kakšna je posebnost njegove konstrukcije? Pojte na njegove glavne teme. 4. S katerim Mozartovim glasbeno-gledališkim delom odmeva glasba njegove »Turške koračnice«? Simfonija v g-molu, nastala na Dunaju leta 1788, Simfonija v g-molu! (št. 40) je eno najbolj navdihujočih del velikega skladatelja. Prvi stavek simfonije je sonatni alegro v zelo hitrem tempu. Začne se s temo glavnega dela, ki takoj očara kot zaupna, iskrena lirična izpoved. Pojejo jo violine ob nežno nihajoči spremljavi drugih strunskih inštrumentov. V njeni melodiji je prepoznaven enak razburjen ritem kot na začetku Cherubinove prve arije iz opere Figarova svatba (glej primer 37). Zdaj pa je bolj »odraslo«, resno in pogumno besedilo: Refren (v A-duru) zazveni trikrat, je kot nekakšen »janičarski noise refren«, v partu leve roke imitacija bobna. se sliši: V zvezi s tem "Turški marš", včasih imenovan "Rondo v turškem slogu" ("Rondo alla Turca"). 36 43 www.classON.ru Izobraževanje otrok na področju umetnosti v Rusiji Majhen razvoj). Toda v njem ni kontrastov, vse se podreja splošnemu svetlemu razpoloženju, ki je že od samega začetka določeno v glavnem delu, ki zveni na strunah: moškost lika je okrepljena v povezovalnem delu, v katerega se razvije glavni del. . Obstaja modulacija v B-dur vzporedno z g-molom - tonaliteta stranskega dela. Njegova tema je lažja, bolj graciozna in ženstvena v primerjavi z glavno temo. Obarvana je s kromatskimi intonacijami, pa tudi z menjavanjem tonov strunskih in pihalnih glasbil: V sedmem taktu se tu pojavi rahlo »plapolajoča« figura dveh dvaintridesetih tonov. V nadaljevanju nato prodira v melodične linije vseh tem, nato pa se zdi, da se ovija okoli njih, pojavljajoč se v različnih registrih z različnimi instrumenti. Je kot odmev glasov mirne narave. Le na trenutke malo motene se slišijo zdaj od blizu, potem v daljavi. Po ustaljeni tradiciji je tretji stavek simfonije Menuet. Toda v njem je le srednji del - Trio - očitno tradicionalen. Trio z uglajenim gibanjem, melodičnostjo glasov in tonaliteto v G-duru odpira g-mol glavne, skrajne odseke tega Menueta, ki je nasploh nenavaden po lirski in dramski napetosti. Zdi se, da sem se moral po tihem razmišljanju o naravi, utelešeni v Andanteju, zdaj vrniti v svet duhovnih tesnob in nemira, ki je prevladoval v prvem delu simfonije. To ustreza vrnitvi glavnega tonaliteta simfonije - g-mola: v zadnjem delu se pojavi nov izbruh energije. Tu ima vodilno vlogo ponavljajoče se in vztrajno razvijanje prvega - trizvočnega - motiva teme glavnega dela. Ob začetku precej ekspanzivnega razvoja se zdi, da se oblaki zaskrbljeno zbirajo. Iz lahkega B-dura je oster obrat v mračni oddaljeni tonalitet F-mola. V razvoju se tema glavne zabave dramatično razvije. Gre skozi celo paleto tonalitetov, razdeljena je na posamezne fraze in motive, pogosto pa jih posnemajo v različnih glasovih orkestra. Prvi motiv te teme utripa zelo napeto. Toda končno njegov utrip oslabi, zadrži njegovo tresenje in pride repriza. Vendar se vpliv visoke dramske intenzivnosti, dosežene v razvoju, odraža v