Imperij, klasicizem, barok in drugi slogi: skupne značilnosti in razlike. razlika med barokom in klasicizmom

Ko govorimo o 17. stol. kot literarne dobe nikakor ne mislimo na koledarski okvir: nekatere nove umetniške smeri se razglašajo že v konec XVI stoletja, drugi se, nasprotno, pojavijo šele v 20. letih.

naslednje stoletje. Od približno 90. 17. stoletje

takih družbenih in kulturnih procesov, ki ga lahko pripišemo novi fazi - dobi razsvetljenstva. Vendar, čeprav je nemogoče pokazati na točen, en sam kronološki mejnik, od katerega renesansa preneha obstajati in se pojavi novo obdobje kulturna doba, ki sledi renesansi, se začne prav z izostrenim občutkom spremenjenega časa, sveta in človeka: srednjeveško civilizacijo nadomešča civilizacija novega časa. V tem obdobju se po mnenju strokovnjakov sodoben človek začne veliko bolj jasno in bolj prepoznavati kot prej. Številne navade, ki jih poznamo, gospodinjski predmeti, oblačila so se prvič pojavile v 17. stoletju: na primer, v tem obdobju so ljudje začeli uporabljati okenska stekla; prvič so vilice vključene v število jedilnega pribora; tradicionalni ravni podplat v ženskih čevljih nadomešča izumljena inovacija - peta. Prav v tem stoletju se po besedah ​​enega od zgodovinarjev zgodi prelom s starodavno prehranjevalno tradicijo: hrana postane enostavnejša in hkrati bolj raznolika, kava in čaj, ki sta prej neznana ali malo znana, postaneta navada.

Toda sodobni človek se prepozna v kulturi 17. stoletja. ne le s temi znaki, ampak morda še bolj - z občutkom kompleksnosti in protislovnosti življenja, njegove globoke dramatike. Optimistične upe o transformativnih zmožnostih renesančnega uma zamenja zaskrbljujoč občutek disharmonije bivanja, nedoslednosti in krhkosti človeka - »razmišljujočega trsta«, po besedah ​​francoskega filozofa Pascala v 17. stoletju. je bilo burno in turbulentno obdobje v zgodovini Zahodna Evropa. To je čas, ko se nadaljujejo verski spopadi med katoličani in protestanti in se krepi protireformacija, ko se konča buržoazna revolucija na Nizozemskem, ko so številne evropske države vpletene v dolgotrajno tridesetletno vojno, še posebej uničujočo za Nemčijo, kjer potekale glavne sovražnosti, to tragični konflikt(leta 1648) se je tako kot v Angliji začela meščanska revolucija, v Franciji pa gibanje Fronde, ki je nasprotovalo absolutizmu. Čeprav torej 17. stoletje pogosto imenujemo stoletje absolutizma, vzpostavljanje bolj ali manj stabilnih monarhičnih držav, proces oblikovanja narodov v tem obdobju ni minil neboleče, nasprotno, bilo je težko in protislovno.

Vendar kot v nasprotju s protislovnim in nestanovitnim bitjem, osebo XVII stoletje temelji na razumu: to je doba hitrega razvoja fizikalnih in matematičnih znanosti, čas znanstvene revolucije, ki so jo izvedli znani znanstveniki, kot so Kepler, Galileo, Descartes, Newton. In vendar najbriljantnejši rezultati znanstvenih raziskav v tem obdobju niso odpravili, ampak še bolj zaostrili občutek neznanja - skrivnosti notranjega človeško življenje. Kot je zapisal neki nizozemski pesnik: »Želimo razumeti vsoto znanja!

/Žal! Ne moreš priti vase." Pogled na svet in nase človeka 17. stoletja, človeka sodobnega časa, je bil bolj trezen in zagrenjen kot v obdobju renesanse. Vesela, optimistična vera v svoje sposobnosti, zaupanje v harmonijo vesolja tu nima mesta. Človeški um je razumljen kot precej zvest in subtilen, a edini in krhek instrument znanja. Zato so bili uspehi znanosti združeni s skepticizmom, zaupanje je bilo ob boku dvoma, racionalnost je nasprotovala čustvenosti in na splošno je videz tega obdobja kot celote določal protislovno je začel prijatelj.

Kompleksen, sebi podoben čas se pojavlja v delih tako različnih, a enako velikih umetnikov, kot sta Rembrandt in Velasquez, glasbenikov, kot sta Schutz in Lully, pisateljev, kot sta Calderoy in Molière, Milton in Corneille, filozofov, kot sta Descartes in Pascal. Protislovja so osnova umetniških in literarnih del tistega časa. Umetniški videz dobe določata dve glavni nasprotujoči si smeri: barok in klasicizem. V teh definicijah samih je že izrazit kontrast: če je barok -. beseda nejasnega izvora, ki ima več pomenov in se uporablja v več jezikih, mimogrede, se je dolgo uporabljala v pomenu "neokusen, čuden, bizaren", potem je klasicizem beseda, ki je prišla iz latinščine in pomeni " zgledno«. Za dolgo časa kritiki so tako dojemali baročno in klasično literaturo: prvo - kot "napačno", literaturo "slabega okusa", drugo - kot "pravilno", "popolno". Toda sodobni estetski okusi so veliko bolj tolerantni in raznoliki.

Bralci so se naučili ceniti baročno muhavost, nenavadnost in jasnost, harmonijo klasicizma. Še več, v obeh primerih se soočamo z estetsko reakcijo na krizo optimističnih renesančnih predstav o človeku in svetu.

Baročna umetnost in literatura sta skušali posredovati v umetniške podobe nedoslednosti in disharmonije človeškega življenja in zato ni dosegel določenega rezultata, temveč kompleksnost. Baročna literatura se ne boji poudarjati možnosti različnih interpretacij podob.

Baročni slog ljubi metaforo, ki temelji na zbliževanju različnih predmetov, nepričakovano in paradoksalno zbliževanje. Obstaja nekaj podobnosti s srednjeveškim umetniška vizija: svet je tako rekoč razdeljen na dvoje, na tragično in komično, na vzvišeno in nizko, na telesno in duhovno. Baročna literatura prinaša občutek minljivosti življenja, ki ga dojemamo kot iluzijo, kot sanje. Človek se nenehno sprašuje o vsem, ali spi ali je buden, ali opazuje resničen ali navidezen pojav, vidi obraz ali masko. Baročne metafore - svet-iluzija, svet-sanje - se združujejo z vrsto drugih enako pomembnih: svet-gledališče, svet-knjiga. Okoliška resničnost tukaj se pojavlja kot ogromna enciklopedija simbolov in emblemov; v pojavih in predmetih najdemo skriti alegorični pomen in nosi poučevanje, vzgojo, vendar baročna literatura ne uči neposredno, temveč s čustvenim vplivom - navdušenjem, presenečenjem. Od tod ljubezen baročnih pisateljev do nenavadnih podob, do izvirnosti.

Med najpomembnejšimi evropskimi baročnimi pisci so španski dramatik P. Calderon, italijanska pesnika Marino in Tasso, angleški pesnik D. Donne, francoski romanopisec O. d'Yurfe in nekateri drugi. Klasicizem 17. stoletja, pa tudi barok, sta skušala z urejenostjo umetnosti nasprotovati splošnemu občutku nestalnosti in kaotičnosti bivanja.

V pravilih in predpisih estetska ustvarjalnost klasicisti so videli sredstvo za preseganje protislovij stvarnosti. Razglašeno je bilo načelo verodostojnosti, vendar to načelo ni bilo razumljeno kot brezumetno resničen prikaz življenja, temveč kot poustvarjanje čudovite narave, »zgrajene po zakonih matematike« (Galileo). Hkrati je bil klasicizem usmerjen v svojevrstno tekmovanje. z antiko: umetnost klasične antike je bila dojeta kot primer natančnega upoštevanja neomajnih zakonov umetnosti.

V nasprotju z željo po kompliciranju podobe in sloga, značilnega za barok, klasicizem želi doseči preprostost in jasnost. Kompleksni pojavi realnosti se tako rekoč razgradijo na enostavnejše; tragično in komično, visoko in nizko ne trčijo v eno samo protislovno podobo, kot v baroku, ampak so ločeni glede na različne žanre. Za "visoke" žanre so veljali tragedija, oda, ep, za "nizke" - komedija, basna, satira. Visoki žanri običajno so se obračali na starodavne mitološke zaplete, slikali sublimno junaške situacije, v katerih so delovali plemeniti junaki. Komični žanri odražali sodobnost, njihovi liki so bili bolj demokratični. Toda oba sta si zadala nalogo »poučevati in zabavati« po zapovedi starodavnega pesnika Horacija.

