Stile zeitgenössischer Künstler. Welche Hauptgattungen der Malerei kennen Sie? Überlegen Sie, was Sie am häufigsten zeichnen

(Übersetzung von Tara Leavers Artikel „Finden Sie Ihren eigenen künstlerischen Stil: Ein praktischer Leitfaden“ –

Für viele von uns bereitet es große Schwierigkeiten, einen eigenen erkennbaren künstlerischen Stil zu finden. Und das gilt nicht nur für Neueinsteiger im Zeichnen, sondern betrifft auch erfahrene Künstler.

Vielleicht fangen Sie an zu zweifeln, noch bevor der Pinsel die Leinwand berührt, weil Sie sich an verschiedene Kritiken Ihrer Lehrer erinnern oder sich einfach in der schieren Vielfalt an möglichen Ideen und Inspirationen aus verschiedenen Kursen verlieren. Oder vielleicht beides gleichzeitig!

Es ist kein Wunder, dass Sie sich großartig fühlen werden, wenn Sie Ihren Stil gefunden haben!

Heute sehe ich ein paar einfache Möglichkeiten, Ihren eigenen Stil zu finden und zu entwickeln.

Jeder Mensch hat es, man muss ihm nur helfen, sich auszudrücken. Wir entwickeln es durch ständige Übung und Übung, aber es gibt auch einen unbewussten Teil, der nicht durch die „Hände“, sondern aus dem Herzen kommt.

Ich weiß, dass diese Idee offensichtlich erscheint, aber es ist diese Kombination, die es uns ermöglicht, mit der Entwicklung unseres individuellen Stils zu beginnen. Von außen betrachtet gibt Ihnen diese Idee eine klarere Vorstellung davon, wo Sie anfangen können, Ihrer Kreativität freien Lauf zu lassen und Ihren Stil zu finden.

Was Sie unten lesen, stellt keine umfassende Information zu diesem Thema dar. Dies sind nur Ausgangspunkte für Sie, Ihren eigenen Weg zu finden.

Nehmen Sie Ihr neuestes Werk und platzieren Sie es so, dass Sie es bequem betrachten können. Beantworten Sie die Fragen konsequent und notieren Sie dabei Ihre Reaktionen und Beobachtungen. Wenn Sie möchten, können Sie schriftliche Notizen machen.

Wir gehen auf Schatzsuche!

Der größte Schatz ist Ihre eigene Kreativität.

Überlegen Sie, was Sie am häufigsten zeichnen

Welche Themen und Themen reizen Sie am meisten am Zeichnen? Wenn Ihnen die Antwort schwerfällt, suchen Sie in Ihren Gemälden und Werkmappen nach einer Antwort.

Ich persönlich versuche mir bei Geschichten meine Vorlieben zu merken, wie oft ich an einem bestimmten Thema arbeite. Und irgendwo zu Hause habe ich einen Zettel aus einem Notizbuch, auf dem ich diese Informationen aufschreibe. Wenn es mir also schwerfällt, eine Frage zu meinem Lieblingsthema im Zeichnen zu beantworten, schaue ich in mich selbst oder in dieses Blatt.

Also, ich liebe es, Boote zu zeichnen! Und auch Fische, Figuren und Bäume.

Die Liste der Lieblingsthemen muss zu diesem Zeitpunkt noch nicht vollständig oder erschöpfend sein. Es reicht aus, einige davon für sich selbst hervorzuheben, um einen Ausgangspunkt zu haben.

Eine Auswahl von Werken mit Experimenten und kreativen Auseinandersetzungen zum Thema Bäume. Sie können die gemeinsamen Merkmale erkennen, die die Werke verbinden – geschwungene Linien und Konturzeichnung.

Welche Farben magst du?

Denken Sie über Ihre Standardfarbpalette nach.
Was kann Ihnen Ihre neueste Arbeit über wiederholte Farbwahlen sagen?

Meine Arbeitspalette umfasst seit Kurzem Aqua, Blau, Nepalgelb, fluoreszierendes Rosa und Weiß, für die ich Gesso-Acrylgrundierung verwende. Dies gibt mir eine gute Auswahl an dunklen, mittleren und hellen Tönen. Ich spiele wirklich gerne mit diesen Farben, sie passen perfekt zu meinen Bedürfnissen und Bedürfnissen im Moment.

Und was ist mit dir?

Links ist mein Foto, rechts eine darauf basierende Zeichnung. Ich habe Farben aus „meiner“ Palette und experimentelle Techniken verwendet.

Was zeichnet Ihren Stil aus?

Was bevorzugen Sie – grafische Linien oder das Arbeiten mit großen Farbflächen?
Nutzen Sie beim Arbeiten mit dem Pinsel gerne ungewöhnliche Techniken?
Oder möchten Sie zum Sprühen lieber keine Zahnbürste verwenden?
Erstellen Sie gerne sogenannte Muster, Designs oder arbeiten Sie lieber mit mehr Fantasie und Spielraum?

Die Besonderheit meines Stils sind Konturlinien, oft ungleichmäßig und verschwommen, manchmal „schmutzig“ in der Farbe. Mich inspirieren die Werke von Egon Schiele. Außerdem liebe ich nervöse Farbkontraste und raffinierte, flexible Designs.

Analysieren Sie, welche Techniken Ihnen besonders gefallen und Ihnen nahe stehen und die Ihnen ein Gefühl der Zufriedenheit mit Ihrer Kreativität geben. Entwickeln Sie sie und halten Sie sie bei Ihren zukünftigen Arbeiten ein.

Zeichnung eines Fisches mit nussfarbener Tinte. Experimentieren Sie mit Linien.

Welche Technik oder welches künstlerische Material mögen Sie?

Möglicherweise haben Sie mehrere. Was magst du am liebsten?

Ich liebe es wirklich, mit Ölpastellkreiden zu arbeiten. Aber am liebsten arbeite ich mit Acryl und nutze das Medium in meiner Arbeit. Dadurch kann ich den Trocknungsprozess der Farben steuern und mit dem Ergebnis spielen. Alles trocknet schnell und ist ebenso leicht zu reinigen.

Wenn Sie eine Lieblingstechnik haben, bedeutet das, dass Sie alle ihre Möglichkeiten erkunden, Ihre Fähigkeiten und damit Ihre Arbeit im Allgemeinen verbessern können.

Ich habe für diese Arbeit keine Referenzen verwendet. Es gibt nur zwei meiner Lieblingsmaterialien: Acryl und Ölpastell.

Was inspiriert dich?

Deshalb haben wir uns mit den wichtigsten Themen befasst, auf die Sie bei der Suche nach Ihrem Stil besonders achten müssen. Lassen Sie uns nun ein wenig abschweifen, uns die Arbeiten anderer Künstler ansehen und darüber nachdenken, was wir uns von ihnen ausleihen könnten.

Ich empfehle, dies zu tun, nachdem Sie die vorherigen vier Fragen beantwortet haben. Bevor Sie beginnen, die Arbeit anderer Künstler zu betrachten und zu bewerten, müssen Sie zunächst Ihre eigene Kreativität verstehen.

