Rene Magritte: Gemälde mit Namen und Beschreibungen. Gemälde „Menschensohn“ von Rene Magritte. Gemälde „Liebhaber“ von Rene Magritte. René Magritte. Gewöhnliche Surrealismus-Gemälde von Rene Magritte mit Beschreibung und Analyse

Hier habe ich Gemälde von Rene Magritte mit Titeln gepostet. Außerdem ein paar Fakten über den Charakter und die Philosophie dieses Mannes. Wer mehr über die Biografie dieses Künstlers erfahren möchte, dem empfehle ich, sich den Film „Monsignore Magritte“ anzusehen.

Ich habe diesen Beitrag lange aufgeschoben, nicht weil ich Rene Magritte nicht mag, sondern im Gegenteil wegen der Bedeutung dieses Phänomens. Tatsächlich sind nach meinem Verständnis die Säulen des Surrealismus in der Malerei zwei Personen: Salvador Dali und Rene Magritte. Sie sind wie Tolkien und Lewis in der Fantasie. Magritte und Dali beeinflussten und beeinflussen weiterhin alle Surrealisten.

Dabei handelte es sich jedoch um zwei völlig unterschiedliche Menschen, so unterschiedlich wie ihre Bilder. Im Gegensatz zu Dali und all den anderen Surrealisten schockierte Rene Magritte die Öffentlichkeit nicht gern, begann keine Kämpfe, ließ sich nicht von Fliegenpilzen inspirieren und verbrachte sein ganzes Leben mit einer Frau – seiner Frau Georgette, seiner Hauptmuse , Seelenverwandter und Model.

Philosophie von Rene Magritte

Merkwürdig ist, dass der Mann, der neben Dali als Klassiker des Surrealismus gilt, die Philosophie dieser Bewegung, in der die Psychoanalyse einen der Hauptplätze einnahm, nicht einmal erkannte. Der Belgier glaubte, dass Kreativität nicht analysiert werden könne, dass sie ein Mysterium, ein philosophisches Rätsel sei, aber nicht Gegenstand der Freudschen Analyse.

Angesichts dieser Philosophie ist es nicht verwunderlich, dass viele seiner Werke oft Verwirrung und das Gefühl hervorrufen, dass der Künstler sich über einen lustig macht. Offensichtlich trug diese Mehrdeutigkeit und Symbolik dazu bei, dass auf seinen Gemälden viele Parodien und Installationen entstanden. Besonders beliebt ist in diesem Zusammenhang das Gemälde „Menschensohn“.

Ganz anständiger Bürger :) Das haben sie dir nicht mit deinem Raumanzug gegeben :)

Im Allgemeinen war Magritte ein ruhiger, ruhiger Mensch und die interessantesten Dinge passierten in seinem Kopf. Vielleicht wurden deshalb im Gegensatz zu Dali so wenige Filme über Rene Magritte gedreht.

Ich werde die Fakten aus seiner Biografie hier nicht trocken auflisten; 100.500 andere Menschen haben dies bereits für mich getan. Ich glaube nicht, dass die Leute deshalb auf den Blog kommen, schließlich ist Pediwiki dafür da. Wenn Sie die Biografie dieses Künstlers kennenlernen möchten, empfehle ich Ihnen, sich den Film Monsieur Rene Magritte (Monsieur Rene Magritte) aus dem Jahr 1978 anzusehen. Er ist interessanter als das Lesen eines trockenen Wikipedia-Textes (bei allem Respekt vor der Pedivik).

Gemälde von René Magritte mit Titeln

Alles, was dieser Mann uns sagen wollte, sagte er mit seinen Bildern. Die Gemälde von Rene Magritte sind im Gegensatz zum stürmischen Druck von Dalis skurrilen Visionen ruhiger und philosophischer. Darüber hinaus sind Magrittes Gemälde von einem ganz besonderen Sinn für Humor durchdrungen. Schauen Sie sich einfach sein Gemälde einer Pfeife mit einer Signatur unten an – es ist keine Pfeife.

Einer der herausragenden Künstler des letzten Jahrhunderts, Rene Magritte (1898-1967), stammte ursprünglich aus Belgien. Im Jahr 1912 ertränkte sich seine Mutter im Fluss, was offenbar großen Eindruck auf den damals noch jugendlichen zukünftigen Künstler machte, doch entgegen der landläufigen Meinung sollte der Einfluss dieses Ereignisses auf das Werk des Autors nicht überschätzt werden. Magritte brachte aus seiner Kindheit eine Reihe anderer, nicht so tragischer, aber nicht weniger mysteriöser Erinnerungen mit, von denen er selbst sagte, dass sie sich in seinem Werk widerspiegelten.

Er wurde an der Akademie der Schönen Künste in Brüssel ausgebildet und war zunächst stark von Dada und dem Kubismus beeinflusst. Das Jahr 1925 war ein Wendepunkt in seinem Werk: Das Gemälde „Rosen der Picardie“ markierte einen neuen Stil und eine neue Haltung – den „poetischen Realismus“. Der Künstler zieht in das „Zentrum des Surrealismus“ – Paris, wo er an allen surrealistischen Ausstellungen teilnimmt. Und 1938 organisierte die Londoner Kunstgalerie die erste große Ausstellung des belgischen Meisters.

In den frühen 1950er Jahren. Magrittes Kunst erfährt immer größere internationale Anerkennung, wie seine großen Ausstellungen in Rom, London, New York, Paris und Brüssel belegen. 1956 wurde Magritte als herausragender Vertreter der belgischen Kultur mit dem renommierten Guggenheim-Preis ausgezeichnet.

Das Hauptmerkmal von Magritte ist die geheimnisvolle Atmosphäre in seinen Werken. Wie wir wissen, ist der echten Kunst ein Gefühl des Mysteriums inhärent. „Ich habe Magritte immer als einen imaginären Künstler betrachtet, einen Meister irgendwo auf der Ebene von Giorgione“, schrieb Herbert Read. Diese Worte enthalten den Schlüssel zu Magrittes Poetik.

Im Gemälde „Falscher Spiegel“ (1929), das das ideologische Credo des Künstlers zum Ausdruck brachte, nimmt das Bild eines riesigen Auges den gesamten Raum ein. Nur sieht der Betrachter anstelle der Iris einen sommerblauen Himmel, über dem transparente Wolken schweben. Der Titel erklärt die Idee des Gemäldes: Die Sinne spiegeln nur die äußere Erscheinung der Dinge wider, ohne die verborgene Tiefe der Welt, ihre Geheimnisse zu vermitteln. Nur das Unvereinbare hilft, so Magritte, den Sinn der Existenz zu erfassen. Ein Bild kann nur aus der Konvergenz zweier mehr oder weniger entfernter Realitäten entstehen.

Magritte folgte dieser Methode während seiner gesamten kreativen Karriere, was sich besonders in seinen „philosophischen“ Gemälden bemerkbar macht. Eines davon ist „Hegels Urlaub“ (1958).