Oba sta ubogala določena pravila, še posebej strogi za dramske zvrsti: zahtevali so spoštovanje enotnosti kraja, enotnosti časa, enotnosti dejanja. Klasicizem je posvečal veliko pozornost teoriji umetnosti, v stoletju je nastalo kar nekaj razprav o poetiki klasicizma. Najbolj znana med njimi je bila pesniška razprava N. Boileauja "Pesniška umetnost". Najbolj znani klasicisti XVII. - dramatika Corneille in Racine v Franciji, Ben Johnson v Angliji, nemški pesnik M. Opitz.

Barok in klasicizem sta se razvijala neenakomerno in v stoletju (v prvi polovici stoletja je prevladoval barok, v drugi klasicizem), v vsaki državi različno. Torej, v Španiji je seveda prevladoval barok, v Franciji - klasicizem. Toda poleg tega, da so si ti trendi nasprotovali, so včasih plodno sodelovali tudi v delu enega pisatelja - na primer angleški pesnik Milton, avtor pesmi "Izgubljeni raj", velja za primer baročnega klasicističnega pesnika. Resnično življenje literatura 17. stoletja ni bila shematična, razkriva bogastvo umetniških stremljenj in raznolikost kreativni posamezniki. N.P.

V dobi klasicizma, ki je sledila baroku, se je vloga kontrapunkta zmanjšala (čeprav se razvoj umetnosti kontrapunkta ni ustavil) in v ospredje je stopila homofona struktura glasbenih del. V glasbi je manj okraskov. Dela so se začela nagibati k jasnejši strukturi, zlasti tista, ki so bila napisana v sonatni obliki. Modulacije (menjava ključa) so postale strukturni element; dela so se začela poslušati kot popotovanje, polno drame skozi sosledje tipk, serijo odhodov in prihodov do tonike. Modulacije so bile prisotne tudi v baročni glasbi, vendar niso imele strukturne funkcije. V delih klasične dobe so se v enem delu dela pogosto razkrila številna čustva, medtem ko je v baročni glasbi en del nosil eno, jasno izrisano občutje. In končno, v klasičnih delih je bil običajno dosežen čustveni vrhunec, ki je bil razrešen do konca dela. V baročnih delih je po dosegu tega vrhunca vse do zadnje note rahel občutek glavnega čustva. Množica baročnih oblik je bila izhodišče za razvoj sonatne oblike, ki je razvila številne različice osnovnih kadenc.

Žanri baroka

Baročni skladatelji so delovali v različnih glasbene zvrsti. Opera, ki se je pojavila v času pozne renesanse, je postala ena glavnih baročnih glasbenih oblik. Spomnimo se lahko del mojstrov žanra, kot so Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel, Claudio Monteverdi in drugi. Oratorijska zvrst je dosegla vrhunec v delih J. S. Bacha in Händla; opere in oratoriji so pogosto uporabljali podobne glasbene oblike.

Oblike sakralne glasbe, kot sta maša in motet, so postale manj priljubljene, vendar so obliki kantate posvetili pozornost številni protestantski skladatelji, vključno z Johannom Bachom. Razvile so se tako virtuozne oblike skladanja, kot so tokate in fuge. Instrumentalne sonate in suite so bile napisane tako za posamezne instrumente kot za komorne orkestre. Žanr koncerta se je pojavil v obeh oblikah: za en inštrument z orkestrom in kot concerto grosso, v katerem je majhna skupina solističnih inštrumentov v nasprotju s celotno zasedbo. Sijaj in sijaj številnih kraljevih dvorov so dodala tudi dela v obliki francoske uverture s kontrastnimi hitrimi in počasnimi deli.

Skladbe za klaviature so skladatelji pogosto pisali za lastno zabavo ali kot učno gradivo. Takšna dela so zrele skladbe J. S. Bacha, splošno priznane intelektualne mojstrovine baročne dobe: Dobro temperirani klavir, Goldbergove variacije in Umetnost fuge.

Baročno glasbo delimo na tri obdobja: zgodnjo baročno glasbo (1600-1654), zrelo baročno glasbo (1654-1707) in poznobaročno glasbo (1707-1760).

Glasba zgodnjega baroka

Ustvarjanje njegovega recitatorskega sloga italijanskega skladatelja Claudia Monteverdija (1567-1643) in dosleden razvoj italijanske opere lahko štejemo za pogojno prehodno točko med baročno in renesančno dobo. Začetek opernega uprizarjanja v Rimu in še posebej v Benetkah je že pomenil prepoznavnost in širjenje nove zvrsti po vsej državi. Vse to je bil le del širšega procesa, ki je zajel vse umetnosti, še posebej jasno pa se je manifestiral v arhitekturi in slikarstvu. Renesančni skladatelji so posvečali pozornost izdelavi vsakega dela glasbenega dela, pri čemer so malo ali nič pozornosti posvečali jukstapoziciji teh delov. Vsak del posebej bi lahko zvenel odlično, vendar je bil harmonični rezultat dodatka bolj stvar naključja kot pravilnosti. Pojav generalnega basa je nakazal bistveno spremembo glasbenega mišljenja – namreč, da je harmonija, ki je »seštevanje delov v eno celoto«, enako pomembna kot melodični deli (polifonija) sami po sebi. Harmonsko mišljenje je obstajalo tudi pri nekaterih skladateljih prejšnje dobe, na primer pri Carlu Gesualdu, v baroku pa je postalo splošno sprejeto. Dodati je treba, da je izraz "harmonija" tukaj uporabljen v pomenu "združevanje zvokov v sozvočja in njihovo pravilno zaporedje", to je hierarhična, akordična, tonska harmonija. Pomembna osebnost zgodnjega baroka, ki je bila na strani katolicizma, ki je nasprotovala naraščajoči ideološki, kulturni in javni vpliv protestant, je bil Giovanni Gabrieli. Njegova dela pripadajo slogu "visoke renesanse" (razcvet renesanse). Vendar pa nekatere njegove inovacije na področju inštrumentacije (dodeljevanje določenih nalog določenemu inštrumentu) jasno kažejo, da je bil eden od skladateljev, ki so vplivali na nastanek novega sloga.

Zrela baročna glasba

Obdobje centralizacije vrhovne oblasti v Evropi pogosto imenujemo absolutizem. Absolutizem je dosegel svoj vrhunec pod francoskim kraljem Ludvikom XIV. Za vso Evropo je bil Ludvikov dvor vzor. Vključno z glasbo, ki se izvaja na dvoru. Povečana razpoložljivost glasbila(to velja predvsem za klaviature) je dal zagon razvoju komorne glasbe. Zreli barok se od zgodnjega baroka razlikuje po vseprisotnosti novega sloga in po povečanem ločevanju glasbenih oblik, zlasti v operi. V glasbeni teoriji zreli barok opredeljujejo skladateljeva osredotočenost na harmonijo in poskusi ustvarjanja koherentnih sistemov. glasbeno usposabljanje. V naslednjih letih je to privedlo do pojava številnih teoretičnih del.

Izjemen predstavnik dvornih skladateljev dvora Ludvika XIV. je bil Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Že pri 21 letih je prejel naziv »dvorni skladatelj instrumentalna glasba». ustvarjalno delo Lully je bila od vsega začetka močno povezana z gledališčem. Po organizaciji dvorne komorne glasbe in skladanju »airs de cour« je začel pisati baletno glasbo. Toda glavna stvar v Lullyjevem delu je bila še vedno pisanje oper.

Skladatelj in violinist Arcangelo Corelli (1653-1713) je znan po svojem delu na področju razvoja žanra concerto grosso. Corelli je bil eden prvih skladateljev, katerih dela so bila objavljena in izvajana po vsej Evropi.

Glasba poznega baroka

Natančna meja med zrelim in poznim barokom je predmet razprave; leži nekje med letoma 1680 in 1720. Velik del zapletenosti njegove definicije je dejstvo, da so se slogi v različnih državah spreminjali neusklajeno; inovacije, ki so bile na enem mestu že sprejete kot pravilo, so bile na drugem sveža odkritja. Italija po zaslugi Arcangela Corellija in njegovih učencev Francesca Geminianija in Pietra Locatellija postane prva država, v kateri barok prehaja iz zrelega v pozno obdobje. mejnik lahko štejemo skoraj absolutno prevlado tonalitete kot strukturnega principa komponiranja glasbe. To je še posebej očitno v teoretičnem delu Jeana Philippa Rameauja, ki je prevzel Lullyjevo mesto glavnega francoskega skladatelja. Oblike, ki jih je odkrilo prejšnje obdobje, so dosegle zrelost in veliko variabilnost; koncert, suita, sonata, concerto grosso, oratorij, opera in balet niso imeli več ostro izraženih nacionalnih značilnosti.

Antonio Vivaldi (1678-1741) - italijanski skladatelj, rojen v Benetkah. Slave Vivaldiju niso prinesli koncertni nastopi ali zveze na dvoru, temveč objave njegovih del, vključno z njegovimi trio sonatami, violinskimi sonatami in koncerti. Izšli so v Amsterdamu in široko razširjeni po vsej Evropi. Prav tem, takrat še razvijajočim se instrumentalnim zvrstem (baročna sonata in baročni koncert), je Vivaldi najbolj prispeval.

