Известни картини на жени. Съдбите на красавици от известни портрети

АНТИЧНОСТ

Жени Египетбяха по-свободни и независими от жените в други страни - не само Древен свят, но и Европа: от Средновековието до края на XIXвек. В Древен Египет обаче не е имало така нареченото „равенство между половете“ - защото според световния ред, установен от Маат, жизнената същност на мъжете и жените е различна. Мъжете в Египет боготворяха жените, възхищаваха им се и се грижеха за тях. В същото време, естествено, изискващи внимание и уважение от тях. В традиционното египетско изкуство жените най-често са представяни като любяща съпруга, държаща мъжа си за ръка или прегръщаща рамото му. Тъй като мъжете работеха за свеж въздухна полето или край реката кожата им била тъмна, докато жените, работещи в стая, защитена от палещото слънце, били светли. Според изобразителното изкуство египетските жени обикновено са представяни като крехки и грациозни.

критскижените имали неестествено тясна талия, били ниски на ръст и грациозно телосложение. Те криеха лицата си в сенките, което правеше кожата им бледа, а на нейния фон се виждаха черни очи и коса. Жените носеха къдрици, които обрамчваха врата, къдрици, събрани на челото, или плитки с вплетени панделки. Критските жени носели на главите си пухкави шапки (подобни на тези от 19 век). Краката често бяха боси, но жените от висшата класа понякога носеха бродирани кожени обувки.

Фрагмент от гърба на трона на Тутанкамон

Живопис в двореца Кносос. Крит

Живопис в Помпей

Портрет на Фаюм. Египет

СРЕДНА ВЪЗРАСТ

Средновековието дава на жените много скромно, ако не и незначително, място в подредената сграда на социалната йерархия. Патриархален инстинкт, традиции, запазени от времената на варварството, и накрая, религиозната ортодоксия - всичко това подтикна средновековен човекмного предпазливо отношение към жените се смяташе за неразделна характеристика на женската „греховност“ - и двете бяха строго осъдени от църквата. Имаше дори специална резолюция, според която бракът, сключен с помощта на женски "трикове" - козметика, рокли и т.н., се смяташе за измама, незаконен и можеше да бъде разтрогнат.

ВЪЗРАЖДАНЕ

Човешката личност през Ренесанса е опосредствана не от Бога, а от красотата и най-вече от женската красота. За първи път в човешката история една жена заема изключително място, подобно на Мадоната на трона.
Оттук идва безкрайната поредица от мадони, които постепенно се превръщат в просто портрети на млади жени от епохата. Ренесансовата жена е благородство, красота и образование.

Ван Ейк

Ботичели - Мадона Магнификат (Прославяне на Мадоната)

Ботичели - Раждането на Венера

Ел Греко

Рафаело

Рафаело

Бронзино

да Винчи - Дама с хермелин

да Винчи - Мадона Лита

да Винчи-Джоконда

Кристофано Алори

Джорджоне - Спящата Венера

БАРОК

В епохата на барока (края на 16-17 век) естествеността отново излиза от мода. Заменя се със стилизация и театралност. Разцветът на барока идва по време на управлението на френския „Крал Слънце“ Луи XIV. Оттогава френският двор започва да диктува модата в цяла Европа. Женското тяло в бароковия период, както и преди, трябва да бъде „богато“ с „лебедова“ шия, широки рамене, изхвърлени назад и извити бедра. Но талията вече трябва да е възможно най-тънка, а корсетите с китова кост идват на мода. Пищните дрехи с волани отдавна са се превърнали в един от основните елементи на женската неустоимост. Парад външен виднай-ясно се проявява в широкото използване на луксозни яки и перуки, които съществуват сред благородството в продължение на почти три века.

Рубенс

Рубенс със съпругата си

ван Меер

Рембранд

Рембранд - Саския

РОКОКО

В началото на 18в. Започва епохата на рококо и женският силует отново се променя. Сега жената трябва да прилича на крехка порцеланова фигурка. Тържествената помпозност на барока е заменена от грация, лекота и игривост. При това театралността и неестествеността не изчезват – напротив, те достигат своя връх. И мъжете, и жените придобиват вид на кукла. Красавицата в стил рококо има тесни рамене и тънка талия, малък корсаж, контрастиращ с огромна кръгла пола. Деколтето се увеличава, а полата леко се скъсява. В тази връзка започва да се обръща голямо внимание на бельото. На мода са чорапите, а долната пола е богато украсена. излагам женски гърди, докосването и целуването й вече се смяташе за съвсем прилично. Скромността предизвика само присмех: тъй като едно момиче се срамува, това означава, че няма с какво да се похвали. Дамите постоянно намираха причина да покажат гърдите си - или роза падна и се убоде, или бълха ухапа - "виж!" Популярно забавление за благородниците бяха и уникалните конкурси за красота, където дамите безсрамно повдигаха полите си и отваряха корсажите си. Галантните дами слагат толкова много грим на лицата си, че според тях съпрузите често не разпознават жените си.

Франсоа Буше - Портрет на Луиз О'Мърфи

Франсоа Буше

Фрагонар - Люлка

РОМАНТИЗЪМ

Имитацията на антични дрехи също промени силуета на жената. Роклята придобива ясни пропорции и плавни линии. Основното облекло на модниците се превърна в снежнобял шмиз - ленена риза с голямо деколте, къси ръкави, стеснени отпред и свободно обгръщащи фигурата отдолу. Коланът се премести точно под гърдите. Имперският стил беше един от последните ясно дефинирани стилове, диктуващ сравнително ясни канони за красота и мода. С началото на 19 век модата започва да се променя толкова бързо, че могат да бъдат уловени само някои от най-ярките тенденции.

