இந்தியாவின் நாடகக் கலை. இந்திய நாடகம் "கதகளி" - புரியாத நடனங்கள் அல்லது புரிந்துகொள்ளக்கூடிய கலை? இந்தியாவின் ஓவியம், இசை, நாடகம்

இந்திய நாடகத்துறைக்கு சொந்தமானது பழமையான திரையரங்குகள்உலகம்: அதன் கோட்பாடு மற்றும் நடைமுறை 2 ஆம் நூற்றாண்டில் உருவாக்கப்பட்டது. கி.மு இ. அவர் அசல் மட்டுமல்ல, இந்த அசல் தன்மையை பல நூற்றாண்டுகளின் தடிமன் வழியாகவும் கொண்டு சென்றார். கிளாசிக்கல் இந்திய நாடகத்தின் தேர்ச்சி மிகவும் நுட்பமானது, மற்ற நாடுகளின் பிரதிநிதிகள் மற்றும் மக்களின் பிரதிநிதிகள் அதில் தேர்ச்சி பெறுவது கிட்டத்தட்ட சாத்தியமற்றது.

IN பொதுவான அவுட்லைன்இந்திய நாடகத்தை வரலாற்று மற்றும் உண்மை அடிப்படையில் பிரிக்கலாம் பாரம்பரிய சமஸ்கிருத நாடகம், நாட்டுப்புற நாடகம் மற்றும் ஐரோப்பிய நாடகம்.

அலெக்சாண்டர் தி கிரேட் பிரச்சாரத்தின் விளைவாக இந்தியாவுக்குள் ஊடுருவிய கிளாசிக்கல் சமஸ்கிருத நாடகம் கிளாசிக்கல் கிரேக்கக் கலையுடன் ஓரளவிற்கு இணைக்கப்பட்டுள்ளது என்று ஒரு கருத்து உள்ளது (கிளாசிக்கல் சமஸ்கிருத கவிதை உருவாகும் போது நாடக மேடையின் பின்னணி "யவனிகா" என்று அழைக்கப்பட்டது. ”, அதாவது “கிரேக்கம்”). ஆனால் இதற்கு நேரடி ஆதாரம் இல்லை. அது எப்படியிருந்தாலும், 2 ஆம் நூற்றாண்டில். கி.மு இ. முனிவர் பரதரின் அடிப்படைப் பணி தோன்றுகிறது, "நாடகக் கலை பற்றிய உபதேசம்" ("நாட்டியசாஸ்திரம்"), இது கலை மற்றும் வெளிப்படையான சடங்கு மற்றும் மேடை செயல்கள் போன்ற சிக்கல்களை ஆராய்கிறது, இதில் அசைவுகள் மற்றும் மந்திரங்கள், நடனங்கள் மற்றும் பாடல்களின் இசைக்கருவி, விளக்கம் இசைக்கருவிகள், படைப்பின் கொள்கைகள் நாடக படைப்புகள், வசனக் கோட்பாடு, கலை நிகழ்ச்சிகளின் வரலாறு, முதலியன நாட்டியசாஸ்திரம் கவிதை வடிவில் எழுதப்பட்டுள்ளது.

உன்னதமான நாடகம் (தாக்குதல்)பத்து நியமன வகைகள் இருந்தன:

1) உண்மையில் கொண்டு தாக்குதல்பிரபலமான கதைகளிலிருந்து ஒரு சதி;

2) prokaranaஆசிரியரால் கண்டுபிடிக்கப்பட்ட அல்லது திருத்தப்பட்ட சதித்திட்டத்துடன்;

3) சம்வகாரகடவுள்கள் மற்றும் பேய்களின் கதைகளிலிருந்து ஒரு சதித்திட்டத்துடன்;

4) இக்மிரிதாதனது காதலியுடன் ஒன்றுபட விரும்பும் ஒரு ஹீரோவைப் பற்றி ஆசிரியரால் கடன் வாங்கப்பட்ட அல்லது ஓரளவு இயற்றப்பட்ட சதித்திட்டத்துடன்;

5) டிமா எஸ்பல்வேறு புராண உயிரினங்களைப் பற்றி கடன் வாங்கப்பட்ட சதி;

6) வியாயோகம் - ஒரு நாடகம்காமிக் அல்லது சிற்றின்ப உள்ளடக்கத்தின் கடன் வாங்கப்பட்ட சதியுடன்;

8) பிரஹாசனம் -அன்றாட வாழ்வில் இருந்து ஒரு கதைக்களத்துடன் ஒரு நாடகம் கேலிக்கூத்து நாடகம்;

10) விதி -ஒரு நடிப்பு நாடகம், நிகழ்த்துபவர்களின் எண்ணிக்கையில் (இரண்டு அல்லது மூன்று) பானாவிலிருந்து வேறுபடுகிறது.

முதல் இந்திய நாடக ஆசிரியர் கருதப்படுகிறார் அஸ்வகோஷா(கி.பி II நூற்றாண்டு). ஆனால் கிளாசிக்கல் நாடகம் அதன் மிகப்பெரிய வளர்ச்சியை அடைந்தது காலிடேஸ்(IV நூற்றாண்டு கி.பி). காளிதாசனைத் தவிர, மேலும் ஐந்து பிரபல நாடக ஆசிரியர்களின் பெயர்கள் குறிப்பிடப்பட்டுள்ளன: சூத்ரகா, ஹர்ஷா, விசாகதாத்தா, பாசா மற்றும் பவபூத்னா.

செம்மொழி நாடகம் 4-5 ஆம் நூற்றாண்டுகளில் உச்சகட்டத்தை எட்டியது. n இ. 8 ஆம் நூற்றாண்டில். அது பழுதடைந்தது. இருப்பினும், கேரளாவின் பழமையான பாரம்பரிய நாடகம் இன்றும் வாழ்கிறது. அவர்கள் அங்கு பேசுகிறார்கள்,தனது சொந்த நடிகர் பயிற்சி பள்ளியை பராமரிக்கும் போது.