Johann Sebastian Bach se je rodil 21. marca 1685 v Eisenachu v Nemčiji. V svojem življenju je komponiral več kot 1000 del. različne zvrsti razen opere. Toda v svojem življenju ni dosegel pomembnejših uspehov. IN Zadnja letaživljenja in po Bachovi smrti je njegova skladateljska slava začela upadati: njegov slog je veljal za staromodnega v primerjavi s klasicizmom v vzponu. Bolj znan in spominjan je bil kot izvajalec, učitelj in oče Bachsa mlajšega, predvsem Carla Philippa Emmanuela, čigar glasba je bila bolj znana.

Šele izvedba Mendelssohnovega Pasijona po Mateju, 79 let po smrti J. S. Bacha, je obudila zanimanje za njegovo delo. Zdaj je J. S. Bach eden najbolj priljubljenih skladateljev vseh časov.

Razlike med barokom in klasicizmom.

V času klasicizma, ki je sledil baroku, se je vloga večglasnega večglasja zmanjšala in stopila v ospredje. homofono polifonijo
( iz grščine "homos" - "ena" in "fone" - "zvok", "glas")

Za razliko od polifonija, kjer so vsi glasovi enaki, homofono polifonijo izstopa ena, nastopanje glavna tema , ostali pa igrajo vlogo spremstvo(spremljanje). Spremljava je običajno sistem akordov (harmonije). Od tod tudi ime novega načina komponiranja glasbe - homofonična harmonika.

V glasbi je manj okraskov in okraskov. Dela so postala bolj skladna, jasna po strukturi, zlasti tista, ki so napisana v sonatno obliko.

V dobi barok v glasbenem delu je vsak del osredotočen na izraz in razkritje eno svetlo narisano občutki, kaj se je rešilo s pomočjo predstavitve ena tema, ki se je spremenila (pestro) v celotnem delu in v dobi klasicizem v enem delu dela razkrila veliko čustev, ki so se izrazile s pomočjo predstavitve in razvoja dva ali več drugačen v figurativno vsebino teme.

Zgodnja baročna glasba (1600-1654)

Razvoj italijanske opere italijanskega skladatelja lahko štejemo za pogojno prehodno točko med renesančno in baročno dobo. Claudio Monteverdi (1567-1643).

Skladatelj se je rodil v Italijansko mesto Cremona v zdravnikovi družini. Kot glasbenik se je Monteverdi razvil v mladosti. Pisal in izvajal je madrigale; igral orgle, violo in druge inštrumente. Monteverdi je študiral kompozicijo pri znanih skladateljih tistega časa. Leta 1590 je bil kot pevec in glasbenik povabljen v Mantovo, na dvor vojvode Vincenza Gonzage; pozneje je vodil dvorno kapelo. Leta 1612 je Monteverdi zapustil službo v Mantovi in ​​se od leta 1613 naselil v Benetkah. Predvsem po zaslugi Monteverdija so leta 1637 v Benetkah odprli prvo javno operno hišo na svetu. Tam je skladatelj vodil kapelo katedrale San Marco. Pred smrtjo je Claudio Monteverdi sprejel sveti red.

Po preučevanju opernega dela renesančnih skladateljev Perija in Caccinija je Monteverdi ustvaril lastna operna dela. Že v prvih operah - "Orfej" (1607) in "Ariadna" (1608) - je skladatelju uspelo glasbena sredstva izražajo globoka in strastna čustva, ustvarjajo intenzivno dramatično dogajanje. Monteverdi je avtor številnih oper, vendar so se ohranile le tri - "Orfej", "Uliksesova vrnitev v domovino" (1640; na ploskvi starogrškega epska pesem"Odiseja") in "Kronanje Poppeje" (1642).

Monteverdijeve opere harmonično združujejo glasbo in besedilo. V središču opere monolog - recitativ (iz it. recitare - "recitirati"), v katerem recitiral vsako besedo, glasba pa prožno in subtilno podaja odtenke razpoloženja. Monologi, dialogi in zborovske epizode se gladko prelivajo ena v drugo, dogajanje se razvija počasi (tri ali štiri dejanja v Monteverdijevih operah), a dinamično. Orkestru je skladatelj namenil pomembno vlogo. V "Orfeju" je na primer uporabil skoraj vse takrat znane inštrumente. Orkesterska glasba ne le spremlja petje, ampak sama pripoveduje o dogajanju na odru in doživetjih likov. Prvič se je pojavil v Orfeju uvertura(francoska uvertura ali latinska apertura - "odprtje", "začetek")- instrumentalni uvod v veliko glasbeno delo. Opere Claudia Monteverdija so pomembno vplivale na beneške skladatelje in postavile temelje beneške operne šole. .

Monteverdi ni pisal samo opere, pa tudi sakralne glasbe, verski in posvetni madrigali. Postal je prvi skladatelj, ki ni nasprotoval polifoničnim in homofonim metodam - zborovske epizode njegovih oper vključujejo polifonične tehnike.
V delu Monteverdija je bilo novo združeno s starim - tradicijami renesanse.

Do začetka XVIII. stoletja. oblikovana operne šole v Neaplju. Značilnosti te šole - večja pozornost do petja, prevladujoča vloga glasbe. Bilo je v Neaplju belcanto vokalni slog(it. bel canto - "lepo petje"). Belcanto slovi po izjemni lepoti zvoka, melodije in tehnične dovršenosti. Izvajalec belcanta mora biti sposoben reproducirati številne odtenke glasovnega tona, pa tudi mojstrsko prenesti številna hitra zaporedja zvokov, ki se prekrivajo z glavno melodijo. - koloratura (it. coloratura - "okras").

V 18. stoletju opera postala mainstream glasbena umetnost v Italiji, pomagala vis profesionalni ravni pevci izšolani v zimski vrtovi(it. conservatorio, err lat. ohraniti - "zaščititi") - izobraževalne ustanove ki je šolal glasbenike. Do takrat so bili v središčih italijanske opere ustanovljeni štirje konservatoriji - Benetke in Neapelj. Priljubljenosti žanra postregla tudi z odprtimi v različna mesta podeželske operne hiše, dostopne vsem družbenim slojem. Italijanske opere so uprizarjali v gledališčih največjih Evropske prestolnice, skladatelji iz Avstrije, Nemčije in drugih držav pa so pisali opere na italijanska besedila.

Pomembna osebnost zgodnjega baroka, ki je bila na strani katolicizma in je nasprotovala naraščajočemu ideološkemu, kulturnemu in družbenemu vplivu protestantizma, je bil Giovanni Gabrieli (1555-1612). Njegova dela pripadajo slogu "visoke renesanse" (razcvet renesanse). Vendar pa nekatere njegove inovacije na področju inštrumentacije (dodeljevanje določenih nalog določenemu inštrumentu) jasno kažejo, da je bil eden od skladateljev, ki so vplivali na nastanek novega sloga.

Ena od cerkvenih zahtev za komponiranje sakralne glasbe je bila ta besedila v delih z vokalom so bili izbirčen. To je zahtevalo odmik od polifonije glasbene tehnike kjer so prišle v ospredje besede. Vokal je v primerjavi s spremljavo postal bolj zapleten, okrašen.

Nemški skladatelj je veliko prispeval tudi k širjenju novih tehnik. Heinrich Schutz (1585-1672), izpopolnjeval v Benetkah, je najslavnejši nemški skladatelj pred Johannom Sebastianom Bachom in poleg D. Gabrielija in C. Monteverdija eden najpomembnejših skladateljev zgodnjega baroka. Med službovanjem kot zborovodja v Dresdnu je pri svojem delu uporabljal nove tehnike.

Glasba zrelega baroka (1654-1707)

Pogosto se imenuje obdobje centralizacije vrhovne oblasti v Evropi Absolutizem. Absolutizem je dosegel svoj vrhunec pod francoskim kraljem Ludvikom XIV. Za vso Evropo je bil Ludvikov dvor vzor. Vključno z glasbo, ki se izvaja na dvoru. Povečana dostopnost glasbil (predvsem klaviatur) je dala zagon razvoju komora glasba (iz njega. kamera - "soba") izvajajo v majhnih prostorih ali doma.

zrelega baroka je drugačen od zgodnje vseprisotnosti novega polifonega sloga ( prosto pisanje) in povečano ločevanje glasbenih oblik, zlasti v operi. Tako kot v literaturi se pojavlja možnost velike naklade tiskanje glasbena dela so privedla do razširitve občinstva; okrepila se je izmenjava med središči glasbene kulture.