ЖЕНСКИ ОБРАЗ В РУСКАТА ЖИВОПИС...И тайната на твоя чар е равносилна на решението на живота... Б. Пастернак От век на век жените неизменно са вдъхновявали поети, музиканти и художници да създават най-великите произведения на изкуството. Прелестните вдъхновители са различни по възраст и характер, но има нещо, което ги обединява – във всяка от тези жени живее по една мистерия. Мистерията на тяхната красота, женственост, чар. „Обичам жените като най-висша тайна“, Константин Балмонт. В руската живопис цяла линиябрилянтни произведения, в центъра на които е жената с нейния сложен духовен свят. През 18 век портретът играе водеща роля в руската живопис. Именно в този жанр руските художници достигнаха нивото Европейска живопис. Един от тях е Фьодор Семенович Рокотов (ок. 1732-1806). Творчеството на Рокотов принадлежи към най-забележителните явления на 18 век; в своите портрети той успя да разкрие вътрешния свят и да предаде най-фините преживявания на човек. Художникът идва от крепостничество, но е освободен. През 1750-те години славата на Рокотов е толкова голяма, че той е поканен да нарисува портрет на престолонаследника, великия княз Петър Федорович, а през 1760-те години той рисува два портрета на императрица Екатерина II. Всеки портрет на Рокотов е преди всичко чувство, въплътено в гъвкав и богат език на живописта. Описанията им не са в състояние да предадат плъзгането на светлината върху гладка емайлова повърхност, красотата и движението на цвета, ту трептящ в дълбините, ту пробиващ се с приглушена топлина, фини преходи от един полутон към друг, нарисуваното... в мрака на фона, от който сякаш в наплив изплуват лицата на неговите герои. Женските портрети на Рокотов са особено духовни. Завладяващ е образът на младия А.П. Струйской (1772)

Любовна живопис, поети Само на нея, единствената, е дадена Душата на изменчив знак, за да се пренесе на платното. Очите й са като две мъгли, Наполовина усмивка, наполовина плач, Очите й са като две измами, Покрити в мъглата на провала. Александра Петровна Струйская вдъхновява не само поетите на своето време. Два века след смъртта й Николай Заболоцки, взирайки се в портрета на прочутия Рокотов, пише: ...Помните ли как „от мрака на миналото, Едва увита в сатен, От портрета на Рокотов Струйская отново ни погледна? Сякаш беше предопределена да бъде вечната муза на поета. В своя 18 век тя пленява с мистериозната си визия още един от тях – съпруга си. Струйски описва любимата си по този начин в едно от многото стихотворения, посветени на нея: Ако някой стоеше тук за вашите мили очи, Отдавна той щеше да построи този храм за вас в сърцето си, И той щеше да носи себе си и сърцето си към вас като жертва. Ти си достойна за себе си, Сапфира!.. и за небето. Нямам думи да почитам красотата ти като смъртен, Загубен ли съм в теб?.. Горя с теб. („Елегия към Сапфира“) Една от книгите на Струйски е оцеляла до днес - „Еротоиди. Анакреонтични оди“. Всички „оди“ в него са изпълнени с декларации за любов към тази, която в поезията се наричаше Сапфира, а в живота - Александра, любимата му съпруга. **************************************** ** Друг голям руски портретист, вторият половината на XVIIIвек имаше Дмитрий Григориевич Левицки (1735-1822), художник, може би не толкова изтънчен като Рокотов, но по-многостранен. Цяла епоха обхваща творчеството на „освободения портретист” Д.Г. Левицки. Създава галерия от портрети, необикновени по своето проникновение, свежест и ефирност. Достатъчно е да си припомним неговата живописна сюита от седем портрета „Смолянка“ (1772-1776), посветена на възпитаниците на Смолния институт. Получава поръчка за портрети от И.И. Бецки, помощник и съветник на императрица Екатерина II. За образователни цели художникът трябваше да представи на просветеното общество резултатите от педагогическите усилия на императрицата - учениците от интерната в Смолни, който тя особено покровителства. Пансионът, организиран през 1764 г., е замислен като затворена образователна институция, в която момичетата получават образование и социални умения. Левицки рисува онези смолянчани, които се отличават особено от императрицата. Сред тях се откроява портретът на Екатерина Нелидова

Портретът на Нелидова предава единството на игровото начало и душевното състояние: истинска веселост и искрена страст. Ясни очи, нежна, леко закачлива усмивка, крак в перлена обувка леко и грациозно побутнат напред - ами ако Пепеляшка, която първа се озова на бала, беше цялата в очакване на чудо и щастие? Изглежда, че само миг - и ще се появи красив принц, ще прозвучи слаб клавесин и тя, без да престава да се усмихва, ще започне своя менует ... Според съвременниците тя не е била по-ниска по умение от професионалните актриси. Нелидова не беше красавица, но на сцената се преобрази и стана необикновено очарователна. За нея може да се каже с думите на Фьодор Тютчев: Има ли в нея земен чар или неземна грация? Душата би искала да й се моли, И сърцето е жадно да се обожава... ******************************* ****** ******* Славата на руската живописна школа е увеличена от най-талантливия художник от края на 18 - началото на 19 век Владимир Лукич Боровиковски (1757-1825). Той влиза в кръга на руските портретисти като вече утвърден художник, успял да спечели известност като иконописец в родната си Украйна. В.Л. Боровиковски създава най-добрите лирически образи под влиянието на новото направление, което тогава идва в изкуството и литературата - сантиментализма. Художникът особено успя да предаде тиха мечтателност, фини емоции и модерна по онова време чувствителност в прекрасните си женски портрети. Боровиковски създава свой тип женски портрет. Художникът не се стреми към разнообразие композиционни техники: като правило това са полуфигури на жени, облегнати на пиедестал, изобразени на фона на парков пейзаж. Варирайки това решение с известни отклонения, художникът фокусира вниманието върху лицата на своите модели и създава духовни и поетични образи. Това са портретите на Е.А. Наришкина, О.К. Филипова, сестри Гагарини...

Портрет на Е.А. Наришкина.

Портрет на О.К. Филипова.

Портрет на сестри Гагарини. . Но дори сред тези красиви картини портретът на завладяващата, загадъчна и мечтателно тъжна Мария Ивановна Лопухина (1797) се откроява със своя особен лиризъм и красота на живописта.

