René Magritte. Gewöhnlicher Surrealismus. Rene Magritte: Gemälde mit Namen und Beschreibungen. Gemälde „Menschensohn“ von Rene Magritte. Gemälde „Liebhaber“ von Rene Magritte Magritte Beschreibung der Gemälde

Alogismus, Absurdität, Kombination der widersprüchlichen, paradoxen visuellen Variabilität von Bildern und Figuren – das sind die Grundlagen des Surrealismus. Als Begründer dieser Bewegung gilt derjenige, der im Herzen des Surrealismus die Verkörperung der Theorie des Unterbewusstseins von Sigmund Freud sah. Auf dieser Grundlage schufen viele Vertreter der Bewegung Meisterwerke, die keine objektive Realität widerspiegelten, sondern lediglich die Verkörperung einzelner, vom Unterbewusstsein inspirierter Bilder waren. Die von den Surrealisten gemalten Leinwände konnten weder das Produkt von Gut noch Böse sein. Sie alle lösten bei verschiedenen Menschen unterschiedliche Emotionen aus. Daher können wir mit Sicherheit sagen, dass diese Richtung der Moderne ziemlich umstritten ist, was zu ihrer raschen Verbreitung in Malerei und Literatur beigetragen hat.

Surrealismus als Illusion und Literatur des 20. Jahrhunderts

Salvador Dali, Paul Delvaux, Rene Magritte, Jean Arp, Max Ernst, Giorgio de Chirico, Yves Tanguy, Michael Parkes und Dorothy Tanning sind die Säulen des Surrealismus, der in den 20er Jahren des letzten Jahrhunderts in Frankreich entstand. Dieser Trend beschränkt sich nicht nur auf Frankreich, sondern hat sich auch auf andere Länder und Kontinente ausgeweitet. Der Surrealismus erleichterte die Wahrnehmung von Kubismus und Abstraktionismus erheblich.

Eines der Hauptpostulate der Surrealisten war die Identifizierung der Energie der Schöpfer mit dem menschlichen Unterbewusstsein, die sich im Schlaf, unter Hypnose, im Delirium bei Krankheit oder in zufälligen kreativen Einsichten manifestiert.

Besonderheiten des Surrealismus

Der Surrealismus ist eine komplexe Bewegung in der Malerei, die viele Künstler auf ihre eigene Weise verstanden und verstehen. Es ist daher nicht verwunderlich, dass sich der Surrealismus in zwei konzeptionell unterschiedliche Richtungen entwickelte. Der erste Zweig kann problemlos Miro, Max Ernst, Jean Arp und Andre Masson zugeschrieben werden, in deren Werken Bilder, die fließend in die Abstraktion übergehen, den Hauptplatz einnehmen. Der zweite Zweig basiert auf der Verkörperung eines surrealen Bildes, das vom menschlichen Unterbewusstsein mit illusorischer Genauigkeit erzeugt wird. Salvador Dali, ein idealer Vertreter der akademischen Malerei, arbeitete in dieser Richtung. Es sind seine Werke, die sich durch eine präzise Wiedergabe des Hell-Dunkels und eine sorgfältige Malweise auszeichnen – dichte Objekte haben fühlbare Transparenz, während sich solide ausbreiten, massive und dreidimensionale Figuren Leichtigkeit und Schwerelosigkeit erlangen und inkompatible Objekte miteinander kombiniert werden können.

Biographie von Rene Magritte

Neben den Werken von Salvador Dali gibt es auch Werke von Rene Magritte, einem berühmten belgischen Künstler, der 1898 in der Stadt Lesin geboren wurde. In der Familie, außer Rene. es gab zwei weitere Kinder, und 1912 ereignete sich ein Unglück, das das Leben und Werk des zukünftigen Künstlers beeinflusste – seine Mutter starb. Dies spiegelte sich in Rene Magrittes Gemälde „In Erinnerung an Mack Sennett“ wider, das 1936 gemalt wurde. Der Künstler selbst behauptete, dass die Umstände keinen Einfluss auf sein Leben und Werk hätten.

1916 trat Rene Magritte in die Brüsseler Akademie der Künste ein, wo er seine zukünftige Muse und Frau Georgette Berger kennenlernte. Nach seinem Abschluss an der Akademie arbeitete Rene an der Erstellung von Werbematerialien, was er jedoch eher ablehnte. Futurismus, Kubismus und Dada hatten großen Einfluss auf den Künstler, doch 1923 sah Rene Magritte erstmals Giorgio de Chiricos Werk „Lied der Liebe“. Dieser Moment wurde zum Ausgangspunkt für die Entwicklung des Surrealisten Rene Magritte. Gleichzeitig begann in Brüssel die Bildung einer Bewegung, deren Vertreter Rene Magritte neben Marcel Lecampt, Andre Suri, Paul Nouger und Camille Gemans wurde.