V glasbeni teoriji zreli barok opredeljujejo skladateljeva osredotočenost na harmonijo in poskusi ustvarjanja koherentnih sistemov glasbenega učenja.
V naslednjih letih je to pripeljalo do nastanka številnih teoretično dela. Izjemen primer takšne dejavnosti je delo poznega baroka - "Gradus ad Parnassum" (rusko. Stopnice na Parnas), ki ga je leta 1725 izdal Johann Joseph. Fuchs(nem. Johann Joseph Fux) (1660-1741), avstrijski teoretik in skladatelj. To delo, ki je sistematiziralo teorijo kontrapunkta, je bilo skoraj do konca 19. stoletja najpomembnejše orodje za preučevanje kontrapunkta.

Izjemen predstavnik dvornih skladateljev dvora Ludvika XIV Giovanni Battista Lulli (1632-1687). (Jean-Baptiste). Že pri 21 letih je prejel naziv "dvorni skladatelj instrumentalne glasbe". Lullyjevo ustvarjalno delo je bilo od vsega začetka tesno povezano z gledališčem. Po organizaciji dvorne komorne glasbe in skladanju »airs de cour« (dvornih arij) je začel pisati baletno glasbo. Sam Ludvik XIV je plesal v baletih, ki so bili takrat najljubša zabava dvornega plemstva. Lully je bila odlična plesalka. Slučajno je sodeloval v produkcijah, plesal s kraljem. Znan je po svojih sklep sodeloval z Molierom, za čigar igre je napisal glasbo. Toda glavna stvar v Lullyjevem delu je bila še vedno pisanje opere. Presenetljivo je Lully ustvaril popoln tip francoske opere; tako imenovano lirično tragedijo v Franciji (fr. tragedie lyrique), nedvomno ustvarjalno zrelost pa je dosegel že v prvih letih delovanja v operni hiši. Lully je pogosto uporabljal kontrast med veličastnim zvokom orkestrske sekcije ter preprostimi recitativi in ​​arijami. Lullyjev glasbeni jezik ni zelo zapleten, a zagotovo novo: jasnost harmonije, ritmična energija, jasnost artikulacije oblike, čistost teksture govorijo o zmagi načel homofonega mišljenja. K njegovemu uspehu je v veliki meri pripomogla tudi njegova sposobnost izbire glasbenikov za orkester in delo z njimi (sam je vodil vaje). Sestavni del njegovega dela je bila pozornost do harmonije in solističnega instrumenta.

Skladatelj in violinist Arcangelo Corelli(1653-1713), znan po svojem delu na razvoju žanra concerto grosso (concerto grosso - "veliki koncert"). Corelli je bil eden prvih skladateljev, katerih dela so bila objavljena in izvajana po vsej Evropi. Tako kot operna dela J. B. Lullyja je žanr concerto grosso zgrajen na kontrastni jukstapoziciji zvoka majhnih solističnih skupin orkestra in zvoka celotnega orkestra. Glasba je zgrajena na ostrih prehodih iz glasnih v tihe dele, hitri prehodi so nasproti počasnim. Med privrženci Arcangela Corellija je bil Antonio Vivaldi, ki je pozneje komponiral na stotine del, napisanih v Corellijevih najljubših oblikah: triosonate in koncerti.

IN Anglija zreli barok, ki ga zaznamuje briljanten genij Henry Purcell(1659-1695). Umrl je mlad, pri 36 letih, med pisanjem veliko število dela in postal splošno znan že v času svojega življenja. Purcell je poznal delo Corellija in drugih italijanskih skladateljev baročne dobe.Purcell je v svojem kratkem življenju napisal veliko vokalnih, instrumentalnih, glasbenih in gledaliških del, med katerimi je najpomembnejša opera. "Didona in Enej"(1689). To je prvi angleški narodna opera. Naročil jo je plesni učitelj iz penziona za plemenite device. Zasebna narava naročila je vplivala na videz dela: za razliko od monumentalnih Monteverdijevih ali Lullyjevih oper je Purcellovo delo majhne velikosti, akcija poteka hitro. Libreto opere (avtor Nicholas Tate) je nastal po junaškem epu Eneida rimskega pesnika Vergilija.

Virgil ima enega od branilcev Troje - Eneja, ki se po padcu mesta odpravi na potepanje. Nevihta pripelje njegovo ladjo do afriških obal; tu sreča Didono, kraljico Kartagine. Didona se je zaljubila v Eneja in si je, ko jo je junak po ukazu bogov zapustil, vzela življenje. V Purcellovi operi glasnika, ki je ločil junake, ne pošljejo bogovi, temveč gozdne čarovnice (priljubljene osebe angleške folklore). Enej je prevaro sprejel za sveto dolžnost do bogov in uničil tisto najdragocenejše – ljubezen.

Posebnost Purcellovega dela je harmonija. Skladatelj je imel neverjeten dar za ustvarjanje popolnih melodij - mirnih, veličastnih in brezhibnih oblik. Po Henryju Purcellu v angleški glasbi do 20. stoletja. težko je imenovati tako briljantne mojstre.

Za razliko od zgornjih skladateljev Dietrich Buxtehude (1637-1707) ni bil dvorni skladatelj. Buxtehude je delal organist, najprej v Helsingborgu (1657-1658), nato v Elsinorju (1660-1668), nato pa od leta 1668 v cerkvi sv. Marije v Lübecku. Ni služil z objavljanjem svojih del, temveč z njihovim izvajanjem, pri čemer je imel raje skladanje glasbe kot cerkvena besedila in izvajanje lastnih orgelskih skladb kot pokroviteljstvo plemstva.Njegove skladbe za orgle je odlikovala bogastvo domišljije, obilo nepričakovanega in barvitega primerjave in globoka drama ta skladatelj. Buxtehudejeva glasba je v veliki meri zgrajena na lestvici idej, bogastva in svobode domišljije, nagnjenosti k patosu, dramatiki in nekoliko oratorski intonaciji. Njegovo delo je močno vplivalo na skladatelje, kot sta J. S. Bach in G. F. Telemann.

Poznobaročna glasba (1707-1760)

Natančna meja med zrelim in poznim barokom je predmet razprave; ona laže nekje vmes 1680 in 1720. V veliki meri je zapletenost njegove definicije dejstvo, da so se slogi v različnih državah spreminjali neusklajeno; inovacije, ki so bile na enem mestu že sprejete kot pravilo, so bile na drugem sveža odkritja. Italija po zaslugi Arcangela Corelli in njegovih študentov Francesca Geminianija in Pietra Locatellija postane prva država, v kateri baročni prehodi iz zrelega v pozno obdobje. Pomemben mejnik lahko štejemo za skoraj absolutnega prevlado tona kot strukturni princip komponiranja glasbe. To je še posebej očitno v teoretičnem delu Jeana Philippa Rameauja, ki je prevzel Lullyjevo mesto glavnega francoskega skladatelja. Obenem je pojav kapitalnega dela Johanna Josepha Fuchsa Gradus ad Parnassum (1725), posvečenega polifoniji strogega sloga, pričal o prisotnosti v glasbi dva slogi pisanja - homofono-harmonični in polifonični.

Obrazci, ki jih je odprlo prejšnje obdobje, dosegel zrelost in velika variabilnost koncert, suita, sonata, concerto grosso, oratorij, opera in balet niso imeli več ostro izraženih nacionalnih značilnosti. Povsod so se uveljavile splošno sprejete sheme del: ponavljajoča se dvodelna oblika (AABB), preprosta tridelna oblika (ABC) in rondo.

Antonio Vivaldi (1678-1741)- italijanski skladatelj, rojen v Benetkah.
Leta 1703 je prejel čin katoliškega duhovnika. Prvega decembra istega leta postane maestro di violino v sirotišnici Pio Ospedale della Pieta v Benetkah za deklice. Slave Vivaldiju niso prinesli koncertni nastopi ali zveze na dvoru, temveč objave njegovih del, vključno z njegovimi trio sonatami, violinskimi sonatami in koncerti. Izšli so v Amsterdamu in široko razširjeni po vsej Evropi. Prav tem instrumentalnim zvrstem, ki so se takrat še razvijale (baročna sonata in baročni koncert), je Vivaldi dal svoj največji prispevek. Nekatere tehnike so značilne za Vivaldijevo glasbo: tridelna ciklična oblika za concerto grosso in uporaba ritornella v hitrih delih. Vivaldi je komponiral več kot 500 koncertov. Nekatera svoja dela, na primer znamenite Štirje letni časi, je tudi programsko naslovil. Vivaldijeva kariera kaže povečano možnost za samostojen obstoj skladatelja: z dohodki iz koncertnih dejavnosti in objavljanja njegovih skladb.

Domenico Scarlatti(1685-1757) je bil eden vodilnih skladateljev in izvajalcev s klaviaturami svojega časa. Kariero je začel kot dvorni skladatelj; najprej na Portugalskem, od leta 1733 pa v Madridu, kjer je preživel preostanek življenja. Njegov oče Alessandro Scarlatti velja za ustanovitelja neapeljske operne šole. Domenico je komponiral tudi opere in cerkveno glasbo, slavo pa mu je (po smrti) prinesla njegova deluje za tipkovnice. Nekatera od teh del je napisal za lastno veselje, nekaj - za svoje plemenite stranke.