В този портрет художникът въплъти идеята на своето време за женския чар. Очарованието беше почти неземно и, както се оказа, краткотрайно (Лопухина почина на двадесет и две години). Но докато нищо не помрачава красивите й черти, то е истинско. хармонична личноств разцвета на красотата. Цветовата схема на платното е продиктувана от дизайна. Сини, люлякови, перлено бели, златисти тонове - няма нито един остър акцент. Сякаш намеквайки за невидимите нишки, свързващи човека и природата, Боровиковски прибягва до поименна гама от цветове в изобразяването на облекло и пейзаж: син пояс - сини метличини, люляков шал - люлякова роза. Художникът избягва ъглови форми, предпочита гладки, заоблени линии. Ритмите са спокойни - контурите на фигурата се отразяват от завоите на короните на дърветата, класове, метличина; розата е наклонена по същия начин като главата на момичето. Живописният пейзаж напълно отговаря на настроението на мечтателната Лопухина. Яков Полонски написа стихотворение, пропито с топлина, „Към портрета на Лопухина“: Тя почина отдавна и тези очи вече ги няма И тази усмивка, която мълчаливо изразяваше, Страданието е сянката на любовта, а мислите са сянка на тъга... Но Боровиковски спаси нейната красота. Така че част от душата й не е отлетяла от нас; И този външен вид и тази красота на тялото ще привлекат към нея безразлични потомци. Учейки го да обича - да страда - да прощава - да мълчи... ********************************* *************** ******** Историята на женския портрет е продължена от художници от 19 век. И един от първите сред тях е, разбира се, Карл Павлович Брюлов (1799-1852), който брилянтно съчетава класическите канони с романтичните тенденции в творчеството си. Брюлов се наричаше Карл Велики, обичаха го Пушкин, Гогол, Белински, Херцен. Човекът в картините на Брюлов е горд и красив. „Човекът на Брюлов се появява, за да покаже цялата си красота, цялото висше изящество на своята природа“, пише Гогол. Точно такъв портрет виждаме. "Конница" (1832)

„Жованин на кон“, нарече картината самият Брюлов. Йованин е Джованина Пачини, доведена дъщеряГрафиня Юлия Павловна Самойлова. Момичето в розова рокля, изтичащо на терасата и гледащо с възхищение ездача, е Амацилия Пачини, втората осиновена дъщеря на Самойлова. Брюлов си постави за задача да нарисува голям конен портрет, използвайки мотива за разходка, което му позволява да предаде фигурата в движение. Джованина е само на четиринадесет години, но има безстрастно лице, като на истинска светска дама. Тя е пълна с неизразим чар и грация. Пренасяйки прелестните черти на младата конница, осезаемата красота на животните, пейзажите, тъканите, художникът прославя пълнотата и радостта от битието. Изправен кон, момиче, което се втурва към ездача, блясъкът на слънцето по сенчестите пътеки на парка - всичко внася в картината импулс, развълнувано движение, което отличава тази композиция от статичните, съзнателно изградени церемониални портрети от предишната епоха. Образът на очарователния Джовани Пачини напълно съответства на женския образ, прославен от A.S. Пушкин в стихотворението „Красота”: Всичко в нея е хармония, всичко е прекрасно, Всичко е над света и страстите; Тя почива срамежливо В своята тържествена красота; Тя се оглежда около себе си: Тя няма съперници, няма приятели; Нашият блед кръг от красавици изчезва в нейния блясък. Където и да бързате, дори за любовна среща, каквато и тайна мечта да таите в сърцето си, - Но, като я срещнете, смутен, изведнъж спирате неволно, благоговейно в благоговение пред светилището на красотата. ************************************************* Галерия женски портретиРуски художници продължават картината на най-големия художник от втория половината на 19 веквек, лидерът на скитниците Иван Николаевич Крамской (1837-1887), което на пръв поглед не се вписва в представата за творчеството на художника-демократ. Сърцето и мисълта са това, което Крамской цени най-много във филма. На пътуващи изложбиНай-често се изявява като автор на мъжки портрети, много оскъдни по цвят и строги по композиция. И изведнъж - „Неизвестен“ (1883)

Млада, красива жена, облечена в целия лукс на модата, се вози в количка през зимния Санкт Петербург. Встрани остава Аничковият мост, покрит със сняг. Перспективата на Невски проспект се стопява в мразовита мъгла. На фона на светлото небе ясно изглежда гордо отметната назад глава на красива дама, осъзнала своя чар. Непознатата гледа спокойно и студено околните. В погледа му се долавя известно високомерие, подчертано от горда поза. Коя е тя, „Неизвестен“ на Крамской? социалистка? актриса? От кого е нарисуван художникът тази жена? Може би образът на красотата просто се е родил във въображението на художника? Дори Репин, близък приятел на Крамской, не знае нищо за неговия прототип, въпреки че трябва да се отбележи, че Репин нарича тази работа портрет, а не картина. За някои арогантността, красотата и тайната тъга на „Непознатата“ се свързват с образа на Анна Каренина, създаден от Л.Н. Толстой. Трудно е да се каже кой е изобразил Крамской на платното си. Едно нещо е сигурно - художникът явно се възхищаваше на своята героиня. Никога досега Крамской не е рисувал толкова многоцветен, сияен портрет, никога не е рисувал с такава любов преливащия блясък на кадифето, меката купчина кожа, сатенената повърхност на панделките и блясъка на златните гривни. И ние гледаме гордата красота с удоволствие, възхищавайки се на живописните умения на Крамской. Бялото щраусово перо и светлата коприна, обшила кадифената шапка, подчертаваха свежото, тъмно лице. Костюмът от синьо кадифе, украсен с кожа и панделки, хармонира добре със златната кожа, покриваща седалката на каретата. Меките, гладки линии на фигурата са пълни с грация и елегантност. И само тъга се таеше в огромните очи, полупокрити с дълги, пухкави мигли. Тези очи блестят като звезди и в блясъка им се вижда блясъка на неизплакани сълзи. Кой знае, може би зад външното излъчване на красота и лукс се крие трагедията на една унищожена душа висшето общество, а образът на „Неизвестен“ на Крамской отразява женския образ, създаден от М.Ю. Лермонтов в стихотворението „Като лъч на зора, като рози Леля...”: Горда с хора, покорна на съдбата, Не откровена, не престорена, Нарочно, изглежда, тя е създадена за щастие. Но какво светлината няма да унищожи? Какво благородно нещо ще събори, каква душа няма да свие, чия гордост няма да увеличи? И чии очи няма да измами с елегантната си маска? *********************************************** Късен XIX период - началото на 20-ти век, наречен Сребърен век в руското изкуство, поставя нови задачи, нови направления и съответно нови имена в живописта. Един от централни фигуриизкуство от края на века - Валентин Александрович Серов (1865-1911), голям художник, автор на повече от двеста портрета.