Wenn Sie sicher sind, dass Sie die Hauptmerkmale Ihrer Arbeit erkannt haben, fällt es Ihnen leichter, Werke anderer Künstler zu finden, die Ihrem Stil und Ihrer Weltanschauung ähneln. Es wird für Sie einfacher, ihre Arbeit zu bewerten und nach Merkmalen zu suchen, die Sie Ihrer Arbeit und Ihrem Stil hinzufügen möchten.

Es dient dazu, visuelle Informationen zu sammeln und zu teilen. Es gibt ein Meer an unterschiedlichen Bildern, Fotografien und Abbildungen. Stellen Sie einige wichtige Fragen und sehen Sie sich die Ergebnisse an.

Sie können Ihre eigene persönliche Pinnwand erstellen, auf der Sie alles sammeln (pinnen!), was Sie inspirieren und interessieren wird, sei es eine interessante Komposition auf einem Bild, die Farbpalette auf einem anderen, der Stil des Künstlers auf einem dritten oder die Handlung einer Quarte.

Auf meiner Pinnwand sammle ich keine Gemälde anderer Künstler. Ich mache das nicht, weil sie mich nicht inspirieren. Ich möchte einfach frei sein von dem, was andere Künstler in dem Moment gemalt haben, in dem ich mit dem Schaffen beginne, und nach meinen eigenen Themen und Lösungen suchen.

Referenzfotos (Fotoquellen zum Zeichnen) helfen Ihnen teilweise dabei. Sie können Ihnen gute Dienste leisten, also halten Sie sie griffbereit oder speichern Sie Fotos auf Ihrem Pinterest-Board, die Sie inspirieren.

Darüber hinaus werden Sie bei genauer Betrachtung der von Ihnen gesammelten Fotos sicherlich Hinweise darauf finden, was Sie gerade interessiert und was als nächstes zu tun ist.

Ja, Pinterest ist wie ein Kaninchenbau! Wenn Sie sich nicht davon losreißen können, stellen Sie einen Timer.

Links ist ein Foto von Pinterest, rechts meine Arbeit, die von diesem Foto inspiriert wurde.

Fehler beginnender Künstler

Die Zahl der Stile und Trends ist riesig, wenn nicht sogar unendlich. Das Hauptmerkmal, anhand dessen Werke in Stile gruppiert werden können, sind die gemeinsamen Prinzipien des künstlerischen Denkens. Die Ablösung einer Methode des künstlerischen Denkens durch eine andere (Wechsel der Kompositionsarten, Methoden der Raumkonstruktion, Farbmerkmale) ist kein Zufall. Auch unsere Wahrnehmung von Kunst hat sich historisch verändert.
Durch den Aufbau eines hierarchisch geordneten Stilsystems bleiben wir der eurozentrischen Tradition treu. Der wichtigste Begriff in der Kunstgeschichte ist der Begriff der Epoche. Jede Epoche ist durch ein bestimmtes „Weltbild“ gekennzeichnet, das aus philosophischen, religiösen, politischen Ideen, wissenschaftlichen Konzepten, psychologischen Merkmalen der Weltanschauung, ethischen und moralischen Standards, ästhetischen Kriterien des Lebens besteht, durch die sich eine Epoche von einer anderen unterscheidet . Dies sind das Urzeitalter, das Zeitalter der Antike, die Antike, das Mittelalter, die Renaissance und die Moderne.
Stile in der Kunst haben keine klaren Grenzen; sie gehen fließend ineinander über und befinden sich in ständiger Entwicklung, Vermischung und Opposition. Im Rahmen eines historischen Kunststils entsteht immer ein neuer, der wiederum in den nächsten übergeht. Viele Stile existieren gleichzeitig nebeneinander und daher gibt es überhaupt keine „reinen Stile“.
In derselben historischen Epoche können mehrere Stile nebeneinander existieren. Zum Beispiel Klassizismus, Akademismus und Barock im 17. Jahrhundert, Rokoko und Neoklassizismus im 18. Jahrhundert, Romantik und Akademismus im 19. Jahrhundert. Stile wie Klassizismus und Barock werden als große Stile bezeichnet, weil sie für alle Arten von Kunst gelten: Architektur, Malerei, dekorative und angewandte Kunst, Literatur, Musik.
Es ist zu unterscheiden zwischen: künstlerischen Stilen, Richtungen, Tendenzen, Schulen und Merkmalen der individuellen Stile einzelner Meister. Innerhalb eines Stils kann es mehrere künstlerische Strömungen geben. Eine künstlerische Leitung besteht sowohl aus typischen Merkmalen einer bestimmten Epoche als auch aus einzigartigen Methoden des künstlerischen Denkens. Der Jugendstil beispielsweise umfasst eine Reihe von Strömungen der Jahrhundertwende: Postimpressionismus, Symbolismus, Fauvismus usw. Andererseits ist der Begriff des Symbolismus als künstlerische Richtung in der Literatur gut entwickelt, während er in der Malerei sehr vage ist und stilistisch so unterschiedliche Künstler vereint, dass sie oft nur als eine sie verbindende Weltanschauung interpretiert werden.

Nachfolgend finden Sie Definitionen von Epochen, Stilen und Trends, die sich auf die eine oder andere Weise in der modernen bildenden und dekorativen Kunst widerspiegeln.