Die Werke von Rene Magritte.

Die Werke dieses Künstlers waren schon immer umstritten und erregten große Aufmerksamkeit.

Viele Künstler legen besonderen Wert auf Titel. Vor allem René Magritte. Gemälde mit den Titeln „Das ist keine Pfeife“ oder „Menschensohn“ wecken im Betrachter den Denker und Philosophen. Seiner Meinung nach sollte nicht nur das Bild den Betrachter dazu anregen, Emotionen zu zeigen, sondern auch der Titel sollte überraschen und zum Nachdenken anregen.
Was die Beschreibungen betrifft, gaben viele Surrealisten eine kurze Zusammenfassung ihrer Gemälde. Rene Magritte ist keine Ausnahme. Gemälde mit Beschreibungen waren in den Werbeaktivitäten des Künstlers schon immer präsent.

Der Künstler selbst bezeichnete sich selbst als „magischen Realisten“. Sein Ziel war es, ein Paradoxon zu schaffen und das Publikum sollte seine eigenen Schlussfolgerungen ziehen. Rene Magritte hat in seinen Werken stets eine klare Grenze zwischen dem subjektiven Bild und der realen Realität gezogen.

Gemälde „Liebespaar“

Rene Magritte malte 1927-1928 in Paris eine Gemäldeserie mit dem Titel „Lovers“.

Das erste Bild zeigt einen Mann und eine Frau, die in einem Kuss vereint sind. Ihre Köpfe sind in weißes Tuch gehüllt. Das zweite Gemälde zeigt denselben Mann und dieselbe Frau in weißem Tuch, die vom Gemälde aus auf das Publikum blicken.

Der weiße Stoff im Werk des Künstlers löst und löst heftige Diskussionen aus. Es gibt zwei Versionen. Dem ersten zufolge tauchte weißer Stoff in den Werken von Rene Magritte im Zusammenhang mit dem Tod seiner Mutter in der frühen Kindheit auf. Seine Mutter sprang von einer Brücke in den Fluss. Als ihr Körper aus dem Wasser genommen wurde, fand man ein weißes Tuch, das um ihren Kopf gewickelt war. Von der zweiten Version wussten viele, dass der Künstler ein Fan von Fantômas, dem Helden des beliebten Films, war. Daher kann es sein, dass der weiße Stoff eine Hommage an die Leidenschaft für das Kino ist.

Worum geht es in diesem Bild? Viele Menschen denken, dass das Gemälde „Liebende“ die blinde Liebe verkörpert: Wenn Menschen sich verlieben, bemerken sie nicht mehr jemanden oder etwas anderes als ihre andere Hälfte. Aber die Menschen bleiben für sich selbst ein Rätsel. Wenn wir andererseits den Kuss der Liebenden betrachten, können wir sagen, dass sie vor Liebe und Leidenschaft den Kopf verloren haben. Rene Magrittes Gemälde sind voller gegenseitiger Gefühle und Erfahrungen.

"Sohn eines Mannes"

Rene Magrittes Gemälde „Der Menschensohn“ wurde zum Markenzeichen des „magischen Realismus“ und zum Selbstporträt von Rene Magritte. Dieses besondere Werk gilt als eines der umstrittensten Werke des Meisters.

Rene Magritte spielte eine wichtige Rolle in der Entwicklung des Surrealismus und seine Werke erregen weiterhin das Bewusstsein von immer mehr Generationen.

René Magritte. Belgischer surrealistischer Künstler, der für seine geistreichen und ungewöhnlich geheimnisvollen Gemälde berühmt wurde. Seine Werke haben keine Analogien zu anderen berühmten surrealistischen Werken. Genieße das Zusehen

Magritte schloss sich 1927 der von Andre Breton angeführten Surrealistengruppe an und suchte nach der ersten katastrophalen Ausstellung Unterstützung. In dieser Gruppe hat der Belgier seine Individualität nicht verloren und sich den einzigartigen Stil angeeignet, durch den seine Werke anerkannt werden.

Sohn eines Mannes

Gefährliche Bindungen

Nostalgie

Rene Magrittes Gemälde zeichnen sich durch einen ruhigen Stil aus. Die von Magritte dargestellten Objekte verlieren im Gegensatz zu anderen Surrealisten (Dali, Ernst) fast nie ihre gewohnte Form: Sie breiten sich nicht aus, verwandeln sich nicht in ihre eigenen Schatten. Und die ungewöhnliche Kombination dieser Elemente soll zum Nachdenken anregen. Gleichzeitig steigert der Gleichmut des Stils die Überraschung und versetzt den Betrachter in eine poetische Benommenheit, die durch das Geheimnis der Dinge verursacht wird.