நாட்டுப்புற நாடகம் இந்திய நாடகக் கலைக்கான மற்றொரு குறிப்பிட்ட நிகழ்வு ஆகும். பெரும்பாலும், இது கிளாசிக்கல் நாடகத்தின் ஒரு வகையான தொகுப்பாக எழுந்தது, ஆட்சியாளர்களால் ஆதரிக்கப்படுகிறது, மற்றும் சாதாரண மக்களால் ஆதரிக்கப்படும் நாட்டுப்புற மர்மங்கள்.

இந்தியாவில் உள்ள ஐரோப்பிய பாணி தியேட்டர் அதன் சொந்த பிரத்தியேகங்களைக் கொண்டுள்ளது, இது இந்த வார்த்தையைப் பற்றிய நமது புரிதலில் ஐரோப்பிய திரையரங்குகளிலிருந்து வேறுபடுகிறது. இந்தியாவில் ஓபரா இல்லை, பாலே இல்லை, நிரந்தர நாடக அரங்குகள் இல்லை, அவற்றின் நிரந்தர குழு, விரிவான திறமை மற்றும் நீண்ட கால இருப்பு.

ஐரோப்பிய பாணியிலான இந்திய நாடகம் பன்முகத்தன்மை கொண்டது மற்றும் நடிப்பு குழு மற்றும் திறமையின் அடிப்படையில் மிகவும் நிலையற்றது. இந்தியர்களின் கூற்றுப்படி, இந்தியாவில் ஒரு ஐரோப்பிய பாணி தியேட்டர் நிறுவப்பட்ட உண்மையான தேதி 1831 ஆகும் பிரசன்ன குமார் தாக்கூர்கொல்கத்தாவில் "இந்து தியேட்டர்" ("இந்து ரங்மஞ்ச்") திறக்கப்பட்டது, நாடக ஆசிரியர் பவ்பூதி (கி.பி. 7 ஆம் நூற்றாண்டு) சமஸ்கிருத நாடகமான "உத்தர் ராம்சரிதம்" இன் ஆங்கில மொழிபெயர்ப்பை அரங்கேற்றினார்.

முதல் ஐரோப்பிய திரையரங்குகள் ஆங்கில நாடகங்களை மட்டுமே அரங்கேற்றியது மற்றும் ஆங்கிலேயர்களுக்கு மட்டுமே (இந்தியர்கள் நுழைவது தடைசெய்யப்பட்டது). இருப்பினும், 1852 இல் முதல் " நாடக நிறுவனம்பார்சி", மற்றும் இவை மற்றும் வேறு சில நாடகக் குழுக்களின் நிகழ்ச்சிகள் ஆங்கிலம் பேசும் பார்வையாளர்களைக் கவரும் வகையில் முக்கியமாக ஆங்கிலத்தில் நிகழ்த்தப்பட்டாலும், அவற்றின் உள்ளடக்கம் இந்திய பாரம்பரிய இலக்கியத்தின் அடிப்படையிலானது.

19 ஆம் நூற்றாண்டு முழுவதும் நாடகத் துறையில் ஆதிக்கம் செலுத்திய பார்சி சமூகத்தால் நவீன நாடகத்தின் வளர்ச்சியில் ஒரு சிறப்புப் பங்கு உள்ளது. பார்சி தியேட்டர் வெகுஜனமாக மாற முயன்றது, எனவே அது பொது இந்திய மக்களின் நலன்களைப் பூர்த்தி செய்யும் நாடகங்களை அரங்கேற்றியது. உரைநடை நாடகங்களுடன் இசை நாடகங்களும் அரங்கேற்றப்பட்டன. முதல் நாடகங்களின் இலக்கியப் பொருள் விரும்பத்தக்கதாக இருந்தது. மேடையில் மக்களை வெட்டி, தலையை வெட்டி, தொங்கவிடும்போது அவை சில சமயங்களில் இயல்பான நிகழ்வுகளால் நிரம்பி வழிகின்றன. மேலும், நாடகங்களில் வரும் கதாபாத்திரங்கள் பெரும்பாலும் தற்கொலை செய்துகொண்டனர். அத்தகைய இரத்தம் தோய்ந்த மெலோடிராமாக்கள் நினைவூட்டுகின்றன நவீன படங்கள்திகில் படங்கள் மற்றும் அதே இலக்குகளைப் பின்தொடர்ந்தன - உண்மையில் பார்வையாளர்களின் நரம்புகளை கூச்சப்படுத்த. இருப்பினும், உருதுவை தாய்மொழியாகக் கொண்ட எழுத்தாளர்களின் வருகையுடன் (பார்சி நாடக நிகழ்ச்சிகள் குஜராத்தியில் அரங்கேற்றப்பட்டன), குறிப்பிடத்தக்க முன்னேற்றம் ஏற்பட்டது. இலக்கிய உள்ளடக்கம்விளையாடுகிறார்.

இந்தியாவின் நாடக வாழ்க்கையில் ஒரு சிறப்பு இடம் ஆர். தாகூரின் இசை மற்றும் கவிதை நாடகத்தால் ஆக்கிரமிக்கப்பட்டுள்ளது, அவர் பாரம்பரிய இந்திய நாடகத்தை அதன் நியமனத்துடன் இணைக்க முயன்றார். இசைக்கருவிஉறுப்புகளுடன் மேற்கத்திய இசை, அவரது முதல் நாடகமான "தி ஜீனியஸ் ஆஃப் வால்மீகி" (1881 இல் திரையிடப்பட்டது) ஒரு அணிவகுப்பின் மெல்லிசையை அறிமுகப்படுத்தினார், இது செயல்பாட்டின் முக்கிய அம்சமாக மாறியது. தாகூரின் நாடகத்தில், இந்திய நாடக வரலாற்றில் முதன்முறையாக ஒரு பெண் வேடத்தில் உயர் சாதியைச் சேர்ந்த பெண் (தாகூரின் மருமகள்) நடித்தார். இதேபோன்ற வகையில், ஆர். தாகூர் இன்னும் பல நாடகங்களை எழுதினார், அவற்றில் சில இன்னும் இந்திய திரையரங்குகளின் தொகுப்பில் சேர்க்கப்பட்டுள்ளன, குறிப்பாக பெங்காலி நாடகங்கள்.