	- ein künstlerischer Stil, der sich im 12.-15. Jahrhundert in den Ländern West- und Mitteleuropas entwickelte. Es war das Ergebnis der jahrhundertelangen Entwicklung der mittelalterlichen Kunst, ihre höchste Stufe und zugleich der erste gesamteuropäische, internationale Kunststil der Geschichte. Er deckte alle Arten von Kunst ab – Architektur, Bildhauerei, Malerei, Glasmalerei, Buchgestaltung, dekorative und angewandte Kunst. Grundlage des gotischen Stils war die Architektur, die durch nach oben gerichtete Spitzbögen, mehrfarbige Buntglasfenster und eine visuelle Entmaterialisierung der Form gekennzeichnet ist. Elemente der gotischen Kunst finden sich häufig in der modernen Innenarchitektur, insbesondere in Wandgemälden, seltener in Staffeleigemälden. Seit dem Ende des letzten Jahrhunderts gibt es eine Gothic-Subkultur, die sich deutlich in Musik, Poesie und Kleidungsdesign manifestiert.
	(Renaissance) – (französische Renaissance, italienisch Rinascimento) Eine Ära in der kulturellen und ideologischen Entwicklung einer Reihe von Ländern in West- und Mitteleuropa sowie einiger Länder in Osteuropa. Die wichtigsten Unterscheidungsmerkmale der Renaissance-Kultur: säkularer Charakter, humanistische Weltanschauung, Berufung auf das antike Kulturerbe, eine Art „Wiederbelebung“ davon (daher der Name). Die Kultur der Renaissance weist spezifische Merkmale der Übergangszeit vom Mittelalter zur Neuzeit auf, in der Altes und Neues ineinandergreifen und eine einzigartige, qualitativ neue Legierung bilden. Eine schwierige Frage sind die chronologischen Grenzen der Renaissance (in Italien - 14.-16. Jahrhundert, in anderen Ländern - 15.-16. Jahrhundert), ihre territoriale Verteilung und ihre nationalen Besonderheiten. Elemente dieses Stils werden in der modernen Kunst häufig in Wandgemälden verwendet, seltener in der Staffeleimalerei.
	- (von italienisch maniera – Technik, Manier) eine Bewegung in der europäischen Kunst des 16. Jahrhunderts. Vertreter des Manierismus entfernten sich von der harmonischen Weltanschauung der Renaissance, dem humanistischen Konzept des Menschen als vollkommener Schöpfung der Natur. Eine scharfe Wahrnehmung des Lebens verband sich mit dem programmatischen Wunsch, nicht der Natur zu folgen, sondern die subjektive „innere Idee“ eines in der Seele des Künstlers geborenen künstlerischen Bildes zum Ausdruck zu bringen. Am deutlichsten manifestierte es sich in Italien. Zum italienischen Manierismus der 1520er Jahre. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) zeichnen sich durch dramatische Bildschärfe, tragisches Weltbild, Komplexität und übertriebenen Ausdruck von Posen und Bewegungsmotiven, verlängerte Figurenproportionen, koloristische sowie Licht- und Schattendissonanzen aus. In jüngster Zeit wird es auch von Kunsthistorikern verwendet, um auf Phänomene in der zeitgenössischen Kunst hinzuweisen, die mit der Transformation historischer Stile verbunden sind.
	- ein historischer Kunststil, der sich zunächst in Italien in der Mitte verbreitete. XVI-XVII Jahrhunderte und dann in Frankreich, Spanien, Flandern und Deutschland im XVII-XVIII Jahrhundert. Im weiteren Sinne wird dieser Begriff verwendet, um die sich ständig erneuernden Tendenzen einer ruhelosen, romantischen Haltung zu definieren, die in ausdrucksstarken, dynamischen Formen denkt. Schließlich findet man in jeder Zeit, in fast jedem historischen Kunststil eine eigene „Barockperiode“ als Bühne höchsten schöpferischen Aufschwungs, emotionaler Spannung, Formenexplosion.
	- künstlerischer Stil in der westeuropäischen Kunst des 17. Jahrhunderts. XIX Jahrhundert und auf Russisch XVIII - früh. XIX, der sich dem antiken Erbe als Ideal zuwandte, dem man folgen sollte. Es manifestierte sich in Architektur, Bildhauerei, Malerei, dekorativer und angewandter Kunst. Klassische Künstler betrachteten die Antike als höchste Errungenschaft und machten sie zu ihrem Maßstab in der Kunst, den sie nachahmen wollten. Im Laufe der Zeit verkam es zum Akademismus.
	- eine Richtung in der europäischen und russischen Kunst der 1820er-1830er Jahre, die den Klassizismus ablöste. Die Romantiker betonten die Individualität und stellten die ideale Schönheit der Klassiker einer „unvollkommenen“ Realität gegenüber. Künstler fühlten sich von hellen, seltenen, außergewöhnlichen Phänomenen sowie Bildern fantastischer Natur angezogen. In der Kunst der Romantik spielen die ausgeprägte individuelle Wahrnehmung und Erfahrung eine wichtige Rolle. Die Romantik befreite die Kunst von abstrakten klassizistischen Dogmen und wandte sie der nationalen Geschichte und den Bildern der Folklore zu.
	- (von lateinisch Sentiment – Gefühl) – eine Richtung der westlichen Kunst der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts, die die Enttäuschung über die „Zivilisation“ zum Ausdruck bringt, die auf den Idealen der „Vernunft“ (Aufklärungsideologie) basiert. S. verkündet das Gefühl, die einsame Besinnung und die Einfachheit des ländlichen Lebens des „kleinen Mannes“. J. J. Rousseau gilt als der Ideologe von S.
	- eine Kunstrichtung, die danach strebt, sowohl die äußere Form als auch das Wesen von Phänomenen und Dingen mit größter Wahrheit und Zuverlässigkeit darzustellen. Wie eine kreative Methode individuelle und typische Merkmale bei der Bildgestaltung vereint. Die längste existierende Richtung, die sich von der Urzeit bis zur Gegenwart entwickelt.
	- Richtung in der europäischen Kunstkultur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Entstanden als Reaktion auf die Dominanz der Normen des bürgerlichen „gesunden Menschenverstandes“ im humanitären Bereich (in der Philosophie, Ästhetik – Positivismus, in der Kunst – Naturalismus), nahm der Symbolismus vor allem in der französischen Literatur der späten 1860er-70er Jahre und später Gestalt an verbreitete sich in Belgien und Deutschland, Österreich, Norwegen und Russland. Die ästhetischen Prinzipien des Symbolismus gingen weitgehend auf die Ideen der Romantik sowie auf einige Lehren der idealistischen Philosophie von A. Schopenhauer, E. Hartmann, teilweise F. Nietzsche, auf das Schaffen und Theoretisieren des deutschen Komponisten R. Wagner zurück . Die Symbolik stellte die lebendige Realität der Welt der Visionen und Träume gegenüber. Ein durch poetische Einsicht erzeugtes Symbol, das die jenseitige Bedeutung von Phänomenen ausdrückt, die dem Alltagsbewusstsein verborgen bleiben, galt als universelles Werkzeug zum Verständnis der Geheimnisse der Existenz und des individuellen Bewusstseins. Der kreative Künstler galt als Mittler zwischen dem Realen und dem Übersinnlichen, der überall „Zeichen“ der Weltharmonie fand und prophetisch Zeichen der Zukunft sowohl in modernen Phänomenen als auch in Ereignissen der Vergangenheit erahnte.
	- (vom französischen Eindruck – Eindruck) eine Richtung in der Kunst des letzten Drittels des 19. – frühen 20. Jahrhunderts, die in Frankreich entstand. Der Name wurde vom Kunstkritiker L. Leroy eingeführt, der die Künstlerausstellung im Jahr 1874 herabwürdigte, in der unter anderem das Gemälde „Sonnenaufgang“ von C. Monet präsentiert wurde. Eindruck". Der Impressionismus bekräftigte die Schönheit der realen Welt und betonte die Frische des ersten Eindrucks und die Variabilität der Umgebung. Die vorherrschende Konzentration auf die Lösung rein bildnerischer Probleme reduzierte die traditionelle Vorstellung von der Zeichnung als Hauptbestandteil eines Kunstwerks. Der Impressionismus hatte einen starken Einfluss auf die Kunst europäischer Länder und der Vereinigten Staaten und weckte das Interesse an Themen aus dem wirklichen Leben. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley usw.)