Момиче с праскови (Портрет на В. С. Мамонтова). 1887 г

„Момиче, озарено от слънцето (Портрет на М.Я. Симонович)” 1888. За картините на Серов „Момиче с праскови” (1887) и „Момиче, осветено от слънцето” (1888) руският изкуствовед Д.В. Сарабянов пише, че тяхната импресионистична яркост и динамиката на свободните мазки отбелязват завой от критичния реализъм на Странниците към „поетичен реализъм“. Серов рисува първата от тези картини на двадесет и две, втората на двадесет и три. В състояние на наслада и възторг, усещайки в себе си младежка сила и ентусиазъм, Серов пише един от своите шедьоври - „Момиче, озарено от слънцето“. Момичето на картината е Маша Симонович, братовчедка на художника. Серов се стреми да предаде очарованието на мимолетното и моментно, един миг от живота, изпълнен с искрящите цветове на битието. Момичето седи близо до ствола на старо дърво, слънчевите лъчи играят възхитително и вълшебно върху тънката й нежна кожа, а люлеещата се маса от сенки и светлина необичайно преобразява цялата й млада стройна фигура. Спокойният поглед на нейните сияйни сини очи, нежната руменина на красивото й, мило лице, уютната поза на почиващ човек - всичко това сякаш вдъхва на зрителя усещане за мир, дарявайки усещане за хармония и красота на всеки миг на живота. Т.Е. Грабар, художник, изкуствовед, реставратор, след смъртта на Серов, пише за „Момичето, озарено от слънцето“: „Това нещо е толкова съвършено, толкова свежо, ново и „днес“, че почти не вярвате на датата му - 1888 г.... Това нещо е създадено в момент на необикновен подем, в най-редкия и неподправен творчески екстаз...” Картината на Серов е съзвучна с редовете на руския поет-символист Константин Балмонт от стихотворението „Бисери”: Ти си ярката радост на въздушен сън, наслада, но не наслада на любовник. Ти ми беше дадена за миг, като приказка, О, колко си спокоен, колко строен и нежен. Минута, а след това вълната бяга, И аз си тръгвам, просветен. ************************************************* Лице Новото изкуство от границата на 19-ти и 20-ти век до голяма степен се определя от художниците от асоциацията "Светът на изкуството", които гравитираха към модернизма. Един от най сложни художници„Светът на изкуството“ е Константин Андреевич Сомов (1869-1939). Програмната работа на Сомов е портрет на рано починалата художничка Елизавета Михайловна Мартинова, известна като „Дамата в синьо“, създадена през 1897-1900 г.

Облечена в старинна рокля с дантелена яка и дълбоко деколте, тя е пълно въплъщение на тъга, умора, меланхолия, разочарование и неспособност да се бори в живота. Портретът на Сомов отразява женския идеал на неговото време с неговата поетизация на страданието и болката, особена изтънченост и сложност, изтънчена крехкост. Когато гледате „Дамата в синьо“, човек си спомня стихотворението на съвременника на Сомов, поета Фьодор Сологуб: „Ти трептеше тъжно Между светли приятели и сам не влезе в техния завладяващ кръг. Незабелязан от хората, Ти се разкри само на мен, И ще се срещнем В синя тишина, И, обичайки тишината на нощта Завинаги, ще вперим в теб безсънните си очи, Ти ще ми кажеш без думи, Какво и как живей, И ще вържеш моята меланхолия, И ще изгориш мъките си. ************************************************* Ако Сологуб и Балмонт са представители на символизма в поезията Сребърен век, тогава основателят на това художествено течение в руската живопис с право може да се нарече Михаил Александрович Врубел (1856-1910). Гравитирайки към символната и философска обобщеност на образите, той развива свой особен живописен език - широк мазък с "кристална" форма, цвят, разбиран като рисуван сняг, и цветове, които искрят като скъпоценни камъни. Врубел е привлечен от поетичните образи на Пушкин и Лермонтов.

Картината „Принцесата лебед“ е един от най-поетичните женски образи на Врубел. Въплъщава мечтата на жената за щастие. В люляковия здрач на пролетните северни нощи се извършва голямо тайнство. Покорена от любовта на царевич Гуидон и изпитала ответно горещо чувство, безсилна пред неизбежната съдба, принцесата Лебед се раздели с люлката си - с коварните и любими вълни на студеното море; тя трябва да приеме облика на земен човек, да стане жена. Плътното лъскаво оперение на лебеда вече започва да се топи, превръщайки се в лек пухкав облак, който след това, като сълзи на момиче, ще се пролее върху плахите пролетни лазурни цветя. И тази трансформация е тежка за нея, и болезнена, и радостна. В красивите й неземни очи живеят и трептят страх, меланхолия, любов и упрек към княза, че се е отказал от лебедовото самовластие, че се е подчинил на волята му... Както каза В.М. Васнецов за тази картина, изображението е създадено с „рядка красота, наистина приказни цветове“. Погледнете внимателно играта на синкаво-перлени, синкаво-бели, лилаво-лилаво-сиви цветове. Лебедът сякаш излиза от стихията на залезното сиво море, от морска вълна. Розовата светлина на залеза се плъзга по повърхността на снежнобялите крила, върху лекото, прозрачно одеяло и блестящо скъпоценни камънивърху кокошника и пръстените на принцесата. Филмът органично съчетава тънък лиризъм, вълнуваща мистерия, приказна фантазияи истинската реалност. Лебедовата принцеса се превърна в своеобразен символ на нов, тревожен век - в крайна сметка Врубел завършва платното си през 1900 г. Забележителният руски теософ и поет В.С. Соловьов, който се смята за предшественик на символизма в поезията на Сребърния век, има стихотворение, съответстващо на настроението на картината на Врубел: Моята царица се появи днес пред мен, цялата в лазур, - Сърцето ми бие от сладка наслада, И в лъчи на изгряващия ден, душата ми блестеше с тиха светлина. А в далечината, догаряйки, димеше Злият пламък на земния огън. Платното изобразява не само приказна красота, но и реален човек - прекрасен оперен певецНадежда Ивановна Забела, че тази жена е била предопределена да играе огромна роля в живота на М. Врубел. Четката на Врубел успя да улови гласа и пеенето на Забела в тази известна картина. Сред световете Сред световете, в блещукащите светлини на Една звезда, повтарям името... Не защото я обичам, а защото тъгувам с другите. И ако имам тежко съмнение, само Нея търся за отговор, Не защото има светлина от Нея, А защото при Нея няма нужда от светлина. /Инокентий Аненски/ е прекрасен поет, чиято поезия е толкова съзвучна с творчеството на поета. **************************************** *** Борисов-Мусатов Виктор Елпидифорович (1870 г. -1905) - художник, член на Съюза на руските художници (от 1904 г.) повлия на развитието на символизма в руската живопис от началото на 20 век. От призрачните, нестабилни мисли, пелената на тайнствените сънища се появява образът на дама в люлякови тонове, като глас на цигулка.