நிபுணர்களின் கூற்றுப்படி, நவீன இந்திய நாடகம் பின்வரும் சிக்கல்களை முன்னிலைப்படுத்துவதில் கவனம் செலுத்துகிறது: இந்தியாவில் மனித இருப்பின் முக்கியப் பிரச்சனைகள், ஒழுக்கம் மற்றும் பலவற்றின் வீழ்ச்சி, நவீன சமுதாயத்தில் தனிநபர்களின் உறவுகள். சில இடங்களில் நாட்டுப்புற மற்றும் நவீன நாடகங்களின் இணைப்பு உள்ளது. பிராந்திய மொழிகளில் நாடகங்கள் மொழி தடைகளை உடைத்து, ஒரு பான்-இந்திய நிகழ்வாக மாறும். ஆங்கிலத்தில் எழுதும் திறமையான நாடக ஆசிரியர்களும் உள்ளனர். இதனால், நாடகம் சர்வதேச அங்கீகாரத்தைப் பெற்றது மஞ்சுலி பத்மநாபன்"கசப்பு அறுவடை"

தற்போதுள்ள பல சிரமங்கள் இருந்தபோதிலும், நவீன இந்திய நாடகம் சந்தேகத்திற்கு இடமின்றி வாழ்கிறது மற்றும் வளர்கிறது.

மிகவும் பழமையான பாணிகளில் ஒன்று - பரத நாட்டியம்எங்களை அடைந்தது நன்றி தேவாசி -தெய்வத்திற்காக தங்கள் வாழ்க்கையை அர்ப்பணித்த கோவில் நடன கலைஞர்கள். காலப்போக்கில், நடனம் நிலப்பிரபுத்துவ பிரபுத்துவத்தின் பொழுதுபோக்கிற்கான வழிமுறையாக மாறியது மற்றும் "தேவசி" என்ற பெயர் வேசிக்கு ஒத்ததாக மாறியது. நடனம் ஒரு கலவையாக இருந்தது நிருத்யா(நடனம்-கதை) மற்றும் ஸ்ரிட்டா(அதன் தூய்மையான வடிவத்தில் நடனம்). பின்னர் ஒரு இடைவேளை நிகழ்த்தப்பட்டது ( பதம்), இதில் நடனக் கலைஞர் சமஸ்கிருதத்தில் பாடப்பட்ட பாடலின் உள்ளடக்கத்தை சைகைகளுடன் வெளிப்படுத்துகிறார். பாடகர் ஒரே வரியைத் திரும்பத் திரும்பச் சொல்வதாலும், அதற்கு அவர் வெவ்வேறு விளக்கங்களைக் கொடுத்ததாலும், நடனக் கலைஞரின் ஒரே உரையின் பல்வேறு விளக்கங்களிலிருந்தும் இடையிசையின் சொற்பொருள் பலகுரல் பிறந்தது.

15 ஆம் நூற்றாண்டில் வட இந்தியாவில் ஒரு பாரம்பரிய நடன பாணி உருவாகி வருகிறது கதக்.அந்த நேரத்தில், முஸ்லீம் வெற்றியாளர்கள் ஒருங்கிணைக்கப்பட்ட ஒரு மாநிலம் உருவானது, இது முஸ்லீம் மற்றும் இந்து கலைகளின் கலவைக்கு உத்வேகம் அளித்தது. கதக்இரண்டு கலாச்சாரங்களின் இணைப்பின் விளைவாக இருந்தது. இந்த நடனம் பாரசீக உடையில் நிகழ்த்தப்பட்டது, ஆனால் வாதா மற்றும் கிருஷ்ணரின் காதல் பற்றிய புராணக்கதைகளின் தொடர்ச்சியாக இருந்தது. போலல்லாமல் பரத நாட்டியம், கால்களின் இயக்கங்கள் கைகள் மற்றும் கண்களின் இயக்கங்களுடன் ஒத்திசைக்கப்படுகின்றன, கதக்மேம்பாட்டில் கட்டப்பட்டது. இது திறமையான கால் அசைவுகள், பல்வேறு மற்றும் தாளங்களின் சிக்கலான தன்மை ஆகியவற்றால் வகைப்படுத்தப்படுகிறது. நடனக் கலைஞரின் திறமையை சோதிக்க, டிரம்மர் அவ்வப்போது முக்கிய தாளத்தை மறைக்கிறார். இதையொட்டி, நடனக் கலைஞர் தனது தாளத்தை மாற்ற முயற்சிக்கிறார், டிரம்மரின் தாளத்தைத் தூக்கி எறிய முயற்சிக்கிறார். நடனம் மற்றும் தாளக்கருவியின் பொதுவான உடன்பாட்டுடன் தாளங்களின் நாடகம் முடிவடைகிறது, இது எப்போதும் பார்வையாளர்களின் மகிழ்ச்சியுடன் இருக்கும்.

17 ஆம் நூற்றாண்டில் நாடகம் தென்னிந்தியாவில் பிறந்தது கதகளி.கடவுள்கள் மற்றும் பேய்கள், அவர்களின் அன்பு மற்றும் வெறுப்பு பற்றிய பாண்டோமைம் நடன நாடகம். கோவில் முற்றத்திலோ அல்லது திறந்த வெளியிலோ நிகழ்ச்சி நடத்தப்படுகிறது. அதன் பார்வையாளர்கள் சுற்றுப்புற கிராமங்களைச் சேர்ந்த விவசாயிகள், அவர்கள் தங்கள் அன்றாட கவலைகள் மற்றும் விவகாரங்களை மேளம் சத்தம் கேட்டவுடன் விட்டுவிடுகிறார்கள். நாடக நிகழ்ச்சி இரவின் கருப்பு பின்னணியில் கொடுக்கப்பட்டுள்ளது. பிரகாசமான ஒப்பனையில் உள்ள கதாபாத்திரங்கள் - பச்சை, சிவப்பு மற்றும் கருப்பு - இருளில் இருந்து தோன்றி இருளில் மறைந்துவிடும். ஒப்பனை மற்றும் அதன் வடிவமைப்பு ஒரு குறியீட்டு அர்த்தத்தைக் கொண்டுள்ளது, இது பார்வையாளருக்கு நன்கு தெரியும்.