	- eine Bewegung in der Malerei (synonym mit Divisionismus), die sich im Rahmen des Neoimpressionismus entwickelte. Der Neoimpressionismus entstand 1885 in Frankreich und verbreitete sich auch in Belgien und Italien. Neoimpressionisten versuchten, die neuesten Errungenschaften auf dem Gebiet der Optik in der Kunst anzuwenden, wonach die Malerei mit einzelnen Punkten der Primärfarben in der visuellen Wahrnehmung eine Verschmelzung der Farben und der gesamten Farbskala der Malerei ergibt. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
	Post-Impressionismus- eine bedingte Sammelbezeichnung für die Hauptrichtungen der französischen Malerei im 19. - 1. Viertel. 20. Jahrhundert Die Kunst des Postimpressionismus entstand als Reaktion auf den Impressionismus, der sich auf die Übertragung des Augenblicks, auf das Gefühl des Malerischen und das verlorene Interesse an der Form von Objekten konzentrierte. Zu den Postimpressionisten zählen P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh und andere.
	- Stil in der europäischen und amerikanischen Kunst an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Die Moderne interpretierte und stilisierte die Merkmale der Kunst verschiedener Epochen neu und entwickelte eigene künstlerische Techniken, die auf den Prinzipien der Asymmetrie, Ornamentalität und Dekorativität basierten. Auch natürliche Formen werden zum Gegenstand moderner Stilisierung. Dies erklärt nicht nur das Interesse an floralen Ornamenten in Werken der Moderne, sondern auch deren kompositorische und plastische Struktur – die Fülle an krummlinigen Umrissen, schwebenden Nerven, neuen Konturen, die an Pflanzenformen erinnern. Eng mit der Moderne verbunden ist der Symbolismus, der als ästhetische und philosophische Grundlage für die Moderne diente und auf der Moderne als plastischer Verwirklichung seiner Ideen beruhte. Art Nouveau hatte in verschiedenen Ländern unterschiedliche Namen, die im Wesentlichen synonym sind: Art Nouveau – in Frankreich, Secession – in Österreich, Art Nouveau – in Deutschland, Liberty – in Italien.
	- (von französisch modern – modern) der allgemeine Name einer Reihe von Kunstrichtungen der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, die durch die Ablehnung traditioneller Formen und Ästhetiken der Vergangenheit gekennzeichnet sind. Der Modernismus steht der Avantgarde nahe und ist das Gegenteil des Akademismus.
	- ein Name, der eine Reihe künstlerischer Strömungen vereint, die in den 1905-1930er Jahren üblich waren. (Fauvismus, Kubismus, Futurismus, Expressionismus, Dadaismus, Surrealismus). Alle diese Richtungen eint der Wunsch, die Sprache der Kunst zu erneuern, ihre Aufgaben zu überdenken und die Freiheit des künstlerischen Ausdrucks zu gewinnen.
	- Richtung in der Kunst von XIX - AD. XX Jahrhundert, basierend auf den kreativen Lehren des französischen Künstlers Paul Cezanne, der alle Formen im Bild auf einfachste geometrische Figuren und Farben auf kontrastierende Strukturen aus warmen und kalten Tönen reduzierte. Cezanne war einer der Ausgangspunkte des Kubismus. Der Cézanneismus beeinflusste in großem Maße auch die heimische realistische Malschule.
	- (von fauve – wild) Avantgarde-Bewegung in der französischen Kunst AD. 20. Jahrhundert Der Name „wild“ wurde von modernen Kritikern einer Gruppe von Künstlern gegeben, die 1905 im Pariser Salon der Unabhängigen auftraten, und war ironisch. Zu der Gruppe gehörten A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen und andere. Die Fauvisten wurden durch ihre Anziehungskraft auf lakonische Ausdruckskraft zusammengeführt von Formen und intensiven koloristischen Lösungen, die Suche nach Impulsen in der primitiven Kreativität, der Kunst des Mittelalters und des Ostens.
	- bewusste Vereinfachung visueller Mittel, Nachahmung primitiver Stadien der Kunstentwicklung. Dieser Begriff bezieht sich auf das sogenannte. naive Kunst von Künstlern, die keine besondere Ausbildung erhielten, aber Ende des 19. Jahrhunderts in den allgemeinen künstlerischen Prozess eingebunden waren. 20. Jahrhundert. Die Werke dieser Künstler – N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov und andere – zeichnen sich durch eine eigentümliche Kindlichkeit in der Interpretation der Natur aus, eine Kombination aus verallgemeinerter Form und kleinlicher Wörtlichkeit im Detail. Der Primitivismus der Form bestimmt keineswegs die Primitivität des Inhalts. Es dient oft als Quelle für Fachleute, die Formen, Bilder und Methoden aus der Volkskunst, im Wesentlichen aus der primitiven Kunst, übernehmen. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso und A. Matisse ließen sich vom Primitivismus inspirieren.
	- eine Kunstrichtung, die sich auf der Grundlage der Befolgung der Kanone der Antike und der Renaissance entwickelte. Es war in vielen europäischen Kunstschulen vom 16. bis 19. Jahrhundert üblich. Der Akademismus verwandelte klassische Traditionen in ein System „ewiger“ Regeln und Vorschriften, das die kreative Suche einschränkte und versuchte, die unvollkommene lebendige Natur mit „hoch“ verbesserten, nicht nationalen und zeitlosen Formen der Schönheit zu kontrastieren, die zur Perfektion gebracht wurden. Charakteristisch für den Akademismus ist die Bevorzugung von Themen aus der antiken Mythologie, biblischen oder historischen Themen gegenüber Themen aus dem zeitgenössischen Leben des Künstlers.
	- (französischer Kubismus, von Würfel – Würfel) Richtung in der Kunst des ersten Viertels des 20. Jahrhunderts. Die plastische Sprache des Kubismus basierte auf der Verformung und Zerlegung von Objekten auf geometrischen Ebenen, einer plastischen Formverschiebung. Die Geburtsstunde des Kubismus ereignete sich in den Jahren 1907–1908 – am Vorabend des Ersten Weltkriegs. Der unbestrittene Anführer dieser Strömung war der Dichter und Publizist G. Apollinaire. Diese Bewegung war eine der ersten, die die führenden Trends in der Weiterentwicklung der Kunst des 20. Jahrhunderts verkörperte. Einer dieser Trends war die Dominanz des Konzepts über den künstlerischen Wert des Gemäldes. J. Braque und P. Picasso gelten als die Väter des Kubismus. Fernand Leger, Robert Delaunay, Juan Gris und andere schlossen sich der entstehenden Bewegung an.
	- eine Bewegung in Literatur, Malerei und Kino, die 1924 in Frankreich entstand. Es trug wesentlich zur Bewusstseinsbildung des modernen Menschen bei. Die Hauptfiguren der Bewegung sind Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Buñuel, Joan Miro und viele andere Künstler aus aller Welt. Der Surrealismus drückte die Idee einer Existenz jenseits des Realen aus; das Absurde, das Unbewusste, Träume und Tagträume spielen hier eine besonders wichtige Rolle. Eine der charakteristischen Methoden des surrealistischen Künstlers ist der Rückzug aus der bewussten Kreativität, die ihn zu einem Werkzeug macht, das auf verschiedene Weise bizarre Bilder des Unterbewusstseins extrahiert, die an Halluzinationen erinnern. Der Surrealismus überlebte mehrere Krisen, überlebte den Zweiten Weltkrieg und gelangte nach und nach durch die Verschmelzung mit der Massenkultur, die Überschneidung mit der Transavantgarde, als integraler Bestandteil in die Postmoderne.
	- (von lat. futurum – Zukunft) literarische und künstlerische Bewegung in der Kunst der 1910er Jahre. Indem er sich selbst die Rolle eines Prototyps der Kunst der Zukunft zuschrieb, vertrat der Futurismus als Hauptprogramm die Idee der Zerstörung kultureller Stereotypen und bot stattdessen eine Apologie für Technologie und Niedrigkeit als Hauptzeichen der Gegenwart und Zukunft . Eine wichtige künstlerische Idee des Futurismus war die Suche nach einem plastischen Ausdruck der Bewegungsgeschwindigkeit als Hauptzeichen des Tempos des modernen Lebens. Die russische Version des Futurismus wurde Kubofuturismus genannt und basierte auf einer Kombination der plastischen Prinzipien des französischen Kubismus und der europäischen allgemeinen ästhetischen Installationen des Futurismus.