„Mein letztes Gemälde“, schrieb er, „begann mit einer Frage: Wie kann man ein Glas Wasser auf einem Bild so darstellen, dass es für uns nicht gleichgültig ist, aber gleichzeitig auch so, dass es …“ wäre mit einem Wort nicht besonders skurril, willkürlich oder unbedeutend, so dass man sagen könnte: genial (lassen wir uns unnötig beschämen).
Ich begann, die Gläser einzeln zu zeichnen (drei Skizzen), jedes Mal mit einem Kreuzstrich (Skizze). Nach dem Hundertsten oder Hundertfünfzigsten
Beim Zeichnen wurde der Strich etwas breiter (Skizze). Zuerst stand der Schirm im Inneren des Glases (Skizze), doch dann landete er darunter (Skizze).
So habe ich eine Lösung für die ursprüngliche Frage gefunden: Wie lässt sich ein Glas Wasser brillant darstellen? Mir wurde schnell klar, dass dieses Thema für Hegel (er ist auch ein Genie) von großem Interesse sein könnte, weil mein Thema zwei Gegensätzliche vereint
Bestrebungen: will kein Wasser (stößt es ab) und will Wasser (nimmt es auf). Ich denke, es hätte ihm gefallen oder er hätte es lustig gefunden (zum Beispiel in den Ferien). Deshalb habe ich das Gemälde „Hegels Urlaub“ genannt.

Magritte sticht unter den Surrealisten deutlich hervor: Im Gegensatz zu ihnen verwendet er nicht phantastische, sondern alltägliche Elemente, die in bizarre Beziehungen gebracht werden. Dies ist sein berühmtes Gemälde „Persönliches Eigentum“ (1952).

Der „Schlüssel“ wird hier auch zum Namen. Das „Persönliche“ wird zu monströsen Ausmaßen hypertrophiert. Der Raum verwandelt sich in eine Art „Mikrokosmos“, geschlossen, gequetscht, trotz des Himmels, über dem Wolken statt Wänden schweben. Alle Dinge hier haben sich seltsamerweise verändert, als wären sie zum Leben erwacht und hätten ein unnützes Erscheinungsbild angenommen, obwohl die Objekte, wie immer bei Magritte, ihr Aussehen, ihre Textur und ihre Farbe nicht verändert haben und vollkommen „erkennbar“ sind. Der Betrachter bewundert wie im Vorbeigehen den bläulichen Glanz des Glases, die Textur der Holzmöbel und die Fähigkeit, Spiegelreflexionen zu vermitteln. Aber gerade nebenbei, denn die Objekte scheinen sich verselbstständigt zu haben, als würden sie im Namen ihres Besitzers sprechen und dessen „führende“ Rolle völlig an sich reißen. Sie selbst sind zu „Persönlichkeiten“ geworden und scheinen untereinander ein Gespräch zu führen.

Eines der Merkmale der frühen Malerei Magrittes ist ihre „Literaturhaftigkeit“ im guten Sinne des Wortes. Magritte bewegt sich im Kreis von Dichtern, Philosophen, Schriftstellern, studiert die theoretischen Werke berühmter Romantiker des 19. Jahrhunderts. Er wurde stark von den Werken des englischen romantischen Dichters und Philosophen des frühen 19. Jahrhunderts beeinflusst. Samuel Taylor Coleridge, der vor allem den Symbolismus in der Kunst verehrte – etwa „die völlige Unterordnung der Materie unter den Geist, die dazu führt, dass Materie zu einem Symbol wird, durch das sich der Geist offenbart.“

Diese Idee wird insbesondere durch Magrittes berühmtes Gemälde „Befreiung“ („Flucht in die Felder“) aus dem Jahr 1933 veranschaulicht.

Aus einem zerbrochenen Fenster öffnet sich eine seltsame Landschaft. Grünliche Abendhügel, kugelförmige blaue Bäume, transparenter Perlmutthimmel, blaue Fernen. Durch den brillanten Einsatz der Techniken der Tonmalerei schafft der Künstler eine Stimmung freudiger Hochstimmung, der Erwartung von etwas Ungewöhnlichem und Wunderbarem. Der warme Farbton der Vorhänge im Vordergrund verstärkt den Eindruck der Luftigkeit dieser verzauberten Landschaft ... Magrittes Gemälde scheinen mit ruhiger, unerschrockener Hand gemalt zu sein. Als Meister der Farbe verwendet Magritte sie sparsam und sparsam. In „Liberation“ wird die Symbolik der Farbe genutzt, um komplexe Assoziationen auszudrücken. Blaue, rosa, gelbe und schwarze Flecken verleihen dem Bild eine erstaunliche Farbfülle und Lebendigkeit.

Die Originalität von Rene Magrittes Werk wird deutlicher, wenn wir uns dem Thema „Surrealismus und Freudianismus“ zuwenden. Der Haupttheoretiker des Surrealismus, Andre Breton, von Beruf Psychiater, maß Freuds Psychoanalyse bei der Beurteilung des Werks des Künstlers entscheidende Bedeutung bei. Freudsche Ansichten wurden nicht nur von vielen Surrealisten übernommen – sie wurden zu ihrer Denkweise. Beispielsweise bedeutete für Salvador Dali nach eigener Aussage die Welt der Freudschen Ideen genauso viel wie die Welt der Heiligen Schrift für mittelalterliche Künstler oder die Welt der antiken Mythologie für die Meister der Renaissance.

Die von Sigmund Freud vorgeschlagene „Methode der freien Assoziation“, seine „Irrtumstheorie“ und seine „Traumdeutung“ zielten in erster Linie darauf ab, schmerzhafte psychische Störungen zu erkennen und zu heilen. Darauf zielte auch die von Freud vorgeschlagene Interpretation von Kunstwerken ab. Aber mit diesem Verständnis wird Kunst auf einen privaten, sozusagen „heilenden“ Faktor reduziert. Dies war der Trugschluss in der Herangehensweise der Theoretiker des Surrealismus an Kunstwerke. Magritte war sich dessen durchaus bewusst, als er 1937 in einem seiner Briefe feststellte: „Kunst ist, wie ich es verstehe, nicht Gegenstand der Psychoanalyse. Sie ist immer ein Rätsel.“ Versuche, seine Bilder mit Hilfe der Psychoanalyse zu interpretieren, behandelte der Künstler ironisch: „Sie kamen zu dem Schluss, dass mein „Rotes Modell“ ein Beispiel für einen Kastrationskomplex sei. „Regeln“ der Psychoanalyse haben sie natürlich genauso kaltblütig analysiert. Es ist schrecklich zu sehen, welcher Art von Spott ein Mensch ausgesetzt sein kann, nachdem er eine harmlose Zeichnung angefertigt hat ... Vielleicht ist die Psychoanalyse selbst das beste Thema für einen Psychoanalytiker .“

Aus diesem Grund weigerte sich Magritte hartnäckig, sich selbst als „Surrealisten“ zu bezeichnen. Er akzeptierte bereitwillig die Beschreibung eines „magischen Realisten“. Diese Richtung ist charakteristisch für die „belgische Periode“ seines Schaffens – beginnend im Jahr 1930, als Magritte endgültig von Paris nach Brüssel zurückkehrte.

