Glasbena umetnost do pozne oživitve. Lekcija glasbene literature "Glasba renesanse". IV. Delo s predstavitvijo

Estetika renesanse je povezana z velikimi preobrati, ki se v tej dobi dogajajo na vseh področjih. javno življenje: v ekonomiji, ideologiji, kulturi, znanosti in filozofiji. V tem času je bil razcvet urbane kulture, velika geografska odkritja, ki so neizmerno razširila obzorja človeka, prehod od obrti do manufakture.

Revolucionarni razvoj produktivnih sil, razpad fevdalnih razrednih in cehovskih odnosov, ki so omejevali proizvodnjo, vodijo k osvoboditvi posameznika, ustvarjajo pogoje za njegov svoboden in vsesplošen razvoj. Nedvomno vse to ni moglo vplivati ​​na naravo pogleda na svet. V renesansi je proces radikalnega zloma srednjeveški sistem pogledov na svet in oblikovanja nove, humanistične ideologije. Ta proces se odraža tudi v glasbeni estetiki. Že XIV. stoletje je bilo polno simptomov prebujanja novega estetskega pogleda na svet. Umetnost in estetika Ars nove, razprave Johna de Grohea in Marchetta iz Padove so postopoma zamajale tradicionalni sistem srednjeveške glasbene teorije. Tu je bil spodkopan teološki pogled na glasbo, ki je temeljil na prepoznavanju neke vrste nebeške glasbe, ki je ne zaznavajo čutila. Vendar pa stoletja stara tradicija srednjeveške glasbene teorije ni bila popolnoma uničena. Trajalo je še eno stoletje, da se je glasbena estetika končno osvobodila tradicionalnih vzorcev, ki so jo omejevali.

Glasbena estetika renesanse v razlagi vprašanja namena glasbe temelji na realni praksi, za katero je značilen izreden razvoj glasbe v javnem življenju. V tem času se v mestih Italije, Francije, Nemčije oblikuje na stotine glasbenih krožkov, v katerih se navdušeno ukvarjajo s skladanjem ali igranjem na različna glasbila. Posedovanje glasbe in znanje o njej postaneta bistvena elementa posvetne kulture in posvetne izobrazbe. Slavni italijanski pisatelj Baldazar Castiglione v svoji razpravi O dvoru (1518) piše, da človek ne more biti dvorjan, »če ni glasbenik, ne zna brati glasbe iz oči in ne ve ničesar o različnih instrumentih«. O izjemni razširjenosti glasbe v civilnem življenju 16. stoletja priča slikarstvo tega časa. Na številnih slikah, ki prikazujejo zasebno življenje plemstva, nenehno srečamo na stotine ljudi, ki se ukvarjajo z glasbo: pojejo, igrajo, plešejo, improvizirajo itd.

Prva kultura renesanse je nastala in se razvila v Italiji. Stoletja renesanse pri nas zaznamuje močan razvoj ljudske poezije in glasbe ter glavna vloga zasedajo najbogatejšo tradicijo pisanja pesmi v žanrih, kot so lauda, ​​frottola, vilanella. Enako priljubljena zvrst v vsakdanjem urbanem muziciranju je bila kachchia, ki je običajno upodabljala sočen žanrski prizor z običajnimi intonacijami v besedilu in glasbi - vse do krikov krošnjarjev in prodajalcev. Kachchiya je pogosto spremljal okrogli ples. Italijanska balada je tudi pogosta zvrst pesemskih in plesnih besedil, povezana s solo zborovsko izvedbo (v Franciji je imela tedaj podobne značilnosti zvrst virelet). Intonacije ljudskih pesmi, določena teža melodičnega načela, domiselnost teksture - te lastnosti posvetne vsakdanje glasbe prodirajo tudi v sakralno glasbo, vse do polifoničnih maš.

Melodična in melodična narava glasbe je bila posledica dejstva, da so se v Italiji precej hitro razvile tradicije solistične in ansambelske glasbe, ki se izvajajo na godalnih glasbilih. Na splošno je k nastanku prispevala velika razširjenost instrumentalne glasbe homofonsko skladišče in funkcionalno harmonijo.

Preden se je v glasbenih krogih Italije (v zadnji četrtini 16. stoletja) pojavila violina in se je začela razvijati izdelava violin kremonskih mojstrov Amatija, Stradivarija, Guarnerija in drugih, je bila posebej priljubljena lutnja (najbolj znana lutnja skladatelj je bil Francesco Milano), viola, španska kitara, teorba (velika bas lutnja).

Violinska obrt se je najprej oblikovala v delih B. Donatija, L. Viadana, G. Giacomellija (slovel je po svoji veščini dolgega loka in legato tehniki). Nov korak v razvoju violinskega poustvarjanja je povezan z delom C. Monteverdija, ki razvija pasažno tehniko, uporablja tremolo, pizzicato, obogati dinamiko s polarnimi kontrasti pp in ff.

Velik preporod je bil opazen na področju izvajanja orgel in čembala. Iz 40. let. stoletja se število orgelskih zbirk močno poveča, pojavi se cela galaksija izjemnih organistov - Villaerte, Andrea in Giovanni Gabrieli, Claudio Merulo, Cavazzoni. Ti mojstri postavljajo temelje italijanske orgelske umetnosti in ustvarjajo zvrsti instrumentalne glasbe - ricercar, canzone, toccata.

Izvedba čembala v veliki meri uporablja vsakdanje plese, priredbe priljubljenih posvetnih pesmi. Izjemen skladatelj-improvizator na orglah in klavirju je bil Girolamo Frescobaldi, v čigar delu so se pojavile cele zbirke glasbe za čembalo - plesni cikli.

Italijansko skladateljsko šolo predstavljajo tudi dejavnosti profesionalnih polifoničnih skladateljev - Adrian Villaerta in njegovi učenci Ciprian de Rore, Andrea in Giovanni Gabrieli, Giovanni Pierluigi da Palestrina. Njihova ustvarjalna dediščina je raznolika in jo sestavljajo predvsem vokalna večglasna dela - več deset maš, duhovnih in posvetnih madrigalov, motetov, ki jih je izvajal predvsem zbor a capella.

Močan razvoj polifonije na Nizozemskem je razložen z bogastvom ljudske polifonije in prisotnostjo posebnih šol - študentskih domov za zboriste (metris) pri katedralah bogatih nizozemskih mest.

Več generacij skladateljev je pripadalo nizozemski polifonični šoli. Njihove dejavnosti niso potekale le na Nizozemskem, ki je takrat pokrivala ozemlja sodobne Belgije, Luksemburga, jugozahodne Nizozemske in severne Francije (od tod tudi drugo ime šole - francosko-flamska). Glavni predstavniki nizozemske šole so plodno delovali v Rimu (Dufay, Obrecht, Joskin) in drugih mestih (Villaert, Rore - v Benetkah, Isaac - v Avstriji in Nemčiji, Benchois - v Dijonu na burgundskem dvoru).

Nizozemska šola je povzela večstoletni razvoj polifonije v vseh evropskih državah. Čeprav je cerkvena glasba v delu teh mojstrov zagotovo zasedala vodilno mesto, pa vendarle

Toda poleg duhovnih del so skladatelji napisali številne posvetne polifone pesmi, ki so odražale bogat svet idej in občutkov, značilnih za renesanso.

večina monumentalni žanr Delo nizozemskih polifonistov je bilo množica, v kateri je potekala bistvo načel polifonije strogega sloga. Vendar pa dejavnost vsakega mojstra razkriva inovativne lastnosti, povezane z iskanjem izhoda iz ustaljenih izraznih kanonov. Naslon na obstoječe pesemsko in plesno gradivo, medsebojno vplivanje duhovnih in posvetnih zvrsti vodi do postopnega ločevanja melodičnega glasu v polifoniji, do oblikovanja akordske vertikale in funkcionalnega mišljenja.

Vrhunski dosežek nizozemske polifonije v 16. stoletju je bilo delo Orlanda Lassa. V njegovem delu so bili koncentrirani najširši žanrski interesi renesanse: poklonil se je skoraj vsem vokalnim oblikam svojega časa - madrigalu, maši, motetu, francoskemu šansonu in celo nemški polifonični pesmi. Skladateljeva dela so nasičena z življenjskimi podobami, imajo svetlo melodijo, raznolik ritem v reliefu, dosledno razvit harmonski načrt, ki jim je zagotovil izjemno priljubljenost (večkrat so jih uporabili drugi skladatelji za lutnje in orgelske aranžmaje).

Razvoj renesančnih teženj in oblikovanje francoske nacionalne kulture sta bila začrtana že v XIV. Izjemna predstavnika umetnosti zgodnje renesanse v francoski glasbi sta bila Philippe de Vitry in Guillaume de Machaux, ki sta pustila veliko zapuščino v žanrih virelay, le, rondo balad.

Globoko življenjska in realistična je bila za francosko glasbeno umetnost najznačilnejša zvrst šansona, ki je večglasna pesemska oblika s posvetnim besedilom in praviloma ljudsko-vsakdanjim napevom. V tem žanru so se nove renesančne značilnosti najbolj jasno manifestirale v vsebini, zapletu in značilnostih izraznih sredstev.

Francoski šanson 15.-16. stoletja je nekakšna "enciklopedija" francoskega življenja tistega časa. Vsebinsko je raznolika in je lahko pripovedna, lirična, intimna, žalostna, šaljiva, opisna, galantna. Značilna je tudi raznolikost njihovih lestvic - od več mer do 42 strani.

Enostavnost in neposrednost izraznih sredstev, periodična struktura z določenimi zaključki na D in T, tehnika sola, ki jo nato povzame celoten ansambel - značilne lastnostižanr, katerega glasba včasih spominja na ljudski ples, lirsko-epski napev ali živahno mestno ulično pesem - prototip bodočega vodvilja. Za šansonsko glasbo je značilno poudarjanje ritmične osnove, včasih je zanj značilno kupletno skladišče ali krožna rondo podoba, za spremljanje pa se lahko uporabljajo ljudska glasbila.

Najizrazitejši skladatelj francoske renesanse je bil Clement Janequin, čigar delo je odražalo subtilna ljubezenska besedila (v pesmih na besedila pesnika Ronsarda) in izražanje razpoloženj žalosti in žalosti ter poln življenja in gibanje prizorišča ljudske zabave. V njegovi zapuščini posebno pozornost pritegnejo velike zborovske domišljijske pesmi programskega značaja, polne domiselnosti in duhovitih najdb na področju zborovskega pisanja. V njih je Zhanequin barvito prikazal življenje in način življenja svojega časa. Najbolj znani so "Bitka", "Lov", "Ptičje petje", "Ulični kriki Pariza".

Poleg več kot 200 pesmi je Janequin napisal motete in maše. Toda na področju glasbe za katoliški kult pogumno uporablja ljudske melodije, intonira duhovna besedila ob fanfarah vojaške glasbe in uvaja plesne ritme.

Takšna obravnava ljudske pesemske in plesne snovi je bila v veliki meri značilna za številne renesančne skladatelje, ki so v svojem delu združevali zanimanje za duhovne in posvetne zvrsti, kar je vodilo do dokončne ločitve posvetne glasbe v polje umetniške neodvisnosti. in strokovnost.

Glasbeno estetiko renesanse so skladatelji in teoretiki razvijali enako intenzivno kot druge zvrsti umetnosti. Konec koncev, tako kot je Giovanni Boccaccio verjel, da je Dante s svojim delom prispeval k vrnitvi muz in vdahnil življenje mrtvi poeziji, tako kot je Giorgio Vasari govoril o oživitvi umetnosti, tako je Josephfo Zarlino v svoji razpravi Ustanovitev zapisal Harmonije (1588): "Ali je za to zahrbten čas? krivda ali človeška malomarnost - vendar so ljudje začeli malo ceniti ne samo glasbo, ampak tudi druge vede. In dvignjena do največje višine, je padla do skrajne nizkosti; in potem, ko so ji izkazovali nezaslišano čast, so jo imeli za bedno, nepomembno in tako malo počaščeno, da so jo celo znanstveniki komaj prepoznali in ji niso hoteli dati vrednega.

Že na prehodu iz 13. v 14. stoletje je v Parizu izšla razprava »Glasba« mojstra glasbe Johna de Grohea, v kateri kritično premišlja srednjeveške predstave o glasbi. Zapisal je: »Tisti, ki so nagnjeni k pripovedovanju pravljic, so rekli, da so glasbo izumile muze, ki so živele ob vodi. Drugi so rekli, da so ga izumili svetniki in preroki. Toda Boetij, pomemben in plemenit človek, se drži drugih pogledov ... V svoji knjigi pravi, da je Pitagora odkril začetek glasbe. Zdelo se je, da ljudje pojejo že od samega začetka, saj jim je glasba prirojena po naravi, po Platonu in Boetiju, vendar temelji petja in glasbe niso bili znani vse do Pitagorovega časa ...«

Glasba, tako kot poezija in slikarstvo, dobi nove lastnosti šele v 15. in zlasti v 16. stoletju, ki ga spremlja pojav vse več glasbenih razprav.