Stil (Richtung, Bewegung) in der Kunst ist eine historisch gewachsene Gemeinschaft künstlerischer Merkmale in einer Kunstgattung oder gleichzeitig in mehreren Künsten, die für verschiedene Epochen und Völker charakteristisch ist und durch die Einheit der ideologischen und ästhetischen Bestrebungen der schöpferischen Minderheit bestimmt wird. Gegenwärtig haben sich traditionell eine Reihe stabiler Bezeichnungen für objektiv bestehende (und bestehende) Tendenzen in der europäischen Kunst herausgebildet, deren Grundzüge jeder gebildete Mensch kennen muss. Betrachten wir in diesem Zusammenhang die grundlegende Terminologie unter Beachtung des chronologischen Prinzips.

Der romanische Stil (von lateinisch Romanus – römisch) entstand im X-XIII Jahrhundert. in Architektur und skulpturaler Dekoration. Romanische Gebäude übernehmen viele Merkmale der römischen Architektur und zeichnen sich durch ihre Einfachheit und Rationalität aus. Die Dicke und Stärke der Mauern waren das Hauptkriterium für die Schönheit des Gebäudes. Die wichtigsten architektonischen Gebäude von Romanica sind die Ritterburg und die Klosterkirche.

Der gotische Stil (vom italienischen Gotico – gotisch, barbarisch) wird hauptsächlich mit religiöser Architektur, Bildhauerei und dekorativer Kunst des 12.-14. Jahrhunderts in Verbindung gebracht. Das wichtigste gotische Bauwerk ist die Kathedrale. Gotische Kathedralen zeichnen sich durch ein Streben nach oben, zu Gott, eine organische Verbindung zwischen Architektur und Skulptur, Spitzbögen aus; Fenster mit mehrfarbigem Buntglas verziert, üppiges Dekor.

Barocker (von italienisch Barocco – seltsamer, bizarrer) Stil in Architektur, Musik, Malerei, Literatur, dekorativer Kunst des späten 16. – mittleren 18. Jahrhunderts. Es zeichnet sich durch ästhetische Affektiertheit, Reichtum an Verzierungen und meist krummlinigen Formen aus. In Musik und Literatur - Manierismus, Launenhaftigkeit, Verzierung, eine Fülle von Dekorationen. In der barocken Kunst, die in den Dienst der Religion gestellt wurde, sahen die Jesuiten ein mächtiges Instrument zur Beeinflussung der Gefühlswelt des Menschen und zur Bildung neuer Vorstellungen der Europäer über den Reichtum, die Komplexität und die Variabilität der sie umgebenden Welt.

Klassizismus (von lat. classicus – korrekt, vorbildlich) Stil und Richtung in Kunst und Literatur des 17. und frühen 19. Jahrhunderts. Dies markiert eine Rückkehr zum antiken Erbe als Norm und Idealmodell. Das wichtigste ästhetische Postulat des Klassizismus ist die Treue zur Natur, zur natürlichen Rationalität der Welt mit ihrer objektiv innewohnenden Schönheit, die sich in Symmetrie, Proportion, Maß, Harmonie ausdrückt und in der Kunst in perfekter Form nachgebildet werden muss.

Rokoko (vom französischen Rocaille – Muschel) ist ein Stil, der eine Zwischenstellung zwischen Barock und Klassizismus einnimmt. Der Stil war vor allem in Frankreich zur Zeit Ludwigs XV. beliebt und wird manchmal auch nach ihm benannt – „Stil Ludwigs XV.“ Das charakteristische Merkmal dieses Stils ist der Wunsch nach Anmut, einer Fülle an Dekor und dem Kontrast zwischen der äußeren Strenge der Gebäude und der Raffinesse ihrer Innenausstattung. Er drückte sich am deutlichsten in Architektur, Malerei sowie dekorativer und angewandter Kunst aus.

Der Sentimentalismus (vom französischen Sentiment – Gefühl) ist eine künstlerische Bewegung der zweiten Hälfte des 18 Zeitalter der Erleuchtung. Ideologisch geht der Sentimentalismus auf die berühmte Aussage von J.J. zurück. Rousseau „Die Vernunft kann Fehler machen, aber das Gefühl nie!“ Der Sentimentalismus hat keine eigene Ästhetik entwickelt und ist vielmehr ein besonderer Geisteszustand, melancholisches Tagträumen, eine Tendenz zur Einsamkeit und eine erhöhte Sensibilität. Sein Credo ist die Ablehnung jeglicher Raffinesse und Verderbtheit, der sogenannten. "Zivilisierte Gesellschaft.

Die Romantik ist eine breite ideologische und künstlerische Bewegung in der Weltkultur, die alle Arten von Kunst und Geisteswissenschaften im späten 18. und frühen 20. Jahrhundert umfasst. Die Romantik war eine Reaktion auf die Ergebnisse der Großen Französischen Revolution, die den kapitalistischen „Fortschritt“ und den Geist des universellen Handels kennzeichnete.

Das Credo der Romantik ist „ein atypischer Held in atypischen Umständen“. Die Romantiker stellten Utilitarismus und Depersonalisierung des Individuums dem Streben nach grenzenloser Freiheit und dem Pathos persönlicher und bürgerlicher Unabhängigkeit gegenüber.

Realismus (von lat. realis – echt, real) ist ein Stil, der den Fokus auf die Darstellung des Lebens in den Lebensformen selbst geprägt hat – „ein typischer Held in typischen Umständen“. Als schöpferische Methode manifestierte sich der Realismus im 19. Jahrhundert am deutlichsten und fand vor allem in der Malerei und Literatur seinen Niederschlag.

Naturalismus (von lateinisch Natura – Natur) ist eine kreative Bewegung, die im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts entstand. unter dem Einfluss der Philosophie des Positivismus von O. Comte und G. Spencer. Die Ästhetik des Naturalismus, die die Prinzipien des Positivismus in die Sphäre der Kunst übertrug, basierte auf der Position, dass der Künstler die Welt um ihn herum ohne jegliche Ausschmückung, Typisierung, Konventionen und Tabus, mit maximaler Objektivität widerspiegeln muss. Vertreter des Naturalismus behaupteten, „alle Einzelheiten“ über einen Menschen zu erzählen und dabei den biologischen Aspekten seines Lebens besondere Aufmerksamkeit zu schenken. Eine extreme Manifestation des Naturalismus, die bereits über die Grenzen der Kunst hinausgeht, sind verschiedene Arten von Pornoprodukten, Darstellungen der „schmutzigen“ Seiten des Lebens und Gewaltszenen, die im Volk die treffende Bezeichnung „Chernukha“ erhalten haben.