„Дамата на верандата“. Елегантна млада жена седи на верандата. Роклята пасва на стройна фигура. Странни сиви сенки върху роклята, сивкаво-опушено отражение, падащо върху тъжното лице и голи рамене - всичко това подчертава призрачността и нереалността на образа. Балюстрада на верандата в люлякови тонове. Дори цветният храст зад гърба на жената със синкаво-сиви листа и розата, стисната в ръката, лежаща на колене, не е алена, не бяла, а розово-сива. Зад балюстрадата може да се различи огрявана от слънце градина. Но в женската фигура има усещане за пълно отчуждение от всичко светло и радостно: сякаш самата фея на тъгата и самотата се появи пред нас ... Настроението на картината на Борисов-Мусатов „Дамата на верандата“ е в съзвучие с стихотворение от поета от Сребърния век Инокентий Аненски „Минута“: Шарените тъкани са толкова нестабилни, Горещият прах е толкова бял, - Не са необходими думи или усмивки: Останете както бяхте; Остани неясна, мрачна, По-бледа от есенна утрин Под тая увиснала върба, На мрежест фон от сенки... Минута - и вятърът, бързайки, Ще разпилее листата на шарки, Минута - и сърцето, пробуждайки се, Вижда, че не си ти... Остани без думи, без усмивка, Бъди като призрак, докато шарените сенки са толкова нестабилни и белият прах е толкова чувствителен... *********** *************** ***************** Традицията за създаване на женски образи, които представляват идеала за външна и вътрешна красота, не спира в руското изкуство от съветския период. Този художник беше нетипичен съветско изкуство, и затова приживе талантът му остава непотърсен. Както често се случва, за съжаление, с големи артисти, славата му дойде посмъртно. Константин Алексеевич Василиев (1942-1976) загива трагично в разцвета на необикновения си и рядък творчески талант, когато е едва на 34 години и когато пътят към успеха изглежда се отваря. Наследството на художника е впечатляващо - 400 картини, графики и скици, в които той прославя своята специална Рус. Неговите картини пресъздават света на славянските митове, предания, легенди, света на хармонията между човека и природата. Един от най-очарователните женски образи е създаден от Василиев в картината „В очакване“, нарисувана малко преди смъртта му - през 1976 г.

Дървената рамка на прозореца, до която стои момиче с горяща свещ в ръка, създава впечатлението за „картина в картината“. Мразовит моделвърху стъклото на прозореца, който огражда лицето и гърдите на момичето, я прави да изглежда като тайнствената птица Сирин с тъмна корона на главата и снежнобяло крило. Комбинацията от бели и кафяви тонове в картината предизвиква чувство на безпокойство, неясна тревога. Светлината на горяща свещ допълнително подчертава неизразимата меланхолия в сиви очимомичета. Кого чака? Вашият любим човек? Може би самата Съдба ще почука на вратата й в тази мразовита зимна вечер? И, очевидно, сърцето й чувства: тази съдба няма да й донесе щастие... Образът на пленително красиво момиче със светлокафява плитка, стоящо в мрачно очакване на прозореца, е необичайно съзвучно с женския образ от поемата на Анна Ахматова : Достатъчно ми е да замръзна от страх, По-добре ще извикам Чакона на Бах, И мъж ще влезе зад нея, Той няма да стане мой скъп съпруг. Но той и аз заслужаваме това, че двадесети век ще бъде смутен. Случайно го сбърках За онзи, който е надарен с тайна, С когото е съдено най-горчивото, Той ще закъснее за мен във Фонтанната палата в мъглива новогодишна нощ да пие вино. И той ще си спомни Богоявленската вечер, Кленовото дърво в прозореца, Брачните свещи И стиховете на смъртния полет... Но не първата клонка люляк, Нито пръстена, нито сладостта на молитвите - Той ще ми донесе унищожаване. Темата за женските образи в живописта е неизчерпаема. Жените се отличават с особен чар и непосредственост в младостта си, красота и изящество в зрелостта, духовност в старостта...

Публикации в раздел Музеи

Съдбите на красавиците известни портрети

Познаваме ги от поглед и се възхищаваме на красотата им в разцвета на младостта. Но как са живели тези жени след завършването на картината? Понякога съдбата им се оказва изненадваща. Спомен със София Багдасарова.

Сара Фермор

И АЗ. Вишняков. Портрет на Сара Елинор Фермор. Около 1749–1750 г. Руски музей

Картината на Вишняков е един от най-красивите образци на руското рококо и един от най-известните портрети от епохата на императрица Елизабет Петровна. Особено впечатляващ е контрастът между детския чар на 10-годишно момиче и факта, че тя се опитва да прави всичко „като възрастен“: заема правилната поза, държи ветрило според етикета, внимателно поддържа позата си в корсетът на съдебна рокля.

Сара е дъщеря на генерал Уилим Фермор, русифициран шотландец на руска служба. Именно той ни превзе Кьонигсберг и цяла Източна Прусия публичната службаслед пожара той възстановява класическия Твер във формата, която ни радва сега. Майката на Сара също беше от шотландско семейство - от Брус и беше племенница на известния Джейкъб Брус, „магьосникът от кулата Сухарев“.

Сара се омъжи късно по това време, на 20-годишна възраст, за своя връстник Якоб Понтус Стенбок, представител на шведско графско семейство (една шведска кралица дори произхождаше от него). Семейство Стенбок по това време се е преместило в руска Естония. Двойката живееше, честно казано, доста добре: достатъчно е да се каже, че в техния дворец в Талин сега се помещават помещенията на естонския министър-председател и правителствената заседателна зала. Сара, според някои признаци, става майка на девет деца и умира при император Александър I - през 1805 г. или дори през 1824 г.

Мария Лопухина

В.Л. Боровиковски. Портрет на M.I. Лопухина. 1797. Третяковска галерия

Боровиковски рисува много портрети на руски благороднички, но този е най-очарователният. В него всички похвати на майстора са приложени толкова умело, че дори не забелязваме как точно сме омагьосани, как се създава чарът на тази млада дама, на която почти сто години по-късно Яков Полонски посвещава стихове (“... но Боровиковски спаси красотата й”).