பாத்திரங்கள் கதகளிஏழு வகைகளாக பிரிக்கப்பட்டுள்ளன: பச்சை- உன்னத ஹீரோக்கள்; பூனை -திமிர்பிடித்த மற்றும் திமிர்பிடித்த; சிவப்பு தாடிகள்- வில்லன்கள் மற்றும் லட்சிய மக்கள்; வெள்ளை தாடி, பெரும்பாலும் இவர்கள் குரங்கு ராஜா ஹனுமானுக்கு ஆலோசகர்கள் - ஒரு உன்னத மற்றும் வீர உருவம்; கருப்பு தாடிகள்- வன மக்கள் மற்றும் வேட்டைக்காரர்கள்; கரி -தீய ராட்சதர்கள் மற்றும் பெண் பேய்கள்; மினுக்கு –முனிவர்கள், துறவிகள், பிராமணர்கள் மற்றும் பெண்கள்.

தேர்ச்சி கதகளிஒரு குருவின் வழிகாட்டுதலின் கீழ் குழந்தை பருவத்தில் இருந்து கற்றுக்கொண்டார். ஒரு நபராக இருந்தாலும், பூவாக இருந்தாலும், பறவையாக இருந்தாலும், தான் சித்தரிப்பதன் உள் சாராம்சத்தைப் புரிந்துகொள்ள நடிகர் கற்றுக்கொள்கிறார்.

நாடகக் கோட்பாட்டைப் பொறுத்தவரை, நாடகத்தைப் பற்றிய முதல் சமஸ்கிருதக் கட்டுரை பண்டைய முனிவர் பரதரின் படைப்பு ஆகும். நாட்டியசாஸ்திரம் (நடிகரின் கலை பற்றிய கட்டுரை) இக்கட்டுரையின் தோற்றம் 3-4 ஆம் நூற்றாண்டுகள் என்று விஞ்ஞானிகள் குறிப்பிடுகின்றனர். இப்போது வரை, இந்த புத்தகத்தில் நிறுவப்பட்ட விதிகள் அனைத்து தலைமுறை இந்திய நடிகர்களுக்கும் சட்டமாக உள்ளது.

கட்டுரையின் படி, நான்கு முக்கிய வெளிப்பாடுகள் உள்ளன: அங்கிகா,முத்திரை,வாச்சிகா,aharya.அங்கிகா –கைகள், விரல்கள், உதடுகள், கழுத்து மற்றும் கால்களின் வழக்கமான சைகைகளின் மொழி. தலையின் பதின்மூன்று இயக்கங்கள் பரிந்துரைக்கப்படுகின்றன, புருவங்களுக்கு ஏழு இயக்கங்கள், கண்களுக்கு முப்பத்தாறு; மூக்குக்கு ஆறு, கன்னங்களுக்கு ஆறு, கன்னத்துக்கு ஏழு, கால்களுக்கு முப்பத்திரண்டு. பல்வேறு கால் நிலைகள் மற்றும் பல்வேறு நடைகள் வழங்கப்படுகின்றன - ஒரு கம்பீரமான நடை, நறுக்குதல் அல்லது நெசவு போன்றவை. முத்ரா -குறியீட்டு அர்த்தம் கொண்ட ஒரு சைகை. இருபத்தி நான்கு அடிப்படை சைகைகள் உள்ளன, அவை ஒவ்வொன்றும் முப்பதுக்கும் மேற்பட்ட வெவ்வேறு அர்த்தங்களைக் கொண்டுள்ளன. . வாச்சிகா- கற்பனை, ஒலிப்பு மற்றும் பேச்சு விகிதம் உருவாக்கும் ஒரு குறிப்பிட்ட மனநிலை. ஆஹர்யா –நியமனம் செய்யப்பட்ட நிறம் மற்றும் ஆடை மற்றும் ஒப்பனை விவரங்கள். தெய்வங்களுக்கும் சொர்க்க கன்னிகளுக்கும் - ஆரஞ்சு ஒப்பனை, சூரியனுக்கும் பிரம்மாவுக்கும் - தங்கம், இமயமலை மற்றும் கங்கைக்கு - வெள்ளை. பேய்கள் மற்றும் குள்ளர்கள் கொம்புகளை அணிவார்கள் - மான், ஆட்டுக்கடா அல்லது எருமை. மக்களின் ஒப்பனை அவர்களின் சமூக நிலை மற்றும் சாதியைப் பொறுத்தது. மிக உயர்ந்த சாதிகளின் பிரதிநிதிகள் - பிராமணர்கள் மற்றும் க்ஷத்திரியர்கள் - சிவப்பு ஒப்பனை, சூத்திரர்கள் - அடர் நீலம், ராஜாக்கள் - வெளிர் இளஞ்சிவப்பு, துறவிகள் - ஊதா.