Der Modernismus (von französisch Moderne – neu, modern) ist eine Reihe ästhetischer Schulen und Bewegungen des späten 19.-20. Jahrhunderts. (Kubismus, Futurismus, Expressionismus, Konstruktivismus, Fauvismus, Dadaismus, Abstraktionismus usw.), die sich der Kunst der Vergangenheit widersetzen und einen neuen Ansatz zur Darstellung der sozialen Existenz vertreten.

Postmodernismus – (gegründet in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts). Es handelt sich um eine besondere Art von Weltanschauung, die sich auf die Bildung eines Lebensraums konzentriert, in dem alle Arten von Normen und Traditionen geleugnet werden und die Hauptwerte Freiheit in allem, Spontaneität der Aktivität, Verspieltheit, kulturelle Orientierung, hin zur „Dekonstruktion“ sind. , „Dezentralisierung“, Verabsolutierung der „Neuheit“.

Malstile sind ein sehr weites Thema, man könnte sagen ewig. Menschen verwenden oft Begriffe, die sie nicht vollständig verstehen, was zu Verwirrung und Verwirrung führt. Deshalb möchte ich Ihnen kurz und anschaulich alles erzählen, was ich über Trends in der Malerei weiß. Um den Artikel nicht zu einer langweiligen Geschichtsstunde zu machen, werde ich kurz und bündig auf die heute beliebtesten und relevantesten Bereiche eingehen. Malstile mit Illustrationen sind eine bequeme und schnelle Möglichkeit, sich mit den wichtigsten Trends in der bildenden Kunst vertraut zu machen.

gotisch

„Altar der Familie Merode.“ Robert Campin. 1430er Jahre.

gotisch ist eine Kunstbewegung, die alle Länder West- und Mitteleuropas erfasst hat. Damals gab es in allem Gotik – in der Bildhauerei, Malerei, Glasmalerei usw. es wurde überall dort eingesetzt, wo es möglich war, es kam zu einem „Kulturboom“. Diese Popularität ist auf den jüngsten Schritt in der Entwicklung der mittelalterlichen Kunst zurückzuführen. Das Zentrum und Hauptmerkmal des gotischen Stils war die Architektur – hohe Bögen, Buntglasfenster, viele Details. Die Römerzeit konnte einem solchen Ansturm nicht standhalten und blieb am Rande der Geschichte.

Jahre: 1150 - 1450.
Bartolo di Fredi, Giotto, Jan Polak, Jan van Eyck.

Renaissance (Renaissance)

„Büßende Maria Magdalena.“ Tizian. 1560er Jahre.

Renaissance entstand aus dem Untergang des Byzantinischen Reiches und dem kulturellen Umbruch, der sich zu diesem Anlass in Europa ereignete. Die zur Flucht gezwungenen Byzantiner brachten neben kulturellen Bindungen auch Kunstwerke und Bibliotheken in die Länder Europas. Es kam also zu einer Art Wiederbelebung alter Ansichten, allerdings auf moderne Weise. Im Laufe der Jahre wurden viele Punkte überarbeitet und in Frage gestellt. Im Allgemeinen herrschten säkularer Humanismus und Wohlstandsideen.

Jahre: 1400 - 1600.
Hieronymus Bosch, Leonardo da Vinci, Tizian.

Barock

„Judith und Holofernes.“ Caravaggio. 1599

Barock— Das europäische Kulturerbe kommt aus Italien. Charakterisiert ironische, bösartige Schönheit, unnatürlichen Elitismus und Anmaßung. Die charakteristischen Merkmale solcher Gemälde sind hoher Kontrast, Handlungsspannung und bis an die Grenzen ausgereizte Charakterdynamik. Als Inbegriff des Barock gilt die in Rom gelegene Kirche Santa Maria della Vittoria.

Jahre: 1600-1740.
Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Jan Vermeer.

Klassizismus

„Die Barmherzigkeit des Scipio Africanus.“ Pompeo Batoni. 1772

Klassizismus spielte als grundlegende Bewegung in der Malerei des 18. Jahrhunderts eine große Rolle in der Kunst. Alles wird aus dem Namen selbst deutlich (lateinisch classicus bedeutet vorbildlich, vorbildlich).
Die Künstler setzten sich zum Ziel, den Betrachter in die Höhe zu führen, und ihre Bilder waren ein Leitstern. Hohe Moral, zurückhaltende Kultur und traditionelle antike Werte wurden zur Grundlage des Klassizismus. Während der Ära des Klassizismus kam es in Europa zu einem kulturellen Wachstum und einer Neubewertung der Werte, die Kunst erreichte ein völlig anderes Niveau.

Jahre: 1700 - 1800.
Karl Bryullov, Jean-Baptiste Greuze, Poussin Nicolas.

Realismus

„Wandernde Akrobaten“ Gustave Dore. 1874

Realismus versucht mit größter Authentizität die Stimmung des Augenblicks, einen Moment der Realität auf die Leinwand zu übertragen. Aber wiederum sind keine klaren Grenzen gesetzt; die einzigen Regeln sind, dass es im Bild keinen Platz für Dinge geben darf, die den Realismus ausschließen. Bei Experimenten Ende des 18. Jahrhunderts wurde dieser Stil in Naturalismus und Impressionismus unterteilt. Aber der Realismus hat überlebt und erfreut sich auch in der modernen Malerei großer Beliebtheit.

Jahre: 1800 - 1880.
William Bouguereau, Gustave Courbet, Jean-François Millet.

Impressionismus

"Eindruck. Aufgehende Sonne". Claude Monet. 1872

Impressionismus Ursprünglich stammt dieses Konzept aus Frankreich und wurde von Louis Leroy eingeführt. Die Impressionisten, die in diesem Stil arbeiteten, wollten einen zweiten Eindruck von jedem Objekt oder Moment, den sie malten, im Hier und Jetzt einfangen, unabhängig von Form und Bedeutung. Die Bilder zeigten ausschließlich positive und helle Momente und Augenblicke. Doch später kam es auf dieser Grundlage zu Meinungsverschiedenheiten unter den Impressionisten; im Laufe der Zeit traten Meister auf, die sich von sozialen Problemen, Hunger und Krankheiten beeindrucken ließen. Der Impressionismus ist jedoch ein freundlicher und positiver Malstil, der gute und helle Momente zeigt.

Jahre: 1860 - 1920.
Claude Monet, Edouard Manet, Edgar Degas.

Post-Impressionismus

„Selbstbildnis mit grauem Filzhut III.“ Vincent van Gogh. 1887

Post-Impressionismus beinhaltet viele verschiedene Stile und Techniken. Europäische Meister mit neuen Ansichten zur Malerei brachten neue Trends hervor und versuchten aktiv, sich vom damals langweiligen Impressionismus und Realismus zu lösen.

Jahre: 1880 - 1920.
Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Roderick O'Conor.

Pointillismus

„Rio San Trovaso. Venedig". Henri Edmond Cross. 1904

Pointillismus(Punkt - Punkt) - eine Stilrichtung in der Malerei, die derselbe Impressionismus ist, nur in einer anderen Hülle. Anstelle gezackter Striche wurden gepunktete oder rechteckige Formen verwendet. Außerdem verzichteten die Künstler darauf, Farben auf der Palette zu mischen; stattdessen wurden reine Farben auf die Leinwand aufgetragen und direkt auf der Leinwand gemischt, ohne sich gegenseitig zu berühren.