Najslavnejši dvorni skladatelj baročne dobe je bil Georg Friedrich Handel(1685-1759). Rodil se je v Nemčiji, tri leta študiral v Italiji, a je leta 1711 zapustil London, kjer je začel svojo briljantno komercialno kariero. uspešna kariera neodvisen operni skladatelj, ki izvaja naročila za plemstvo. Z neumorno energijo je Handel obdeloval gradivo drugih skladateljev in to nenehno predelan njihov lastne skladbe. Znan je na primer po tem, da je tolikokrat predelal slavni oratorij "Mesija", da zdaj ni nobene različice, ki bi jo lahko imenovali izvirnik. Čeprav je njegovo finančno bogastvo naraščalo in pešalo, je njegova slava, ki temelji na objavljenih delih za klaviature, ceremonialni glasbi, operah, concerto grossih in oratorijih, še naprej rasla. Po njegovi smrti je bil priznan kot vodilni evropski skladatelj, preučevali so ga glasbeniki klasične dobe. V času svojega življenja je Handel pisal o 50 opere (Almira, Agripina, Rinaldo, Julij Cezar itd.), 23 oratoriji (»Mesija«, »Samson«, »Juda Makovej«, »Herkul«), nešteti cerkveni korali, orgelski koncerti, pa tudi številna zabavna dela (»Glasba na vodi«, »Glasba za kraljevski ognjemet«) .

Eden od največjih skladateljev baročna doba - Johann Sebastian Bach je bil rojen
21. marec 1685 v Eisenachu v Nemčiji. V svojem življenju je komponiral več kot 1000 del v različnih žanrih, razen opere. Toda v svojem življenju ni dosegel pomembnejših uspehov. Ko se je velikokrat selil, je Bach enega ne preveč spremenil visok položaj za drugim: v Weimarju je bil dvorni glasbenik pri weimarskem vojvodi Johannu Ernstu, nato je postal nadzornik orgel v cerkvi sv. Bonifacija v Arnstadtu, nekaj let kasneje sprejel mesto organista v cerkvi sv. Vlasia v Mühlhausnu, kjer je deloval le kakšno leto, potem pa se je vrnil v Weimar, kjer je prevzel mesto dvornega organista in organizatorja koncertov. To funkcijo je opravljal devet let. Leta 1717 je Leopold, vojvoda Anhalt-Köthena, zaposlil Bacha kot kapellmeisterja in Bach je začel živeti in delati v Köthenu. Leta 1723 se je Bach preselil v Leipzig, kjer je ostal do svoje smrti leta 1750.

JS Bach je bil v času svojega življenja v Nemčiji znan kot skladatelj, izvajalec, učitelj in oče mlajših Bachov, predvsem Carla Philippa Emmanuela. Toda v zadnjih letih njegovega življenja in po Bachovi smrti je njegova skladateljska slava začela upadati: njegov slog je veljal za staromodnega v primerjavi s klasicizmom v vzponu.

Leta 1802 je Johann Nikolai Forkel objavil prvo najbolj celoten življenjepis Johann Sebastian Bach. Leta 1829, 79 let po smrti J. S. Bacha, je Felix Mendelssohn v Berlinu izvedel Bachov Matejev pasijon. Uspeh tega koncerta je oživil zanimanje za delo J. S. Bacha in postal razlog za nastanek velikega zanimanja za Bachovo glasbo v Nemčiji, nato pa po vsej Evropi.

Zdaj je J. S. Bach eden najbolj priljubljenih skladateljev vseh časov: na primer v glasovanju " Najboljši skladatelj Millennium, ki ga je gostil Cultureciosque.com, je Bach zasedel prvo mesto.

Uvod………………………………………………………………………

Barok………………………………………………………………

Klasicizem………………………………………………………..

Romantika……………………………………………………………

Realizem……………………………………………………………….

Bibliografija………………………………

Uvod.

Za zgodovino umetnosti je značilno menjavanje različnih stilov in smeri.

Spodaj umetniški slog razumeti celoto vseh likovnih izraznih sredstev, vseh ustvarjalnih tehnik, ki kot celota tvorijo določen figurativni sistem.

Slog kot enoten figurativni sistem temelji na enotnosti idejne vsebine, ki povzroča enotnost vseh elementov umetniške oblike, vseh umetniških in izraznih sredstev. Tako beseda »slog« označuje tisto vidno, oprijemljivo prvinskost, ki najprej pade v oči in po kateri lahko takoj ugotovimo razliko med enim pojavom v umetnosti in drugimi.

Sami ti pojavi so neskončno raznoliki: govorimo lahko o slogu posameznega dela ali skupine del, o slogu posameznika, avtorja, o slogu določenih držav, ljudstev, geografskih regij.

Najpogosteje pa pojem "umetniški slog" označuje velike, "zgodovinske" sloge določenih obdobij, ko enotnost družbeno-zgodovinske vsebine določa stabilno enotnost umetniških in figurativnih načel, sredstev in tehnik.

Na področju umetnosti v druga polovica 17. stoletja. prišlo je do razcveta stila barok, ki je bilo tesno povezano s cerkveno in plemiško kulturo tistega časa. Kazalo je težnje po poveličevanju življenja, vsega bogastva resničnega življenja. Slikarstvo, kiparstvo, arhitektura, baročna glasba so poveličevali in slavili monarhe, cerkev in plemstvo.

V evropski umetnosti in literaturi je bila kanonizirana drugačna estetika, nasprotna umetniškim sredstvom baroka. klasicizem. Klasicizem, tesno povezan s kulturo renesanse, se je obrnil na starodavne norme umetnosti kot na popolne modele, zanj sta bili značilni racionalistična jasnost in strogost.

Prva polovica 19. stoletja postal čas intenzivnega razvoja duhovne kulture. Med njegovimi raznolikimi manifestacijami je bila najbolj opazna distribucija romantika z izjemno vsestranskostjo. Na področju umetniške ustvarjalnosti je bil jasno vtisnjen v obliki trenda v literaturi, likovni umetnosti, glasbi, gledališču. Hkrati je bila romantika določen pogled na svet: razvil se je romantični trend na področju filozofskih in estetskih idej, zgodovinske znanosti, pojavil se je romantični tip osebnosti in vedenja.

V 30-40-ih letih XIX stoletja. skupaj z romantiko v leposlovju in slikarstvu je realizem. Dela realističnih pisateljev Balzaca, Stendhala, Dickensa, Thackeraya idr. odlikujejo izjemno široko zajetje stvarnosti in prevlada družbenih problemov. Družbeno življenje v svojih najrazličnejših manifestacijah, način življenja, običaji, psihologija ljudi, ki pripadajo različnim razredom, v literaturi še nikoli niso prejeli tako večplastne refleksije.

Zgodovinski in kulturni procesi novega veka - razvoj kapitalizma, znanstveni in tehnološki napredek, družbeni sistem, zgrajen na liberalnodemokratičnih načelih, ideje in vrednote razsvetljenstva in pozitivizma, estetike velikih slogov 17. 19. stoletje (barok, rokoko, sentimentalizem, klasicizem, romantika, realizem) – je odločilno vplivalo na oblikovanje modernega sveta.

Barok.

Barok (italijansko barocco - "zlobno", "razpuščeno", "pretirano", port. perola barroca - "biser nepravilne oblike" (dobesedno "biser z razvado"); obstajajo tudi druge domneve o izvoru te besede) - značilnost evropske kulture XVII-XVIII stoletja, katere središče je bila Italija. Baročni slog se je pojavil v XVI-XVII stoletja v italijanskih mestih: Rim, Mantova, Benetke, Firence. Doba baroka velja za začetek zmagoslavnega sprevoda »zahodne civilizacije«. Za barok so značilni kontrast, napetost, dinamične podobe, afektiranost, težnja po veličini in pompoznosti, po združevanju resničnosti in iluzije, po zlitju umetnosti (mestni in palačno-parkovni ansambli, opera, kultna glasba, oratorij); hkrati - težnja po avtonomiji posameznih žanrov (concerto grosso, sonata, suita v instrumentalni glasbi).

Ideološke osnove sloga so nastale kot posledica šoka, kakršen je bil v 16. stoletju. Reformacija in Kopernik. Spremenila se je že v antiki uveljavljena predstava o svetu kot razumski in nenehni enotnosti, pa tudi renesančna predstava o človeku kot najbolj razumnem bitju. Človek se je začel prepoznavati kot »nekaj vmes med vsem in nič« po Pascalovih besedah, »kdor ujame samo videz pojavov, ne more pa razumeti ne njihovega začetka ne konca«.