நாடகக் கூறு சாத்விகா- இவை நடிகரால் தெரிவிக்கப்படும் மன நிலைகள் (பாவ), மற்றும் மேடையில் பார்த்த பிறகு பார்வையாளர்களின் மனநிலை ( இனம்) ஒரு நடிகர் தனது கதாபாத்திரத்தின் உணர்வுகளுடன் பழக வேண்டும் மற்றும் நுட்பமான அனுபவங்களை வெளிப்படுத்த முடியும், அதற்காக அவர் நடிப்பு நுட்பத்தில் தேர்ச்சி பெற வேண்டும். ஒரு கண்ணீர் சிந்தும் திறன், குளிர்ச்சியிலிருந்து முகத்தின் தோல் எவ்வாறு இறுக்கமடைகிறது, எப்படி ஒரு நடுக்கம் முழு உடலிலும் பயத்தில் ஓடுகிறது, அதாவது. திறமையான நடிப்பு நுட்பம் பார்வையாளருக்கு ஒரு குறிப்பிட்ட மனநிலையைத் தூண்டும். அனைத்து அழகியல் கருத்துஇந்தியன் கலை நிகழ்ச்சிகள்கற்பித்தல் அடிப்படையில் பாவமற்றும் இனம். உண்மையில், "ரச" என்ற வார்த்தையின் அர்த்தம் சுவை அல்லது சுவை, அதாவது. நிகழ்ச்சிக்குப் பிறகு பார்வையாளர்களிடம் இருக்கும் மனநிலை. இனம்ஒன்பது வகைகள் உள்ளன: சிற்றின்பம், நகைச்சுவை, சோகம், கோபம், வீரம், பயங்கரம், அருவருப்பு, ஆச்சரியம், இனிமையானது. ஒவ்வொன்றும் இனம்ஒரு குறிப்பிட்ட நிறத்தால் குறிக்கப்படுகிறது: வரிசையில் - வெளிப்படையான பச்சை, வெள்ளை, சாம்பல் சாம்பல், சிவப்பு, வெளிர் ஆரஞ்சு, கருப்பு, நீலம், மஞ்சள். ஒன்பது இனம்போட்டி ஒன்பது பாவ, இது நிலையானதாகவோ அல்லது நிலையற்றதாகவோ இருக்கலாம்.

நாட்டியசாஸ்திரம்படிக்க கடினமான தொன்மையான வடிவத்தில் எழுதப்பட்டது மற்றும் பல நூற்றாண்டுகளாக பல வர்ணனைகளுடன் சேர்ந்து வருகிறது.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில். இந்தியாவில் ஒரு புதிய நாடகம் மற்றும் ஒரு புதிய நாடக அரங்கம் உருவாகி வருகின்றன. உருவாக்க முதல் முயற்சி புதிய நாடகம்பெங்காலி நாடக ஆசிரியர்களான டினோபோந்து மிட்ரோ, மோதுஷுடோன் டோட்டோ, ராம்சரைனௌ தர்கோரோட்னு ஆகியோருக்கு சொந்தமானது. அவர்களின் படைப்புகள் அவர்களின் சமூக ஆழம் மற்றும் பிரிட்டிஷ் எதிர்ப்பு நோக்குநிலை ஆகியவற்றால் வேறுபடுகின்றன. அதே நேரத்தில், நாட்டின் பிற மாகாணங்களில் நாடகக் குழுக்கள் தோன்றின. இந்தி நாடகத்தின் உருவாக்கம் பாரதேந்து ஹரிஷ்சந்திரா என்ற பெயருடன் தொடர்புடையது, அதன் பணி தேசிய மற்றும் மேற்கு ஐரோப்பிய நாடக மரபுகளை இணைத்தது.

தேசிய விடுதலைப் போராட்டம் மற்றும் சுதந்திரக் கோரிக்கையின் கருத்துக்கள் எஸ். கோவிந்தாஸின் படைப்புகளில் பிரதிபலிக்கின்றன. சேவையின் பாதை, ஏன் துன்பம்?முதலியன). 1940 களில், நாட்டின் நாடக வாழ்க்கை குறிப்பிடத்தக்க அளவில் தீவிரமடைந்தது. இந்திய மக்கள் திரையரங்குகளின் சங்கம் உருவாக்கப்பட்டது, அதன் செயல்பாடுகள் நாட்டில் நாடக கலாச்சாரத்தின் வளர்ச்சியில் குறிப்பிடத்தக்க தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது. 1947 இல் சுதந்திரம் நிறுவப்பட்ட பிறகு, நாடகக் கலை மற்றும் நாடக நாடகத்தின் பாரம்பரிய வடிவங்கள் இரண்டின் வளர்ச்சிக்கான நிலைமைகள் இந்தியாவில் உருவாக்கப்பட்டன. இந்திய இசை மற்றும் நாடக அகாடமி நிறுவப்பட்டது, இது நாடகக் கலைத் துறையில் அறிவியல் பணிகளைச் செய்கிறது. ஷேக்ஸ்பியர், இப்சன், மோலியர், துர்கனேவ், கோர்க்கி, செக்கோவ் உள்ளிட்ட இந்திய திரையரங்குகளில் உலக நாடகத்தின் சிறந்த படைப்புகள் அரங்கேற்றப்படுகின்றன.

சீனாவின் தியேட்டர்

சீன நாடகத்தின் அடிப்படை இசை, இது பாரம்பரிய இசை நாடகத்தை வடிவமைத்தது Xiqu, இன்றும் உயிருடன் உள்ளது. பண்டைய காலங்களிலிருந்து, மாநிலத்தில் இசையின் இடம் மதச் சடங்குகளில் அதன் முக்கிய செயல்பாட்டின் முதல் ஆட்சியாளர்களால் பாதுகாக்கப்பட்டது. ஆனால் இசையை உருவாக்கத் தொடங்குவதற்கு முன், படைப்பாளி அதை பிரபஞ்சத்தின் அண்ட ஒலிகளில் கேட்க வேண்டும், பின்னர் பிரபஞ்சத்தால் நிறுவப்பட்ட பிரபஞ்சத்தின் விதிகளின்படி அதை ஒழுங்கமைக்க வேண்டும். காற்றின் சத்தம் மற்றும் நதிகளின் ஓட்டம், மரங்களின் சத்தம் மற்றும் பறவைகளின் பாடலைக் கேட்டு, விலங்குகளின் பழக்கவழக்கங்களைக் கவனித்து, இணைவின் தாளங்களுக்கு இசைவாக மெல்லிசைகளையும் நடனங்களையும் உருவாக்கும்போது பிரபஞ்சத்தின் குரல்கள் மனிதனை அடைந்தன. குய்வானமும் பூமியும்.