tem delu prvega dela. Tu se dolžina povezovalnega dela močno poveča, vodi do predstavitve stranskih in končnih delov ne več v duru, temveč v glavnem tonaliteti g-mola, kar naredi njihov zvok bolj dramatičen. Drugi stavek simfonije je Andante v Es-duru. S svojo mehko in nežno umirjenostjo je v nasprotju z lirično-dramatičnim prvim delom. Tudi oblika Andante je sonata (g-mol je glavna tonaliteta in četrti del simfonije - finale, ki poteka v zelo hitrem tempu. Finale je napisan v sonatni obliki. Vodilna tema v tem delu simfonije je tema glavnega dela Skupaj s temo glavnega dela prvega dela se nanaša na najsvetlejše Mozartove instrumentalne teme. Toda če tema v prvem stavku zveni kot nežna in spoštljiva lirična izpoved, potem je tema finala strastna lirična in dramatična privlačnost, polna poguma in se bomo odločili 44 www.classON.ru Izobraževanje otrok v umetnosti Rusija 2. Povejte nam o glavnih temah prvega dela simfonije in njihovem razvoju. 3. Kakšen značaj ima glasba v drugem in tretjem delu simfonije? 4. Katera je vodilna tema v finalu simfonije? V čem se njegov značaj razlikuje od značaja teme glavnega dela prvega stavka? 5. Kako je zgrajena tema glavnega dela finala? Na čem temelji razvoj v razvoju? Glavna dela To ognjevito privlačnost ustvarja hiter vzpon melodije vzdolž zvokov akordov in energične melodične figure, ki krožijo okoli enega zvoka, kot da se odzivajo na njegov impulz. Tako kot v prvem stavku simfonije je graciozna tema stranskega dela finala še posebej svetla v ekspoziciji, ko je izvedena v B-duru: 19 oper Requiem Približno 50 simfonij 27 koncertov za klavir in orkester 5 koncertov za violino in orkester Koncerti s spremljavo orkestra za flavte, klarinet, fagot, rogove, flavte s harfo Godalni kvarteti (več kot 20) in kvinteti Sonate za klavir, za violino in klavir Variacije, fantazije, rondoji, menueti za klavir Končni del temelji na klavirju. drugi element teme glavnega dela. V razvoju finala se posebej intenzivno razvija prvi, invokativni element teme glavne partije. Visoka dramska napetost je dosežena s koncentracijo harmonskih in polifonih načinov razvijanja - dirigiranjem v mnogih tonalitetih in imitativnimi poimenkami. V reprizi je izvedba stranskega dela v glavnem tonalitetu g-mola rahlo zasenčena z žalostjo. In drugi element teme glavnega dela (afirmativne, energične figure), tako kot v ekspoziciji, zveni v središču končnega dela v reprizi. Kot rezultat, finale v tej genialni Mazartovi stvaritvi tvori svetel lirični in dramatičen vrh celotnega sonatno-simfoničnega cikla, brez primere v svoji namenskosti skozi figurativni razvoj. Ludwig van Beethoven 1770-1827 Veliki nemški skladatelj Ludwig van Beethoven je najmlajši od treh briljantnih glasbenikov, ki jih imenujemo dunajski klasiki. Beethoven je živel in ustvarjal že na prelomu iz 17. v 19. stoletje, v dobi velikih družbenih sprememb in pretresov. Njegova mladost je sovpadala s časom, Vprašanja in naloge 1 . Kdaj in kje je Mozart ustvaril Simfonijo v g-molu št. 40? 45 www.classON.ru Otroška umetnostna vzgoja v Rusiji