На портрета Лопухина е на 18 години. Нейната непринуденост и леко арогантен вид изглеждат или обичайна поза за подобен портрет от ерата на сантиментализма, или признаци на меланхолично и поетично разположение. Но не знаем какъв всъщност е бил нейният характер. Освен това Мария, оказва се, е сестра на Фьодор Толстой (американец), известен с предизвикателното си поведение. Изненадващо, ако погледнете портрета на брат й в младостта си (Държавен музей на Л. Н. Толстой), ще видим същия внушителен и спокоен начин.

Портретът е поръчан от нейния съпруг Степан Лопухин малко след сватбата. Лопухин беше по-възрастен от Марияв продължение на 10 години и идва от богат и благородно семейство. Шест години след като рисува картината, момичето умира от консумация. Десет години по-късно съпругът й също почина. Тъй като те са бездетни, картината е наследена от единствената оцеляла дъщеря на Фьодор Толстой, от когото Третяков я купува през 1880-те.

Джованина Пачини

К.П. Брюлов. Ездач. 1832. Третяковска галерия

„Конницата“ на Брюлов е брилянтна церемониален портрет, в която всичко е луксозно - и яркостта на цветовете, и пищността на драпериите, и красотата на моделите. Руският академизм има с какво да се гордее.

На нея са изписани две момичета, носещи фамилното име Пачини: най-голямата Джованина седи на кон, по-младата Амацилия я гледа от верандата. Но дали са имали право на това фамилно име, все още не е ясно. Поръчах картина от Карл Брюлов, моя дългогодишен любовник. приемна майка, графиня Юлия Самойлова, една от най-красивите жени в Русия и наследник на колосалното състояние на Скавронски, Лита и Потемкин. След като напусна първия си съпруг, Самойлова отиде да живее в Италия, където Росини и Белини посещаваха нейния салон. Графинята нямаше собствени деца, въпреки че се омъжи още два пъти, веднъж за млад и красив италианска певицаПери.

Според официалната версия Джованина и Амазилия са били сестри - дъщерите на автора на операта „Последният ден на Помпей“, композитора Джовани Пачини, приятел (а според слуховете и любовник) на графинята. Тя ги взе в дома си след смъртта му. Въпреки това, съдейки по документите, Пачини имаше само една дъщеря, най-малката от момичетата. Кой беше най-големият? Има версия, че тя е родена извън брака от сестрата на същия тенор Пери, вторият съпруг на Самойлова. Или може би графинята и момичето са имали по-близки отношения семейна връзка... Не е за нищо, че "Конницата" първо се смяташе за портрет на самата графиня. След като узряла, Джованина се омъжила за австрийски офицер, капитан на хусарския полк Лудвиг Ашбах, и заминала с него за Прага. Самойлова й гарантира голяма зестра. Но тъй като графинята фалира на стари години (трябваше да плаща огромна издръжка на третия си съпруг, френски аристократ), двете „дъщери“ събраха обещаните пари от старата жена „майка“ чрез адвокат. Самойлова умира в бедност в Париж, но по-нататъшната съдба на нейните ученици е неизвестна.

Елизавета Мартинова

К.А. Сомов. Дама в синьо. 1897–1900. Третяковска галерия

„Дамата в синьо“ на Сомов е един от символите на живописта от Сребърния век, по думите на изкуствоведа Игор Грабар – „Мона Лиза на нашето време“. Както в картините на Борисов-Мусатов, тук има не само наслада от красотата, но и възхищение от избледняващия чар на земевладелска Русия.

Елизавета Мартинова, която позира за Сомов в портрета, очевидно е една от малкото женски влюбвания на художника. Художникът я срещна, дъщеря на лекар, докато учи в Императорската академия на изкуствата - тя беше сред студентите, записани през 1890 г., когато жените за първи път получиха право да влязат в тази образователна институция. Изненадващо, изглежда, че собствените творби на Мартинова не са оцелели. Нейните портрети обаче са рисувани не само от Сомов, но и от Филип Малявин и Осип Браз. При нея учи Анна Остроумова-Лебедева, която в мемоарите си небрежно отбелязва, че въпреки че Мартинова винаги е описвана като висока, величествена красавица, в действителност тя е ниска. Характерът на художника беше емоционален, горд и лесно уязвим.

Сомов я рисува няколко пъти: през 1893 г. в акварел в профил, две години по-късно с молив, а през 1897 г. създава неин малък портрет в масло на фона на пролетен пейзаж (Астраханска художествена галерия). Той създава същата картина с прекъсвания в продължение на три години: художникът прекарва две от тях в Париж, а Мартинов е на за дълго времесе установява в Тирол. Лечението не помогна: около четири години след като завърши картината, тя почина от консумация на около 36-годишна възраст. Явно не е имала семейство

Галина Адеркас

Б.М. Кустодиев. Съпругата на търговеца пие чай. 1918 г. Руски музей

Въпреки че „Жената на търговец на чай“ на Кустодиев е написана през следреволюционната 1918 г., за нас това е истинска илюстрация на онази светла и добре охранена Русия, където има панаири, въртележки и „хрупкането на френския хляб“. След революцията обаче Кустодиев не променя любимите си истории: за човек, прикован до края на живота си в инвалидна количка, това се превръща във форма на бягство от реалността.

Галина Адеркас, естествена баронеса от семейство, което води началото си от ливонски рицар от 13 век, позира за съпругата на търговеца в тази портретна картина. Една от баронесите фон Адеркас дори беше учителка на Анна Леополдовна.

В Астрахан Галя Адеркас беше съседка на Кустодиеви в къщата от шестия етаж; Съпругата на художника доведе момичето в студиото, след като забеляза колоритния модел. През този период Адеркас е много млад, студент първа година по медицина. И честно казано, на скиците фигурата й изглежда много по-слаба и не толкова впечатляваща. Учи, както се казва, хирургия, но страстта към музиката я отвежда в друго поприще. Собственикът на интересно мецосопрано, в съветски годиниАдеркас пее като част от руския хор в Дирекцията за музикално излъчване на Всесъюзния радиокомитет, участва в дублажа на филми, но не постига голям успех. Тя се омъжи, очевидно, за някакъв Богуславски и вероятно започна да свири в цирка. Отделът за ръкописи на Дома на Пушкин дори съдържа ръкописни мемоари с автор Г.В. Адеркас, озаглавен „Циркът е моят свят...“. Каква е била съдбата й през 30-те и 40-те години, не е известно.