இசை, மெல்லிசை, குரல் செயல்திறன் ஆகியவை நாடகக் கோட்பாடு அதிக கவனம் செலுத்திய பகுதிகள். சுமார் 50 நாடகக் கட்டுரைகள், 10-தொகுதிகளை உருவாக்குகின்றன சீன பாரம்பரிய நாடகம் பற்றிய கட்டுரைகளின் தொகுப்பு(1959 மற்றும் 1982), முழுவதுமாகவோ அல்லது பகுதியாகவோ இசைக்காக அர்ப்பணிக்கப்பட்டது. சீன அட்டவணையில் உள்ள தியேட்டரில் உள்ள இசை பொதுவான, குறைந்த வடிவத்தைக் குறிக்கிறது ( சு யூ- உயர்விற்கு எதிராக கலை ( நான் யூ) சடங்கு இசை, தியேட்டர் அதன் தோற்றத்தை ஒருபோதும் மறக்கவில்லை, பண்டைய நியதிகளின் இசையின் இழப்பை அடிக்கடி புலம்புகிறது.

சீன நாடகக் கலையின் தோற்றம் ஷாங் சகாப்தத்தின் (கிமு 1766-1122) ஷாமனிக் சடங்குகளில் இருந்து உருவானது. ஏற்கனவே யின் எலும்புகளில் (கிமு 1 மில்லினியம்) ஹைரோகிளிஃப்களின் படம் உள்ளது யு இ(இசை) மற்றும் மணிக்கு(நடனம்). Zhou சகாப்தத்தில் (கிமு 1027-1256), மத சடங்குகள் மற்றும் அரண்மனை விழாக்கள் நடன நுட்பத்தை மெருகூட்டியது, மேடை இயக்கத்தின் நியதியை உருவாக்கியது. அப்போதும் கூட, அவர்கள் பாடும் மற்றும் நடனமாடும் நடிகர்களை வேறுபடுத்திக் காட்டினார்கள் ( சான்-யு) மற்றும் கேலி செய்பவர்கள், நடிகர்கள் மற்றும் நகைச்சுவை நடிகர்கள் ( செலுத்து - யு) அரண்மனையின் சுவர்களுக்கு வெளியே, தியேட்டர் எழுந்தது நாட்டுப்புற சடங்குகள்மற்றும் விடுமுறை நாட்கள். மூதாதையர் வழிபாட்டின் வழிபாட்டுடன் தொடர்புடைய சடங்குகள், சடங்குகள் மற்றும் பாண்டோமைம் நடனங்களில் நாடகத்தன்மையின் உறுதியான கூறு இருந்தது. டி.என். "டெட் கேம்ஸ்" என்பது இறந்தவரின் செயல்கள் மற்றும் ஆயுதங்களின் சாதனைகளை சித்தரிக்கும் போது அவரைப் பின்பற்றுவதை உள்ளடக்கியது.

ஹான் சகாப்தத்தில் (கிமு 206 - கிபி 220), பல பங்கேற்பாளர்களின் போராட்டத்துடன் கூடிய நாட்டுப்புற இசை நாடகத்தின் வளர்ச்சிக்கு ஒரு சக்திவாய்ந்த உத்வேகத்தை அளித்தது. இந்த காட்சி நடிப்பில் சேர்க்கப்பட்டது ஜியோடிக்ஸி(பட்டிங், வலிமையின் போட்டி), இது ஒரு பகுதியாக மாறியது பைசி(நூறு விளையாட்டுகள், நூறு நிகழ்ச்சிகள்). இது நடனம், அக்ரோபாட்டிக்ஸ், வாள் விழுங்குதல், இறுக்கமான கயிற்றில் நடைபயிற்சி, திரிசூலங்கள், போர் அச்சுகள் மற்றும் கத்திகள் போன்ற சர்க்கஸ் வகைகளின் தொகுப்பாகும், இதில் சீன கலைஞர்கள் கருதப்படுகிறார்கள். மீறமுடியாத எஜமானர்கள்தற்போதைய காலத்திற்கு.

அதே காலகட்டத்தில், பொம்மை நாடகம் பிறந்தது. இருப்பினும், இதற்கு நீண்ட காலத்திற்கு முன்பே, பொம்மைகளை செதுக்குவதில் திறமையான ஜாவ் மாஸ்டர் யான்-ஷி பற்றி அறியப்பட்டது. அவரது பொம்மைகள் உயிருடன் இருப்பதைப் போல இசைக்கு நகர்த்த முடியும். ஆனால் பின்னர் பொம்மைகள் இறுதி சடங்கின் ஒரு பகுதியாக இருந்தன, இறந்தவர் மற்ற உலகத்திற்கு மாறும்போது அவர்களுடன் சென்றார். ஹானின் கீழ், பொம்மலாட்டம் பிரபுக்களின் வீடுகளில் விருந்துக்கு அழைக்கப்பட்டபோது பொம்மை மேடையில் நுழைந்தது. டாங் டைம் (618–907) என்பது வளர்ந்த பொம்மலாட்ட அரங்கின் ஒரு காலகட்டமாகும், இது பொம்மலாட்டங்கள், தண்ணீரில் நிகழ்த்தும் நீர் பொம்மைகள் மற்றும் தோல் பொம்மைகளால் குறிப்பிடப்படுகிறது. பாடல் காலம் (960–1279) பொம்மை நாடகத்தின் பொற்காலமாக கருதப்படுகிறது. தண்ணீர் பொம்மை களியாட்டங்கள் குறிப்பாக பிரபலமாக இருந்தன. படகு திரையரங்குகள் அதிசயங்களைச் செய்யும் இயந்திரங்களுடன் பொருத்தப்பட்டிருந்தன: நீர் உறுப்பு மாபெரும் மீன் மற்றும் நீர் டிராகன்களைப் பெற்றெடுத்து உறிஞ்சியது. நடிகர்-பொம்மைக்காரர்கள் தண்ணீரில் ஒளிந்துகொண்டு, பொம்மைகளின் இயக்கத்தை அமைதியாக கட்டுப்படுத்தினர். பொம்மலாட்டக் கலைஞர்களின் விரிவான பொம்மலாட்டம் மற்றும் தொழில்நுட்ப திறன்கள் சந்தேகத்திற்கு இடமின்றி நேரடி நடிகர் தியேட்டரின் கவனத்தை ஈர்த்தது, அது பலம் பெற்று வந்தது. இருப்பினும், ஜப்பானில் உள்ள கபுகி நடிகர்களின் கலையில் பொம்மலாட்டம் ஏற்படுத்திய தாக்கத்தைப் போல பிந்தைய கலையின் மீது பொம்மை நாடகத்தின் செல்வாக்கு குறிப்பிடத்தக்கதாக இல்லை. சீன தியேட்டரில், ஒரு செயல்முறை முதிர்ச்சியடைந்தது, இது நடிகரின் தனித்தன்மையின் பிறப்புக்கு வழிவகுத்தது அழகியல் மதிப்புதியேட்டர் நடிப்பின் உணர்ச்சிக் கோளத்தில் இதற்கு உள் இயக்கம் தேவைப்பட்டது. இந்த நிலையில், பொம்மையை விட்டு பிரிந்தார் வாழும் நடிகர். 18 ஆம் நூற்றாண்டில் நாடகக் கோட்பாடு ஏற்கனவே ஒரு நடிகரை பொம்மையாக மாற்றும் ஒரு துணை என நிலையான இறுக்கத்தை சுட்டிக்காட்டியுள்ளது.