(ocene: 3 , povprečje: 3,67 od 5)

Naslov: Glasbena literatura tujih držav

O knjigi "Glasbena literatura tujih držav" I. A. Prohorova

Učbenik z naslovom "Glasbena literatura tujih držav", ki ga je sestavila I. Prokhorova, je namenjen samostojnemu študiju. To pojasnjuje jedrnatost in dostopnost predstavitve gradiva.

Knjiga "Glasbena literatura tujih držav" bo študente seznanila s kratkimi biografijami in najboljšimi deli znanih skladateljev. Otroci bodo lahko spoznali življenje in delo takih genijev, kot je I.S. Bach, J. Haydn, W.A. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert in F. Chopin. I. Prokhorova ni preveč podrobno opisala zgodb nadarjenih skladateljev, v učbeniku boste našli glavne datume življenja, izvor, nazive in naslove, področje delovanja, pogoje, ki so vplivali na izbiro poklica. Knjiga bo povedala o glavnih fazah življenja in dela glasbenikov, njihovih družbenih in političnih pogledih.

Publikacija "Glasbena literatura tujih držav" je namenjena učencem glasbenih šol, vendar pa bodo vsi, ki niso ravnodušni do klasičnih del, v tej knjigi našli nekaj zanimivega zase. I. Prokhorova je besedilo obogatila z razlagami nekaterih glasbenih in neglasbenih pojmov, zaradi česar je manj akademsko. Del, ki opisuje življenje glasbenikov, je predstavljen v kontekstu zgodovinskega in kulturnega življenja evropskih držav tistega obdobja. To študentom omogoča globlje in širše razumevanje razmer, v katerih so živeli in delovali legendarni skladatelji.

Ker je knjiga "Glasbena literatura tujih držav" namenjena domačemu branju, so vsa simfonična dela v njej na voljo v štiriročnem aranžmaju. Omeniti velja, da je zgodba o delu Bacha, ki se po programu preučuje čisto ob koncu leta, postavljena na začetek. Avtor se je za ta korak odločil zaradi upoštevanja kronologije predstavitve.

Sestavljalec te knjige je prepričan, da bo redna uporaba učbenika v učencih prebudila okus po samostojnem spoznavanju poljudne in znanstvene glasbene literature. Poleg tega bodo otroci lahko razvijali in krepili veščine glasbenega branja s pogleda ter se navajali na štiriročno izvajanje.
Samostojno učenje znanih del bo omogočilo, da se izvajajo med poukom, v prisotnosti drugih otrok, kar bo povečalo aktivnost kolektivnih razredov in bistveno izboljšalo dojemanje klasične glasbe.

Na našem spletnem mestu o knjigah lifeinbooks.net lahko brezplačno prenesete brez registracije ali preberete na spletu knjigo "Glasbena literatura tujih držav" I. A. Prohorova v formatih epub, fb2, txt, rtf, pdf za iPad, iPhone, Android in Kindle. Knjiga vam bo prinesla veliko prijetnih trenutkov in pravo veselje ob branju. Polno različico lahko kupite pri našem partnerju. Tukaj boste našli tudi najnovejše novice iz literarnega sveta, izvedeli biografijo svojih najljubših avtorjev. Za pisce začetnike obstaja ločen razdelek s koristnimi nasveti in triki, zanimivimi članki, zahvaljujoč katerim se lahko preizkusite v pisanju.

OD SESTAVLJALCEV
Ta knjiga je učbenik o glasbeni literaturi tistega zgodovinskega obdobja, ki se začne v zadnjih desetletjih 19. stoletja. Tak učbenik se pojavi prvič: peta številka se konča, kot veste, z delom K-Debussyja in M. Ravela.
V knjigi so opisane različne nacionalne glasbene šole, ki so določale njeno celotno strukturo. V prvem razdelku so opisani splošni procesi, ki so se na svoj način izvajali v glasbeni umetnosti različnih držav in v delu skladateljev različnih osebnosti. Vsak naslednji razdelek je sestavljen iz pregleda glasbene kulture posamezne države in monografskega dela, posvečenega delu najpomembnejših skladateljev te šole. Le razdelek, posvečen delu I. Stravinskega, se razlikuje po strukturi: ne vsebuje uvodnega pregleda. In to je razumljivo: navsezadnje je Stravinski, ki je večino svojega življenja zaradi posebnih okoliščin preživel zunaj Rusije, ostal ruski mojster in ni pripadal nobeni tuji šoli. Odločilni vpliv njegovih ustvarjalnih načel na skoraj vse vodilne glasbenike našega stoletja nam ne dovoljuje, da bi Stravinskega odstranili iz splošne slike razvoja glasbene umetnosti 20. stoletja. Vključitev tega monografskega poglavja v učbenik o tuji glasbeni literaturi je tudi posledica posebnosti učnega načrta na šoli: dijaki ob študiju tuje glasbe 20. stoletja sploh niso poznali ne osebnosti ne glasba I. Stravinskega. Na to stran glasbene umetnosti se bodo obrnili šele ob koncu četrtega tečaja, kjer je obravnavano le prvo, rusko obdobje skladateljevega ustvarjanja.