Einsicht (Selbstporträt)

Schwarze Magie 2

Leeres Hindernis

Lied der Liebe

Magrittes Ziel ist es, den Betrachter zum Nachdenken anzuregen. Aus diesem Grund erinnern die Bilder des Künstlers eher an Rätsel, die jedoch nicht vollständig gelöst werden können, da sie Fragen nach dem Wesen der Existenz aufwerfen. Magritte spricht über die Täuschung des Sichtbaren, über sein Geheimnis, das wir normalerweise nicht bemerken.

Unwissende Fee

Glasschlüssel

Schwieriger Übergang

Eine besondere Rolle spielen die Namen der Gemälde. Sie sind immer poetisch und auf den ersten Blick immer nicht mit dem Bild selbst verbunden. Genau darin sah der Künstler ihre Bedeutung. Er glaubte, dass die verborgene poetische Verbindung zwischen dem Titel und dem Gemälde zu dem magischen Wunder beitrug, in dem Magritte den Zweck der Kunst sah.

Reich des Lichts

Falscher Spiegel

Das Unmögliche erreichen

Unbekannt

Große Familie

Wundervolle Welt

Großer Krieg

Philosophie des Boudoirs

Erinnerung an die Reise.

„Das Interessante an diesen Bildern ist die Präsenz des offenen Sichtbaren und des verborgenen Sichtbaren, die in der Natur nie voneinander getrennt sind. Das Sichtbare verbirgt sich immer hinter einem anderen Sichtbaren. Meine Bilder offenbaren dies Zwischen dem, was uns die Welt als Sichtbares bietet, und dem, was dieses gegebene Sichtbare darunter verbirgt, vollzieht sich eine bestimmte Aktion, diese Aktion ist sichtbar, und es ist wie ein Kampf, und deshalb der Name „Der Große Krieg“ gibt seinen Inhalt hinreichend genau wieder.“

(Französisch Rene Francois Ghislain Magritte; geboren am 21. November 1898 in Lessines, gestorben am 15. August 1967 in Brüssel) – belgischer surrealistischer Künstler. Bekannt als Autor witziger und zugleich poetisch-mysteriöser Gemälde.

Rene Magritte wurde mit Argwohn betrachtet. Vor allem Ärzte. Vor allem Psychoanalytiker. Diejenigen, die bei diesem Künstler keine geistigen Anomalien bemerkten, änderten danach ihre Meinung stark ins Gegenteil. Wie haben Sie seine Arbeit kennengelernt?

Doch als Reaktion auf ihre Übergriffe argumentierte der Künstler selbst nicht ohne Sarkasmus, dass der beste Patient für einen Psychoanalytiker ein anderer Psychoanalytiker sei. Und er nahm den damals populärsten Sigmund Freud überhaupt nicht ernst. Aber er zeichnete weiterhin Äpfel als Gesichter, Spiegel mit fantastischen Spiegelungen, Särge für sitzende Tote und andere Kuriositäten und Unverständlichkeiten.

Rene verbrachte seine Kindheit und Jugend in der kleinen Industriestadt Charleroi. Das Leben war hart.

Rene Magritte „Son of Man“, 1964.

1912 ertränkte sich seine Mutter im Fluss Sambre, was offenbar großen Einfluss auf den späteren Künstler hatte, der damals noch ein Teenager war. Als die Leiche gefunden wurde, wurde ihr Kopf sorgfältig in ein leichtes Mulltuch gewickelt.

Wahrscheinlich nehmen deshalb Gesichter, genauer gesagt ihre Abwesenheit, in Magrittes Werk einen besonderen Platz ein. Meistens ist das Gesicht in einem Porträt entweder mit einem Fremdkörper bedeckt oder in Stoff gehüllt, oder sogar der Hinterkopf oder ein anderer Körperteil wird einfach anstelle des Gesichts abgebildet.

Magritte brachte aus seiner Kindheit eine Reihe anderer, nicht so tragischer, aber nicht weniger mysteriöser Erinnerungen mit, von denen er selbst sagte, dass sie sich in seinem Werk widerspiegelten.

Ab 1916 studierte Magritte an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Brüssel und verließ die Akademie 1918. Gleichzeitig lernte er Georgette Berger kennen, die er 1922 heiratete und mit der er bis zu seinem Tod 1967 zusammenlebte.

Der bedrohte Attentäter – 1927

Magrittes Gemälde zeichnen sich durch einen distanzierten, scheinbar unerschütterlichen Stil aus. Sie stellen gewöhnliche Gegenstände dar, die bei Magritte im Gegensatz zu anderen großen Surrealisten (Dali, Ernst) fast nie ihre „Objektivität“ verlieren: Sie breiten sich nicht aus, verwandeln sich nicht in ihren eigenen Schatten. Allerdings ist schon die seltsame Kombination dieser Objekte auffällig und regt zum Nachdenken an. Der Gleichmut des Stils verstärkt diese Überraschung nur und versetzt den Betrachter in eine Art poetische Benommenheit, die durch das Mysterium der Dinge selbst verursacht wird.