Glarean (Heinrich Loris iz Glarusa, 1488-1563), avtor glasbenega dela "Dvanajst strun" (1547), je bil rojen v Švici, študiral je na Univerzi v Kölnu na oddelku za umetnost. Magister svobodnih umetnosti se v Baslu ukvarja s poučevanjem poezije, glasbe, matematike, grščine in latinščine, kar govori o življenjskih interesih dobe. Tu se je spoprijateljil z Erazmom Rotterdamskim.

Glarean

Glarean pristopa k glasbi, zlasti cerkveni, kot umetnikom, ki so nadaljevali s slikanjem in freskami v cerkvah, torej da bi morala glasba, tako kot slikarstvo, zunaj religiozne didaktike in refleksije predvsem dajati užitek, biti »mati užitka«. ”.

Glarean utemeljuje prednosti monodične glasbe pred polifonijo, pri čemer govori o dveh vrstah glasbenikov: fonah in simfonikih: prvi imajo naravno nagnjenost k skladanju melodije, drugi pa k razvoju dvo-, tri- ali večglasne melodije.

Glarean poleg razvijanja glasbene teorije obravnava tudi zgodovino glasbe, njen razvoj, kot kaže, v okviru renesanse, pri čemer popolnoma zanemarja glasbo srednjega veka. Utemeljuje idejo o enotnosti glasbe in poezije, instrumentalne izvedbe in besedila. V razvoju glasbene teorije je Glarean z uporabo dvanajstih tonov uzakonil eolski in jonski način in s tem teoretično utemeljil pojma dur in mol.

Glarean se ne omejuje le na razvoj glasbene teorije, ampak obravnava dela sodobnih skladateljev Josquina Despresa, Obrechta, Pierra de la Rueja. O Josquinu Depresu govori z ljubeznijo in navdušenjem, kot Vasari o Michelangelu.

Josephfo Zarlino (1517 - 1590), katerega izjavo že poznamo, je z njo za 20 let vstopil v frančiškanski red v Benetkah. glasbeni koncerti in razcvet slikarstva, ki je prebudil njegov poklic glasbenika, skladatelja in glasbenega teoretika. Leta 1565 je vodil kapelo sv. Znamka. Menijo, da je Tsarlino v eseju "Vzpostavitev harmonije" v klasični obliki izrazil osnovna načela glasbena estetika Renesansa.

Josephfo Carlino

Carlino, ki je govoril o zatonu glasbe, seveda v srednjem veku, se pri razvijanju svojega nauka o naravi glasbene harmonije opira na antično estetiko. »Koliko je bila glasba poveličevana in sveta, nazorno pričajo zapisi filozofov in predvsem pitagorejcev, saj so verjeli, da je svet ustvarjen po glasbenih zakonitostih, da je gibanje sfer vzrok harmonije in da je naša duša je zgrajena po istih zakonih, prebuja se iz pesmi in zvokov in zdi se, da življensko vplivajo na njene lastnosti.

Zarlino je nagnjen k temu, da je glasba glavna med svobodnimi umetnostmi, saj je Leonardo da Vinci hvalil slikarstvo. A ta strast do določenih zvrsti umetnosti nas ne sme zmesti, saj govorimo o harmoniji kot celoviti estetski kategoriji.

Josephfo Carlino je tako kot Tizian, s katerim je bil povezan, pridobil široko slavo, bil je izvoljen za člana Beneške akademije slave. Estetika pojasnjuje stanje stvari v glasbi v času renesanse. Ustanovitelj beneška šola glasbe je bil Adrian Willaert (med 1480/90 - 1568), po rodu Nizozemec. Tsarlino je pri njem študiral glasbo. Beneško glasbo je tako kot slikarstvo odlikovala sijaj zvočne palete, ki je kmalu dobila baročne značilnosti.

Poleg beneške šole sta bili največji in najvplivnejši rimska in florentinska. Skupnost pesnikov, humanističnih učenjakov, glasbenikov in ljubiteljev glasbe v Firencah se imenuje Camerata. Vodil jo je Vincenzo Galilei (1533 - 1591). Z razmišljanjem o enotnosti glasbe in poezije ter hkrati z gledališčem, z dogajanjem na odru, so člani Camerate ustvarili novo zvrst – opero.

Prvi operi sta "Dafna" J. Perija (1597) in "Evridika" na besedila Rinuccinija (1600). Tu je bil narejen prehod iz polifonega sloga v homofoničnega. Tu sta bila prvič izvedena oratorij in kantata.

Glasba Nizozemske v 15. - 16. stoletju je bogata z imeni velikih skladateljev, med njimi Josquina Despresa (1440 - 1524), o katerem je pisal Zarlino in je služil na francoskem dvoru, kjer se je razvila francosko-flamska šola. Domneva se, da je bil najvišji dosežek nizozemskih glasbenikov zborovska maša a capella, ki ustreza težnji navzgor gotskih katedral.

Joskin Despres

V Nemčiji se razvija orglarska umetnost. V Franciji so na dvoru ustanovili kapele in prirejali glasbene festivale. Leta 1581 Henrik III odobril položaj "glavnega intendanta glasbe" na dvoru. Prvi "glavni glasbeni direktor" je bil italijanski violinist Baltazarini de Belgioso, ki je postavil "kraljičin komedijski balet", predstavo, v kateri sta glasba in ples prvič predstavljena kot odrska akcija. Tako je nastal dvorni balet.

Clement Janequin (ok. 1475 - ok. 1560), izjemen skladatelj francoske renesanse, je eden od utemeljiteljev zvrsti polifone pesmi. To so 4-5-glasna dela, kot fantazijske pesmi. Posvetna polifonična pesem - šanson - je postala razširjena zunaj Francije.

V renesansi je bila instrumentalna glasba močno razvita. Med glavnimi glasbili so lutnja, harfa, flavta, oboa, trobenta, različne vrste orgel (pozitivne, prenosne), sorte čembala; violina je bila ljudsko glasbilo, vendar z razvojem novih godalnih glasbil, kot je viola, postane violina ena vodilnih glasbil.

Lutnja je najpogostejše, najljubše glasbilo v mnogih zahodnih državah. evropskih državah renesansa. Poznana je v skoraj vseh družbenih krogih. Igrajo jo na kraljevih, knežjih in vojvodskih dvorih virtuozni glasbeniki in plemiški ljubitelji umetnosti, nenehno zveni v humanističnih krogih, na vseh vrstah »akademij« 16. stoletja, v domačem življenju meščanov, na prostem, v različnih zasedbah, tudi gledaliških.

V 16. stoletju so v številnih evropskih državah stopile v ospredje sijajne ustvarjalne figure skladateljev za lutnjo. Največji med njimi so bili: Francesco Canova da Milano (1497-1543) in Vincenzo Galilei (ok. 1520-1591) v Italiji, Luis de Milan (ok. 1500 - po 1560) in Miguel de Fuenliana (po 1500 - ok. 1579) ) v Španiji, Hans (um. 1556) in Melchior (1507-1590) Neusiedlers v Nemčiji, John Dowland (1562-1626) v Angliji, Madžar po rodu Valentin Greff Backfark (1507-1576), Wojciech Dlugoraj (ok. 1550) - po 1619) in Jakub Reis na Poljskem. V Franciji so se najpomembnejši skladatelji lutnje pojavili že v 17. stoletju. In čeprav je poleg zgoraj omenjenih vrhunskih mojstrov povsod delovalo še veliko izjemnih lutnistov ali vihuelistov (Španija je bila z njimi še posebej bogata), je bilo kljub temu ogromno del za lutnjo takrat razširjeno po Evropi brez imena avtorjev. Zdelo se je, da ta anonimna vsakdanja glasba pripada vsem: zdelo se je, da si države izmenjujejo svoj repertoar, nemški plesi so se pojavili v italijanskih zbirkah, italijanski, poljski in francoski pa v nemških. Oznake skladb so bile zelo jedrnate: "Odličen Passamezzo", "Dobra stvar", "Francoska Correnta", "Italijanska", "Beneška" itd.

Tudi druga, pozneje rokopisna zbirka vsebuje več kot sto iger. Dobra polovica jih je plesov: passamezzo, saltarello, pavane, galliard, francoski correnta, poljski plesi, nemški plesi, preprosto "Nachtanz" ali "Danza", allemande. Poleg tega je vrsta predstav z imeni "Maškarada", "Benečanka", "Bergamasca", "Fyamenga" plesnega značaja. Kot lahko vidite, je izvor plesov italijanski, francoski, nemški, poljski ali španski. V vsem tem repertoarju zagotovo prevladuje passamezzo (včasih z oznako "Passo mezzo bonissimo", ali "Milanese", ali "Moderno") - dvodelni ali štiriglasni ples "polkorakov", nenagljen, že takrat združen s svojim " par" - saltarello (ples "s skoki", hiter, tristranski).

Najslavnejši italijanski lutnjist svojega časa Francesco da Milano (ki je služil na dvorih vojvode Gonzaga v Mantovi, nato kardinala Ippolita de' Medici) je začel svoja dela objavljati od leta 1536 in zelo hitro zaslovel tako v Italiji kot v druge države.

Theorbo Gerard Ter Borch (1617-1681) približno 1658

Do konca 16. stoletja in pozneje se splošni slog glasbe za lutnjo opazno spremeni. V Italiji na primer postane virtuoz na svoj, koncertni način. Plesi in pesmi sčasoma dobijo kompleksnejšo, mestoma bujnejšo obdelavo, čeprav ne izgubijo stika z vsakdanjimi viri. Zdi se, da lutnja v rokah skladateljev skuša izčrpati svoje možnosti. Med koncertnimi skladbami G. A. Terzija (1593) so tako mojstrsko predstavljeni pasameci kot celotni plesni cikli, kot je »Ballo Tedesco et Francese«.

Vincenzo Galilei, oče velikega astronoma, je v sedemdesetih in osemdesetih letih 15. stoletja pritegnil pozornost svojih sodobnikov s svojimi dramatičnimi pesmimi za lutnjo in nazadnje odigral pomembno vlogo pri pripravi monodije s spremljavo, na podlagi katere so nastale prve opere v Nastala je Italija.

Glasba Vihuela je v Španiji cvetela v 16. stoletju. Med letoma 1535 in 1576 so izšle zbirke skladateljev vihuele Luis Milan ("Maestro", Valencia, 1535-1536), Luis de Narvaez (Valladolid, 1538), Alonso Mudarra (Sevilla, 1546), Enriquez de Valderrabano (Valladolid, 1547) , Diego Pisador (Salamanca, 1552), Miguel de Fuenllana (»Orpenica lyra«, Sevilla, 1554), Esteban Das (Valladolid, 1576) in nekateri drugi mojstri.

prav tako pomembna je ustvarjalna figura Miguela de Fuenllana, slepega od rojstva, virtuoza na vihueli. Rodil se je v Navalcarnaru pri Madridu, bil v letih 1562-1569 komorni glasbenik markiza de Tarifa, nato je služil na dvoru Filipa II. in nazadnje postal dvorni glasbenik Izabele Valoiške. Njegova zbirka "Orfejeva lira" je sestavljena iz šestih knjig in obsega 188 del. Med njimi prevladujejo priredbe tujih vokalnih skladb, veliko domislic in le nekaj tientov. Kot da tu ni nič novega glede žanrskih raznovrstnosti: najdemo jih tudi v Milanu. A v bistvu se Fuenllana tako skladanja fantazij kot priredb duhovnih in posvetnih vokalnih izvirnikov loteva nekoliko drugače. Njegove fantazije so bolj asketske od Milanovih, saj skladatelj stremi k vzdržni večglasni podaji (dvo- in štiriglasje), ki ob skromnih zmožnostih vihuele sklene njegovo domišljijo. Pri aranžmajih se Fuenllana naslanja na vokalna dela španskih skladateljev C. Moralesa, X. Vasqueza, P. in F. Guerrera, navezuje pa se tudi na glasbo Josquina Despresa, A. Villarta, F. Verdela, N. Gomberta, C. Festa, J. Arkadelta, Jacquet, L. Eritje, Lupus in drugi. K njim ga pritegnejo deli maš, pa moteti, madrigali in vnljansikosi. V svojih priredbah teh večglasnih vokalnih vzorcev pogosto ne »prevaja« za vihuelo, temveč ustvarja njihove variante, na primer za glas z vihuelo ali za dvoglasje. Človek se lahko samo čudi, kako se je lahko slepi glasbenik tako poglobil v večglasno tkivo in ga »preoblikoval« po svoje, ne da bi lahko večkrat poslušal originale in da ne bi imel partitur (kot take še niso obstajale). - vsaj, da jih preučijo s pomočjo prijateljev ali kolegov.