Die Traditionen der altniederländischen Kunst hatten einen positiven Einfluss auf Magrittes Werk. Im Gemälde „Plagiat“ (1960) fallen mehrere symbolische Details auf.

Links auf dem Tisch sehen wir ein Bild eines Nestes und dreier Eier – Symbolik der Dreifaltigkeit. Wie ein Zauberer scheint der Künstler die Bilder seiner Fantasie vor unseren Augen zu materialisieren, und sie verwandeln sich in einen wunderschönen fruchttragenden Garten – ein Symbol einer lebendigen kreativen Fantasie. Magritte schafft ein subtiles, vergeistigtes poetisches Bild. Wenn man das Bild betrachtet, kann man nur die zartesten rosafarbenen, bläulichen und perlmuttartigen Farbtöne bewundern – ein wirklich fabelhafter Anblick.

In den 1930ern Magritte beschäftigt sich neben der Kunst von Bosch intensiv mit der Arbeit seines Landsmanns, Dramatikers und Philosophen Maurice Maeterlinck, der bereits 1889 in der Sammlung „Gewächshäuser“ schrieb: „Ein Symbol ist eine Naturgewalt, aber der menschliche Geist kann nicht widerstehen.“ seine Gesetze... Wenn es kein Symbol gibt, gibt es kein Kunstwerk.“

Magritte verdankt Maeterlinck die Fähigkeit, aus dem Vergleich ein ganzes Netzwerk von Bildern zu entwickeln, das die Vorstellungskraft des Künstlers in die reale Welt verwandelt. Im Gemälde „Madness of Greatness“ (1948) ist eine sterbende Kerze auf einer Steinbrüstung vor dem Hintergrund des endlosen azurblauen Meeres dargestellt – als Symbol für die Zerbrechlichkeit des menschlichen Lebens. In der Nähe wachsen mehrere weibliche Oberkörper auseinander heraus (ein Symbol der Sinnlichkeit). Und am Himmel mit wunderschönen gefrorenen Wolken (für Magritte ein Symbol für Zeitlosigkeit) sieht der Betrachter blaue „unkörperliche“ geometrische Formen, die „reine Ideen“ symbolisieren, und einen Heißluftballon – ein Symbol für abstraktes „reines Denken“.

Mithilfe einer fein durchdachten Farbgebung „verdeutlicht“ der Künstler die Grundidee. Seine „Sinnlichkeit“ ist eine warme Fleischfarbe. „Pure Forms“ sind in einem kalten Blauton gestaltet, der der Symbolik entspricht und gleichzeitig ein Gefühl von grenzenloser Räumlichkeit erzeugt.

„Wir wandern wahllos durch das Tal und merken nicht, dass alle unsere Bewegungen auf dem Gipfel des Berges reproduziert werden und ihre wahre Bedeutung erlangen“, schrieb Maeterlinck in seiner Abhandlung „Der Schatz der Bescheidenen“, „und das ist von Zeit zu Zeit notwendig.“ Irgendwann kam jemand zu uns und sagte: Schau nach oben, schau, was du tust, wir leben nicht hier, unser Leben ist dort oben. Dieser Blick, den wir in der Dunkelheit wechselten, diese Worte, die keinen Sinn ergaben am Fuße des Berges – schauen Sie, was sie dort über den verschneiten Höhen geworden sind und was sie bedeuten.“

Diese Idee von Maeterlinck spiegelte sich in Magrittes Gemälde „Der Besitz von Arnheim“ (1962) wider.

Nur wenn man Glas mit einem darauf gemalten falschen Bild zerbricht, kann man die Realität in ihrer ganzen strahlenden Pracht sehen, glaubt der Künstler. Hier, auf den Gipfeln der Berge, von denen Maeterlinck sprach, lauert die Wahrheit.

Das Gemälde „Eine unerwartete Antwort“ (1933) verkörpert einen weiteren Gedanken von Maeterlinck: „Es gibt keine unbedeutenden Tage im Leben – du wirst in der Dämmerung finden, was du brauchst.“ in der Nähe der Tür. Dies ist vielleicht einer dieser schmalen Risse in den Türen der Dunkelheit, durch die wir für einen Moment alles sehen können, was in der Grotte der noch unentdeckten Schätze geschehen wird ."

Das Gemälde wirkt wie eine Art Sinnbild eines spannenden Mysteriums – hier ist alles so ganzheitlich, „natürlich“, wenn diese Definition einer der geheimnisvollsten und mystischsten Kompositionen Magrittes zugeschrieben werden kann. Eine offene „gehackte Tür“ ist ein Symbol einer anderen Dimension, voller Geheimnisse.

Einige Autoren, die über Magritte schreiben, bezeichnen ihn als einen „Künstler des Absurden“, dessen Gemälde jeder Bedeutung entbehren. Wenn dies der Fall wäre, wenn das Ziel des Künstlers darin bestünde, nur „die Absurdität unseres Alltagslebens“ darzustellen, wäre das Kreativität auf der Ebene eines Puzzles und nicht die ernsthafte Kunst, die sie ist. Magritte schrieb: „Wir fragen nach einem Bild, anstatt es anzuhören, und wir sind überrascht, wenn die Antwort, die wir erhalten, nicht offen ist.“

Seine Kunst wurde oft als „Tagträume“ bezeichnet. Der Künstler stellte klar: „Meine Bilder sind keine Träume, die einen einschläfern, sondern Träume, die einen wecken.“ Nicht umsonst sagte der prominente Surrealist Max Ernst, als er Anfang der 1950er Jahre seine Ausstellung in New York sah: „Magritte schläft nicht, er erleuchtet die Welt der Träume.“

„Ohne Mysterium sind weder die Welt noch die Idee möglich“, wiederholte Magritte immer wieder. Und als Epigraph zu einem seiner Selbstporträts übernahm er eine Zeile eines französischen Dichters aus dem 19. Jahrhundert. Lautreamont: „Manchmal träume ich, aber ich verliere keinen Moment das Bewusstsein meiner Identität.“

Daher die unerwartete Interpretation von „innen und außen“ in Magrittes Werken.

Hier der Kommentar des Künstlers zu seinem Gemälde „Frames of Life“ (1934): „Vor dem Fenster, das wir von innen sehen, habe ich ein Gemälde platziert, das genau den Teil der Landschaft darstellt, den es verdeckt Der Baum im Bild verdeckt den dahinter stehenden Baum. Für den Betrachter befindet sich der Baum gleichzeitig im Raum im Bild und außerhalb in der realen Landschaft. So sehen wir die Welt außerhalb von uns und gleichzeitig ihre Darstellung in unserem Inneren uns selbst, was in der Gegenwart geschieht. So werden Zeit und Raum von der trivialen Bedeutung befreit, die ihnen das gewöhnliche Bewusstsein gibt.