Pozornost sestavljavcev in avtorjev učbenika je usmerjena tako v prikaz splošnih glasbenih in zgodovinskih procesov obravnavanega obdobja kot v analizo najodličnejših del, ki so postala klasika našega stoletja. Zaradi izjemne kompleksnosti dogajanja v glasbeni umetnosti 20. stoletja, njihove heterogenosti, medsebojnih presečišč in hitrega menjavanja so pregledna poglavja v tej knjigi zavzela bistveno večje mesto kot v prejšnjih izdajah. Kljub temu so sestavljavci v skladu z metodološkimi izhodišči predmeta prizadevali ohraniti fokus na analizah glasbenih del, ki so v tem primeru namenjene razkrivanju raznolikosti ustvarjalnih metod, načinov razmišljanja, različnih slogovnih odločitev in pluralnosti glasbenih del. skladateljske tehnike mojstrov našega stoletja.

Glede na to, da knjiga ponuja široko panoramo glasbene umetnosti, analiza pa je v mnogih primerih zelo zapletena (kar je v veliki meri vnaprej določeno s samim gradivom), menijo sestavljavci, da je ta učbenik mogoče nasloviti tudi na študente ne samo poustvarjalne, ampak tudi teoretičnih oddelkov glasbenih šol. Vsebina knjige omogoča selektiven pristop k njej v izobraževalnem procesu; globino in podrobnost študija poglavij določijo učitelji sami, odvisno od stopnje pripravljenosti študentov, materialne opremljenosti učnega procesa z notami in glasbenimi posnetki ter števila ur, ki jih učni načrt namenja temu delu. tečaja.
Na knjigi je delala velika skupina avtorjev. Od tod neizogibnost različnih načinov podajanja snovi; hkrati pa so se sestavljavci v samem pristopu k njej trudili ohraniti enotna metodološka načela.

VSEBINA
Od prevajalcev
Poti razvoja tuje glasbene umetnosti XX stoletja.
Glasbena kultura Avstrije
Gustav Mahler
Vokalna ustvarjalnost. "Pesmi popotnega vajenca"
Simfonična ustvarjalnost. Prva simfonija
ARNOLD SCHENBERG
Življenjska in ustvarjalna pot
"Preživeli iz Varšave"
ALBAN BERG
Življenjska in ustvarjalna pot
Glasbena drama Wozzeck
Koncert za violino in orkester
ANTON WEBERN.
Življenjska in ustvarjalna pot
Glasbena kultura Nemčije
RICHARD STRAUSS
Življenjska in ustvarjalna pot
Simfonična ustvarjalnost. Simfonični pesmi "Don Juan" in "Til Ulenspiegel"
PAUL HINDEMITH
Življenjska in ustvarjalna pot
Simfonična ustvarjalnost. Simfonija "Umetnik Mathis".
CARL ORF
Življenjska in ustvarjalna pot
Glavni žanri dela Karla Orffa in njihove značilnosti.
Opera "Pametno dekle"
"Carmina Burana"
IGOR STRAVINSKI
Življenjska in ustvarjalna pot
"Simfonija psalmov"
Opera "Oedipus Rex"
Glasbena kultura Francije.
ARTHUR ONEGGER
Življenjska in ustvarjalna pot
Gledališka in govorniška ustvarjalnost. Oratorij "Ivana Orleanska na grmadi"
Simfonična ustvarjalnost. Tretja simfonija ("Liturgična")
DARIJA MIJO
Življenjska in ustvarjalna pot
Vokalno-instrumentalno, ustvarjalnost. "Ognjeni grad"
Francis Poulenc
Življenjska in ustvarjalna pot
Opera "Človeški glas"
Glasbena kultura Španije
MANUEL DE FALLA
Življenjska in ustvarjalna pot
Balet "Ljubezen je čarovnica"
Opera "Kratko življenje"