Lutnjist Bartholomeo Veneto

Lorenzo Costa. "Koncert" - renesančna slika

Po obsegu nadarjenosti in povezanosti z različnimi evropskimi državami izstopa v drugi polovici 16. stoletja pomemben ustvarjalec Valentin Greff Backfark. Rodil se je leta 1507 v Brassu (Kronstadt, Siebenbürgen) in je bil madžarskega porekla (Greff je materin priimek). Leta svojega glasbenega šolanja je očitno minila na dvoru madžarskega kralja Janosa, pozneje pa je bil mladi glasbenik v njegovi službi vse do kraljeve smrti leta 1540. Nato je verjetno Backfark obiskal Francijo in od leta 1549 postal dvorni glasbenik poljskega kralja Sigismunda Avgusta II. Od leta 1551 do 1554 je z enim od svojih mecenov obiskal Koenigsberg, Danzig, Wüttenberg, Augsburg, Lyon, bil v Parizu na dvoru, pozneje v Rimu, Benetkah – in se vrnil na poljski dvor v Vilno. Leta 1553 je v Lyonu izšla zbirka njegovih skladb za lutnjo. Do takrat je Bakfark že postal znan "skladatelj-lutnjist." Leta 1665 je v Krakovu izšla nova zbirka njegovih del.V letih 1566-1568 je Bakfark delal na dvoru cesarja Maksimilijana II na Dunaju, nato pa je vrnil se je v domovino v Siebenbürgen, končno ga leta 1571 najdemo v Padovi v Italiji, kjer je Buckfarck leta 1576 umrl zaradi kuge.

Zdi se, da je v Angliji in Franciji glasba za lutnjo, ki je komaj dosegla svoj vrhunec, svoje izkušnje prenesla na glasbila s tipkami: virginel v Angliji in čembalo v Franciji. Največji angleški lutnjist John Dowland je deloval ob rami s svojimi sodobniki zgodnjimi virginalisti. Najboljši francoski lutnjisti, med njimi Denis Gauthier, so delovali že v 17. stoletju - predstavniki prve generacije čembalistov pa so se izkazali za njihove neposredne dediče.

Obdobje oblikovanja narodov se je močno odrazilo v glasbi in predvsem v ljudski pesmi. Narodi se še niso dokončno izoblikovali, vendar je že nastala narodna pesemska folklora - francoska in španska, češka in poljska, srbska in madžarska, nemška in nizozemska, italijanska in angleška s svojimi značilnimi temami, žanri, intonacijskim sistemom. Najboljše izmed teh pesmi in napevov, ki najbolj jasno izražajo svojevrsten značaj, čustva in misli ljudi, so se postopoma razvile iz lokalne folklore v narodno.

italijanski madrigali, francoske večglasne pesmi (šansoni), angleške arije in balade - reproducirane slike domače narave, podeželskega in mestnega življenja; razkrival najgloblja človekova doživetja, se korak za korakom osvobajal spon starega patriarhalni odnosi, tradicije in predsodki.

Prenova glasbenega življenja in umetnosti je pomenila njegovo demokratizacijo, širši in smelejši nagovor k vrelcem ljudske pesemske ustvarjalnosti. Od tod je bogato črpala poklicna - duhovna in posvetna - glasba.

Sklicevanje na ljudske izvore je zlasti na severozahodu Evrope, v Angliji in na Nizozemskem, prispevalo k vse širši razširjenosti polifonične (večglasne) glasbe. Oblikoval jo različne zvrsti: maša, motet, adrigal, večglasna pesem. Zmagoviti sprevod polifonije je ustrezal že doseženi višji stopnji melodičnega razvoja.

Glasbena renesansa se ni razvijala enakomerno, v »neprekinjenem toku«, ampak v svojevrstnih »ciklih«, ki so naraščali in usihali ter potiskali naprej eno ali drugo državo v Evropi.

V XIV stoletju. pred nami je bila izrazito inovativna umetnost severnoitalijanskih mest. 15. stoletje, zaznamovano z »zatišjem« v Italiji, postane obdobje hitrega razvoja ene najmočnejših in najširših renesančnih smeri v glasbi tistega časa - nizozemske polifonije. V XVI stoletju. nizozemska šola, ki je končala svoj razcvet v svoji domovini, začne aktivno migracijo v druge države in nacionalne kulture, medtem ko Italija vstopi v novo svetlo obdobje, povezano z briljantnim vrhuncem madrigalnega žanra in kultne polifonije. Ali še enkrat: v času, ko je italijansko visoko renesanso že zamenjala protireformacija, je vrhunska zvrst francoske glasbene renesanse - večglasna pesem (šanson) - dosegla svoj najvišji vrh.

Rodila se je zvrst, ki naj bi bila po samem duhu renesančne estetike in po težnjah njenih najbolj izobraženih predstavnikov dovršitev in najvišji cvet renesanse – opera kot obnova antičnega gledališča. šele takrat, ko je italijanščine (XVI. stoletje) že zmanjkovalo in naj bi na novopečeni muzikal vplivali drugi slogi in umetniški ideali.

Severna italijanska mesta - Firence in Bologna, Padova in Pisa, Perugia in Rimini - so ustvarila svojo novo glasbeno umetnost. Izjemni glasbeniki zgodnje renesanse - Janez iz Firenc, Girardelo, Francesco Landino, Pietro Casella - so zapustili številna dela lirskega in lirskega žanra za petje ob spremljavi lutnje in drugih strunskih instrumentov. Nekatere njihove skladbe so izvajale tudi instrumentalne zasedbe. Ta glasba je bila deloma povezana z ljudskim izvorom in je doživela najmočnejši vpliv zgodnjega italijanskega humanizma. Duh renesanse se je prvič široko in polno pokazal v čisto posvetni šoli visoko profesionalne umetnosti – šoli, ki je odkrito nasprotovala cerkveni polifoniji »starega sloga« in neizmerno presegla »polprofesionalno« posvetno liriko večine trubadurjev in trouveurs, ti predhodniki glasbene renesanse.

Prvič je melodija, bolj spevna in gibka od tiste srednjeveških mojstrov, zazvenela v sozvočju z italijanskimi verzi (Petrarke in drugih pesnikov), sledila je njegovim podobam, metru in ritmu. To so bile realistične žanrske slike na različne teme: lov v gorah s fanfarami rogov in klicem lovcev; sprehod in zabavna scena naprej ribolov; trgovci na trgu, ki tekmujejo, da bi povabili kupce.

V središču gibanja ars nova se dviga lik Francesca Landinija, bogato in vsestransko nadarjenega umetnika, ki je naredil močan vtis na napredne sodobnike. Landini se je rodil v Fiesoleju blizu Firenc leta 1325 v slikarski družini. Potem ko je v otroštvu prebolel črne koze, je za vedno oslepel. Zgodaj se je začel učiti glasbe (najprej petja, nato pa igranja na godala in orgle) – »da bi z nekaj tolažbe omilil grozo večne noči«. Njegov glasbeni razvoj je potekal s čudovito hitrostjo in navduševal okolico. Odlično je preučil zasnovo številnih inštrumentov (»kot bi jih videl s svojimi očmi«), jih izboljšal in izumil nove dizajne. Z leti je Francesco Landini presegel vse sodobne italijanske glasbenike. Še posebej je bil znan po igranju orgel, za kar je bil v prisotnosti Petrarke leta 1364 v Benetkah okronan z lovoriko. Landini očitno takrat še ni bil znan kot skladatelj in je morda začel komponirati šele od sredi 1360-ih gg. Sodobni učenjaki pripisujejo zgodnja dela do 1365-1370 Znano je, da se je Landini v Firencah veliko pogovarjal s pesniki, sam pesnil in enakopravno sodeloval v znanstvenih estetskih sporih humanistov. Landini je umrl v Firencah in je pokopan v cerkvi San Lorenzo; njegov nagrobnik nosi datum: 2. september 1397. Dolgo časa je bilo objavljenih le nekaj Landinijevih spisov. Danes je znanih 154 skladb.

Francesco Landini

V XV stoletju. pojavile so se nove, demokratične vokalne zvrsti, ki so ustrezale širšim, odprtim, družbenim oblikam glasbenega življenja. Posebej priljubljena je postala Frottola, katere ime dobesedno - "pesem množice" že govori o njeni plebejski naravi. Skladatelji frotolistov so pisali v slogu, ki je blizu pesem folklora italijanska mesta. Frottola se je od zvrsti 14. stoletja razlikovala po spevni in ekspresivni melodiji ter jasni durski lestvici.

Toda šestnajsto stoletje velja za najbolj bogato z dogodki v zgodovini italijanske glasbene umetnosti, saj predstavlja takrat kompleksnejšo sliko kot v katerem koli prejšnjem stoletju. Nekatere smeri so tukaj dosegle svoj vrhunec kot rezultat dolgotrajnega razvoja (vokalna polifona glasba strogega stila), druge so nastale in se intenzivno razvijale, ki jih je ustvarilo duhovno ozračje tega obdobja (posvetna glasba v zvrsti madrigala), tretje so bile neopazno pripravljajo na predvečer nove prelomnice, ki se je zgodila na prehodu iz XVI v XVII stoletje, ko se je končala doba visoke renesanse.

Vzpona rimske šole, ki jo je vodil Palestrina, navzven ne moremo povezati z obdobjem protireformacije. Vendar pa pravo bistvo umetnosti Palestrine potrjuje stališče, da je pomembno kreativne ideje renesanse, ki pa je dobila nekakšno utelešenje v novih zgodovinskih razmerah.

Začetek protireformacije se je odrazil v splošni spremembi duhovnega ozračja, v katerem se je umetnost razvijala od sredine do konca 16. stoletja. Napredni umetniki si niso mogli pomagati, da ne bi občutili zatiranja katoliške reakcije, ki je preganjala "heretike", dejanj inkvizicije, omejitev napredne misli, torej v korenu protirenesančnega programa delovanja, ki ga je papeštvo sprejelo. in izvedena. Najvišje umetniško ravnotežje, doseženo v umetnosti visoke renesanse, je bilo neizogibno omajano in zlomljivo.

Giovanni Pierluigi da Palestrina se je rodil okoli leta 1525 in je vzdevek prejel po rojstnem kraju (Palestrina, blizu Rima). Že od otroštva je pel v katedrali svojega rojstnega mesta, od leta 1534 pa je postal kapelni pevec v Rimu. Od tega trenutka je bil Palestrina skoraj vse življenje povezan s slavnimi cerkvami papeške prestolnice. Ta prvobitna povezanost s katoliškim kultom in katoliškimi krogi, globoka religioznost, ki je bila lastna njegovemu svetovnemu nazoru, ni mogla vplivati ​​na njegovo delo. Po tridentinskem koncilu se je Palestrine prijela legenda o »rešeniku cerkvene glasbe«; ena od njegovih maš, izvedena v hiši kardinala, je prepričala višjo duhovščino, da večglasna glasba ne more zamegliti pomena besed in zato ne krši cerkvene pobožnosti. Do konca svojih dni Palestrina ni bil naklonjen spremembi svojega življenjskega sloga, čeprav so ga številni vladarji vabili na svoj dvor. Samo v Zadnja leta, verjetno utrujen od svojih dolžnosti v Rimu, se je Palestrina želel vrniti v domovino. Toda njegova smrt 2. februarja 1594 je preprečila uresničitev teh namer.

Giovanni Pierluigi da Palestrina

Ustvarjalna dediščina Palestrine je presenetljiva po svojem obsegu. Ustvaril je več kot 100 maš, več kot 300 motetov, več kot 100 madrigalov. V njegovi glasbi prevladuje razpoloženje zbrane, umirjene, vzvišene kontemplacije. Ustvarjalni razcvet je Palestrina dosegel, ko je renesansa za druge umetnosti že odhajala v preteklost. Predstavljal je tudi glasbeni vrh te kulture in njeno glavno idejo - idejo o popolni harmoniji človeka in sveta - utelesil s tisto idealizirano-posplošujočo lepoto, ki je bila pred njim in po njem še nemogoča - v italijanski zborovski umetnosti ni več mogoča.

Vse njegovo delo odlikuje živa renesančna interpretacija: intonacijska bližina ljudskemu izročilu in noelam, barviti zvočni zapisi, tu in tam se pojavijo parodični motivi.

Medtem ko so italijanska, francoska in španska renesansa na jugu Evrope odgrnile eno najsijajnejših strani v zgodovini svetovne literature in umetnosti, se je na severozahodu celine, na Nizozemskem, oblikovala v 15. stoletju. močna šola zborovske polifonije. V zgodovini glasbene kulture svoje države je postala vrhunec. Z osupljivo hitrostjo so njegovi poganjki vzklili v druge države. Na njenih dragocenih izkušnjah se je učila in rasla polifona umetnost Italije, Francije, Španije in Nemčije. Pridobila je mednarodni pomen. XV-XVI stoletja - razcvet nizozemske glasbe.

Ministreli so romali povsod in ustanavljali lastne šole v Bruggeu in drugih središčih. Koncerti orgelske glasbe so se odvijali v cerkvah v prostem času od bogoslužja. Središča glasbenega izobraževanja in teorije so bile zaprte sirotišnice, tako imenovani metriz, ki so že od otroštva usposabljali pevce in poklicne organiste. Iz metrisa so izšli veliki mojstri polifonije, kot so Guillaume Dufay, Gilles Benchois in drugi.