Herbert Read bemerkte: „Magritte zeichnet sich durch die Strenge seiner Formen und eine ausgeprägte Klarheit der Vision aus, wie das Glas der Fenster, das Rene Magritte so gerne vor der Zerbrechlichkeit der Welt warnt.“ Das Glas ist zerbrochen: Im Flug gefriert es deutlich, die Bilder fallen und reihen sich wie Eisschollen aneinander. Dies ist ein Beispiel für eine mögliche Interpretation von Magrittes polysemen Metaphern. Das Glasfenstermotiv dieses Künstlers kann auch als Grenze zwischen zwei Welten gesehen werden – dem Realen und dem Surrealen, dem Poetischen und dem Alltäglichen, zwischen dem Bewussten und dem Unbewussten.

Im Gemälde „Menschensohn“ (1964) wird der moderne Mensch vor dem Hintergrund einer Mauer dargestellt, die ihn von den Weiten des Ozeans und des Himmels trennt und die Unendlichkeit symbolisiert. Ein Apfel, der vor dem Gesicht einer Person hängt, verleiht dem Bild etwas Geheimnisvolles. Dieser Apfel kann sowohl als Frucht des Baumes der Erkenntnis als auch als Symbol der Natur wahrgenommen werden, die der Mensch zu verstehen versucht. Gleichzeitig harmoniert dieses Detail mit dem prosaischen Erscheinungsbild eines gepflegten Bürgertums.

Das Gemälde „Golconda“ (1953) kann als verkörperte Metapher gesehen werden: Menschen „mit Gewicht“ sind schwerelos geworden. Der Name verbirgt eine gewisse Ironie: Schließlich ist Golconda eine halblegendäre Stadt in Indien, berühmt für ihre Goldvorkommen und Diamanten, und diese Menschen scheinen sich zu Gold hingezogen zu fühlen. Der Künstler hängt in einem grenzenlosen Raum mehrere Dutzend ordentlich gekleidete Mieter mit Melonen, Krawatten und modischen Mänteln auf und bewahrt dabei absoluten Gleichmut.

In einem von Magrittes späteren Gemälden, „Ready Bouquet“ (1956), betrachtet ein Mann mit Melone und Frack, der mit dem Rücken zum Betrachter auf der Terrasse steht, den abendlichen Park. Und auf seinem Rücken ist der „Frühling“ von Botticelli dargestellt, der in Blumen und im Glanz der Farben wandelt. Was ist das? Verwirklichung des Aphorismus „Der Mensch vergeht, die Kunst bleibt“? Oder erinnerte sich jemand, der den Park bewunderte, vielleicht an ein Botticelli-Gemälde? Die Antwort ist unklar.

Der Künstler versucht, die übliche Vorstellung des Bekannten, Unveränderlichen zu zerstören, um das Objekt in einer neuen Dimension zu sehen, was den Betrachter verwirrt. In seinen Leinwänden schuf er aus realen Dingen eine Welt voller Fantasie und Träume und ließ den Betrachter in eine Atmosphäre voller Träume und Geheimnisse eintauchen. Der Künstler wusste hervorragend, wie er seine Gefühle „lenken“ konnte. Es scheint, dass die vom Künstler geschaffene Welt statisch und stark ist, aber das Unwirkliche dringt immer in den Alltag ein und zerstört diese vertraute Welt (ein gewöhnlicher Apfel, der in einem Raum wächst, verdrängt Menschen, oder eine Dampflokomotive springt aus dem Kamin Vollgas – „Pierced Time“, 1939).

Das am häufigsten kopierte Gemälde ist „Die Erschaffung des Menschen“ (1935). Das Bild des Meeres auf dem Gemälde auf der Staffelei vor dem offenen Fenster verschmilzt auf wundersame Weise mit dem „echten“ Meerblick aus dem Fenster.

Das Thema vieler Gemälde Magrittes war die sogenannte „verborgene Realität“. Ein Teil des Bildes, zum Beispiel das Gesicht der Hauptfigur, ist mit etwas bedeckt (einem Apfel, einem Blumenstrauß, einem Vogel). Magritte erklärt die Bedeutung dieser Werke: „Das Interessante an diesen Gemälden ist die Präsenz des Offenen und des Verborgenen, die in der Natur nie voneinander getrennt sind und plötzlich in unser Bewusstsein eindringen.“

In dem Gemälde „Die Liebenden“ zeigt Rene Magritte, dass unsere Augen geschlossen sind, wenn wir wirklich verliebt sind.

Beim Versuch, die schwer fassbare Bedeutung von Magrittes Gemälden zu begreifen, sie zu „erklären“, greift der Geist des Betrachters verzweifelt nach beiden. Der Künstler „wirft“ ihm den Titel des Gemäldes zu (er erschien normalerweise nach Abschluss des Werkes). Magritte gab dem Titel eine entscheidende Rolle für die Wahrnehmung des Gemäldes. Den Erinnerungen von Verwandten und Freunden zufolge diskutierte er bei der Namensfindung oft mit literarischen Freunden darüber. Hier ist, was der Künstler selbst dazu sagte: „Der Titel ist ein Indikator für die Funktion des Gemäldes.“ „Der Titel sollte eine lebendige Emotion enthalten.“ „Der beste Titel für ein Gemälde ist poetisch. Er sollte nichts lehren.“ sondern vielmehr Überraschung und Faszination.“

Viele der Bildtitel sind bewusst wissenschaftlich gehalten und in ihnen ist Ironie sichtbar: „Philosophische Lampe“ (1937), „Lob der Dialektik“ (1937), „Naturwissen“ (1938), „Abhandlung über Empfindungen“ (1944). ). Andere Titel schaffen eine Atmosphäre poetischen Mysteriums: „Dialogue Interrupted by the Wind“ (1928), „The Key to Dreams“ (1930), „Painful Duration“ (1939), „Empire of Light“ (1950), „God's Living“. Zimmer“ (1958).

Das Gemälde „Empire of Light“ wurde von Magritte im letzten Jahrzehnt seines Lebens gemalt, wurde aber sofort zu seinem vielleicht beliebtesten Werk. So beliebt, dass viele Sammler bereit waren, jedes Geld auszugeben, nur um eine seiner Nachbildungen in ihrer Sammlung zu haben.

Was ist das für ein Bild, das Menschen auf der ganzen Welt in ihren Bann gezogen hat? Auf den ersten Blick wirkt es einfach und sogar unscheinbar. Ein Haus am Ufer eines kleinen Sees liegt versteckt im Schatten ausladender Bäume. Die Fenster im zweiten Stock erstrahlen in gemütlichem Licht, eine einsame Laterne spendet ihrem Reisenden, der sich vielleicht in einer dunklen Nacht hier befindet, sein freundliches Licht. Es scheint ein gewöhnliches, völlig realistisches Nocturne zu sein. Jeder „traditionelle“ Künstler kann so etwas malen.