По своята променливост модата е на второ място след времето, въпреки че това е спорен въпрос. Освен това модата се променя не само в дрехите, стиловете или аксесоарите, но и в женска красота. Призната красота от една епоха, половин век по-късно може да се счита за грозна (но вие и аз знаем, че не красиви женине може да бъде). По всяко време художниците реагираха много чувствително на капризите на модата, тъй като винаги се стремяха да изобразят най-красивите жени на своята епоха.

Древна Гърция и Рим

За съжаление женските идеали на Античността трябва да се оценяват по стенописи и скулптури, пълноценни картинине са запазени. В древна Гърция богинята Афродита, дама закръгленас дълга гъста червена коса. Точно така е изобразена в картината „Раждането на Венера” на Сандро Ботичели, макар и създадена още през 1485 г. В Древен Рим красотата на женското лице беше най-ценена, а великолепието на нейната форма беше на второ място. Например картината „Прозерпина“ (1874) на Данте Росети е създадена с тази мисъл.

Средна възраст

През Средновековието човек може да бъде пратен на клада за възхвала на женската красота, така че не са останали художествени доказателства. Показването на женска фигура беше строго забранено. Облеклото трябваше напълно да скрие тялото, а косата беше скрита под шапки. Еталонът на женската красота бяха свети жени, които се посветиха на служба на Бога.

Възраждане

Ренесансът е наречен така поради възраждането на интереса към идеалите на Античността, включително по въпросите на женската красота. Широки бедра, пълно тяло, удължено лице, здрав тен - така трябваше да изглежда първата красавица от 15-16 век. Точно така са изобразени жените в картините на Сандро Ботичели, Рафаело Санти и Микеланджело. Идеалът за красота на Ренесанса може да се нарече италианската Симонета Веспучи, която е изобразена в няколко картини на Ботичели „Пролет” (1478), „Раждането на Венера” (1485), „Портрет на млада жена” (1485). По време на Ренесанса високите чела са били на мода и за да постигнат този ефект, модниците бръснели веждите и линията на косата. Това ясно се вижда в известната картина „Мона Лиза“ на Леонардо да Винчи.

Барокова епоха

В края на 16-ти и началото на 17-ти век идеалът за женска красота са жените с бяла кожа (тенът се смяташе за участ на селянките) с малки гърди, малки крака, бледо лице, но с извити бедра. Освен това всеки аристократ трябваше да има висока, сложна прическа. Тези модни тенденцииясно видим в портрета на любимата на Луи XIV мадам дьо Монтеспан (1670) от Пиер Миняр. Именно от този период датира известната творба на Ян Вермеер „Жена с перлена обица“ (1665 г.).

Епоха рококо

Ако на снимката жената прилича повече на порцеланова кукла, заобиколена от ветрила, чадъри, маншони и ръкавици, то спокойно можем да кажем, че говорим за епохата на Рококо. В началото на 18 век „леката анорексия“ идва на мода: женската красота става крехка, с тесни бедра, малки гърди и хлътнали бузи. Има доказателства, че за да постигнат ефекта на „хлътналите бузи“, някои дами премахват страничните си зъби, оставяйки само предните - красотата изисква жертви. Каноните на красотата на епохата на рококо са перфектно илюстрирани от портрети на Франсоа Буше, например „Портрет на маркиза дьо Помпадур“ (1756 г.).

Романтична епоха

Едва през втората половина на 19 век естественият руж, здравословната свежест и заоблеността на формите отново се превръщат в стандарти за женска красота. И най-привлекателната част женско тялоРаменете стават закръглени, разкривайки това, което е просто необходимо за всяка красота. Точно тези жени се срещат в картините на Адолф Бугро, такива жени са изобразявани от първите импресионисти („Раждането на Венера” от Бугро, „Великите къпещи се” от Реноар, „Сините танцьорки” от Дега).

Началото на 20 век

„Руската Венера“, „Съпругата на търговеца на чай“, „Момиче от Волга“ на Борис Кустодиев перфектно илюстрират каноните на красотата от началото на 20 век. Всичко, на което романтизмът се възхищаваше в една жена, стана още по-великолепно и тежко. 20-40 години на ХХ век

Средата на 20 век

Мерилин Монро се превърна в идеал за женска красота в средата на миналия век. Ниска блондинка, без никакви излишъци в посока на слабост или закръгленост. Основателят на поп изкуството Анди Уорхол охотно използва нейния образ в творбите си.
Не си струва да говорим за по-нататъшното развитие на идеалите за женска красота, особено във връзката им с живописта. Трябва само да се отбележи, че историята се развива в кръг, а слабостта и болестта се връщат на мода.

Част 2. Вглеждане в себе си

Както е лесно да се види, жените в миналото почти винаги са ставали в семейства на художници.
Всички момичета бяха учени да рисуват; това беше част от тяхното възпитание. Но да го правите професионално? Това може да се случи само на семейства на професионалисти. Само художник би могъл да разбере желанието на момичето да се занимава с това изкуство по начин, който не е аматьорски. Тоест беше нещо като затворено общество, един такъв тесен кръг за своите. И отначало беше просто невъзможно да се влезе в него отвън - майсторите не взеха студентки, а само чираци.
И имаше няколко причини за това...

Софонисба Ангуисола, автопортрет. Галерия Любомирски, Ланцут.

интернет

Благородният произход и доброто богатство на семейството осигуряват на Софонисба прилично съществуване. Но тъй като на жените не беше позволено да посещават уроци по това време (и това беше Втората причина), като художник тя имаше известни ограничения в своя предмет. Освен това тя не е имала възможност да рисува големи многофигурни платна от живота.
Религиозни и исторически картинибяха практически недостъпни за нея.
Осъзнавайки това, Софонисба търси своя път в портретния жанр.

Софонисба Ангуисола, портрет на Елизабет от Валоа. Галерия Прадо, Мадрид.