Vrhunec v zgodovini nizozemske šole je bilo delo Orlanda di Lassa. Po rodu iz Flandrije (rojen v Monsu, Hainaut, leta 1532), je odraščal v Italiji in tako kot njegovi predhodniki svojo glasbeno pot začel kot pevec. Laso je živel nemirno potepuško življenje, značilno za renesančne figure. Italija in Anglija, Francija in Antwerpen. Zadnjih 38 let je preživel v Münchnu kot kapelnik na dvoru bavarskega vojvode, kjer je umrl leta 1594. Bil je genialen glasbenik v smislu globine in moči svoje umetnosti, širokega razpona in ustvarjalne moči, eden izmed tisti, ki so jih imenovali titani renesanse.

Orlando di Lasso

Orkestru dirigira skladatelj O. Lasso

Tako za glasbeno umetnost renesanse niso značilni le dosežki nacionalnih in lokalnih (na primer rimskih, beneških in drugih) ustvarjalnih šol, temveč tudi bližina (včasih celo enotnost) pomembnih ustvarjalnih smeri.

Pošljite svoje dobro delo v bazo znanja je preprosto. Uporabite spodnji obrazec

Študenti, podiplomski študenti, mladi znanstveniki, ki bazo znanja uporabljajo pri študiju in delu, vam bodo zelo hvaležni.

Gostuje na http://www.allbest.ru/

Uvod

1.2 Francija

1.3 Italija

1.3.2 Beneška šola

1.4 Anglija

1.5 Nemčija

1.6 Španija

2. Glasbena estetika

2.4 Meistersingerji in njihova umetnost

Zaključek

Bibliografija

Uvod

Renesansa ali renesansa (fr. renaissance) je prelomnica v zgodovini kulture evropskih ljudstev. Odločilni svetovni nazor renesanse je bil v nasprotju s srednjeveškim teocentrizmom (filozofski koncept, ki temelji na razumevanju Boga kot absolutnega, popolnega, najvišjega bitja, vira vsega življenja in vsakršnega dobrega) in asketizma humanizem (iz lat. humanus - "človeško", "človeško"). Individualna vrednost pride v ospredje človeška osebnost, povečano zanimanje za zavedanje okoliškega sveta in realen odsev realnosti. Idealno harmonična oseba humanisti iskali v antiki, starogrška in rimska umetnost pa sta jim služili kot zgled umetniške ustvarjalnosti. Želja po »oživitvi« antične kulture je dala ime tej dobi, obdobju med srednjim in novim vekom (od sredine 17. stoletja do danes).

Prvo polovico 15. stoletja označujemo kot začetek renesanse v glasbi. V tem času se je oblikoval renesančni ideal harmonije in lepote, norme tako imenovanega strogega sloga. Za razliko od drugih vrst umetnosti ideali in merila renesančne glasbe niso bili ideali antike, saj so notni zapisi stare Grčije in starega Rima do 13.-16. še niso v celoti dešifrirani in analizirani. Zato so bili najpogosteje temelji glasbenih del te dobe poetična, literarna dela antike. Tako je na primer do konca XVI. operna dela vseboval kanone antike. V glasbi, tako kot v drugih oblikah umetnosti, je vse večja težnja po upodabljanju raznolikosti sveta, ideja raznolikosti pa se povezuje z željo po harmoniji in sorazmernosti vseh elementov celote. Pride do premisleka o družbenem statusu glasbe - pojavi se demokratična javnost, močno se razširi amatersko muziciranje - izvajanje iger ne le slavnih skladateljev, ampak tudi osebnih skladb. Tako so se prav v renesansi oblikovali predpogoji za razcvet vsakdanje in poklicne posvetne glasbene ustvarjalnosti, ki je imela značaj življenjske potrditve, veselja do življenja, humanizma in svetlih podob.

Istočasno je prišlo do sprememb v glasbenem pisanju: težke lesene tiskarske bloke so zamenjale mobilne kovinske črke, ki jih je izumil Italijan Ottaviano Petrucci. Objavljeni glasbeni deli hitro razprodani, vsa več ljudi začela ukvarjati z glasbo.

Glasbena dela tega obdobja je odlikovala velika melodičnost, pesem, ki je bila lastna folk glasba; določeno število pesmi je bilo napisanih v domačem jeziku in ne v latinščini.

Glavna značilnost glasbe sta bila melodija in določen ritem, ki sta bila bolj prožna in izrazita kot v srednjem veku. Pojav polifonije je bil pojasnjen predvsem z dejstvom, da je imel glasbenik, skladatelj, izvajalec, pevec glasbeno svobodo delovanja, v pesmih je izrazil svojo dušo, čustveno razpoloženje, pravico do interpretacije, izumljanja lastnih variacij v skladu z občutki in notranjim stanjem. .

V tem obdobju je bila zelo pomembna dodelitev in odobritev glavnega načina (lahkejšega, veselega, vabljivega v primerjavi z manjšim - žalosten, miren, žalosten), zlasti v 15.-16. stoletju.

Poseben razvoj je dobila pesem ob spremljavi lutnje ali v večglasni izvedbi.

V renesansi se je razvila instrumentalna glasba. Pogosto združuje različne instrumente v eni temi. Ob tem so se ohranjale in izpopolnjevale plesne oblike in melodije, ki so bile združene v suite. Pojavila so se prva instrumentalna dela, ki so imela tako rekoč samostojen značaj, variacije, preludije in fantazije.

Tako kot arhitektura, kiparstvo, slikarstvo je glasbeno umetnost renesanse odlikoval posvetni značaj, do XIV-XVI st. vključuje oblikovanje narodnih glasbene šole.

1. Glasbena kultura renesanse

Umetniška kultura renesanse je osebno načelo, ki temelji na znanosti. Nenavadno zapletena veščina polifonistov 15.-16. stoletja, njihova virtuozna tehnika se je ujemala s svetlo umetnostjo vsakdanjih plesov, prefinjenostjo posvetnih žanrov. V njegovih delih vse bolj prihaja do izraza lirična dramatika. Poleg tega jasneje manifestirajo osebnost avtorja, ustvarjalno individualnost umetnika (to ni značilno samo za glasbeno umetnost), kar nam omogoča, da govorimo o humanizaciji kot vodilnem principu renesančne umetnosti. Hkrati cerkvena glasba, ki jo predstavljajo tako veliki zvrsti, kot sta maša in motet, do neke mere nadaljuje "gotsko" linijo v umetnosti renesanse, usmerjeno predvsem v poustvarjanje že obstoječega kanona in s tem v poveličevanje Božanskega.

Do 15. stoletja se je oblikovala tako imenovana polifonija »stroge pisave«, katere pravila (norme vodenja, oblikovanja glasu itd.) so bila določena v teoretičnih razpravah tistega časa in so bila nespremenljiv zakon za ustvarjanje cerkvene glasbe. Skladatelji so svoje maše skladali z izposojenimi melodijami kot glavno temo (gregorijanski koral in drugi kanonski viri ter ljudska glasba) - tako imenovani cantus firmus, pri čemer so velik pomen pripisovali tehniki polifonega pisanja, zapletenemu, mestoma prefinjenemu kontrapunktu. Hkrati je potekal neprekinjen proces prenavljanja in preseganja ustaljenih norm, v zvezi s čimer posvetni žanri postopoma pridobivajo vse večji pomen.

Torej, kot lahko vidite, je obdobje renesanse težko obdobje v zgodovini razvoja glasbene umetnosti, zato se zdi smiselno, da ga obravnavamo podrobneje, pri tem pa posvetimo ustrezno pozornost posameznikom in državam.

1.1 Nizozemska polifona šola

Nizozemska je zgodovinska regija na severozahodu Evrope (njihovo ozemlje je obsegalo sedanjo severovzhodno Francijo, jugozahodno Nizozemsko, Belgijo, Luksemburg). Do 15. stoletja Nizozemska je dosegla visoko gospodarsko in kulturno raven ter se spremenila v uspešno evropsko državo z najširšimi trgovinskimi odnosi. Intenzivnost gospodarskega razvoja države je povzročila tudi razcvet znanosti, kulture in umetnosti na Nizozemskem. Ob sijajnih dosežkih slikarstva je velike uspehe dosegla glasba. Profesionalna skladateljska ustvarjalnost se je na Nizozemskem razvijala v tesni povezavi s folkloro, ki je imela dolgo in bogato tradicijo. Tu se je oblikovala nizozemska polifonična šola - eden največjih pojavov renesančne glasbe. Začetke nizozemske polifonije lahko najdemo v angleškem, francoskem, nemškem in italijanskem pisanju pesmi. Hkrati so Nizozemci posplošili izkušnje številnih nacionalnih šol in ustvarili izviren vokalno-zborovski polifonični slog, ki je postal pomembna faza v razvoju strogega pisanja. Tu je bila izumljena imitacija - ponavljanje melodije v nekem glasu takoj za drugim glasom. (Pozneje, v času Bacha, bo imitacija postala temelj fuge najvišje oblike polifonije.) Nizozemci pa so imitacijo mojstrsko uporabljali v kanonih 15. in 16. stoletja. V umetnosti ustvarjanja takšnih kanonov so nizozemski virtuozi pokazali veliko iznajdljivosti in tehnične invencije. Skladatelj je v notah zapisal: "Vrišči brez prestanka." To je pomenilo, da je skladbo mogoče igrati brez vseh premorov. "Spremeni noč v dan" - izvajalci morajo uganiti, da se črne note berejo kot bele in obratno. In komad bo zvenel enako dobro tako v običajnem posnetku kot v transformiranem. Skladatelj Okeghem je sestavil 36-glasovni kanon - glasbeni nebotičnik štirih devetglasnih kanonov.

Izjemen predstavnik in eden od ustanoviteljev nizozemske šole je Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (okoli 1400 - 27.11.1474), francosko-flamski skladatelj. On je bil tisti, ki je postavil temelje polifonične tradicije v nizozemski glasbi (okoli 1400 - 1474). Guillaume Dufay se je rodil v mestu Cambrai v Flandriji (provinca na jugu Nizozemske) in je že od malih nog pel v cerkvenem zboru. Vzporedno je bodoči glasbenik obiskoval zasebne ure kompozicije. V mladosti je Dufay odšel v Italijo, kjer je napisal svoje prve skladbe - balade in motete. Leta 1428-1437. služboval je kot pevec v papeški kapeli v Rimu; v teh letih je potoval po Italiji in Franciji. Leta 1437 je skladatelj sprejel sveti red. Na dvoru vojvode Savojskega (1437-1439) je skladal glasbo za slovesne obrede in praznike. Dufaya so plemeniti ljudje zelo spoštovali - med njegovimi oboževalci sta bila na primer zakonca Medici (vladarji italijanskega mesta Firence). Od leta 1445 kanonik in vodja glasbenih dejavnosti katedrale v Cambraiju. Mojster duhovnih (3-, 4-glasne maše, moteti), pa tudi posvetnih

(3-, 4-glasni francoski šansoni, italijanske pesmi, balade, rondos) zvrsti, povezane z ljudsko polifonijo in humanistično kulturo renesanse. Dufayeva umetnost, ki je vsrkala dosežke evropske glasbene umetnosti, je imela velik vpliv na nadaljnji razvoj evropske polifone glasbe. Bil je tudi reformator notnega zapisa (Dufayu pripisujejo uvedbo not z belimi glavami). Celotna dela Dufaya, objavljena v Rimu (6 zvezkov, 1951-66). Dufay je bil prvi med skladatelji, ki je mašo začel komponirati kot celovito glasbeno kompozicijo. Za ustvarjanje cerkvene glasbe je potreben izjemen talent: sposobnost izražanja abstraktnih, nematerialnih pojmov s konkretnimi, materialnimi sredstvi. Težava je v tem, da takšna skladba po eni strani poslušalca ne pusti ravnodušnega, po drugi strani pa ne odvrača od bogoslužja, pomaga globlje osredotočiti na molitev. Mnoge Dufayeve maše so navdihnjene, polne notranje življenje; zdi se, da pomagajo za trenutek odgrniti tančico božanskega razodetja.

Pogosto je Dufay pri ustvarjanju maše vzel znano melodijo, ki ji je dodal svojo. Takšna izposoja je značilna za renesanso. Zelo pomembno se je zdelo, da maša temelji na znani melodiji, ki bi jo verniki zlahka prepoznali tudi v večglasni skladbi. Pogosto je bil uporabljen fragment gregorijanskega korala; posvetna dela niso bila izključena. Poleg cerkvene glasbe je Dufay komponiral motete na posvetna besedila. V njih je uporabil tudi zapleteno polifono tehniko.