Aber ist das wahr? Warum entsteht dann ein unbestimmtes Unbehagen, das den Betrachter dazu zwingt, immer genauer in das Bild zu blicken? Diese Angst wird nicht verschwinden, bis es plötzlich klar wird – der Himmel, darum geht es! Ein blauer Himmel mit weißen, flauschigen Wolken, die fröhlich darüber ziehen. Und das ist spät in der Nacht! Fragen Sie einfach nicht, wie das möglich ist, denn in Magrittes Welt ist nichts unmöglich. Wie kein anderer liebt es dieser Künstler, Unvereinbares zu verbinden, in seine Bilder Details einzubringen, die so stark gegensätzlich zueinander stehen, dass der Betrachter zunächst einen leichten Schock verspürt, dann aber sein Gehirn doppelt intensiv anfängt, nach einer Lösung zu suchen die geplante Scharade.

Magritte selbst sagte dazu: „Ich habe in „Empire of Light“ verschiedene Konzepte kombiniert, nämlich eine Nachtlandschaft und den Himmel in der ganzen Pracht des Tageslichts. Die Landschaft regt uns dazu an, über die Nacht nachzudenken, der Himmel – über den Tag. Meiner Meinung nach hat dieses gleichzeitige Phänomen von Tag und Nacht die Kraft zu überraschen und zu verzaubern. Und das nenne ich Machtpoesie.“

Rene Magritte selbst

„Selbstporträt“ („Clear Eye“)

Er erinnerte sich an seine Kindheit und schrieb: „Ich erinnere mich an mein Erstaunen, als ich zum ersten Mal das Schachbrett und die darauf befindlichen Figuren sah. Erschreckender Eindruck! Notenblätter, auf denen geheimnisvolle Zeichen Töne bedeuteten und keine Worte waren!“ Hier ist ein kleines Frühwerk des Künstlers – „The Lost Jockey“, das zu seinem kreativen Manifest wurde.

Ein Reiter, der auf einem eingeseiften Pferd in Höchstgeschwindigkeit raste, verirrte sich in einem surrealen Hain riesiger Schachfiguren, die mit Musiknoten bemalt waren.

Gemälde „Carte Blanche“ oder „Das Hindernis der Leere“.

Magritte schrieb über sie: „Sichtbare Dinge können unsichtbar sein. Wenn zum Beispiel einige Leute zu Pferd durch den Wald reiten, dann sieht man sie zuerst, dann sieht man sie nicht, aber man weiß, dass sie da sind. Auf dem Gemälde „Carte Blanche“ verdeckt die Reiterin die Bäume und sie verdecken sie. Unsere Denkkraft umfasst jedoch sowohl das Sichtbare als auch das Unsichtbare, und mit Hilfe der Malerei mache ich Gedanken sichtbar.“

Gemälde „Verbotene Spaltung“

Es ist interessant festzustellen, dass bei Magritte nur Vogelbilder frei von assoziativen Komplexitäten sind. Vögel tragen die positive Energie des Fliegens in sich, mehr nicht. Es gibt keine toten Vögel, keine gefallenen Vögel mit gebrochenen Flügeln. Die Vögel leben und ihre Flügel sind voll von Magrittes leuchtend blauen und weißen Zirruswolken (Big Family, 1963).

Am 15. August 1967 starb Rene Magritte an Krebs. Einer der Künstler-Magier des 20. Jahrhunderts, der im Leben so sehr wie ein angesehener Apotheker aussah, ist verstorben.
Er führte das ruhige und gelassene Leben eines belgischen Mannes auf der Straße, weit weg vom Trubel der Bohemiens – ein Mann, der aus der Masse nur schwer auszumachen ist. Träume, Paradoxien, Ängste und mysteriöse Gefahren erfüllten nur seine Bilder, nicht sein Leben. Der Künstler bekämpfte die Langeweile nur durch Kreativität. Die Regelmäßigkeit des Tagesablaufs gefiel ihm ganz gut; die meisten seiner Bilder malte er sogar im Esszimmer und bis zu seinem Lebensende zog er die Straßenbahn anderen Verkehrsmitteln vor.
Einmal, kurz vor seinem Tod, sagte Magritte, dieser hochentwickelte Meister: „Ich verstehe immer noch nicht den Grund, warum wir leben und sterben.“ Vielleicht hat der Künstler in seinen Rebus-Gemälden die Hinweise auf die Ursachen und Geheimnisse der Existenz verschlüsselt? Alles kann sein. Dann lohnt es sich, einen genaueren Blick darauf zu werfen!

Am 2. Juni 2009 wurde in Brüssel ein neues Museum eröffnet, das dem Werk des berühmten surrealistischen Künstlers Rene Magritte gewidmet ist. Das Königliche Museum der Schönen Künste stellte dafür einen Raum von 2,5 Tausend Quadratmetern zur Verfügung. Die Ausstellung des Rene Magritte Museums umfasst mehr als 200 Werke des Autors – dies ist die größte Sammlung der Welt.

Alogismus, Absurdität, Kombination der widersprüchlichen, paradoxen visuellen Variabilität von Bildern und Figuren – das sind die Grundlagen des Surrealismus. Der Begründer dieser Bewegung gilt als Verkörperung der Theorie des Unterbewusstseins von Sigmund Freud, die dem Surrealismus zugrunde liegt. Auf dieser Grundlage schufen viele Vertreter der Bewegung Meisterwerke, die keine objektive Realität widerspiegelten, sondern lediglich die Verkörperung einzelner, vom Unterbewusstsein inspirierter Bilder waren. Die von den Surrealisten gemalten Leinwände konnten weder das Produkt von Gut noch Böse sein. Sie alle lösten bei verschiedenen Menschen unterschiedliche Emotionen aus. Daher können wir mit Sicherheit sagen, dass diese Richtung der Moderne ziemlich umstritten ist, was zu ihrer raschen Verbreitung in Malerei und Literatur beigetragen hat.

Surrealismus als Illusion und Literatur des 20. Jahrhunderts

Salvador Dali, Paul Delvaux, Rene Magritte, Jean Arp, Max Ernst, Giorgio de Chirico, Yves Tanguy, Michael Parkes und Dorothy Tanning sind die Säulen des Surrealismus, der in den 20er Jahren des letzten Jahrhunderts in Frankreich entstand. Dieser Trend beschränkt sich nicht nur auf Frankreich, sondern hat sich auch auf andere Länder und Kontinente ausgeweitet. Der Surrealismus erleichterte die Wahrnehmung von Kubismus und Abstraktionismus erheblich.

Eines der Hauptpostulate der Surrealisten war die Identifizierung der Energie der Schöpfer mit dem menschlichen Unterbewusstsein, die sich im Schlaf, unter Hypnose, im Delirium bei Krankheit oder in zufälligen kreativen Einsichten manifestiert.