Baročna doba daje ogromno časa za zabavo: namesto romanj - promenada (sprehodi po parku); namesto viteških turnirjev - "vrtiljaki" (jahanje) in igre s kartami; namesto misterijev - gledališče in maskenbal. Dodate lahko videz gugalnic in "ognjeno zabavo" (ognjemet). V interierjih so mesto ikon prevzeli portreti in krajine, glasba pa se je iz duhovne spremenila v prijetno zvočno igro.

Barok zavrača tradicijo in avtoriteto kot vraževerje in predsodke. Vse, kar je "jasno in razločno", je mišljeno ali ima matematični izraz, je resnično, izjavlja filozof Descartes. Zato je barok še vedno doba razuma in razsvetljenstva. Ni naključje, da se beseda "barok" včasih postavi za označevanje ene od vrst sklepanja v srednjeveški logiki - baroka. V Versaillesu se pojavi prvi evropski park, kjer je ideja gozda izražena na najbolj matematičen način: zdi se, da so lipove aleje in kanali narisani po ravnilu, drevesa pa so obrezana na način stereometričnih likov. Prvič oblečen v uniformo baročne vojske, veliko pozornosti posvečajo "drilu" - geometrijski pravilnosti konstrukcij na paradni paradi.

baročni človek zavrača naravnost, ki se istoveti z divjostjo, aroganco, tiranijo, surovostjo in ignoranco - vse to bo v dobi romantike postalo vrlina. Baročna ženska neguje bledico svoje kože, nosi nenaravno, naborano pričesko, steznik in umetno podaljšano krilo na okvirju iz kitove kosti. V petah je.

In gentleman postane ideal moškega v baroku - iz angleščine. nežno: "mehko", "nežno", "mirno". Sprva si je najraje bril brke in brado, se parfumiral in nosil napudrane lasulje. Zakaj siliti, če zdaj ubijajo s potegom na sprožilec muškete. V baroku je naravnost sinonim za brutalnost, divjost, vulgarnost in ekstravaganco. Za filozofa Hobbesa je naravno stanje stanje, za katerega sta značilni anarhija in vojna vseh proti vsem.

Za barok je značilna ideja o plemenitenju narave na podlagi razuma. Potrebe se ne tolerira, ampak »je dobro ponuditi v prijetnih in vljudnih besedah« (Mladost, pošteno ogledalo, 1717). Po mnenju filozofa Spinoze nagoni niso več vsebina greha, temveč »sama bit človeka«. Zato je apetit oblikovan v izvrstnem bonton za mizo(v baroku so se pojavile vilice in prtički); zanimanje za nasprotni spol - v vljudnem spogledovanju, prepiri - v prefinjenem dvoboju.

Za barok je značilna ideja o spečem bogu - deizem. Bog ni pojmovan kot Odrešenik, ampak kot Veliki arhitekt, ki je ustvaril svet, tako kot urar ustvarja mehanizem. Od tod takšna značilnost baročnega pogleda na svet kot mehanizem. Zakon o ohranitvi energije, absolutnost prostora in časa so zagotovljeni z božjo besedo. Ko pa je Bog ustvaril svet, je počival od svojega dela in se na noben način ne vmešava v zadeve vesolja. K takemu Bogu je zaman moliti - od njega se lahko samo učimo. Zato pravi varuhi razsvetljenstva niso preroki in duhovniki, ampak naravoslovci. Isaac Newton odkrije zakon univerzalne gravitacije in napiše temeljno delo "Matematični principi naravne filozofije" (1689), Carl Linnaeus pa sistematizira biologijo "Sistem narave" (1735). Povsod po evropskih prestolnicah se ustanavljajo akademije znanosti in znanstvena društva.

Raznolikost dojemanja dviguje raven zavesti – nekaj takega, kot pravi filozof Leibniz. Galileo prvič usmeri teleskop proti zvezdam in dokaže vrtenje Zemlje okoli Sonca (1611), Leeuwenhoek pa pod mikroskopom odkrije drobne žive organizme (1675). Ogromne jadrnice orjejo prostranstva svetovnih oceanov in brišejo bele lise na geografskih zemljevidih ​​sveta. Literarni simboli dobe so popotniki in pustolovci: kapitan Gulliver in baron Munchausen.

Athenais de Montespan

Baročni slog v slikarstvu zanj je značilna dinamičnost kompozicij, "ploskost" in pompoznost oblik, aristokracija in izvirnost ploskev. Najznačilnejši potezi baroka sta prikupna blistavost in dinamičnost; osupljiv primer je delo Rubensa in Caravaggia.

Za najpomembnejšega mojstra med italijanski umetniki ki je ustvaril ob koncu XVI. nov slog v slikarstvu. Njegove slike, naslikane na religiozne teme, spominjajo na realistične prizore avtorjevega sodobnega življenja in ustvarjajo kontrast med pozno antiko in modernim časom. Junaki so upodobljeni v mraku, iz katerega svetlobni žarki izvabljajo ekspresivne poteze likov, kontrastno izpisujejo njihovo specifičnost. Privrženci in posnemovalci Caravaggia, ki so jih sprva imenovali karavaggisti, in sam tok karavagizma, kot sta Annibale Carracci (1560-1609) ali Guido Reni (1575-1642), so prevzeli burnost čustev in značilen način Caravaggia. , pa tudi njegov naturalizem pri upodabljanju ljudi in dogodkov.

Peter Paul Rubens (1577-1640) na začetku 17. stoletja. študiral je v Italiji, kjer se je naučil sloga Caravaggia in Carracija, čeprav je tja prišel šele po končanem študiju v Antwerpnu. Veselo je združil najboljše lastnosti slikarske šole severa in juga, ki na svojih platnih združujejo naravno in nadnaravno, realnost in domišljijo, učenost in duhovnost. Poleg Rubensa je mednarodno priznanje dosegel še en mojster flamskega baroka, van Dyck (1599-1641). Z delom Rubensa je novi slog prišel na Nizozemsko, kjer so ga prevzeli Frans Hals (1580/85-1666), Rembrandt (1606-1669) in Vermeer (1632-1675). V Španiji je Diego Velasquez (1599-1660) delal v slogu Caravaggia, v Franciji pa Nicolas Poussin (1593-1665), ki ni bil zadovoljen z baročno šolo in je postavil temelje nove smeri v svojem delu - klasicizma. .

Za baročno arhitekturo(L. Bernini, F. Borromini v Italiji, B. F. Rastrelli v Rusiji, Jan Christoph Glaubitz v Commonwealthu) so značilni prostorski obseg, zlitje, fluidnost kompleksnih, običajno krivoliničnih oblik. Pogosto najdemo obsežne kolonade, obilico skulptur na fasadah in v notranjosti, volute, veliko število izboklin, obokane fasade z izboklinami na sredini, rustikalne stebre in pilastre. Kupole pridobijo zapletene oblike, pogosto so večstopenjske, kot v katedrali sv. Petra v Rimu. Značilni detajli baroka - telamon (atlas), kariatida, maskaron.

V italijanski arhitekturi je bil najvidnejši predstavnik baročne umetnosti Carlo Maderna (1556-1629), ki je prekinil z manierizmom in ustvaril svoj slog. Njegova glavna stvaritev je fasada rimske cerkve Svete Suzane (1603). Glavna osebnost v razvoju baročnega kiparstva je bil Lorenzo Bernini, čigar prve mojstrovine, izvedene v novem slogu, segajo okoli leta 1620. Bernini je tudi arhitekt. Je lastnik okrasja trga katedrale svetega Petra v Rimu in notranjosti, pa tudi drugih zgradb. Pomemben prispevek so prispevali D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longhena, L. Vanvitelli, P. da Cortona. Na Siciliji se je po močnem potresu leta 1693 pojavil nov slog poznega baroka - sicilijanski barok.

Kvintesenca baroka, impresivno zlitje slikarstva, kiparstva in arhitekture, je kapela Coranaro v cerkvi Santa Maria della Vittoria (1645-1652).

Baročni slog se širi v Španiji, Nemčiji, Belgiji (takratni Flandriji), na Nizozemskem, v Rusiji, Franciji, Commonwealthu. Španski barok ali po domače churrigueresco (v čast arhitektu Churriguera), ki se je razširil tudi v Latinsko Ameriko. Njegov najbolj priljubljen spomenik je katedrala v Santiagu de Compostela, ki je tudi med verniki ena najbolj čaščenih cerkva v Španiji. V Latinski Ameriki se barok meša z lokalnimi arhitekturnimi tradicijami, to je njegova najbolj zahtevna različica in se imenuje ultrabarok.

V Franciji je baročni slog izražen skromneje kot v drugih državah. Prej je veljalo, da se slog tukaj sploh ni razvil, baročni spomeniki pa so veljali za spomenike klasicizma. Včasih se izraz "baročni klasicizem" uporablja v zvezi s francosko in angleško različico baroka. Zdaj se Versajska palača, skupaj z običajnim parkom, Luksemburško palačo, stavbo Francoske akademije v Parizu in drugimi deli štejejo za francoski barok. Res imajo nekatere značilnosti klasicizma. Značilnost baročnega sloga je reden slog v vrtnarski umetnosti, primer tega je park Versailles.