Im Alter von 14 Jahren lernt Rene ein Mädchen namens Georgette kennen. Wenige Jahre später wird sie seine Ehefrau, Geliebte, Muse, Kollegin und Freundin – das einzige weibliche Model des Künstlers. Es gab keine anderen Frauen in seinem Leben. Georgettes schönes Gesicht ist in Magrittes Gemälden kaum zu erkennen. Es ist vage und verschlüsselt, wie flüchtige Schönheit.

Die Bedeutung der Nacht 1927

Magrittes Ziel ist es, wie er selbst zugibt, den Zuschauer zum Nachdenken anzuregen. Aus diesem Grund ähneln die Bilder des Künstlers oft Rätseln, die nicht vollständig gelöst werden können, da sie Fragen nach dem Wesen der Existenz aufwerfen: Magritte spricht immer von der Täuschung des Sichtbaren, von seinem verborgenen Geheimnis, das wir normalerweise nicht bemerken. Es gibt eine bekannte Werkreihe des Künstlers, in der er unter gewöhnliche Gegenstände schreibt: Das ist nicht er. Besonders beliebt ist das Gemälde „Der Verrat der Bilder“, das eine rauchende Pfeife mit der Überschrift „Das ist keine Pfeife“ zeigt. Damit erinnert Magritte den Betrachter erneut daran, dass das Bild eines Objekts nicht das Objekt selbst ist.

Er übertrug, wie Dali und andere Surrealisten, Träume und Gedanken auf die Leinwand. aber er konnte es nicht ertragen, wenn Kritiker ihn einen Surrealisten nannten. „Ich bin ein magischer Realist“, sagte sich Magritte.

Im Alter von 18 Jahren ging Rene zum Studium an die Brüsseler Akademie der Schönen Künste, wo ihm schnell klar wurde, dass es für ihn eine tödliche Melancholie war, die Details des wirklichen Lebens auf die Leinwand zu übertragen. Hier „erkrankt“ er am Kubismus und Futurismus im Sinne Fernand Légers, wird jedoch geheilt, nachdem er die Werke von Max Ernst und Giorgio de Chirico kennengelernt hat.

Zeittransfixiert 1938

Generell spielen die Bildtitel bei Magritte eine besondere Rolle. Sie sind fast immer poetisch und haben auf den ersten Blick keinerlei Bezug zum Bild selbst. Und genau darin sah der Künstler selbst ihre Bedeutung: Er glaubte, dass die verborgene poetische Verbindung zwischen Titel und Gemälde zu der magischen Überraschung beitrug, die Magritte als den Zweck der Kunst ansah.

Im Jahr 1921 wurde Magritte zur Armee eingezogen und ein Jahr später, nach seiner Rückkehr ins Zivilleben, bekam er eine Anstellung als Zeichner in einer Tapetenfabrik, wo er stundenlang Rosen bis ins kleinste Detail auf Papier malte (aus Rosen wurden später ... eines der Leitmotive seiner Gemälde – ein Symbol der tödlichen und unsicheren Schönheit – „The Fighter’s Grave“, 1961). Dann eröffnet er zusammen mit seinem Bruder eine Werbeagentur, die drängende Probleme bald vergessen lässt.

1930 kam es zum Bruch mit Breton. Magritte kehrt nach Brüssel zurück und wird hier zusammen mit Paul Delvaux zu einem der Anführer der surrealistischen Bewegung. Während dieser fruchtbaren Schaffensperiode schuf Magritte eine Reihe von Gemälden mit mysteriösen und poetischen Themen, darunter sein am häufigsten kopiertes Gemälde „The Human Condition“ (1935). Das Bild des Meeres auf dem Gemälde auf der Staffelei vor dem offenen Fenster verschmilzt auf wundersame Weise mit dem „echten“ Meerblick aus dem Fenster.

Als die Deutschen 1940 Belgien besetzten, verbrachte Magritte zunächst drei Monate im Exil in Carcassonne (Frankreich) und kehrte dann nach Brüssel zurück, wo er die schweren Zeiten des Krieges überlebte. Unmittelbar nach dem Krieg beschloss Magritte, mit schwungvollen Strichen im Stil von Renoir und Matisse zu malen, und begründete dies mit der Notwendigkeit, nach Freude zu suchen, im Gegensatz zum allgemeinen Pessimismus jener Jahre. Diese Periode in Magrittes Werk wird am häufigsten als Periode der „hellen Sonne“ („plein soleil“) bezeichnet. Doch die Motive des Impressionismus und Fauvismus im Werk des Meisters der Mystery-Gemälde überzeugten weder Publikum noch Kritiker, und 1948 kehrte der Künstler zu seinem eigenen Stil zurück.