Predstavnik nizozemske polifone šole druge polovice 15. stoletja. je bil Josquin Despres (okoli 1440-1521 ali 1524), ki je imel velik vpliv na delo skladateljev naslednje generacije. V mladosti je služil kot cerkveni zborist v Cambraiu in se učil glasbe v Okeghemu. Pri dvajsetih je mladi glasbenik prišel v Italijo, pel v Milanu pri vojvodah Sforzah in v papeški kapeli v Rimu. V Italiji je Despres verjetno začel skladati glasbo. Na samem začetku XVI. se je preselil v Pariz. Takrat je bil Despres že znan, na mesto dvornega glasbenika pa ga je povabil francoski kralj Ludvik XII. Od leta 1503 se je Despres ponovno naselil v Italiji, v mestu Ferrara, na dvoru vojvode.

d "Este. Despres je veliko komponiral in njegova glasba je hitro pridobila priznanje v najširših krogih: vzljubili so jo tako plemstvo kot navadni ljudje. Skladatelj je ustvaril ne le cerkvena dela, ampak tudi posvetna. Zlasti je obrnil na zvrst italijanskih ljudskih pesmi - frottole (it. frottola, iz frotta - "množica"), za katero sta značilna plesni ritem in hiter tempo. Despres je v cerkveno glasbo vnesel značilnosti posvetnih del: svežo, živahno intonacijo razbilo strogo odmaknjenost in vzbujalo občutek radosti in polnosti bivanja.Vendar občutek za mero Deprezove polifone tehnike ne odlikuje prefinjenost, njegova dela so elegantno preprosta, a premorejo močan avtorjev intelekt, in to je skrivnost priljubljenosti njegovih stvaritev.

Mlajša sodobnika Guillauma Dufaya sta bila Johannes (Jean) Okeghem (okoli 1425-1497) in Jacob Obrecht. Tako kot Dufay je bil tudi Okegem iz Flandrije. Vse življenje je trdo delal; poleg glasbenega komponiranja je deloval kot vodja kapele. Skladatelj je ustvaril petnajst maš, trinajst motetov, več kot dvajset šansonov. Za Okegyomova dela so značilni strogost, koncentracija in dolgo razpletanje gladkih melodičnih linij. Veliko pozornost je posvečal polifonični tehniki in si prizadeval, da bi vse dele maše dojemali kot celoto. Skladateljev ustvarjalni slog je zaznati tudi v njegovih pesmih - so skoraj brez posvetne lahkotnosti, po značaju bolj spominjajo na motete, včasih na fragmente maš. Johannes Okegem je bil spoštovan doma in v tujini (imenovan je bil za svetovalca francoskega kralja). Jakob Obrecht je bil zborist v katedralah različnih mest na Nizozemskem, vodil je kapele; več let je služboval na dvoru vojvode d'Esteja v Ferrari (Italija). Je avtor petindvajsetih maš, dvajsetih motetov, tridesetih šansonov. Obrecht je s pomočjo dosežkov svojih predhodnikov vnesel veliko novega v večglasno tradicijo, njegova glasba je polna kontrastov, drzna, tudi ko se skladatelj obrača k tradicionalnim cerkvenim zvrstem.

Vsestranskost in globina ustvarjalnosti Orlando Lasso. Zgodovino nizozemske renesančne glasbe dopolnjuje delo Orlanda Lassa (pravo ime in priimek Roland de Lasso, okoli 1532-1594), ki so ga njegovi sodobniki imenovali "belgijski Orfej" in "princ glasbe". Lasso se je rodil v Monsu (Flandrija). Od otroštva je pel v cerkvenem zboru in navduševal župljane s čudovitim glasom. Gonzaga, vojvoda italijanskega mesta Mantova, je po naključju slišal mladega pevca in ga povabil v svojo kapelo. Po Mantovi je Lasso kratek čas delal v Neaplju, nato pa se je preselil v Rim - kjer je prejel mesto vodje kapele ene od katedral. Pri petindvajsetih letih je bil Lasso že znan kot skladatelj, njegove skladbe pa so bile priljubljene med glasbenimi založniki. Leta 1555 je izšla prva zbirka del, ki je vsebovala motete, madrigale in šanson. Lasso je študiral vse najboljše, kar so ustvarili njegovi predhodniki (nizozemski, francoski, nemški in italijanski skladatelji), in njihove izkušnje uporabil pri svojem delu. Kot izjemna osebnost si je Lasso prizadeval preseči abstraktno naravo cerkvene glasbe, ji dati individualnost. V ta namen je skladatelj včasih uporabljal žanrske in vsakdanje motive (teme ljudske pesmi, plesi), tako združujejo cerkveno in posvetno izročilo. Lasso je združil kompleksnost polifone tehnike z veliko čustvenostjo. Še posebej uspešen je bil v madrigalih, v besedilih katerih je bilo razkrito stanje duha likov, na primer Solze sv. Petra "(1593) na verze italijanskega pesnika Luigija Tranzilla. Skladatelj je pogosto pisal za veliko število glasov (pet do sedem), zato je njegova dela težko izvajati. Od leta 1556 je Orlando Lasso živel v Münchnu (Nemčija), kjer je vodil zbor. Proti koncu življenja je bila njegova avtoriteta v glasbenih in umetniških krogih zelo velika. visoko in njegov sloves se je razširil po vsej Evropi.

Nizozemska polifonična šola je imela velik vpliv na razvoj evropske glasbene kulture. Načela polifonije, ki so jih razvili nizozemski skladatelji, so postala univerzalna in skladatelji 20. stoletja so pri svojem delu uporabljali številne umetniške tehnike.

1.2 Francija

Za Francijo je XV-XVI stoletje postalo obdobje pomembnih sprememb: stoletna vojna (1337-1453) z Anglijo se je končala do konca XV. končana je bila združitev države; v 16. stoletju je država doživljala verske vojne med katoličani in protestanti. V močni državi z absolutno monarhijo se je povečala vloga dvornih praznovanj in ljudskih praznikov. To je prispevalo k razvoju umetnosti, zlasti glasbe, ki je spremljala tovrstne akcije. Povečalo se je število vokalnih in instrumentalnih zasedb (kapel in sozvočnikov), ki jih je sestavljalo precejšnje število izvajalcev. Med vojaškimi pohodi v Italiji so se Francozi seznanili z dosežki italijanske kulture. Ideje so globoko začutili in sprejeli Italijanska renesansa- humanizem, želja po harmoniji z zunanjim svetom, po uživanju življenja.

Če je bila v Italiji glasbena renesansa povezana predvsem z mašo, so francoski skladatelji poleg cerkvene glasbe posebno pozornost namenili posvetni večglasni pesmi - šansonu. Zanimanje zanjo v Franciji se je pojavilo v prvi polovici 16. stoletja, ko je izšla zbirka glasbenih iger Clementa Janequina (okoli 1485-1558). Prav ta skladatelj velja za enega od ustvarjalcev žanra.

Kot otrok je Janequin pel v cerkvenem zboru v svojem rojstnem mestu Châtellerault (osrednja Francija). V prihodnosti se je, kot namigujejo glasbeni zgodovinarji, učil pri nizozemskem mojstru Josquinu Despresu ali pri skladatelju iz njegovega spremstva. Ko je prejel duhovništvo, je Janequin delal kot regent (vodja zbora) in organist; nato ga je v službo povabil vojvoda Guise. Leta 1555 je glasbenik postal pevec kraljeve kapele, v letih 1556-1557. - kraljevi dvorni skladatelj.

Clement Janequin je ustvaril dvesto osemdeset šansonov (objavljenih med 1530 in 1572); pisal cerkveno glasbo – maše, motete, psalme. Njegove pesmi so bile pogosto slikovite narave. Pred umom poslušalca so slike bitke ("Bitka pri Marignanu", "Bitka pri Renti"), prizori lova ("Lov"), podobe narave ("Ptičje petje", "Slavček"), vsakdanji prizori ( "Žensko klepetanje"). Presenetljivo svetlo je skladatelju uspelo prenesti vzdušje pariškega vsakdanjega življenja v šansonu "Cries of Paris": v besedilo je vnesel vzklike prodajalcev. Janequin skoraj ni uporabljal dolgih in gladkih tem za posamezne glasove in zapletene polifonične naprave, raje je imel poimenke, ponavljanja in onomatopejo.

Druga smer francoske glasbe je povezana z vseevropskim gibanjem reformacije. V cerkvenih službah so francoski protestanti (hugenoti) opustili latinščino in polifonijo. Sakralna glasba je dobila bolj odprt, demokratičen značaj. Eden najsvetlejših predstavnikov te glasbene tradicije je bil Claude Goudimel (med 1514 in 1520-1572), avtor psalmov na svetopisemska besedila in protestantskih napevov.

Ena glavnih glasbenih zvrsti francoske renesanse je šanson (fr. chanson - "pesem"). Njegov izvor je v ljudski umetnosti (uglasbili so rimane verze epskih pripovedi), v umetnosti srednjeveških trubadurjev in trouveurjev. Vsebinsko in razpoloženjsko je bil šanson lahko zelo raznolik - bile so ljubezenske pesmi, vsakdanje, igrive, satirične itd. Skladatelji so za besedila vzeli ljudske pesmi in moderno poezijo.

1.3 Italija

Z nastopom renesanse se je v Italiji razširila vsakdanja glasba na različne instrumente; nastali so krogi ljubiteljev glasbe. Pojavijo se nove oblike glasbenega in javnega življenja - glasbene akademije in poklicne glasbene izobraževalne ustanove novega tipa - konservatoriji. Na strokovnem področju sta se oblikovali dve najmočnejši šoli: rimska in beneška.

V 16. stoletju se je najprej razširil notni tisk, leta 1501 je beneški tiskar Ottaviano Petrucci izdal Harmonice Musices Odhecaton, prvo večjo zbirko posvetne glasbe. To je bila revolucija v širjenju glasbe, prispevala pa je tudi k temu, da je francosko-flamski slog postal prevladujoči glasbeni jezik Evrope v naslednjem stoletju, saj je Petrucci kot Italijan vključeval predvsem glasbo francosko-flamskih skladateljev. v svoji zbirki. Kasneje je objavil številna dela italijanskih skladateljev, tako posvetnih kot duhovnih.

V renesansi se je povečala vloga posvetnih žanrov. V XIV stoletju. madrigal se je pojavil v italijanski glasbi (iz latinščine matricale - "pesem v domačem jeziku"). Nastala je na podlagi ljudskih (pastirskih) pesmi. Madrigali so bile dvo- ali triglasne pesmi, pogosto brez instrumentalne spremljave. Madrigal je dosegel vrhunec svojega razvoja in postal najbolj priljubljena glasbena zvrst tega obdobja. Za razliko od prejšnjih in preprostih madrigalov iz obdobja Trecenta so renesančne madrigale pisali za več (4-6) glasov, pogosto s strani tujcev, ki so služili na dvorih vplivnih severnih družin. Madrigalisti so si prizadevali za ustvarjanje visoka umetnost, pogosto z uporabo predelane poezije velikih italijanskih pesnikov poznosrednjeveški: Francesco Petrarka, Giovanni Boccaccio in drugi. Najbolj značilna lastnost madrigala je bila odsotnost strogih strukturnih kanonov, glavno načelo je bilo svobodno izražanje misli in občutkov.

Skladatelji, kot sta predstavnik beneške šole Cipriano de Rore in predstavnik francosko-flamske šole Roland de Lassus (Orlando di Lasso), so v svojem italijanskem ustvarjalnem življenju eksperimentirali z vse večjim kromatizmom, harmonijo, ritmom, teksturo in drugimi sredstvi. glasbena izraznost. Njihove izkušnje se bodo nadaljevale in dosegle vrhunec v manieristični dobi Carla Gesualda. V 15. stoletju se skladatelji skoraj niso obračali k tej zvrsti; zanimanje zanjo je oživelo šele v 16. stoletju. Funkcija Madrigala iz 16. stoletja je tesna povezava med glasbo in poezijo. Glasba je prožno sledila besedilu in odsevala dogajanje, opisano v pesniškem viru. Sčasoma so se razvili posebni melodični simboli, ki so označevali nežne vzdihe, solze itd. V delih nekaterih skladateljev je bila simbolika filozofska, na primer v madrigalu Gesualda di Venosa "Umiram, nesrečni" (1611). Razcvet žanra pade na prelom XVI-XVII stoletja. Včasih se je hkrati z izvedbo pesmi odvijal njen zaplet. Madrigal je postal osnova madrigalske komedije (zborovske skladbe na besedilo komične igre), ki je pripravila pojav opere.

1.3.1 Rimska polifona šola

Giovanni de Palestrina (1525-1594). Vodja rimske šole je bil Giovanni Pierluigi da Palestrina, eden največjih skladateljev renesanse. Rojen je bil v Italijansko mesto Palestrina, po katerem je dobil priimek. Palestrina je že od otroštva pel v cerkvenem zboru, po polnoletnosti pa je bil povabljen na mesto kapelnik (zborovodja) v baziliki svetega Petra v Rimu; kasneje služil v Sikstinski kapeli (papeževa dvorna kapela).