интернет

Тя рисува много церемониални портрети на членове на кралското семейство и придворни в Мадрид и не забравя автопортретите. Що се отнася до портрета на Елизабет от Валоа (или както я наричат ​​испанците, Изабела), тогава това е портрет на нейна близка и любима приятелка. Експертите приписват произведенията на Софонисба към ранния период на живописта барок, което означава странно. С каква любов е изписано лицето на младата принцеса (по това време тя все още беше булката на краля). Колко внимателно са изобразени блясъкът на бижутата, блясъкът на кадифето и нежната дантела!

Софонисба Ангуисола беше първият художник, който дойде в изкуството просто по призвание от улицата. Тя живее необичайно дълъг живот за онези времена - 93 години. Много художници идваха в къщата й, за да учат и просто да говорят за изкуство. През 1623 г. Софонисба е посетена от амбициозния Ван Дайк, гений на бароковата живопис, който получава редица ценни съвети от нея.

Друга забележителна дама от епохата Възражданеи рано барок- художник от болонското училище Лавиния Фонтана.

Лавиния Фонтана, автопортрет. Галерия Боргезе.

интернет

Лавиния Фонтана, Обличане на Минерва. Галерия Боргезе.

интернет

Третият известен представител барок - Артемизия Джентилески, също италианка, дъщеря на римски художник Орацио Джентилески, първата жена, избрана за член Академия за изящни изкуства във Флоренция.

Артемизия Джентилески, Автопортрет като алегория на живописта. Кралска колекция, замъкът Уиндзор.

интернет

Баща й беше последовател Караваджо, беше запознат с него. Да, той научи дъщеря си на подписа Караваджиевскаясветлотеницата. Но не можеше да я научи на всичко, което знаеше.

Възможностите на жените в онези дни бяха ограничени: те нямаха почти никакъв достъп до студийна практика, а църквата категорично им забрани да изобразяват голо мъжко тяло - за това те лесно можеха да попаднат в затвора.

Артемизия Джентилески, Сузана и старейшините. Дворецът Вайсенщайн.

интернет

Но й липсваше студийна практика, познаване на перспективата и много технически техники. Бащата договаря уроци с по-възрастния си партньор, Агостиньо Таси. Красивата и талантлива Артемизия става ученичка на Таси, който я прелъстява. Тя не беше от благородническо семейство, просто дъщеря на младши партньор. Бащата, уплашен за кариерата си, завежда дело за изнасилване. Имаше съд, унизителен преглед, делото продължи 7 месеца. За да спаси клиентите, бащата не пощади чувствата на дъщеря си. Таси излежа 8 месеца в затвора, Артемизия никога повече не го срещна. Но тя не можеше да прости и на баща си, тя се омъжи малък художникПиерантони Стиатези и отиде с него във Флоренция.

Артемизия Джентилески, Юдит обезглавява Олоферн. Галерия Каподимонте, Неапол.

интернет

Разглеждайки творбите на художници от 16-17 век, виждаме, че жените не само пишат, докато се гледат в огледалото. Те също се осмелиха да рисуват голи тела, очевидно с помощта на същото огледало.

Но през 18 век е заменен Възражданеидва Епоха на Просвещението, а вместо това барокидват нови стилове, а с тях, макар и много бавно, жените имат нови професионални възможности.

немски художник Анжелика Кауфман(заедно с Мери Мозер, която пише в жанра флористика) е сред основателите на британския Кралска академия на изкустватаи през следващия век и половина те остават единствените жени, които получават членство.

Анжелика Кауфман, Художникът избира между музика и живопис. Галерия Уфици.

Ангелика Кауфман успя да постигне майсторство в един от най-традиционните мъжкихудожествени жанрове - историческа живопис- и стана признат майстор класицизъм.

Анджелика Кауфман, Венера представя Парис на Хелън. Ермитаж, Санкт Петербург.

интернет

Анжелика Кауфман, Портрет на Й. У. Гьоте. Национален музейГьоте, Ваймар.

Художникът е известен и в съвременна Русия, ода На Анджелика Кауфманбеше написано Г.Р. Державин.
Картината е великолепна,
Кауфман, приятел на музите!
Ако четката ви е повлияна
Над живостта, усещането, вкуса,
И като отписах данайците, древните
Имаме богини и червени съпруги,
Опит във вашия безценен
Можеш да рисуваш картините...

Друг художник от 18 век, френски портретист Мари Елизабет Луиз Виже-Лебрен(или Мадам Лебрен) написа в стил рококо, Какво означава черупка, къдря. Смяташе се, че това е естествено продължение на развитието на стила барок. Елизабет Виге с ранна младостРаботи активно и нейните портрети са толкова популярни, че това й позволява още на 15-годишна възраст да издържа не само себе си, но и майка си и по-малкия си брат.
Елизабет Виже-Лебрен, автопортрет. Галерия Уфици.

- През 18 век е било много трудно жените да стават художници. Само няколко от тях успяха да учат в Кралската академия. Тази задача не беше лесна за Vigée-Lebrun: официалният художник на краля Жан-Батист МариПиербеше категорично против допускането й, защото беше омъжена за търговеца на произведения на изкуството Лебрен. И само благодарение на влиянието на своя покровител Жозеф Верне и, разбира се, покровителството на кралица Мария Антоанета, тя става студентка на Академията през същата година (1873) като нейния основен конкурент Аделаида Лабил-Жиар.

Тя предложи голямо разнообразие в позите и костюмите на моделите. Художникът подчертава женската красота, изпълнявайки спонтанни и същевременно интимни портрети, изоставяйки етикета „церемониален портрет“.

Основният конкурент на Vigée-Lebrun, също портретист Аделаида Лабил-Жиар, също бил от просто семейство и получил манастирско образование. От 14-годишна се учи да рисува от съседен художник Франсоа-Андре Венсан. И след това, до 1774 г. - с художника Морис Куентин дьо Латур- предимно пастелна живопис, която тогава беше на голяма мода във Франция.

Аделаида Лабил-Жиар, Автопортрет с двама ученици. Музей на изкуството Метрополитън, Ню Йорк.

В историята Adelaide Labille-Giard е известна преди всичко с факта, че е първата ръководителка на държавно училище по рисуване за момичета.
Преживявайки всички трудности на жена, която искаше да стане художник, през същата 1783 г. тя отвори собствена Женско училище по рисуване, в който вече първа година са се записали 9 студенти. Тя, за разлика от Vigee-Lebrun, имаше изключителен социален темперамент!

Аделаида Лабил-Жиар, Портрет на Максимилиан Робеспиер. Исторически музей, Виена.