„Ich nehme ein beliebiges Objekt oder Thema als Frage“, schrieb er, „und mache mich dann daran, nach einem anderen Objekt zu suchen, das als Antwort dienen könnte.“ Um ein Kandidat für eine Antwort zu werden, muss das gesuchte Objekt durch viele geheime Verbindungen mit dem Frageobjekt verbunden sein. Liegt die Antwort in aller Deutlichkeit vor, dann ist der Zusammenhang zwischen den beiden Objekten hergestellt.“ Und noch einmal: „Das Denken besteht für mich zunächst nur aus sichtbaren Dingen, und es selbst kann dank der Malerei sichtbar werden.“ René Magritte

In den 50er Jahren schuf der Künstler einige seiner berühmtesten Werke. Darunter ist das Gemälde „Golconda“ (1953). Der Künstler stellte mehrere Dutzend ordentlich gekleidete Mieter (mit Melone, Krawatte und modischen Mänteln) dar, die in einem grenzenlosen Raum hingen und dabei absoluten Gleichmut bewahrten. Golconda ist eine antike Stadt in Indien, die zum Synonym für unzählige Schätze und Reichtümer geworden ist, da hier viele berühmte Diamanten und andere Edelsteine ​​gefunden wurden. Die Menschen auf dem Bild scheinen von den Schätzen von Golconda angezogen zu sein.

In den 1950er und 1960er Jahren schockierten Rene Magrittes Gemälde den US-amerikanischen Kunstmarkt, wo nur seine Ausstellungen eine ganze Saison lang stattfanden. Von allen Seiten floss Geld, aber dieser Mann mit dem Gesicht eines freundlichen Apothekers, wie seine Verwandten behaupteten, blieb sich selbst treu: kein Boheme, ein bescheidenes Zuhause, eine ruhige Werkstatt und sein Lieblingstransportmittel – die Straßenbahn.

Magritte starb am 15. August 1967 im Alter von 69 Jahren an Krebs und hinterließ eine neue Version seines vielleicht berühmtesten Gemäldes „Empire of Light“ unvollendet. Sie blieb für immer auf einer Staffelei in ihrem Zimmer. Georgette wandte sich an ihren Mann: „Sie haben sich in einer Sache geirrt – in der Endlichkeit Ihres eigenen Lebens, im Sieg des Todes über alles. Du bist nicht nur für mich lebendig geblieben, sondern auch für alle, die deine Bilder betrachten: Schließlich bist du alle in ihnen. Ich schaue sie an und rede mit dir und diskutiere wie immer. Du hast endlich getan, wovon du geträumt hast. Du bist in den Spiegel eingetreten, bist aber geblieben. Du hast den Tod besiegt.

Er versuchte, die übliche Vorstellung vom Bekannten, Unveränderlichen zu zerstören, um das Objekt in einer neuen Dimension sehen zu lassen, was den Betrachter verwirrte. In seinen Leinwänden schuf er aus realen Dingen eine Welt voller Fantasie und Träume und ließ den Betrachter in eine Atmosphäre voller Träume und Geheimnisse eintauchen. Der Künstler wusste hervorragend, wie er seine Gefühle „lenken“ konnte. Es scheint, dass die vom Künstler geschaffene Welt statisch und stark ist, aber das Unwirkliche dringt immer in den Alltag ein und zerstört diese vertraute Welt (ein gewöhnlicher Apfel, der in einem Raum wächst, verdrängt Menschen, oder eine Dampflokomotive springt aus dem Kamin Vollgas – „Pierced Time“, 1938).

Belgischer Künstler - Surrealist Rene Magritte - Leben und Werk aktualisiert: 21. Oktober 2018 von: Webseite

1978 drehte Adrian Maben einen Film über den großen René Magritte. Dann erfuhr die ganze Welt von dem Künstler, aber seine Gemälde waren es von Anfang an wert, unsterblich zu werden. Magritte malte im Stil des Surrealismus und wurde kühn mit Salvador Dali gleichgesetzt. Magritte war in seinen Werken sehr witzig. Überzeugen Sie sich selbst: Sie verdienen Bewunderung.

Menschensohn, 1964

Scheherazade, 1948

Das Witzigste am Stil des Künstlers war, dass er keine unverständlichen Bilder zeichnete, sondern ganz primitive Dinge als Bildbestandteile verwendete. Es scheint, dass alle Objekte erkennbar sind, aber das Endergebnis ist eine unvorstellbare Überraschung (Überraschung!).

Perpetuum mobile, 1935

Darüber hinaus sagte Magritte selbst, dass er in jedes Bild einen Gedanken „einnäht“ und die Bilder keine dumme Ansammlung von Elementen, sondern eine eigenständige Geschichte seien.

Das Lustprinzip, 1937

Gefährten der Angst, 1942

Forscher sagen, dass man sich eine ziemlich klare Vorstellung von seiner inneren Welt machen kann, wenn man alle Gemälde eines Künstlers bewertet.