Rim, središče katolištva, je pritegnil številne vodilne glasbenike. V različnih časih sta tukaj delala nizozemska mojstra polifonije Guillaume Dufay in Josquin Despres. Njihova razvita skladateljska tehnika je včasih posegla v zaznavanje besedila bogoslužja: izgubilo se je za prefinjenim pleksusom glasov in besede pravzaprav niso bile slišne. Zato je bila cerkvena oblast do tovrstnih del previdna in se je zavzemala za vrnitev enoglasja na podlagi gregorijanskih koralov. O dopustnosti polifonije v cerkveni glasbi se je razpravljalo celo na tridentinskem koncilu katoliške cerkve (1545-1563). Palestrina je blizu papeža prepričeval cerkvene voditelje o možnosti ustvarjanja del, kjer skladateljeva tehnika ne bi motila razumevanja besedila. Kot dokaz je sestavil "Mašo Papa Marcella" (1555), ki združuje kompleksno polifonijo z jasnim in ekspresivnim zvokom vsake besede. Tako je glasbenik "rešil" profesionalno večglasno glasbo pred preganjanjem cerkvenih oblasti. Leta 1577 je bil skladatelj povabljen k razpravi o reformi graduala - zbirke svetih hvalnic katoliške cerkve. V 80. letih. Palestrina je sprejel sveti red in leta 1584 postal član Društva glasbenih mojstrov - združenja glasbenikov, ki je bilo neposredno podrejeno papežu.

Delo Palestrine je prežeto s svetlim pogledom na svet. Dela, ki jih je ustvaril, so navduševala njegove sodobnike tako z najvišjo veščino kot količino (več kot sto maš, tristo motetov, sto madrigalov). Kompleksnost glasbe nikoli ni bila ovira za njeno dojemanje. Skladatelj je znal najti zlato sredino med prefinjenostjo skladb in njihovo dostopnostjo poslušalcu. Palestrina je glavno ustvarjalno nalogo videl v razvoju integrala odlično delo. Vsak glas v njegovih petjih se razvija neodvisno, a hkrati tvori eno samo celoto z ostalimi in pogosto glasovi tvorijo kombinacije akordov, ki presenetijo v svoji lepoti. Pogosto se zdi, da melodija zgornjega glasu lebdi nad ostalimi in orisuje "kupolo" polifonije; vsi glasovi so gladki in razviti.

Glasbeniki naslednje generacije so umetnost Giovannija da Palestrine imeli za zgledno in klasično. Na njegovih skladbah so se učili številni izjemni skladatelji 18. in 18. stoletja.

1.3.2 Beneška šola

Druga smer renesančne glasbe povezana z delom skladateljev beneške šole, katere začetnik je bil Adrian Villaart (okoli 1485-1562). Njegovi učenci so bili organist in skladatelj Andrea Gabrieli (med 1500 in 1520 - po 1586), skladatelj Cyprian de Pope (1515 ali 1516-1565) in drugi glasbeniki. Če je za dela Palestrine značilna jasnost in stroga zadržanost, potem so Willart in njegovi privrženci razvili veličasten zborovski slog. Da bi dosegli prostorski zvok, igro tonov, so v skladbah uporabili več zborov, ki so se nahajali na različnih mestih templja. Uporaba poimenskih klicev med zbori je omogočila napolnitev cerkvenega prostora z učinki brez primere. Ta pristop je odražal humanistične ideale dobe kot celote - s svojo vedrino, svobodo in samo beneško umetniško tradicijo - s svojo željo po vsem svetlem in nenavadnem. V delu beneških mojstrov je postal tudi glasbeni jezik bolj zapleten: napolnili so ga drzne kombinacije akordov, nepričakovane harmonije.

Osupljiva osebnost renesanse je bil Carlo Gesualdo di Venosa (okoli 1560-1613), knez mesta Venosa, eden največjih mojstrov posvetnega madrigala. Zaslovel je kot filantrop, lutnjist in skladatelj. Princ Gesualdo je prijateljeval z italijanskim pesnikom Torquatom Tassom; ostala so najbolj zanimiva pisma, v katerih oba umetnika razpravljata o vprašanjih literature, glasbe in likovne umetnosti. Gesualdo di Venosa je uglasbil številne Tassove pesmi - tako so se pojavili številni visoko umetniški madrigali. Skladatelj je kot predstavnik pozne renesanse razvil novo vrsto madrigala, kjer so bila na prvem mestu čustva - nevihtna in nepredvidljiva. Zato so za njegova dela značilna nihanja glasnosti, intonacije, podobne vzdihom in celo vpitjem, rezko zveneči akordi in kontrastne spremembe tempa. Ti prijemi so Gesualdovi glasbi dali ekspresiven, nekoliko bizaren značaj, pritegnila in hkrati pritegnila sodobnike. Dediščino Gesualda di Venosa sestavlja sedem zbirk polifoničnih madrigalov; med duhovnimi skladbami - "Svete himne". Še danes njegova glasba poslušalca ne pusti ravnodušnega.

1.4 Anglija

Kulturno življenje Anglije v času renesanse je bilo tesno povezano z reformacijo. V 16. stoletju se je protestantizem razširil po vsej državi. Katoliška cerkev izgubila prevladujoč položaj, anglikanska cerkev je postala država, ki ni hotela priznati nekaterih dogem (temeljnih določil) katolicizma; večina samostanov je prenehala obstajati. Ti dogodki so vplivali na angleško kulturo, vključno z glasbo.

Angleška glasbena umetnost renesanse se je sijajno razglasila v prvi polovici 15. stoletja in predstavila edinstveno ustvarjalna osebnost John Dunstable, ki je naredil najmočnejši vtis na celini. Dunstableovo delo je pomembna povezava med glasbo srednjega veka in polifonijo renesanse. splošno priznana zgodovinsko vlogo njegovih del za razvoj polifonije v Zahodna Evropa je bila tudi vnaprej določena s pomembno tradicijo polifonije (uveljavljeno v srednjeveški Angliji), ki jo je podedoval in razvil Dunstable. Poleg njega so bila v 15. stoletju znana imena številnih angleških skladateljev, ki so ustvarjali motete, dele maš, včasih šansone in balade. Nekateri so delali na celini, nekateri so bili del kapele burgundskega vojvode. Od teh je Lionel Power lastnik ene prvih maš v Angliji – skupaj z maso Dunstable. Njihovi sodobniki so bili J. Bedingham, Forest, J. Benet, R. Morton. V drugi polovici 15. stoletja so delovali J. Banaster, W. Lambe, R. Davi, W. Fry. Večinoma so bili pevci v kapelah in so napisali veliko cerkvene glasbe. Tako v izboru temeljnih žanrov kot v doslednem razvijanju polifonega mojstrstva so bili v marsičem blizu nizozemski šoli, ta pa je bila ob svojem nastanku veliko zaslužna slogovnemu zgledu Dunstablea.

V XVI. stoletju glasbena umetnost Anglije doseže veliko raznolikost. Ob tradicionalnih oblikah katoliške glasbe in duhovnih motetov v latinskih besedilih so od sredine stoletja že nastajali enoglasni psalmi v angleščini - značilen pojav reformacije. Zanimivo je, da je isti John Merbeck (okoli 1510-1585), ki je ustvarjal maše in latinske motete v službi winchesterskega škofa, leta 1549 izdal prvo zbirko psalmov v angleških besedilih. Ob njem so bili v prvi polovici stoletja angleški polifonisti, avtorji velikih oblik John Taverner, John Redford, Nicolae Ludford; ustvarjalno življenje Christopherja Taya, Thomasa Tallisa, Roberta Whitea je trajalo nekoliko dlje.

Hkrati so humanistični temelji novega časa v Angliji v 16. stoletju privedli do prvega visokega razcveta posvetne glasbene umetnosti, tako v vokalnih kot instrumentalnih oblikah. Nove generacije angleških skladateljev, ki so se pojavile v zadnji četrtini 16. stoletja in so zajele prva desetletja 17. stoletja, so ustvarile šolo angleških madrigalistov. Postavili so tudi temelje za novo področje instrumentalne glasbe - skladbe za virginal (neke vrste čembalo), ki se je razširilo že v 17. stoletju.

Angleški avtorji madrigalov William Bird (1543 ali 1544 - 1623), Thomas Morley (1557-1603), John Wilby (1574-1638) in drugi so se sprva do neke mere opirali na sodobne italijanske modele (madrigal, kot veste, izvira v Italiji ), še posebej pri Marenziu, potem pa so odkrili tudi izvirnost - če ne v interpretaciji žanra, pa v naravi polifonije. Angleški madrigal, ki je nastal na pozni stopnji razvoja polifonije, na sami prelomnici novega sloga 17. stoletja, je po teksturi polifonije enostavnejši od italijanskega, bolj homofoničen in včasih celo ritmične značilnosti plesa. V nasprotju z Dunstableovim časom je bila angleška polifonična šola do konca 16. stoletja pretežno nacionalnega interesa (njena tradicija se je prenašala na XVII stoletje in doseže Purcell), vendar, premikajoč se po svoje, nima več opaznega vpliva na glasbeno umetnost zahodne Evrope.

Opozoriti je treba tudi na pomembno vlogo glasbe pri angleško gledališče renesansa. Ta vloga je v svojem času specifična: v Angliji dolgo ni bilo predpogojev za nastanek opere in nič je še ni pripravilo. Glasba je v dramskem gledališču zvenela predvsem kot pojav vsakdanjega življenja (ne pa kot notranja dramska komponenta), v žanru "maske" pa je sodelovala v veličastnih predstavah na kraljevem dvoru, ki so združevale spektakularne učinke, baletne prizore, vokalne in instrumentalni fragmenti, pesniško besedilo.

V Shakespearovih igrah se med dogajanjem pogosto pojavljajo priljubljene melodije na določene besede ali znani plesi, kot je na primer galiard. Glasba je zanj postala ozadje dogajanja, nekakšno "okolje", vnesla je nekaj psiholoških odtenkov, zato Shakespeare ni potreboval več kot vsakdanje žanre.

Istočasno so odprli oddelke za glasbo na univerzah Oxford in Cambridge.

1.5 Nemčija

Do 16. stoletja v Nemčiji že obstajala bogata folklora, predvsem vokalna. Glasba je zvenela povsod: na veselicah, v cerkvi, na družabnih dogodkih in v vojaškem taborišču. Kmečka vojna in reformacija sta povzročili nov vzpon ljudske pesemske umetnosti. Obstaja veliko ekspresivnih luteranskih pesmi, katerih avtorstvo ni znano. Zborovsko petje je postalo sestavni del luteranskega bogoslužja. Protestantski napev je vplival na poznejši razvoj vse evropske glasbe. A najprej o muzikalnosti samih Nemcev, ki jim tudi danes glasbena izobrazba ni nič manj pomembna od naravoslovja – kako sicer sodelovati v večglasnem zboru?

Raznolikost glasbenih oblik v Nemčiji v 16. stoletju. Neverjetno: na pustni dan so uprizarjali balete in opere. Nemogoče je ne imenovati imen, kot so K. Paumann, P. Hofheimer. To so skladatelji, ki so skladali posvetno in cerkveno glasbo, predvsem za orgle. Pridružuje se jim izjemen francosko-flamski skladatelj, predstavnik nizozemske šole O. Lasso. Deloval je v številnih evropskih državah. Posploševal in inovativno je razvijal dosežke različnih evropskih glasbenih šol renesanse. Mojster kultne in posvetne zborovske glasbe (več kot 2000 skladb).

Toda prava revolucija v Nemška glasba izvedel Heinrich Schutz (1585-1672), skladatelj, kapelnik, organist, učitelj. Ustanovitelj nacionalne skladateljske šole, največje od predhodnikov I.S. Bach. Schütz je napisal prvo nemško opero Daphne (1627), opero-balet Orfej in Evridika (1638); madrigali, duhovne kantatno-oratorijske skladbe (»pasijoni«, koncerti, moteti, psalmi itd.).

Utemeljitelj reformacijskega gibanja Martin Luther (1483-1546) je menil, da je potrebna reforma cerkvene glasbe. Glasba naj bi, prvič, prispevala k aktivnejšemu sodelovanju župljanov pri bogoslužju (pri izvajanju večglasnih skladb je bilo to nemogoče), in drugič, vzbuditi empatijo do svetopisemskih dogodkov (kar je bilo ovirano zaradi vodenja bogoslužja v latinščini). Tako so bile cerkvenemu petju naložene naslednje zahteve: preprostost in jasnost melodije, enakomeren ritem in jasna oblika petja. Na tej podlagi je nastalo protestantsko petje - glavna zvrst cerkvene glasbe nemške renesanse. Leta 1522 je Luther prevedel Novo zavezo v nemščino in zdaj je bilo mogoče bogoslužje v domačem jeziku.

Luther sam, pa tudi njegov prijatelj, nemški glasbeni teoretik Johann Walter (1490-1570), sta aktivno sodelovala pri izboru melodij za korale. Glavni vir takšnih melodij so bile ljudske duhovne in posvetne pesmi - splošno znane in lahko razumljive. Melodije za nekatere korale, ki jih je Luther zložil sam. Eden od njih, »Gospod je naša skala«, je med verskimi vojnami 16. stoletja postal simbol reformacije.

1.6 Španija

Dolgo časa je bila pod vplivom cerkve španska glasba, v kateri je divjala fevdalno-katoliška reakcija. Ne glede na to, kako silovit je bil napad protireformacije na glasbo, se papeštvu ni uspelo popolnoma vrniti na prejšnje položaje. Vzpostavljeni buržoazni odnosi so narekovali nov red.