டாங் சகாப்தம் நகரங்கள் மற்றும் கைவினைப்பொருட்களின் வளர்ச்சி மற்றும் மத்திய ஆசியா மற்றும் இந்தியாவின் மாநிலங்களுடனான வர்த்தக உறவுகளின் விரிவாக்கத்தால் குறிக்கப்பட்டது. இலக்கியம், ஓவியம், இசை மற்றும், நிச்சயமாக, நாடகக் கலை ஆகியவற்றில் பௌத்தத்தின் தாக்கம் வலுப்பெற்றது. நீதிமன்றத்தில், பௌத்த கருப்பொருள்களை அடிப்படையாகக் கொண்ட நடனங்கள் மிகவும் பிரபலமாக இருந்தன. அவர்களில் ஒருவர் ரெயின்போ இறகு உடை -ஒரு அழகான வான தேவதை பற்றி. நகைச்சுவை மற்றும் நையாண்டி உள்ளடக்கத்தின் சிறிய நாடகங்கள்-உரையாடல்களின் அடிப்படையில் ஒரு நாடக வடிவமும் உருவாக்கப்பட்டது. கான்ஜுன் xi(விளையாட்டுகள் பற்றி காங்ஜுன்) அவற்றில் முதல் பாத்திரங்கள் தோன்றும் - ஒரு வளமான புத்திசாலித்தனம் கான்ஜுன்மற்றும் அவரது பங்குதாரர் கோலெட். காலப்போக்கில், பேசப்படும் உரையாடல்கள் பாட்டு மற்றும் நடனத்துடன் குறுக்கிட ஆரம்பித்தன. டாங் காலத்தில், "பேரி பழத்தோட்டம்" என்று அழைக்கப்படும் ஒரு தொழில்முறை தியேட்டர் பிறந்தது, ஏனெனில் ஏகாதிபத்திய அரண்மனையின் பேரிக்காய் தோட்டத்தில் அவர்கள் குழந்தைகளுக்கு நடிப்பைக் கற்பிக்கத் தொடங்கினர்.

பாடல் காலத்தில், ஏற்கனவே அறியப்பட்ட நாடக வடிவங்கள் மற்றும் நாட்டுப்புற கதைசொல்லிகளின் இசைக்கருவிகளுடன் பாடும் நிகழ்ச்சிகள் தொடர்ந்து மேம்படுத்தப்பட்டன. தியேட்டரின் பிராந்திய வகைகள் வடிவம் பெறத் தொடங்கியுள்ளன - வடக்கு, மெல்லிசையின் வடக்கு, கூர்மையான, கண்டிப்பான ஒலியின் அடிப்படையில், மற்றும் தெற்கு, மென்மையான, மென்மையான மெல்லிசை ஓட்டத்துடன். நாடகங்களின் உரைகள் தொலைந்துவிட்டன, 200 தலைப்புகளின் பட்டியலை எங்களுக்காக பாதுகாத்து வைத்துள்ளன. அவற்றில் - வரலாற்று மற்றும் அன்றாட வாழ்க்கை பாடல் சுவாங் சூ, காதல் சிமா சியாங்ரு மற்றும் வென்ஜுன், யிங்-யிங் பற்றிமுதலியன. சாமானியர்களுக்கான நகர ஸ்டேஷனரி பூத் தியேட்டர்கள் மற்றும் மேடைக்குப் பின்னால் வளாகத்துடன் கூடிய திரையரங்குகள் தோன்றின ஆடிட்டோரியம்பணக்கார பார்வையாளர்களுக்கு.

யுவான் காலம் (1280-1367) என்பது மங்கோலியர்களால் சீனாவைக் கைப்பற்றிய காலம், அவர்கள் சாமானிய மக்களை மட்டுமல்ல, படித்த மற்றும் மரியாதைக்குரிய மக்கள் பிரிவினரையும் ஒடுக்கினர். தேசிய அவமானத்தின் பொதுவான உணர்வு, உயர் படித்தவர்களை சாதாரண மக்களின் வாழ்க்கைக்கு நெருக்கமாகக் கொண்டு வந்து, அவர்களின் பிரச்சனைகள் மற்றும் தேவைகளைப் புரிந்துகொள்ள உதவியது. மங்கோலிய ஆட்சியின் போது தியேட்டர் சமூகத்தில் மிகவும் பிரபலமானது, இது சீன நாடக வரலாற்றில் ஒரு குறிப்பிடத்தக்க நிகழ்வான யுவான் நாடகத்தின் பிறப்புக்கு பங்களித்தது. யுவான் நாடகம் வடக்கு வகை மெல்லிசைகளில் கட்டமைக்கப்பட்டுள்ளது மற்றும் நான்கு பகுதி கலவையால் வகைப்படுத்தப்படுகிறது. படிப்படியாக, வடக்கு மற்றும் தெற்கு மெல்லிசைகளுக்கு இடையே ஒரு நல்லுறவு ஏற்பட்டது, இது எதிர்காலத்தில் ஒரு தேசிய நாடகத்தை உருவாக்குவதற்கான முன்நிபந்தனைகளை உருவாக்கியது.