Das ist kein Apfel, 1964

Große Familie, 1967

Der Große Krieg, 1964

Ruhiger Schläfer, 1927

Der Künstler wurde am 21. November 1898 in der Stadt Lössin geboren. Als er 14 wurde, ertrank Renes Mutter im Fluss Sambre, was für das Kind ein großer Schock war. Aus irgendeinem Grund wird allgemein angenommen, dass diese Tatsache keinen Einfluss auf Magrittes Arbeit hatte, aber es gibt sicherlich einen Zusammenhang.

Liebhaber, 1928

Liebhaber II, 1928

Golconda, 1953

Zwei Geheimnisse, 1966

Offenbar als Ausgleich für seine schwierige Kindheit verliebt sich der Junge im Alter von 15 Jahren in Georgette Berger und sie wird seine einzige Frau fürs Leben. Er widmet ihr alle seine Bilder, sie ist sein einziges Modell, er bleibt ihr treu. Eine respektable Liebesgeschichte! Als er 22 wird, heiraten sie; zu diesem Zeitpunkt hatte Magritte bereits seinen Abschluss an der Kunstakademie gemacht.

Georgette Magritte, 1934

Magritte mit Georgette

Auf einer Welle der Liebe bewundert das zukünftige Talent die Werke anderer Meister (damals war der Kubismus in Mode) und beginnt, sich als Maler und Plakatkünstler etwas dazuzuverdienen.

Therapeut, 1937

Philosophische Lampe, 1936

Magrittes erste Ausstellung fand 1927 statt. Dann las er viel, bewegte sich unter Philosophen und angesehenen Schriftstellern, studierte Psychoanalyse, sodass alle seine Bilder voller tiefem Inhalt und Bedeutung waren. Aber er mochte die Psychoanalyse nicht und betrachtete sich nicht als Surrealisten, da Kritiker seiner Gemälde versuchten, seinen Charakter anhand seiner Werke zu „sezieren“. Wir kamen zum Ödipuskomplex, erinnerten uns an unsere tote Mutter und dann wurde Magritte wütend.

„Es ist schrecklich zu sehen, welcher Art von Spott ein Mensch ausgesetzt sein kann, nachdem er eine einzige unschuldige Zeichnung angefertigt hat ... Vielleicht ist die Psychoanalyse selbst das beste Thema für einen Psychoanalytiker.“

Vergewaltigung, 1934

Meditation, 1936

In den 1950er Jahren Er erlangte weltweite Anerkennung, seine Gemälde wurden in Rom, London, New York und allgemein in den besten Galerien der Welt ausgestellt. Seine Kunst wurde oft als „Tagträume“ bezeichnet.

Hörraum, 1952

Rotes Modell, 1935

Zerrspiegel, 1928

Kollektive Erfindung, 1942

Der Künstler gab an:

„Meine Bilder sind keine Träume, die einen einschläfern, sondern Träume, die einen wecken.“

Natürlich wurden seine Gemälde in verschiedenen Stilen und Techniken gezeichnet: Art Deco, Postimpressionismus, Kubismus, Surrealismus, in seinen Werken wurden alle möglichen Materialien verwendet (von Gouache bis Applikation), aber er erlangte gerade wegen des Surrealismus Berühmtheit seine Werke, was für niemanden untypisch ist.

Mitternacht verheiratet, 1926

1967 starb Rene an Bauchspeicheldrüsenkrebs. Fast 50 Jahre sind vergangen, aber seine Arbeit begeistert und spricht immer noch Menschen an. Damit kann der Künstler durchaus als Klassiker gelten.

Unvollendetes Gemälde, 1954

René Magritte. Hellsehen (Selbstporträt). 54 x 64,9 cm. 1936. Privatsammlung. Artchive.ru

In der Kunst von Rene Magritte gibt es keinen Tropfen Posen. Er „interessiert“ den Betrachter nicht mit Hilfe seiner mysteriösen Gemälde. Stattdessen drängt er zum Nachdenken.

Ein Gemälde, das dem Auge gefällt, ist für Magritte keine Kunst. Sie ist für ihn völlig leer.

Enzyklopädien bezeichnen Magritte heute als herausragenden Surrealisten. Dem Meister würde es wahrscheinlich nicht gefallen. Er lehnte die Psychoanalyse ab und mochte Freud nicht.

Nachdem er einst die kreative Verbindung zu Andre Bretton (Theoretiker des Surrealismus) abgebrochen hatte, verbot er sich, sich jemals als Surrealisten zu bezeichnen.

Er wurde zum Pionier des magischen Realismus. Magritte war im Allgemeinen ein freier Künstler, der nicht bereit war, seine Freiheit im Namen der Anerkennung aufzugeben. Deshalb schrieb er nur das, was ihm wichtig war.

Kontroverse um den Ausgangspunkt

Rene wurde am 21. November 1898 in der Stadt Lessines (Belgien) geboren. Kurze Zeit später wurden drei weitere Brüder geboren.