Besonderheiten des Surrealismus

Der Surrealismus ist eine komplexe Bewegung in der Malerei, die viele Künstler auf ihre eigene Weise verstanden und verstehen. Es ist daher nicht verwunderlich, dass sich der Surrealismus in zwei konzeptionell unterschiedliche Richtungen entwickelte. Der erste Zweig kann problemlos Miro, Max Ernst, Jean Arp und Andre Masson zugeschrieben werden, in deren Werken Bilder, die fließend in die Abstraktion übergehen, den Hauptplatz einnehmen. Der zweite Zweig basiert auf der Verkörperung eines surrealen Bildes, das vom menschlichen Unterbewusstsein mit illusorischer Genauigkeit erzeugt wird. Salvador Dali, ein idealer Vertreter der akademischen Malerei, arbeitete in dieser Richtung. Es sind seine Werke, die sich durch eine präzise Wiedergabe des Hell-Dunkels und eine sorgfältige Malweise auszeichnen – dichte Objekte haben fühlbare Transparenz, während sich solide ausbreiten, massive und dreidimensionale Figuren Leichtigkeit und Schwerelosigkeit erlangen und inkompatible Objekte miteinander kombiniert werden können.

Biographie von Rene Magritte

Neben den Werken von Salvador Dali gibt es auch Werke von Rene Magritte, einem berühmten belgischen Künstler, der 1898 in der Stadt Lesin geboren wurde. In der Familie, außer Rene. es gab zwei weitere Kinder, und 1912 ereignete sich ein Unglück, das das Leben und Werk des zukünftigen Künstlers beeinflusste – seine Mutter starb. Dies spiegelte sich in Rene Magrittes Gemälde „In Erinnerung an Mack Sennett“ wider, das 1936 gemalt wurde. Der Künstler selbst behauptete, dass die Umstände keinen Einfluss auf sein Leben und Werk hätten.

1916 trat Rene Magritte in die Brüsseler Akademie der Künste ein, wo er seine zukünftige Muse und Frau Georgette Berger kennenlernte. Nach seinem Abschluss an der Akademie arbeitete Rene an der Erstellung von Werbematerialien, was er jedoch eher ablehnte. Futurismus, Kubismus und Dada hatten großen Einfluss auf den Künstler, doch 1923 sah Rene Magritte erstmals Giorgio de Chiricos Werk „Lied der Liebe“. Dieser Moment wurde zum Ausgangspunkt für die Entwicklung des Surrealisten Rene Magritte. Gleichzeitig begann in Brüssel die Bildung einer Bewegung, deren Vertreter Rene Magritte neben Marcel Lecampt, Andre Suri, Paul Nouger und Camille Gemans wurde.

Die Werke von René Magritte.

Die Werke dieses Künstlers waren schon immer umstritten und erregten große Aufmerksamkeit.

Viele Künstler legen besonderen Wert auf Titel. Vor allem René Magritte. Gemälde mit den Titeln „Das ist keine Pfeife“ oder „Menschensohn“ wecken im Betrachter den Denker und Philosophen. Seiner Meinung nach sollte nicht nur das Bild den Betrachter dazu anregen, Emotionen zu zeigen, sondern auch der Titel sollte überraschen und zum Nachdenken anregen.
Was die Beschreibungen betrifft, gaben viele Surrealisten eine kurze Zusammenfassung ihrer Gemälde. Rene Magritte ist keine Ausnahme. Gemälde mit Beschreibungen waren in den Werbeaktivitäten des Künstlers schon immer präsent.

Der Künstler selbst bezeichnete sich selbst als „magischen Realisten“. Sein Ziel war es, ein Paradoxon zu schaffen und das Publikum sollte seine eigenen Schlussfolgerungen ziehen. Rene Magritte hat in seinen Werken stets eine klare Grenze zwischen dem subjektiven Bild und der realen Realität gezogen.

Gemälde „Liebespaar“

Rene Magritte malte 1927-1928 in Paris eine Gemäldeserie mit dem Titel „Lovers“.

Das erste Bild zeigt einen Mann und eine Frau, die in einem Kuss vereint sind. Ihre Köpfe sind in weißes Tuch gehüllt. Das zweite Gemälde zeigt denselben Mann und dieselbe Frau in weißem Tuch, die vom Gemälde aus auf das Publikum blicken.

Der weiße Stoff im Werk des Künstlers löst und löst heftige Diskussionen aus. Es gibt zwei Versionen. Dem ersten zufolge tauchte weißer Stoff in den Werken von Rene Magritte im Zusammenhang mit dem Tod seiner Mutter in der frühen Kindheit auf. Seine Mutter sprang von einer Brücke in den Fluss. Als ihr Körper aus dem Wasser genommen wurde, fand man ein weißes Tuch, das um ihren Kopf gewickelt war. Von der zweiten Version wussten viele, dass der Künstler ein Fan von Fantômas, dem Helden des beliebten Films, war. Daher kann es sein, dass der weiße Stoff eine Hommage an die Leidenschaft für das Kino ist.

Worum geht es in diesem Bild? Viele Menschen denken, dass das Gemälde „Liebende“ die blinde Liebe verkörpert: Wenn Menschen sich verlieben, bemerken sie nicht mehr jemanden oder etwas anderes als ihren Seelenverwandten. Aber die Menschen bleiben für sich selbst ein Rätsel. Wenn wir andererseits den Kuss der Liebenden betrachten, können wir sagen, dass sie vor Liebe und Leidenschaft den Kopf verloren haben. Rene Magrittes Gemälde sind voller gegenseitiger Gefühle und Erfahrungen.

"Sohn eines Mannes"

Rene Magrittes Gemälde „Der Menschensohn“ wurde zum Markenzeichen des „magischen Realismus“ und zum Selbstporträt von Rene Magritte. Dieses besondere Werk gilt als eines der umstrittensten Werke des Meisters.

Rene Magritte spielte eine wichtige Rolle in der Entwicklung des Surrealismus und seine Werke erregen weiterhin das Bewusstsein von immer mehr Generationen.

Magritte, René

René Magritte(René Magritte) 1898 - 1967 - Belgischer surrealistischer Künstler. Philosoph des Surrealismus in der bildenden Kunst. Er ist als Autor seltsamer Gemälde bekannt, die Mehrdeutigkeit und Mysterium enthalten. Im Gegensatz zu anderen Surrealisten, die danach streben, das Objekt selbst (Form, Bild) zu verzerren, wird in den Gemälden von Rene Magritte die „Objektivität“ des Bildes nahezu nicht beeinträchtigt – Bedeutung, Wahrnehmung, Verständnis und Bedeutungsvielfalt sind surreal.