V Španiji so se znaki renesanse precej jasno pokazali v 16. stoletju, predpogoji za to pa so se očitno pojavili že prej. Znano je, da so že v 15. stoletju obstajale dolgoletne in močne glasbene vezi med Španijo in Italijo, med španskimi kapelami in skladatelji, ki so bili del njih – in papeško kapelo v Rimu, pa tudi kapele v vojvoda Burgundski in vojvoda Sforza v Milanu, da o drugih evropskih glasbenih središčih niti ne govorimo Od konca 15. stoletja je Španija, kot je znano, zaradi spleta zgodovinskih pogojev (konec rekonkviste, odkritje Amerike, nove dinastične vezi znotraj Evrope) pridobila veliko moč v zahodni Evropi, hkrati pa ostala hkrati konservativna katoliška država in izkazovala precejšnjo agresivnost pri zavzetju tujih ozemelj (kar je takrat v polni meri izkusila Italija). Največji španski glasbeniki 16. stoletja so bili tako kot prej v službi cerkve. Takrat niso mogli mimo občutiti vpliva nizozemske polifonične šole z ustaljeno tradicijo. Rečeno je bilo že, da so vidni predstavniki te šole večkrat obiskali Španijo. Po drugi strani pa so se španski mojstri z redkimi izjemami nenehno srečevali z italijanskimi in nizozemskimi skladatelji, ko so zapuščali Španijo in delali v Rimu.

Skoraj vsi pomembnejši španski glasbeniki so se prej ali slej znašli v papeški kapeli in sodelovali pri njenem delovanju ter s tem še trdneje obvladali koreninsko tradicijo stroge polifonije v njenem ortodoksnem izrazu. Največji španski skladatelj Cristobal de Morales (1500 ali 1512-1553), znan zunaj svoje domovine, je bil v letih 1535-1545 član papeške kapele v Rimu, nato je vodil metrizo v Toledu, nato pa stolno kapelo v Malagi. .

Morales je bil velik polifonist, avtor maš, motetov, himn in drugih vokalnih, predvsem zborovskih del. Smer njegovega dela se je oblikovala na podlagi sinteze avtohtonih španskih tradicij in polifonega mojstrstva Nizozemske in Italijanov tistega časa. Dolga leta (1565-1594) je živel in delal v Rimu najboljši predstavnik naslednja generacija španskih mojstrov, Thomas Luis de Victoria (ok. 1548-1611), ki ga tradicionalno, a ne preveč natančno, pripisujejo šoli Palestrino. Skladateljica, pevka, organistka, godbenica Victoria je ustvarjala maše, motete, psalme in druge duhovne skladbe v strogem slogu a cappella polifonije, bližje Palestrini kot Nizozemski, vendar še vedno ne sovpada s Palestrinoso - španski mojster je imel manj stroge omejitve. in več izražanja. Poleg tega v kasnejša dela Victoria prav tako kaže željo po prekinitvi »palestrinske tradicije« v korist večzborov, koncertnega nastopa, barvnih kontrastov in drugih novosti, ki bolj verjetno izvirajo iz beneške šole.

Tudi drugi španski skladatelji, ki so delovali predvsem na področju sakralne glasbe, so bili začasni pevci papeške kapele v Rimu. V letih 1513-1523 je bil član kapele A. de Ribera, od leta 1536 je bil tam pevec B. Escobedo, v letih 1507-1539 - X. Escribano, malo kasneje - M. Robledo. Vsi so pisali polifonično sakralno glasbo v strogem slogu. Samo Francisco Guerrero (1528-1599) je vedno živel in delal v Španiji. Kljub temu so bile njegove maše, moteti, pesmi uspešne tudi zunaj domovine, pogosto so pritegnile pozornost lutnistov in vihuelistov kot material za instrumentalne priredbe.

Od posvetnih vokalnih zvrsti je bil v tistem času v Španiji najpogostejši Villancico-rod večglasne pesmi, včasih bolj polifonične, včasih pogosteje gravitirajoče k homofoniji, njen izvor je povezan z vsakdanjim življenjem, a mimo poklicnega razvoja. Vendar je treba razpravljati o bistvu tega žanra, ne da bi ga ločili od instrumentalne glasbe. Villancico iz 16. stoletja je najpogosteje pesem ob spremljavi vihuele ali lutnje, delo velikega izvajalca in skladatelja za njegov izbrani instrument.

In v neštetih villancicosih in na splošno v vsakdanji glasbi Španije je nacionalna melodija nenavadno bogata in značilna - izvirna, ki ohranja svoje razlike od italijanske, francoske in še bolj nemške melodije. Španska melodija je to lastnost nosila skozi stoletja in pritegnila pozornost ne le domačih, ampak tudi tujih skladateljev vse do našega časa. Svojevrstna ni le njegova intonacijska struktura, ampak je globoko izviren ritem, izvirna sta ornamentika in improvizacijski način, povezave z gibi plesov so zelo močne. Zgoraj omenjeno obsežno delo Francisca de Salinasa "Sedem knjig o glasbi" (1577) vsebuje veliko kastiljskih melodij, ki so pritegnile pozornost učenega glasbenika predvsem s svojo ritmično platjo. Ti kratki melodični fragmenti, ki včasih pokrivajo le obseg terce, so presenetljivo zanimivi glede na svoje ritme: pogoste sinkope v različnih kontekstih, ostri prelomi v ritmu, popolna odsotnost elementarne motorike, na splošno stalna aktivnost ritmičnega občutka, brez inercije to! Enake lastnosti so iz ljudskega izročila prevzele posvetne vokalne zvrsti, predvsem viljančica in druge zvrsti pesmi ob spremljavi vihuele.

Instrumentalne zvrsti v Španiji so široko in neodvisno zastopane z delom orgelskih skladateljev, na čelu z največjim med njimi Antoniom de Cabezonom (1510-1566), pa tudi s celo galaksijo briljantnih vihuelalistov z nešteto njihovih del, deloma povezanih z vokalna melodija različnega izvora (od ljudskih pesmi in plesov do duhovnih skladb). K njim se bomo še posebej vrnili v poglavju o instrumentalni glasbi renesanse, da bi ugotovili njihovo mesto v njenem splošnem razvoju.

16. stoletje vključuje tudi zgodnje faze v španski zgodovini glasbeno gledališče, ki je nastala konec prejšnjega stoletja na pobudo pesnika in skladatelja Juana del Encine in je dolgo obstajala kot Dramsko gledališče z veliko udeležbo glasbe na posebej za to namenjenih mestih dogajanja.

Nazadnje si zasluži pozornost tudi znanstvena dejavnost španskih glasbenikov, med katerimi sta bila že Ramis di Pareja cenjena zaradi naprednosti svojih teoretskih pogledov in Francisco Salinas zaradi njegovega obravnavanja španske folklore, ki je bila edinstvena za tisti čas. Omenimo še nekaj španskih teoretikov, ki so svoje delo posvetili vprašanju izvajanja na različnih instrumentih. Skladatelj, izvajalec (na violini - bas viol da gamba), kapelnik Diego Ortiz je v Rimu izdal svoj "Treatise on Glosses" 1553), v katerem je podrobno utemeljil pravila improviziranih variacij v ansamblu (violona in čembalo). skladatelj Thomas de Sancta Maria je v Valladolidu objavil traktat "Umetnost igranja fantazije" (1565) - poskus metodične posplošitve izkušnje improvizacije na orglah: Juan Bermudo, ki je objavil svojo "Izjavo o glasbenih instrumentih" (1555) l. Grenada, ki je v njem poleg informacij o inštrumentih in igranju nanje zajel tudi nekatera vprašanja glasbenega pisanja (nasprotoval je zlasti prezasedenosti polifonije).

Tako je španska glasbena umetnost kot celota (skupaj s svojo teorijo) nedvomno doživela svojo renesanso v 16. stoletju, ki je razkrila tako določene umetniške vezi z drugimi državami na tej stopnji kot pomembne razlike zaradi zgodovinskih tradicij in družbene modernosti Španije. sama.

2. Glasbena estetika

2.1 Razvoj zvrsti in oblik instrumentalne glasbe

renesančna glasba opera meistersinger

Renesansi dolgujemo oblikovanje instrumentalne glasbe kot samostojne umetniške zvrsti. V tem času se pojavljajo številne instrumentalne skladbe, variacije, preludiji, fantazije, rondoji, tokate. Violina, čembalo, orgle so postopoma prešli v solistične instrumente. Glasba, napisana za njih, je omogočila pokazati talent ne le za skladatelja, ampak tudi za izvajalca. Najprej je bila cenjena virtuoznost (sposobnost obvladovanja tehničnih težav), ki je postopoma postala sama sebi namen in umetniška vrednost za številne glasbenike. Skladatelji 17.-18. stoletja običajno niso samo skladali glasbe, ampak so tudi virtuozno igrali instrumente in se ukvarjali s pedagoškimi dejavnostmi. Dobro počutje umetnika je bilo v veliki meri odvisno od konkretne stranke. Praviloma si je vsak resen glasbenik prizadeval dobiti mesto na dvoru monarha ali bogatega aristokrata (številni pripadniki plemstva so imeli svoje orkestre ali operne hiše) ali v templju. Poleg tega je večina skladateljev zlahka združila cerkveno muziciranje s službo posvetnega pokrovitelja.

Narava številnih vokalnih del XIV-XV stoletja med italijanskimi in francoski skladatelji bolj instrumentalno kot vokalno (v smislu obsega, narave glasovnega vodenja, korelacije z verbalnim besedilom ali pomanjkanja podpisanih besed). To v celoti velja za italijansko caccio Ars nova, za številna dela "prehodnega" obdobja v Franciji (začetek 15. stoletja). Neposrednih indicev o uporabi nekaterih glasbil v notnem zapisu ni. Očitno je bilo to prepuščeno volji izvajalcev, glede na njihove zmožnosti, še posebej, ker je bil med njimi praviloma tudi sam avtor.

V bistvu vsak vokalno delo- del maše, moteta, šansona, frotole, madrigala (razen maš, namenjenih za Sikstinsko kapelo, kjer instrumenti niso bili dovoljeni) - v praksi se je lahko izvajala bodisi s podvajanjem vokalnih delov z instrumenti, bodisi parcialno ( enega ali dveh glasov) samo z inštrumenti, bodisi v celoti na orglah ali skupini inštrumentov. V bistvu ni šlo za ustaljeno izvedbo, ampak prav za proces vnašanja inštrumentov v polifonijo, ki je bila po izvoru vokalna. Tako so na primer nastale »organske maše« – vmesni, prehodni pojav. V tistih skladbah, kjer je po svojem pomenu izstopal zgornji glas (kot je bilo pogosto pri Dufayu ali Benchoisu), je bila uporaba inštrumentov najverjetneje povezana z glasovi, ki »spremljajo« melodijo, ali s harmoničnim basom. Toda z "izravnavo" delov v posebej razviti polifoniji nizozemske šole je mogoče domnevati (na primer v šansonu) kakršno koli razmerje vokalnih in instrumentalnih sil do izvedbe celotnega dela s skupino instrumentov. Ob tem je treba upoštevati še nekatere druge posebne možnosti, ki niso zapisane v notnem zapisu. Znano je, da so na orglah na primer že v 15. stoletju izkušeni izvajalci pri obdelavi pesmi »obarvali« (okrasili) njeno melodijo. Možno je, da je instrumentalist s takšnim ali drugačnim sodelovanjem pri izvajanju vokalne glasbe lahko v svojo partijo vnesel tudi improvizirane okrase, kar je bilo še posebej naravno, če je avtor sam sedel za orgle. Po vsem tem ne preseneča, da so v 16. stoletju, ko so se instrumentalne zvrsti že oblikovale, še vedno precej pogosto nastajala večglasna dela z oznako »per cantare o sonare« (»za petje ali igranje«). To je bilo končno popolno priznanje obstoječe prakse!

V vsakdanji glasbi, zlasti v plesih, so inštrumenti, če niso bili skladni s pesmijo (v Španiji so pesmi in plesne kombinacije pogoste), ostali tako rekoč osvobojeni vokalnih vzorcev, a povezani z žanrsko osnovo vsakega. ples, ritem, vrsta giba. Sinkretizem te zvrsti umetnosti je bil še vedno v veljavi.