Eine glückliche Kindheit endete für den zukünftigen Künstler im Alter von 14 Jahren. 1912 ertrank seine Mutter im Fluss. Als der junge Rene sah, wie die Stadtbewohner den leblosen Körper seiner Mutter herauszogen, versuchte er den Grund für das Geschehene zu verstehen. Er glaubte immer an die Kraft des Denkens. Man muss sich nur sehr anstrengen, dann wird der Verstand die Antworten finden.

Heute streiten Kunsthistoriker über den Einfluss der Kindheitstragödie auf den Maler. Einige glauben, dass unter der Schirmherrschaft dieses Dramas eine Reihe von Gemälden mit Meerjungfrauen entstand. Es stimmt, Magrittes Meerjungfrauen sind das Gegenteil: mit einem Fischoberteil und einem menschlichen Hintern.

René Magritte. Kollektive Erfindung. 1934 Kunstsammlung des Landes Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf. Wikiart.org

Andere neigen, ohne den Einfluss dieser dunklen Seite der Biografie zu leugnen, immer noch dazu, die Natur des Talents in der Persönlichkeit des Künstlers selbst zu sehen.

R. Magritte. Porträt. 1935 MOMA, New York

Er war ein echter Träumer. Er erfand beispiellose Spiele und Unterhaltung. Doch Renes romantische Einstellung war seinen Brüdern fremd. Sie haben es nie geschafft, eine Familie zu werden.

Wer weiß, vielleicht ist dies ein Porträt eines seiner Brüder. Was die coole Beziehung zwischen blutsverwandten Menschen widerspiegelt.

Sehen Sie das Auge im Speck? Ich denke, man muss, gelinde gesagt, einen Menschen nicht mögen, um ein solches Porträt von ihm zu zeichnen.

Lebenslange Liebe

Aber seine Frau, Georgette Berger, wurde ihm eine wirklich nahestehende Person. Sie lernten sich als Teenager kennen. Und nachdem sie sich als Erwachsene zufällig im Botanischen Garten kennengelernt hatten, trennten sie sich nie wieder.

Georgette war seine Muse und beste Freundin. Magritte widmete ihr mehr als eines seiner Gemälde und sie widmete ihm ihr ganzes Leben.

Nur eine Geschichte verdunkelte ihr Familienleben. Nach 13 Jahren Ehe interessierte sich Magritte für eine andere Frau. Georgette rächte sich an ihm, indem sie eine Affäre mit seinem Freund hatte. Sie lebten 5 Jahre getrennt.

Aus irgendeinem Grund malte Magritte in dieser Zeit dieses Porträt von Georgette.

René Magritte. Georgette. 1937 Museum der Schönen Künste, Brüssel. Wikiart.org

Dieses Porträt sieht besonders wie eine Postkarte aus. Diese Offenheit ist charakteristisch für fast alle Gemälde Magrittes.

1940 kam das Paar wieder zusammen. Und sie haben sich nie getrennt.

Nach dem Tod ihres Mannes erinnerte sich Georgette daran, dass sie bis heute beim Betrachten seiner Bilder mit ihm redete und oft stritt.

Magritte wollte seine Liebe nicht als Klischee verkörpern. Um diesem Gefühl auf den Grund zu gehen, kreiert er die Leinwand „Lovers“. Darin sind die Gesichter junger Menschen in Laken gehüllt.

René Magritte. Liebhaber. 54 x 73,4 cm. 1928. Museum of Modern Art (MOMA), New York. Renemagritte.org

Dieses Werk besticht durch seine Anonymität. Wir sehen die Gesichter der Charaktere nicht. Diese Unpersönlichkeit war charakteristisch für fast alle Werke des Künstlers.

Auch wenn die Gesichter nicht verschleiert waren, wurden die Gesichtszüge durch einen gewöhnlichen Gegenstand verdeckt. Zum Beispiel ein Apfel.

René Magritte. Sohn eines Mannes. 116 x 89 cm. 1964. Privatsammlung. Artchive.ru

Anerkennung und Bürgerpflicht

Im Jahr 1918 schloss der junge Mann sein Studium an der Royal Academy of Fine Arts ab. Nachdem er die Schwelle der „Alma Mater“ verlassen hatte, begann er mühsam nach einer Möglichkeit zum Lebensunterhalt zu suchen.

Er konnte seiner Idee nicht widersprechen und sich dem Geschmack des Publikums anpassen. Deshalb bekam ich einen Job in einer Tapetenmalerei-Werkstatt.

Einen traurigeren Widerspruch kann man sich kaum vorstellen: Der Künstler, der vor allem versuchte, einen Gedanken festzuhalten, wurde gezwungen, Blumen auf die Tapete zu malen.