In jedem seiner Gemälde bereitet Magritte ein Paradoxon vor. Jedes Gemälde ist eine Kombination aus einem Bild, der Art seiner Darstellung und sogar dem Namen des Gemäldes. Besonderes Augenmerk legte Magritte auf die Titel der Gemälde – sie scheinen den Betrachter zum Nachdenken zu „leiten“ und ihn in ein „Rebus“ zu führen. Sie veranlassen den Betrachter, nach einer Lösung zu suchen, aber die gefundenen Antworten werden ein Paradoxon oder eine Aporie der Logik sein. Diese Situation zwingt den Betrachter dazu, in Denkprozesse einzutauchen, deren Schlussfolgerungen ihn selbst überraschen können. Der Betrachter wird unwissentlich zum Philosophen.

Das ist es, wonach der Künstler strebt. Wegen einer ähnlichen Wirkung seiner Bilder bezeichnet er sich selbst als „ magischer Realist ". Wie Rene Magritte selbst sagte, ist es sein Ziel, den Betrachter zum Nachdenken anzuregen. Und der Stil der bewusst primitiven Einfachheit der Bilder zwingt dazu, sich auf ihre Symbolik zu konzentrieren. Wie kein anderer nutzte und „spekulierte“ Rene Magritte darüber Prinzip - Symbole regieren die Welt.

Eine ähnliche Praxis der Wahrnehmung von Mehrdeutigkeit und der unfreiwilligen Entwicklung von Denkprozessen gibt es in den Praktiken des Zen-Buddhismus, wenn paradoxe (im Gegensatz zur Logik) Aufgaben zu einem stürmischen Prozess der Suche nach einer Antwort und als Endergebnis zu einem Verständnis führen die harmonische Schönheit der Antworten. Philosophie der Einheit und Integrität der Gegensätze.

Aber Rene Magritte versucht nicht, die intellektuelle Komponente seiner Arbeit weiterzuentwickeln; er nutzt die bereits erlangte Popularität zynisch aus. Er bleibt nur bei der Wirkung der visuellen Wahrnehmung stehen, erzeugt lediglich ein Wahrnehmungsparadoxon und überlässt die Folgerungen dem Betrachter.

Leider hat der Künstler seinen einzigartigen Stil nicht entwickelt. Obwohl Magritte viele spätere Werke in Form von „Variationen“ früherer erfolgreicher Gemälde hatte, die Anerkennung fanden. Der semantische Inhalt der Bilder konzentriert sich auf die Idee – den paradoxen Unterschied in der Wahrnehmung zwischen Bild (Bild) und Realität.

Das berühmte Bild eines Mannes mit Melone wird zum Symbol des Künstlers selbst. Malerei - " Sohn eines Mannes„, ist zu einem wahren Meisterwerk des gesamten Konzepts des „magischen Realisten“ Rene Magritte geworden und hat zu vielen Diskussionen und Interpretationsvarianten Anlass gegeben. Selbst für eine Gesellschaft, in der die modernistische Wahrnehmung der Welt und der Religion zur Norm geworden ist, ist eine solche Verwendung sinnvoll von Symbolen im Bild kann man eine intellektuelle Provokation nennen, wenn im eigenen Kopf widersprüchliche Schlussfolgerungen entstehen.

Trotz des äußeren Primitivismus in der Ausführungstechnik werden der Künstler und seine Bilder zu einer sehr auffälligen Figur in der Kultur Europas. Seine Werke und ihre Symbolik werden in der Gesellschaft erkennbar. Magrittes Porträt erscheint auf der 500-belgischen Franc-Banknote.

Gemälde von René Magritte:

1928-1929

1936

1967 – Magritte starb an Bauchspeicheldrüsenkrebs.

René Magritte. Hellsehen (Selbstporträt). 54 x 64,9 cm. 1936. Privatsammlung. Artchive.ru

In der Kunst von Rene Magritte gibt es keinen Tropfen Posen. Er „interessiert“ den Betrachter nicht mit Hilfe seiner mysteriösen Gemälde. Stattdessen drängt er zum Nachdenken.

Ein Gemälde, das dem Auge gefällt, ist für Magritte keine Kunst. Sie ist für ihn völlig leer.

Heute bezeichnen Enzyklopädien Magritte als herausragenden Surrealisten. Dem Meister würde es wahrscheinlich nicht gefallen. Er mied die Psychoanalyse und mochte Freud nicht.

Nachdem er einst die kreative Verbindung zu Andre Bretton (Theoretiker des Surrealismus) abgebrochen hatte, verbot er sich, sich jemals als Surrealisten zu bezeichnen.

Er wurde zum Pionier des magischen Realismus. Magritte war im Allgemeinen ein freier Künstler, der nicht bereit war, seine Freiheit im Namen der Anerkennung aufzugeben. Deshalb schrieb er nur das, was ihm wichtig war.

Kontroverse um den Ausgangspunkt

Rene wurde am 21. November 1898 in der Stadt Lessines (Belgien) geboren. Kurze Zeit später wurden drei weitere Brüder geboren.

Eine glückliche Kindheit endete für den zukünftigen Künstler im Alter von 14 Jahren. 1912 ertrank seine Mutter im Fluss. Als der junge Rene sah, wie die Stadtbewohner den leblosen Körper seiner Mutter herauszogen, versuchte er den Grund für das Geschehene zu verstehen. Er glaubte immer an die Kraft des Denkens. Man muss sich nur sehr anstrengen, dann wird der Verstand die Antworten finden.

Heute streiten Kunsthistoriker über den Einfluss der Kindheitstragödie auf den Maler. Einige glauben, dass unter der Schirmherrschaft dieses Dramas eine Reihe von Gemälden mit Meerjungfrauen entstand. Es stimmt, Magrittes Meerjungfrauen sind das Gegenteil: mit einem Fischoberteil und einem menschlichen Hintern.

René Magritte. Kollektive Erfindung. 1934 Kunstsammlung des Landes Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf. Wikiart.org

Andere neigen, ohne den Einfluss dieser dunklen Seite der Biografie zu leugnen, immer noch dazu, die Natur des Talents in der Persönlichkeit des Künstlers selbst zu sehen.

R. Magritte. Porträt. 1935 MOMA, New York

Er war ein echter Träumer. Er erfand beispiellose Spiele und Unterhaltung. Doch Renes romantische Einstellung war seinen Brüdern fremd. Sie haben es nie geschafft, eine Familie zu werden.

Wer weiß, vielleicht ist dies ein Porträt eines seiner Brüder. Was die coole Beziehung zwischen blutsverwandten Menschen widerspiegelt.

Sehen Sie das Auge im Speck? Ich denke, man muss einen Menschen gelinde gesagt ablehnen, um ein solches Porträt von ihm zu zeichnen.

Lebenslange Liebe

Aber seine Frau, Georgette Berger, wurde ihm eine wirklich nahestehende Person. Sie lernten sich als Teenager kennen. Und nachdem sie sich als Erwachsene zufällig im Botanischen Garten kennengelernt hatten, trennten sie sich nie wieder.

Georgette war seine Muse und beste Freundin. Magritte widmete ihr mehr als eines seiner Gemälde und sie widmete ihm ihr ganzes Leben.