Kasneje, v začetku 18. stol. so Francozi razvili svoj slog, nekakšen barok – rokoko. Ni se kazalo v zunanjem oblikovanju stavb, ampak le v notranjosti, pa tudi v oblikovanju knjig, oblačil, pohištva in slik. Slog je bil razširjen po vsej Evropi in v Rusiji.

V Belgiji je ansambel Grand Place v Bruslju izjemen baročni spomenik. Rubensova hiša v Antwerpnu, zgrajena po umetnikovem načrtu, ima baročne značilnosti.

Barok se je v Rusiji pojavil že v 17. stoletju (»nariškinski barok«, »golicinski barok«). V 18. stoletju, v času vladavine Petra I., se je razvil v Sankt Peterburgu in njegovih predmestjih v delu D. Trezzinija - t. Petrovna v delu S. I. Čevakinskega in B. Rastrellija.

V Nemčiji je izjemen baročni spomenik Nova palača v Sanssouciju (avtorja - I. G. Bühring, H. L. Manter) in Poletna palača na istem mestu (G. W. von Knobelsdorff). Največji in najbolj znani baročni ansambli na svetu: Versailles (Francija), Peterhof (Rusija), Aranjuez (Španija), Zwinger (Nemčija), Schönbrunn (Avstrija). V Veliki vojvodini Litvi sta se razširila sloga sarmatskega baroka in vilenskega baroka, največji predstavnik je bil Jan Christoph Glaubitz. Med njegovimi znani projekti- obnovljena cerkev Gospodovega vnebohoda (Vilna), katedrala sv. Sofije (Polock) itd.

Carlo Maderna Cerkev svete Suzane, Rim

klasicizem.

klasicizem (francoski classicisme, iz latinščine classicus - vzoren) - umetniški slog in estetski trend v evropski umetnosti 17.-19. stoletja.

Klasicizem temelji na idejah racionalizma, ki so se oblikovale sočasno z istimi idejami v filozofiji Descartesa. Umetniško delo bi moralo z vidika klasicizma graditi na podlagi strogi kanoni, s čimer razkriva harmonijo in logiko samega vesolja. Zanimanje za klasicizem je samo večno, nespremenljivo - v vsakem pojavu skuša prepoznati le bistvene, tipološke značilnosti, pri čemer zavrže naključne posamezne znake. Estetika klasicizma pripisuje velik pomen socialni in vzgojni funkciji umetnosti. Klasicizem prevzame veliko pravil in kanonov iz antične umetnosti (Aristotel, Horacij).

Klasicizem vzpostavlja strogo hierarhijo žanrov, ki se delijo na visoke (ode, tragedije, epopeje) in nizke (komedija, satira, basni). Vsak žanr ima strogo določene značilnosti, katerih mešanje ni dovoljeno.

Kot določena smer se je oblikovala v Franciji v 17. stoletju. Francoski klasicizem je potrdil osebnost človeka kot najvišjo vrednoto bitja in ga osvobodil verskega in cerkvenega vpliva. Ruski klasicizem ni samo prevzel zahodnoevropske teorije, ampak jo je obogatil tudi z nacionalnimi značilnostmi.

Glavna značilnost arhitekture klasicizma pojavila se je privlačnost k oblikam starodavne arhitekture kot standardu harmonije, preprostosti, strogosti, logične jasnosti in monumentalnosti. Za arhitekturo klasicizma kot celote je značilna pravilnost načrtovanja in jasnost volumetrične oblike. osnova arhitekturni jezik klasicizem je postal red, po razmerjih in oblikah blizu antiki. Za klasicizem so značilne simetrično-osne kompozicije, zadržanost dekorativnega okrasja in reden sistem mestnega načrtovanja.

Arhitekturni jezik klasicizma sta ob koncu renesanse oblikovala veliki beneški mojster Palladio in njegov sledilec Scamozzi. Benečani so načela starodavne tempeljske arhitekture tako absolutizirali, da so jih uporabili celo pri gradnji tako zasebnih dvorcev, kot je Villa Capra. Inigo Jones je palladianizem prinesel severno v Anglijo, kjer so lokalni palladijevski arhitekti sledili Palladijevim zapovedim z različnimi stopnjami zvestobe do sredine 18. stoletja.

Najpomembnejše interierje v slogu klasicizma je zasnoval Škot Robert Adam, ki se je leta 1758 iz Rima vrnil v domovino. Nanj so naredile velik vtis tako arheološke raziskave italijanskih znanstvenikov kot Piranesijeve arhitekturne fantazije. V interpretaciji Adama je bil klasicizem slog, ki je bil komaj slabši od rokokoja v smislu prefinjenosti notranjosti, zaradi česar je postal priljubljen ne le v demokratično usmerjenih družbenih krogih, ampak tudi med aristokracijo. Tako kot njegovi francoski kolegi je Adam pridigal popolno zavračanje podrobnosti brez konstruktivne funkcije.

Francoz Jacques-Germain Soufflot je med gradnjo cerkve Saint-Genevieve v Parizu pokazal sposobnost klasicizma za organizacijo velikih mestnih prostorov. Ogromna veličina njegovih modelov je napovedovala megalomanijo Napoleonovega cesarstva in poznega klasicizma. V Rusiji se premika v isti smeri kot Soufflet Baženov. Francoza Claude-Nicolas Ledoux in Etienne-Louis Boulet sta šla še dlje proti razvoju radikalnega vizionarskega sloga s poudarkom na abstraktni geometrizaciji oblik. V revolucionarni Franciji je bil asketski državljanski patos njihovih projektov malo uporaben; Ledouxovo inovativnost so v celoti cenili šele modernisti 20. stoletja.

Bolšoj teater v Varšavi.

Glasba obdobja klasike ali glasba klasicizma, se nanaša na obdobje v razvoju evropske glasbe približno med letoma 1730 in 1820. Koncept klasicizma v glasbi je vztrajno povezan z delom Haydna, Mozarta in Beethovna, ki jih imenujemo dunajski klasiki in so določili smer nadaljnjega razvoja glasbene kompozicije.

Spodbuda za razvoj klasičnega kiparstva V sredi osemnajstega stoletja so služila kot dela Winckelmanna in arheološka izkopavanja starodavnih mest, ki so razširila znanje sodobnikov o antičnem kiparstvu. Na robu baroka in klasicizma so v Franciji nihali kiparji, kot sta Pigalle in Houdon. Klasicizem je na področju plastike dosegel najvišjo utelešenje v junaških in idiličnih delih Antonia Canove, ki se je zgledoval predvsem po kipih helenistične dobe (Praxiteles). V Rusiji so Fedot Shubin, Mikhail Kozlovsky, Boris Orlovsky, Ivan Martos gravitirali k estetiki klasicizma.

Javni spomeniki, ki so postali razširjeni v dobi klasicizma, so kiparjem dali priložnost, da idealizirajo vojaško hrabrost in modrost državnikov. Zvestoba starodavnemu modelu je od kiparjev zahtevala, da modele upodabljajo gole, kar je bilo v nasprotju s sprejetimi moralnimi standardi. Da bi rešili to protislovje, so kiparji klasicizma sprva upodabljali figure modernosti v obliki golih starodavnih bogov: Suvorov - v obliki Marsa in Polina Borghese - v obliki Venere. Pod Napoleonom je bilo vprašanje rešeno s prehodom na podobo sodobnih figur v antičnih togah (takšni sta figuri Kutuzova in Barclaya de Tollyja pred Kazansko katedralo).

Antonio Canova. Kupid in Psiha (1787-1793, Pariz, Louvre)

Umetnost 17.-18. stoletja je oblikovala dva neverjetna sloga - klasicizem in barok. Ta dva glavna vseevropska sloga sta obstajala drug ob drugem dve stoletji. Kljub očitnim razlikam so med seboj tesno sodelovali. Klasicizem in barok sta se v svojem razvoju znašla ne le v svetovni in ruski arhitekturi, temveč tudi v kiparstvu, literaturi, interierju in umetnost. Primerjavo klasicizma in baroka, dveh stilov, svetlega, nezaslišanega in edinstvenega, bomo razmislili še naprej.

Zgodovina klasicizma

Klasicizem v latinščini pomeni "vzoren". V 17. stoletju se je v evropski kulturi pojavil nepozaben trend. To je bilo obdobje krepitve monarhije, vse bi moralo biti popolno in hkrati razkošno, kar je razvidno iz brezhibnih figur antičnega sveta.

Francija je postala utemeljiteljica klasicizma, kamor je letel duh svobode in popolnosti človeka, tako duhovnega kot fizičnega. Stroge, idealne silhuete v arhitekturnih ansamblih, starodavni prizori v slikarstvu in kiparstvu, bogata, a zadržana notranja dekoracija. Vse to so značilnosti klasicizma.