Jahre: 1885 - 1930.
Henri Edmond Cross, Georges Seurat, Paul Signac.

Modernismus

„Schmetterlinge hautnah.“ Odilon Redon. 1910

Der Modernismus ist ein gemeinsames Merkmal aller Genres und Stile der Malerei von 1850 bis 1950. Umfasst Tendenzen in der Malerei wie Impressionismus, Expressionismus, Neo- und Postimpressionismus, Fauvismus, Kubismus, Futurismus, abstrakte Kunst, Dadaismus, Surrealismus und viele andere. Die Existenz dieser Stile markiert die völlige Abkehr der bildenden Kunst vom Akademismus. Nach dem Verlassen des Akademikertums wurde es fast unmöglich, den Überblick über alle Trends und Stile zu behalten, die sich herausgebildet haben und noch immer herausbilden.

Jahre: 1850 - 1950.
Salvador Dali, Kasimir Malewitsch, Auguste Renoir und viele andere.

Akademismus

Akademismus- eine Kunstrichtung, die den Regeln und Bräuchen der Antike und Renaissance folgt. Der Akademismus versucht, klare Grundlagen und Grenzen festzulegen und schließt Fantasie und kreative Flucht aus. Stattdessen liegt der Schwerpunkt auf der Verbesserung der Mängel, der „Rauheit“ der Natur – dem Verbergen oder Beseitigen. Die Verbesserung der Realität hin zu einer schönen Wahrnehmung ist die Essenz des Akademismus. Die Handlungsstränge sind häufig der antiken Mythologie entnommen, auch biblische und historische Motive werden verwendet.

Jahre: 1500 – heute.
Karl Bryullov, William Bouguereau, Fjodor Bruni.

Primitivismus

„In der Küche“ Epifaniy Drovnyak. 1940~

Primitivismus- ein Gemälde bewusst so stark vereinfachen, dass es aussieht, als wäre es das Werk eines Kindes. Verschiedene Volkszeichnungen und Illustrationen können dem Primitivismus zugeschrieben werden. Nur auf den ersten Blick wirken die Bilder einfach und absurd. Doch wer genau hinschaut, erkennt die richtigen Proportionen und die Einhaltung der Horizont- und Kompositionsregeln. Die meisten der berühmten Meister des Primitivismus und der naiven Kunst waren große Bewunderer der Geschichte ihres Volkes und ihrer Kultur. Deshalb sind alle ihre Gemälde reich an den Farben der Gegend, in der sie lebten. Heute hat sich dieses Genre in eine naive Kunst verwandelt, oft mit einer Beimischung von Symbolik. Dies liegt daran, dass der moderne Betrachter nicht bereit ist, den Primitivismus in seiner reinen Form wahrzunehmen.

Jahre: 1900 - heute.
Epiphany Drovnyak, Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili.

Kubismus

„Sitzende Frau in blauem Kleid.“ Pablo Picasso. 1939

Kubismus ist eine Bewegung der Moderne, die oft in Verbindung mit Malerei und bildender Kunst verwendet wird. Die Meister unterteilten ihre Motive in geometrische Formen und gaben jedem einzigartigen Element einen eigenen dichten Sektor.

Jahre: 1906 - 1925.
Pablo Picasso, Fernand Léger, Robert Delaunay.

Surrealismus

"Die Beständigkeit der Erinnerung". Salvador Dalí. 1931

Der Surrealismus vermischt Träume mit der Realität. In diesem Stil ließen Künstler ihre Träume nach außen dringen, indem sie Bilder aus dem wirklichen Leben miteinander vermischten und unvereinbare Dinge kombinierten. Auch persönliche Traumthemen wurden angesprochen – Ängste, geheime Wünsche, unbewusste Fantasien, Komplexe. Alles, was ein Mensch in seinen Träumen sehen kann. Heutzutage kopieren Surrealisten die äußere Hülle und verwenden nur schöne Formen, ohne ihnen die Bedeutung zu verleihen, die für die Meister der Vergangenheit charakteristisch war.

Jahre: 1920 – heute.
Salvador Dali, Max Ernst, René Magritte.

Abstraktionismus

„Gelb rot blau.“ Wassily Kandinsky. 1925

Abstraktionismus- eine Richtung in der Kunst, in der die Darstellung der Realität und die Korrektheit der Formen abgelehnt wurden. Das Hauptziel besteht darin, viele bunte Formen darzustellen, die zusammen die Geschichte des Gemäldes erzählen können. Russland und Amerika gelten als Geburtsstätte der abstrakten Kunst.

Jahre: 1910 – heute.
Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch, Piet Mondrian.

Expressionismus

"Schrei." Edward Munch. 1893

Expressionismus stellt sich eine einzige Aufgabe: zu vermitteln, was der Autor des Bildes zum Zeitpunkt seiner Entstehung empfand. Künstler dieser Stilrichtung wollen sich und ihre Gefühle ausdrücken, weshalb der Expressionismus den Antipoden des Impressionismus darstellt, bei dem der Ausdruck einer rein äußeren Hülle im Vordergrund steht. Expressionisten zeichnen sich durch eine Tendenz zu Mystik, Pessimismus und Verzweiflung aus.

Jahre: 1890 – heute.
Egon Schiele, Karl Eugen Kehl, Jerzy Hulewicz.

Pop-Art

„Grüne Coca-Cola-Flaschen.“ Andy Warhole. 1962

Pop-Art– Ein moderner Kunststil, der Symbole der Populärkultur und Konsumgüter verwendet. Moderne Technologie half dabei, Objekte zu manipulieren und zu kombinieren, weshalb Pop-Art von den Torwächtern der alten Schule oft kritisiert wurde. Im Laufe der Zeit hat die Pop-Art viele Trends in der Malerei übernommen.

Jahre: 1950 - 1980.
Andy Warhol, David Hockney, Robert Rauschenberg.

Minimalismus

Groß-Kairo. Frank Stella. 1962

Minimalismus sollte den Eingriff des Autors in die Umgebung minimieren. Minimalismus bezeichnet nur die wichtigsten Punkte. Seine Ursprünge liegen im Konstruktivismus, Suprematismus und Dadaismus. Aufgrund der übermäßig minimalistischen Ansichten einiger Autoren dieses Stils handelt es sich um ein sehr kontroverses Genre der Malerei. Heutzutage verändern sich minimalistische Trends in der Malerei extrem schnell.

Jahre: 1960 – heute.
Frank Stella, Carl Andre, Sol LeWitt.

Hyperrealismus

„Früchte“. Jacques Bodin. 2016

Hyperrealismus erschien im Zusammenhang mit der Popularisierung der Fotografie; Künstler waren daran interessiert, mit Fotografen zu konkurrieren. Hyperrealisten schaffen eine alternative Realität, eine realistische Illusion.

Jahre: 1970 – heute.
Gnoli, Gerhard Richter, Delkol.