Nur eine Geschichte verdunkelte ihr Familienleben. Nach 13 Jahren Ehe interessierte sich Magritte für eine andere Frau. Georgette rächte sich an ihm, indem sie eine Affäre mit seinem Freund hatte. Sie lebten 5 Jahre getrennt.

Aus irgendeinem Grund malte Magritte in dieser Zeit dieses Porträt von Georgette.

René Magritte. Georgette. 1937 Museum der Schönen Künste, Brüssel. Wikiart.org

Dieses Porträt sieht besonders wie eine Postkarte aus. Diese Offenheit ist charakteristisch für fast alle Gemälde Magrittes.

1940 kam das Paar wieder zusammen. Und sie haben sich nie getrennt.

Nach dem Tod ihres Mannes erinnerte sich Georgette daran, dass sie bis heute beim Betrachten seiner Bilder mit ihm redete und oft stritt.

Magritte wollte seine Liebe nicht als Klischee verkörpern. Um diesem Gefühl auf den Grund zu gehen, kreiert er die Leinwand „Lovers“. Darin sind die Gesichter junger Menschen in Laken gehüllt.

René Magritte. Liebhaber. 54 x 73,4 cm. 1928. Museum of Modern Art (MOMA), New York. Renemagritte.org

Dieses Werk besticht durch seine Anonymität. Wir sehen die Gesichter der Charaktere nicht. Diese Unpersönlichkeit war charakteristisch für fast alle Werke des Künstlers.

Auch wenn die Gesichter nicht verschleiert waren, wurden die Gesichtszüge durch einen gewöhnlichen Gegenstand verdeckt. Zum Beispiel ein Apfel.

René Magritte. Sohn eines Mannes. 116 x 89 cm. 1964. Privatsammlung. Artchive.ru

Anerkennung und Bürgerpflicht

Im Jahr 1918 schloss der junge Mann sein Studium an der Royal Academy of Fine Arts ab. Nachdem er die Schwelle der „Alma Mater“ verlassen hatte, begann er mühsam nach einer Möglichkeit zum Lebensunterhalt zu suchen.

Er konnte seiner Idee nicht widersprechen und sich dem Geschmack des Publikums anpassen. Deshalb bekam ich einen Job in einer Tapetenmalerei-Werkstatt.

Einen traurigeren Widerspruch kann man sich kaum vorstellen: Der Künstler, der vor allem versuchte, einen Gedanken festzuhalten, wurde gezwungen, Blumen auf die Tapete zu malen.

Doch Rene schrieb in seiner Freizeit weiter. Die Helden seiner Bilder sind gewöhnliche Objekte. Oder besser gesagt, die Ideen, die sich dahinter verbergen.

Es gibt eine Reihe von Gemälden der Verleugnung, in denen der Künstler beispielsweise bewusst eine Pfeife zeichnet und die Signatur hinterlässt: „Das ist keine Pfeife.“ Dadurch wird die Aufmerksamkeit auf das gelenkt, was sich hinter der üblichen Hülle des Objekts verbirgt.

René Magritte. Der Verrat der Bilder (Dies ist keine Pfeife). 63,5 x 93,9 cm. Privatsammlung. Wikiart.org.

Jedes Gemälde von Magritte ist eine witzige, eigenständige Geschichte. Die Bestandteile der Leinwand breiten sich nicht aus und verformen sich nicht. Sie sind realistisch und erkennbar.

Aber in der kompositorischen Gesamtheit bilden sie einen völlig neuen Gedanken. Der Meister behauptete, dass in jedem seiner Gemälde eine besondere Bedeutung „verdrahtet“ sei. Kein sinnloses Durcheinander.

Welchen Sinn hat zum Beispiel ein Menschenregen? Der Künstler selbst hat seine Bilder nie entziffert. Jeder sucht für sich nach versteckten Subtexten.

René Magritte. Golconda. 100 x 81 cm. 1953. Privatsammlung, Houston. Artchive.ru

1927 wurde Renes erste Ausstellung eröffnet, die jedoch kein kritischer Erfolg war. Und das Ehepaar Magrittes reist nach Paris, der Hauptstadt der Avantgarde-Kunst.

Nach einer kurzen Zusammenarbeit mit dem Bretton-Kreis wählt der Künstler seinen eigenen Weg und erzielt schnell Erfolge.

Zeitgenossen erinnern sich daran, dass Rene anders war als alle Künstler. Er hatte nie eine eigene Werkstatt. Und in dem Haus, in dem Magritte lebte, gab es keine für den Maler typische Unordnung. Magritte sagte, dass Farbe geschaffen wurde, um auf die Leinwand aufgetragen zu werden und nicht, um auf dem Boden verschmiert zu werden.

Allerdings waren seine Bilder ebenso „sauber“ und sogar etwas trocken. Klare Linien, perfekte Formen. Extremer Realismus verwandelt sich in Illusion.

René Magritte. Bedingungen der menschlichen Existenz. 1934. Privatsammlung. Artchive.ru

Mit Beginn des Krieges begann Magritte, Gemälde zu malen, die nicht typisch für seinen Stil waren. Kunsthistoriker werden diese Zeit als „Zeit“ bezeichnen.

Rene glaubte, dass es seine bürgerliche Pflicht sei, lebensbejahende Bilder zu malen, die dem Betrachter Hoffnung geben. Die Friedenstaube mit einem Blumenschweif ist ein eindrucksvolles Beispiel für Magrittes „Militärkunst“.

René Magritte. Ein günstiges Zeichen. 1944. Privatsammlung. Wikiart.org

Unsterblichkeit erlangt

Nach dem Krieg kehrte Magritte zu seinem gewohnten Stil zurück und dachte viel über das Thema Tod und Leben nach.

Es genügt, an seine Parodien berühmter Gemälde anderer Künstler zu erinnern, in denen er alle Helden durch Särge ersetzte. So sieht das Gemälde „Balkon“ in Magrittes Interpretation aus.

René Magritte. Perspektive II: Manets Balkon. 80 x 60 cm. 1950. Museum der Schönen Künste, Gent. Artchive.ru

Magritte erkennt die Größe des Todes vor dem Nachdenken. Diese Menschen, echte Menschen, die einst für Edouard Manet posierten, leben nicht mehr. Und alle ihre Gedanken verschwanden für immer.

Aber hat es Magritte geschafft, dem Tod ein Schnippchen zu schlagen? Seine Frau Georgette behauptete ja! Er lebt in seinen Bildern, in den Rätseln und Rätseln, die jedes in sich trägt. Und den Betrachter auffordern, seine Antwort zu finden.

Nach dem Tod der Künstlerin an Bauchspeicheldrüsenkrebs im Jahr 1967 ließ Georgette bis an ihr Lebensende alles unberührt, was ihrem talentierten Ehemann gehörte – Pinsel, Palette, Farben. Und auf der Staffelei befand sich noch ein unvollendetes Gemälde „Empire of Light“.

René Magritte. Reich des Lichts. 146 x 114 cm. Peggy Guggenheim-Sammlung in Venedig.

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