Iz te splošne množice neločljivih pojavov, iz prakse, ki se ne odraža v notnem zapisu, iz dolgoletnega procesa asimilacije vokalnih in instrumentalnih principov, se je sčasoma začel razvoj pravih instrumentalnih zvrsti. Nastal je komaj v 15. stoletju, postal otipljiv v 16. stoletju, pot do osamosvojitve je bila še dolga in le v nekaterih oblikah (improvizacijskih) se je pojavil pravi instrumentalizem glasbenega pisanja. Že na prvih stopnjah samoodločbe instrumentalne glasbe sta se oblikovali dve žanrski področji s svojimi značilnimi težnjami. Eden od njih je povezan predvsem s polifonično, »akademsko« tradicijo, z velikimi oblikami. Drugi temelji na izročilu vsakdanje glasbe, pesmi in plesa. Prvo predstavljajo predvsem skladbe za orgle, drugo pa predvsem repertoar za lutnjo. Med njimi ni neprehodne črte. Lahko govorimo le o prevladi nekaterih tradicij, vendar z očitnimi stičnimi točkami. Tako v delih za lutnjo niso izključena večglasna sredstva, v orgelski glasbi pa se kmalu pojavijo variacije na pesmi. In na obeh inštrumentih se začne razvoj improvizacijskih oblik, v katerih najbolj izstopa specifika tega inštrumenta - s skoraj popolno osvoboditvijo vokalnih vzorcev. Ti na videz skromni uspehi instrumentalizma so bili doseženi po dolgotrajnih pripravah, ki so potekale prav v renesansi in so bile zakoreninjene v sami glasbeni praksi tistega časa.

2.2 Renesančna glasbila

V renesansi se je sestava glasbil močno razširila, že obstoječim godalom in pihalom so dodali nove različice. Med njimi posebno mesto zavzemajo viole - družina ločnih godal, ki presenečajo z lepoto in plemenitostjo zvoka. Po obliki so podobni inštrumentom sodobne družine violin (violina, viola, violončelo) in veljajo celo za njihove neposredne predhodnike (v glasbeni praksi so sobivali do srede 18. stoletja). Vendar obstaja razlika, in to pomembna. Viole imajo sistem resonančnih strun; praviloma jih je toliko kot glavnih (od šest do sedem). Viola zaradi tresljajev resonančnih strun zveni mehko, žametno, vendar je instrument težko uporabljati v orkestru, saj se zaradi velikega števila strun hitro razglasi. Dolgo časa je zvok viole veljal za vzor prefinjenosti glasbe. V družini viol so tri glavne vrste. Viola da gamba je velik inštrument, ki ga izvajalec postavi navpično in z nogami stisne ob straneh (italijanska beseda gamba pomeni "koleno"). Dve drugi različici - viola da braccio (iz it. braccio - "podlaket") in viola d "ljubezen (fr. viole d" amour - "viola ljubezni") sta bili usmerjeni vodoravno, pri igranju pa sta bili pritisnjeni na ramo. Viola da gamba je po zvočnem obsegu blizu violončelu, viola da braccio je blizu violini, viol d "amour pa violi. Med utripalke Glavno mesto renesanse zavzema lutnja (poljska lutnija, iz arabskega "alud" - "drevo"). V Evropo je prišel z Bližnjega vzhoda konec 14. stoletja in do začetku XVI stoletja je obstajal ogromen repertoar za ta instrument; Najprej so zapeli pesmi ob spremljavi lutnje. Lutnja ima kratko telo; zgornji del je raven, spodnji del pa spominja na poloblo. Na širok vrat je pritrjen vrat, razdeljen s prečkami, glava inštrumenta pa je upognjena nazaj skoraj pod pravim kotom. Če želite, si lahko ogledate podobnost sklede v obliki lutnje. Dvanajst strun je združenih v pare, zvok pa se pridobiva tako s prsti kot s posebno ploščo - plektrom. V XV-XVI stoletju so se pojavile različne vrste tipkovnic. Glavne vrste takšnih instrumentov - čembalo, klavikord, cembalo, virginal - so se aktivno uporabljale v glasbi renesanse, vendar je njihov pravi razcvet prišel pozneje.

2.3 Rojstvo opere (florentinska kamera)

Zaznamovan konec renesanse večji dogodek V glasbena zgodovina- rojstvo opere.

Skupina humanistov, glasbenikov in pesnikov se je zbrala v Firencah pod okriljem svojega voditelja grofa Giovannija De Bardija (1534 - 1612). Skupina se je imenovala "kamerata", njeni glavni člani pa so bili Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (oče astronoma Galilea Galileija), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri in Ottavio Rinuccini v mladih letih.

Prvo dokumentirano srečanje skupine je potekalo leta 1573, najbolj aktivna leta "Florence Camerata" pa so bila leta 1577 - 1582.

Podobni dokumenti

Značilne lastnosti glasbena kultura renesanse: nastanek pesemskih oblik (madrigal, villancico, frotol) in instrumentalne glasbe, nastanek novih žanrov (samospev, kantata, oratorij, opera). Koncept in glavne vrste glasbene teksture.

povzetek, dodan 18.01.2012


Vokalna, instrumentalna in vokalno-instrumentalna glasba. Glavne zvrsti in glasbene smeri vokalne in instrumentalne glasbe. Priljubljenost instrumentalne zvrsti glasbe v času renesanse. Pojav prvih virtuoznih izvajalcev.

predstavitev, dodana 29.04.2014


Značilnosti ruske glasbe XVIII. Barok je obdobje, ko so se oblikovale ideje o tem, kakšna glasba naj bi bila, te glasbene oblike do danes niso izgubile svojega pomena. Veliki eksponati in glasbena dela baročne dobe.

povzetek, dodan 14.01.2010


goljufija, dodana 13.11.2009


Obdobje renesanse (renesansa) kot razcvet vseh vrst umetnosti in privlačnost njihovih figur za starodavne tradicije in oblike. Zakoni harmonije, ki so značilni za glasbeno kulturo renesanse. Vodilni položaj sakralne glasbe: maše, moteti, himne in psalmi.

test, dodan 28.05.2010


Glasbeni posnetek Mezopotamije. Glavno področje delovanja poklicnih pevcev in zborov v Egiptu v času starega kraljestva. Uporaba feničanske abecede v stari Grčiji. Zborovska umetnost srednjega veka, Indija in Kitajska. Neveljaven zapis.

predstavitev, dodana 10.6.2015


Glasba je zasedala eno najpomembnejših mest v sistemu umetnosti stare Indije. Njegov izvor sega v ljudske in verske obrede. Kozmološke ideje starodavne Indije so se dotaknile področja vokalne in instrumentalne glasbe. Indijska glasbila.

kontrolno delo, dodano 15.02.2010


Glasbeni žanr kot zgodovinsko uveljavljena vrsta dela v enotnosti njegove oblike in vsebine. Glavne zvrsti v sodobni glasbi. Esenca elektronske glasbe, pop zvrst, rock glasba, rap. Novi žanri XXI stoletja. Najbolj nenavadna glasbila.

seminarska naloga, dodana 20.12.2017


Začetki rock glasbe, središča njenega nastanka, glasbene in ideološke sestavine. Rock glasba 60-ih, nastanek trde glasbe in vzpon garažnega rocka. Alternativna glasbena kultura. Rock glasba 2000-ih in avtsajderji vseh časov.

povzetek, dodan 01.09.2010


Znamenno petje - zgodovina razvoja. Glasbena poetika in himnografija. Glasbeno pisanje starodavna Rusija. Zborovska glasba in ustvarjalnost D. Bortnyanskega. Zgodovina ruske opere, značilnosti ruskega narodnega gledališča. Ustvarjalni portreti skladateljev.

ponovno rojstvo(francosko Renesansa) - obdobje v kulturnem in zgodovinskem življenju zahodne Evrope v XV-XVI stoletju. (v Italiji - XIV-XVI stoletja). To je obdobje nastanka in razvoja kapitalističnih odnosov, oblikovanja narodov, jezikov in nacionalnih kultur. Renesansa je čas velikih geografskih odkritij, izuma tiska, razvoja znanosti.

Doba je dobila ime po oživitev zanimanje starinsko umetnosti, ki je postala ideal kulturnikom tistega časa. Skladatelji in glasbeni teoretiki - J. Tinktoris, J. Tsarlino in drugi - so preučevali starogrške glasbene razprave; v glasbenih delih Josquina Despresa, ki ga primerjajo z Michelangelom, se je »izgubljena popolnost starih Grkov povečala«; pojavil v poznem 16. - začetku 17. stoletja. opera je naravnana na vzorce antične dramatike.

Renesančna umetnost je temeljila na humanizem(iz latinskega "humanus" - human, človekoljuben) - pogled, ki človeka razglaša za najvišjo vrednost, zagovarja pravico človeka do lastne ocene pojavov realnosti, postavlja zahtevo znanstvena spoznanja in ustrezno refleksijo pojavov realnosti v umetnosti. Ideologi renesanse so teologiji srednjega veka nasprotovali z novim idealom človeka, prežetega z zemeljskimi čustvi in ​​interesi. Hkrati so se v umetnosti renesanse ohranile značilnosti prejšnje dobe (v bistvu je bila posvetna, uporabljala je podobe srednjeveške umetnosti).

Renesansa je bila tudi čas širokih protifevdalnih in protikatoliških verskih gibanj (husitizem na Češkem, luteranstvo v Nemčiji, kalvinizem v Franciji). Vsa ta verska gibanja združuje skupni koncept " protestantizem" (ali " reformacija»).

V renesansi je umetnost (tudi glasba) uživala velik javni ugled in se izjemno razširila. Likovna umetnost (L. da Vinci, Rafael, Michelangelo, Jan van Eyck, P. Bruegel in drugi), arhitektura (F. Brunelleschi, A. Palladio), literatura (Dante, F. Petrarka, F. Rabelais, M. Cervantes). , W. Shakespeare), glasb.

Značilne značilnosti glasbene kulture renesanse:

hiter razvoj posvetno glasba (široka razširjenost posvetnih zvrsti: madrigali, frotoli, vilanele, francoski »šansoni«, angleške in nemške večglasne pesmi), njen napad na staro cerkveno glasbeno kulturo, ki je obstajala vzporedno s posvetno;

realističen trendi v glasbi: novi zapleti, podobe, ki ustrezajo humanističnim pogledom in posledično nova glasbena izrazna sredstva;

folk melodično kot vodilni začetek glasbenega dela. Ljudske pesmi se uporabljajo kot cantus firmus (glavna, nespremenljiva tenorska melodija v večglasnih delih) in v večglasni glasbi (vključno s cerkveno). Melodija postane bolj uglajena, gibčnejša, spevna, saj je neposreden izraz človeških izkušenj;

močan razvoj večglasno glasba, vklj. in " strog slog" (sicer - " klasična vokalna polifonija", Ker osredotočen na vokalno in zborovsko izvedbo). Strogi slog pomeni obvezno spoštovanje ustaljenih pravil (stroge slogovne norme je oblikoval Italijan J. Carlino). Mojstri strogega sloga so obvladali tehniko kontrapunkta, imitacije in kanona. Stroga pisava je temeljila na sistemu diatoničnih cerkvenih načinov. V harmoniji prevladujejo sozvočja, uporaba disonanc je bila strogo omejena s posebnimi pravili. Dodani so glavni in pomožni načini ter sistem ure. Tematska osnova je bil gregorijanski koral, uporabljene pa so bile tudi posvetne melodije. Koncept strogega sloga ne zajema vse polifone glasbe renesanse. Osredotoča se predvsem na polifonijo Palestrine in O. Lassa;

oblikovanje novega tipa glasbenika - strokovno, ki je prejel celovito posebno glasbeno izobrazbo. Pojem "skladatelj" se pojavi prvič;

oblikovanje nacionalnih glasbenih šol (angleške, nizozemske, italijanske, nemške itd.);

nastop prvih izvajalcev lutnja, violina, violina, čembalo, orgle; razcvet amaterskega glasbenega ustvarjanja;

nastanek tipografije.

Glavne glasbene zvrsti renesanse

Glavni glasbeni teoretiki renesanse:

Johannes Tinctoris (1446 - 1511),

Glarean (1488 - 1563),

Josephfo Carlino (1517 - 1590).

Glasba renesanse

Glasbila

Priljubljena glasbila

V XVI stoletju. pojavila so se nova glasbila. Najbolj priljubljeni so bili tisti, katerih igra je bila ljubiteljem glasbe dana enostavno in preprosto, ne da bi zahtevala posebna znanja.
Najpogostejše so postale viole in sorodne ubrane viole. Viola je bila predhodnica violine in jo je bilo enostavno igrati zahvaljujoč prečkam (lesenim trakom čez frajtonarico), ki so vam pomagale zadeti prave note. Zvok viole je bil tih, vendar je dobro zvenel v majhnih dvoranah. Ob spremljavi še enega žganega trbniškega inštrumenta - lutnje - so zapeli, kot sedaj s kitaro.
Takrat je marsikdo rad igral na flavto, flavte in rogove. Najkompleksnejša glasba je bila napisana za novonastali čembalo, virginal (angleški čembalo, za katerega je značilna majhnost) in orgle. Ob tem pa glasbeniki niso pozabili komponirati preprostejše glasbe, ki ni zahtevala visokega izvajalskega znanja. Istočasno je prišlo do sprememb v glasbenem pisanju: težke lesene tiskarske bloke so zamenjale mobilne kovinske črke, ki jih je izumil Italijan Ottaviano Petrucci. Objavljena glasbena dela so se hitro razprodala, glasbi se je začelo pridružiti vse več ljudi.

Kratek opis dobe po državah