Das sind alle Richtungen in der Malerei

Das ist alles, was ich zu diesem Thema sagen konnte und wollte 😉 Tatsächlich gibt es in der Malerei noch viel mehr Richtungen, und diese werden im wahrsten Sinne des Wortes jeden Tag unbeabsichtigt weiterentwickelt. In diesem Artikel wollte ich über die beliebtesten und einflussreichsten sprechen. Wenn Ihnen das Material gefallen hat, teilen Sie es in sozialen Netzwerken, lassen Sie uns gemeinsam Kunst entwickeln. Ich danke euch allen für eure Unterstützung!

Die triumphale Rückkehr eines Filmklassikers; digitale Revolution, benannt nach Andy Warhol und andere interessante Dinge, die in der Welt der bildenden Künste passieren

Zeitgenössische Kunst ist nicht mehr modern. Die zeitgenössische Kunst mit all ihren postmodernen Tricks wurde vor einem Jahrhundert erfunden.

Gehäutete Kuhkadaver, Video-Performances – zunächst war es spannend, doch es stellt sich die Frage, wie es weitergeht. Wird es den Künstlern gelingen, sich etwas noch Abstrakteres und Unverständlicheres einfallen zu lassen als Kasimir Malewitschs Quadrat und Jackson Pollocks Spritzer?

Anders denken,– riet der bekannte Banksy. Neue Trends in der Kunst und auf dem Kunstmarkt kamen aus einer unerwarteten Richtung.

Trend Nr. 1.

Gemälde: Rückkehr zum Thron

Kritikern zufolge war das Gemälde kürzlich „ausgestorben“ und wurde durch andere Kunstarten ersetzt – Videokunst, Installation … Ende der 2000er Jahre änderte sich die Situation radikal: Das Gemälde wurde als Genre wiederbelebt.

Die Grenze zwischen bildender Kunst („schöne Kunst“, altmodisch mit Pinsel auf Leinwand gemacht) und zeitgenössischer Kunst (mit ihrem bewussten Wahnsinn und Non-Formismus) ist plötzlich irgendwo verschwunden.

Das Publikum und vor allem die Künstler selbst vermissten die Gemälde im herkömmlichen Sinne schrecklich. Und es stellt sich heraus, dass hier noch nicht alles gesagt ist.

Um jedoch auf dem gigantischen, übersättigten Kunstmarkt Aufmerksamkeit zu erregen, muss das Gemälde wirklich talentiert sein.

Die tschechischen Künstler Svetlana Kurmaz und Alexander Sokht sind leuchtende Vertreter des neuen Trends. In Europa und den USA berühmt, sind sie in Russland nahezu unbekannt, obwohl sie aus der Region Krasnodar stammen.

Das Paar ist vor langer Zeit nach Prag ausgewandert. Ziemlich schnell erlangte ihre Arbeit in der westlichen Gemeinschaft Erfolg.

Russische Auswanderer mit einem schwierigen Schicksal werden jetzt von Teilnehmern renommierter Kunstmessen und Biennalen auf der ganzen Welt in die Liste der begehrtesten Pools aufgenommen.

Nicht zuletzt dank der neuen Herangehensweise an die Führung des Kunstgeschäfts – deshalb beleuchten wir anhand ihres Beispiels die neuesten Trends.

Ich möchte in meinem eigenen Namen sagen: Ich bin kürzlich auf die brillanten Werke von Kurmaz und Sokhta gestoßen und möchte Sie ohne zu zögern ermutigen, sich damit vertraut zu machen. Es hat es auf jeden Fall verdient.

Trend Nr. 2.

Schnittstellenrevolution: Wenn Sie auf einem Tablet zeichnen, erhalten Sie ein Öl auf Leinwand.

Der weit verbreitete Einsatz der iPad-Mechanik hat die Technologie zur Erstellung von Gemälden erheblich beeinflusst. Beliebt ist beispielsweise der Diasec-Frontdruck: Nach einem dem Fotodruck ähnlichen Prinzip wird Farbe auf Acryl aufgetragen.

Nadezhda Voronina, Kunstkritikerin:

- Alexander Sokht erstellt seine Werke in Grafikprogrammen, die er dann auf Leinwand, Papier oder Diasec überträgt. Auf diese Weise tragen innovative Techniken zur Weiterentwicklung der kreativen Methode bei.

Trend Nr. 3.

Demokratisierung des Kunstmarktes: Kunst wird heute nicht mehr von gelangweilten Millionären, sondern von einfachen Studenten und Hausfrauen gesammelt.

Erstaunliche Tatsache: Ein Originalwerk eines berühmten Meisters kann mittlerweile weniger als 100 US-Dollar kosten. Das europäische Publikum hat die Freuden des Art Shopping bereits ausprobiert und kauft massenhaft Werke von Zeitgenossen auf.

Die Demokratisierung der Preise für hohe Kunst wird besonders am Beispiel des langfristigen Erfolgs der größten internationalen Messe deutlich AAF(Erschwingliche Kunstmesse, „erschwingliche Kunstmesse“)

Das wichtigste Kriterium für die Auswahl der Werke ist für die Veranstalter der Preis: Er sollte die Preisobergrenze für Menschen mit durchschnittlichem Einkommen nicht überschreiten.

Das Marketing im Zeitalter von Copy-Paste und Re-Posting hat Warhols Ideen eine neue Bedeutung verliehen: Das Gemälde kann nun in mehreren Versionen und zu unterschiedlichen Preisen hergestellt werden.

Zum Beispiel sind die Werke derselben Kurmaz und Sokhta überhaupt nicht billig. Aber sie haben eine Strategie entwickelt, die es ihnen ermöglicht, drei verschiedene Preispunkte zu erobern.

Die Barrierefreiheitsstrategie wird durch die Veröffentlichung limitierter Auflagen der Originale des Autors auf Papier und Leinwand erreicht.

Das heißt, ein Werk kann in fünf Exemplaren existieren, jedes davon ist jedoch ein Original, was durch ein internationales Zertifikat bestätigt wird.

Trend Nr. 5.

Galerien werden mittlerweile nicht mehr von Galeristen, sondern von den Künstlern selbst eröffnet.

Der wichtigste Trend: Die persönliche Galerie der Künstler wird zum zentralen Ort der Interaktion zwischen den Teilnehmern des Kunstmarktes. Dies ist die gleiche fortgeschrittene Formation wie ein kleiner Laden, in dem der Besitzer selbst hinter der Theke steht.

Nadezhda Voronina, Kunstkritikerin

- Im Zentrum von Prag haben Kurmaz und Sokhta ihre eigene Galerie, die geschaffen wurde, um sich selbst auszustellen. Vielleicht ist dies eine der erfolgreichsten Möglichkeiten für eine moderne Galerie, die Kunst ausstellt und verkauft, da hier alles Notwendige zusammenkommt – ein klares Konzept, Ziele und Vorgaben des Künstlers. Dies ist die Art von Galerie der Zukunft, denn in der modernen Kunst ist alles vereinfacht.

In diesem Fall funktionieren die Mechanismen von Facebook und Twitter. Die direkte Kommunikation zwischen dem Autor und Kennern seines Werkes wird zu einer vorteilhafteren Strategie als die Kommunikation über Agenten und Käufer.