V Rusiji je bil ta slog fiksiran pod Katarino II, njena želja po evropeizaciji države je igrala ključno vlogo pri gradnji slavni spomeniki arhitektura tistega časa.

Klasicizem je klasika, harmonija človeka in narave, preprosta in jedrnata v svoji smeri. Slog, ki mu je treba slediti določena pravila, se je zelo hitro znašel v palačni kulturi v Nemčiji, Italiji, Angliji in Rusiji.

Baročna zgodovina

Barok pomeni - "razpuščen", "nagnjen k ekscesom". Italija je postala ustanoviteljica tega pompoznega sloga. Konec 16. stoletja - renesansa, krepitev katoliške moči, svetla, drzna in veličastna, naj bi navdušila. Vsi izraziti elementi baroka so bili utelešeni v katoliških mestih Italije.

Vendar pa so evropske države prevzele tudi nekatere atribute in elemente "razuzdanega" italijanskega sloga. Anglija, Francija, Rusija so uporabile novo kulturo v svoji arhitekturi in notranjosti, da bi poudarile svoj sijaj in edinstvenost.

Slog, osredotočen na ustvarjanje iluzije bogastva in razkošja cerkve, pa tudi italijanskega plemstva, se je pozneje odražal v vseh državah Evrope, Amerike in Rusije. In ostal je nesmrtni sopotnik katoliške Cerkve.

Primerjava in klasicizem

Ta dva stila že stoletja hodita drug ob drugem. Imajo pa očitne razlike v zgodovini in namenu ustvarjanja, v utelešenju v umetnosti.

Primerjava klasicizma in baroka

Klasicizem in barok vizualno

Glavne značilnosti baroka in klasicizma razkošje in diskretno bogastvo. Oba sloga se odražata v dragih umetninah in svetlih barvah. arhitekturne strukture. Razmislite o najbolj znanih predmetih obeh različnih stilov eno časovno obdobje.

Klasicizem sta seveda Place des Revolts in Pantheon v Parizu. Izakova in Kazanska katedrala v Sankt Peterburgu. Bolšoj teater v Varšavi. Slavna slika Jacquesa-Louisa Davida "Napoleonov prehod čez Alpe" odlično odraža stil klasicizma v slikarstvu. »Psiho prebudil Kupidov poljub« – najbolj slavni kip v klasicizmu. "Apolon in nimfe" je primer klasičnega sloga, neverjeten v svoji lepoti.

Medtem ko nam barok poznamo iz katedrale Smolni v Sankt Peterburgu, operna hiša v Odesi in seveda Katoliška cerkev v Vatikanu. Rubens in Caravaggio sta najbolj prepoznavna baročni slikarja. In Italijan nam v osupljivih kipih razkrije vso izraznost baroka.

Klasicizem in barok v arhitekturi

Kot vidimo iz opisov in primerjav obeh slogov, so razlike med barokom in klasicizmom očitne. V slednjem je to pritožba predvsem na starodavno arhitekturo, v baroku - na razkošje katoliških cerkva.

Klasicizem in barok v arhitekturi, primerjava na primeru dveh izjemnih spomenikov

Bazilika del Santa Croce v Italiji je tipičen primer italijanskega baroka. Značilne lastnosti- veličasten dekor in številni kipi na fasadi. Skulpture, balkoni, stebri, kompleksna oblika stavbe. Središče je okronano z ogromnim okroglim oknom - že presega standarde tipične arhitekture. Kariatide in Atlantidi, bizarne oblike - vse to značilne značilnosti barok.

Klasicizem je Bolšoj teater v Moskvi. Na njegovem primeru lahko vidimo značilnosti arhitekture tega sloga. Enostavnost in jedrnatost. Monumentalnost in resnost. Jasni obrazci, stolpci. Majhna standardna okna. Diskreten vzorec štukature na fasadi z značilnimi vzorci iz antičnega sveta. Jasna geometrijska oblika strukture. Prijetna diskretna enotna barva celotnega objekta.

Arhitektura baroka in klasicizma se v primerjavi zelo razlikujeta. Na prvi pogled jih lahko ločite drug od drugega: pretencioznost baroka je presenetljiva, seveda gre za kompleksna arhitekturna dela. Medtem ko imajo zgradbe v slogu klasicizma tako jasna razmerja in strog videz ki vas nehote spodbudijo k razmišljanju o vaši veličini in monumentalnosti.

Klasicizem in barok v slikarstvu

Klasicizem in barok, ki izhajata iz istega časovnega obdobja, imata v umetnosti svojevrstne značilnosti.

Michelangelo je eden najbolj znanih italijanskih umetnikov, ki je postavil nov stil v slikarstvu - barok. To so pretežno verski zapleti, žive podobe, čustveni prizori iz življenja navadni ljudje. Kontrast barv, svetloba in mrak, številni gospodinjski predmeti, realizem čustev. Privrženci tega sloga v umetnosti - in Guido Reni.

Klasicizem ni nič manj slikovit, vendar je za osnovo vzeta antična Grčija. Rafael, Giulio Romano na svojih platnih upodabljata idealne fizične oblike božanskih likov. Hladne mitske zgodbe očarajo s svojo jedrnatostjo, nič odvečnim, premišljeno kompozicijo in prostorom do najmanjše podrobnosti igralci.

Izločiti je mogoče glavne elemente v primerjavi umetnostnih smeri klasicizma in baroka. Prvič, to je prava čustvenost baroka, moč zapleta in barvitost podob, in drugič, zadržana lepota starodavne mitologije, razumljiva in jedrnata v svoji manifestaciji.

Primerjava klasicizma in baroka v notranjosti

Poleg izjemnih umetnin in neverjetnih arhitekturnih spomenikov se barok in klasicizem odražata v notranjosti hiš in prostorov. Naprej - z poravnava klasicizma in baroka v dekoraciji prostorov.

Ta dva sloga sta v notranjost vnesla svoje glavne značilnosti. Najprej je drago. V obeh primerih gre za razkošje in bogastvo. In potem lahko govorimo o barvah. Barok je vedno svetel, vedno zlato, marmor, lakirane površine. Veliko dodatnih predmetov, zapletenih oblik pohištva in zapletenih vzorcev nadstreškov in oblazinjenja stolov. Seveda je to lepota, v katero se želite potopiti, vsak predmet, ki ga želite študirati. Občudovanje in pompoznost, kar kralji tako ljubijo.

Klasicizem v tem pogledu igra v nasprotju z barokom. Zadržane pastelne barve, ki se med seboj harmonizirajo. Mirna, a nič manj veličastna notranjost je bila ustvarjena, namesto da bi pomirila, ne pa motila. Pretežno svetle barve, jasnost linij, pravilnost predmetov. Funkcionalnost notranjih atributov pa ni brez svojega šarma.

Klasicizem in barok v Rusiji

Ta dva stila sta prišla v Rusijo v 18. stoletju. Kraljevska Rusija je bila v tesnem stiku z evropskimi državami in ni želela zaostati v priložnosti, da pokaže svojo veličino.

Baročni in utelešen, predvsem, Rastrelli. Prav on se je takrat ukvarjal z rekonstrukcijo in gradnjo glavnih zgradb Sankt Peterburga. Seveda so bili slogi rusificirani, pri čemer so bili sprejeti osnovna načela obeh smeri, tradicionalna ruska arhitektura je bila ohranjena. Samostan Smolni je morda najbolj izrazit predstavnik baroka v Sankt Peterburgu, "vrhunec" klasicizma pa je seveda Kazanska katedrala. Pri izvoru tega sloga v Rusiji so bili arhitekti V. Bazhenov, M. Kazakov, I. Starov, cerkve in hiše, zgrajene po njihovih načrtih, je mogoče videti v Moskvi.

Barok in klasicizem igrata pomembno vlogo v ruski arhitekturi. Tako v zgodovinski manifestaciji - nastanku Sankt Peterburga, nove Moskve, kot v boju za enakopravnost ruskih klasicističnih piscev.

Zdaj si je naših mest nemogoče predstavljati brez Ermitaža, Akademije znanosti in palače Tauride.

Klasicizem in barok v našem času

IN sodobni svet arhitekti se pogosto obračajo na barok in klasicizem, primerjajo in mešajo te sloge. Časi kraljev in cesarjev so minili, a ljubezen do razkošja in veličine je ostala. Zdaj že lahko vidite sodobne gradove v baročnem slogu nekje na Rubljovki ali klasicistično dačo drugega oligarha v vasi Nirvana pri Sankt Peterburgu.

V hotelu Trezzini se lahko potopite v razkošje kraljev, v restavraciji Empire pa okusite jedi sodobnih kraljev. A to je že današnji luksuz, čeprav še vedno ni dostopen vsem.