Doch Rene schrieb in seiner Freizeit weiter. Die Helden seiner Bilder sind gewöhnliche Objekte. Oder besser gesagt, die Ideen, die sich dahinter verbergen.

Es gibt eine Reihe von Gemälden der Verleugnung, in denen der Künstler beispielsweise bewusst eine Pfeife zeichnet und die Signatur hinterlässt: „Das ist keine Pfeife.“ Dadurch wird die Aufmerksamkeit auf das gelenkt, was sich hinter der üblichen Hülle des Objekts verbirgt.

René Magritte. Der Verrat der Bilder (Dies ist keine Pfeife). 63,5 x 93,9 cm. Privatsammlung. Wikiart.org.

Jedes Gemälde von Magritte ist eine witzige, eigenständige Geschichte. Die Bestandteile der Leinwand breiten sich nicht aus und verformen sich nicht. Sie sind realistisch und erkennbar.

Aber in der kompositorischen Gesamtheit bilden sie einen völlig neuen Gedanken. Der Meister behauptete, dass in jedem seiner Gemälde eine besondere Bedeutung „verdrahtet“ sei. Kein sinnloses Durcheinander.

Welchen Sinn hat zum Beispiel ein Menschenregen? Der Künstler selbst hat seine Bilder nie entziffert. Jeder sucht für sich nach versteckten Subtexten.

René Magritte. Golconda. 100 x 81 cm. 1953. Privatsammlung, Houston. Artchive.ru

1927 wurde Renes erste Ausstellung eröffnet, die jedoch kein kritischer Erfolg war. Und das Ehepaar Magrittes reist nach Paris, der Hauptstadt der Avantgarde-Kunst.

Nach einer kurzen Zusammenarbeit mit dem Bretton-Kreis wählt der Künstler seinen eigenen Weg und erzielt schnell Erfolge.

Zeitgenossen erinnern sich daran, dass Rene anders war als alle Künstler. Er hatte nie eine eigene Werkstatt. Und in dem Haus, in dem Magritte lebte, gab es keine für den Maler typische Unordnung. Magritte sagte, dass Farbe geschaffen wurde, um auf die Leinwand aufgetragen zu werden und nicht, um auf dem Boden verschmiert zu werden.

Allerdings waren seine Bilder ebenso „sauber“ und sogar etwas trocken. Klare Linien, perfekte Formen. Extremer Realismus verwandelt sich in Illusion.

René Magritte. Bedingungen der menschlichen Existenz. 1934. Privatsammlung. Artchive.ru

Mit Beginn des Krieges begann Magritte, Gemälde zu malen, die nicht typisch für seinen Stil waren. Kunsthistoriker werden diese Zeit als „Zeit“ bezeichnen.

Rene glaubte, dass es seine bürgerliche Pflicht sei, lebensbejahende Bilder zu malen, die dem Betrachter Hoffnung geben. Die Friedenstaube mit einem Blumenschweif ist ein eindrucksvolles Beispiel für Magrittes „Militärkunst“.

René Magritte. Ein günstiges Zeichen. 1944. Privatsammlung. Wikiart.org

Unsterblichkeit erlangt

Nach dem Krieg kehrte Magritte zu seinem gewohnten Stil zurück und dachte viel über das Thema Tod und Leben nach.

Es genügt, an seine Parodien berühmter Gemälde anderer Künstler zu erinnern, in denen er alle Helden durch Särge ersetzte. So sieht das Gemälde „Balkon“ in Magrittes Interpretation aus.

René Magritte. Perspektive II: Manets Balkon. 80 x 60 cm. 1950. Museum der Schönen Künste, Gent. Artchive.ru

Magritte erkennt die Größe des Todes vor dem Nachdenken. Diese Menschen, echte Menschen, die einst für Edouard Manet posierten, leben nicht mehr. Und alle ihre Gedanken verschwanden für immer.

Aber hat es Magritte geschafft, dem Tod ein Schnippchen zu schlagen? Seine Frau Georgette behauptete ja! Er lebt in seinen Bildern, in den Rätseln und Rätseln, die jedes einzelne in sich trägt. Und den Betrachter auffordern, seine Antwort zu finden.

Nach dem Tod der Künstlerin an Bauchspeicheldrüsenkrebs im Jahr 1967 ließ Georgette bis an ihr Lebensende alles unberührt, was ihrem talentierten Ehemann gehörte – Pinsel, Palette, Farben. Und auf der Staffelei befand sich noch ein unvollendetes Gemälde „Empire of Light“.

René Magritte. Reich des Lichts. 146 x 114 cm. Peggy Guggenheim-Sammlung in Venedig.

Für alle, die das Interessanteste rund um Künstler und Gemälde nicht verpassen wollen. Hinterlassen Sie Ihre E-Mail-Adresse (im Formular unter dem Text) und Sie werden als Erster über neue Artikel in meinem Blog informiert.

In Kontakt mit