யுவான் நாடகத்தின் ஒரு சிறந்த நாடக ஆசிரியர் குவான் ஹான்கிங் (பி. சி. 1230-இறப்பு சி. 1300). மிகவும் பிரபலமான நாடகங்களில் ஒன்று மனக்கசப்பு டோ ஈவேறொருவரின் குற்றத்தை ஏற்றுக்கொண்ட இளம் விதவையின் அப்பாவி மரணம் பற்றி. அவரது உணர்ச்சி ஆழம் பெண் பாத்திரங்களின் நடிப்புத் திறனை மேம்படுத்துவதில் தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது. இந்நாடகம் இன்றைய நாடக அரங்கின் தொகுப்பில் பாதுகாக்கப்பட்டுள்ளது.

மிங் சகாப்தம் (1368-1644) - உச்சம் சீன கலாச்சாரம், நாடகத் துறையில் அவரது அதிகபட்ச சாதனைகள். இந்த நேரம் நாடகத்தின் பிறப்பு மற்றும் எழுச்சியால் குறிக்கப்பட்டது குங்கு. கிராமப்புறங்களில் தோன்றிய இது, விரைவில் பெரியதாக மாறியது கலாச்சார மையங்கள், அங்கு அவர் தொழில்முறை எழுத்தாளர்கள் மற்றும் இசைக்கலைஞர்களின் கவனத்தை ஈர்த்தார். அவர்களில் ஒருவர் பாடகர் மற்றும் இசைக்கலைஞர், வெய் லியாங்ஃபு, வடக்கு மற்றும் தெற்கு குரல் பள்ளிகளின் அம்சங்களை இணைத்து, இசைக்குழுவின் அமைப்பை விரிவுபடுத்தினார், இதற்கு நன்றி புதிய குன்ஷன் மெல்லிசைகளும் புதிய பாணி இசைக்கருவிகளும் தோன்றின.

டாங் சியான்சு (1550-1616), நாடக ஆசிரியர் மற்றும் கோட்பாட்டாளர், நாடகம் மற்றும் நாடகக் கலையின் சீர்திருத்தவாதி, கட்டுரையாளர் மற்றும் இலக்கிய விமர்சகர், நாடகம் மட்டுமல்ல, அந்தக் காலகட்டம் முழுவதும் கலாச்சாரத்தின் ஒரு சிறந்த நிகழ்வாகக் கருதப்படுகிறார். பொதுத் தலைப்பின் கீழ் நான்கு பெரிய நாடகப் படைப்புகளை உருவாக்கினார் லிஞ்சுவானில் நான்கு கனவுகள் அல்லது அழகான தேயிலை புஷ் மண்டபத்தில் இருந்து நான்கு கனவுகள்(குறிப்பு: லிஞ்சுவான் நாடக ஆசிரியரின் பிறப்பிடமாகும்; "அழகான தேயிலை புஷ் மண்டபம்" என்பது நாடக ஆசிரியரின் படிப்பு அறையின் குறிக்கோள், அவர் பாரம்பரியமாக தன்னைத் தேர்ந்தெடுத்தார்). பியோனி கெஸெபோ- நாடக ஆசிரியரின் சிறந்த படைப்பு. இது காதல் மற்றும் உணர்வின் சர்வ வல்லமையின் பாடல். கதாநாயகி இறக்கத் தயாராக இருக்கிறாள், ஆனால் காதல் இல்லாமல் வாழ முடியாது. ஒரு கோட்பாட்டாளராக, டாங் சியான்சு நடிப்பின் முக்கிய அளவுகோலாக உணர்வை நம்பினார்.

நாடகத்தின் எழுச்சி குங்குநடிப்பின் முன்னேற்றத்தை பாதித்தது. நாடகக் கோட்பாட்டின் விரைவான வளர்ச்சியால் இது உறுதிப்படுத்தப்படுகிறது. 17 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில். குங்குஅவர் தனது பிரபலத்தின் உச்சத்தை அடைந்தார், தலைநகரின் பொதுமக்களை வென்றார், பேரரசரின் நீதிமன்றத்தில் குடியேறினார். பிரபுத்துவத்தின் மீது கவனம் செலுத்துதல், குங்குவெகுஜன பார்வையாளர்களை இழக்கிறது. 18 ஆம் நூற்றாண்டில் உயரடுக்கினருக்கான தியேட்டர் மேடைக்கு கொண்டு வரும் பொதுவான நாட்டுப்புற மெல்லிசைகளுக்கு வழிவகுக்கிறது ஜிங்சி(மூலதன நாடகம் அல்லது பீக்கிங் ஓபரா).

புதிய மெல்லிசைகளின் அம்சம் ஒரு தெளிவான தாளமாகும், இது ஆக்‌ஷனின் பதட்டமான வளர்ச்சியையும் போர்க் காட்சிகளின் மிகுதியையும் தீர்மானித்தது, அதன்படி தற்காப்பு கலை நுட்பங்களில் திறமையான நடிகர்களை பிரபலமாக்கியது. புதிய தியேட்டர் அதன் திறமைகளை கடன் வாங்கியது குங்கு, புகழ்பெற்ற காவிய நாவல்களின் அடிப்படையில் நாடகங்களின் சுழற்சிகளை உருவாக்குவதன் மூலம் அதை விரிவுபடுத்துதல்: மூன்று ராஜ்ஜியங்கள், நதி உப்பங்கழி, மேற்கு நோக்கி பயணம். நாடகத் தொடர்கள் நாகரீகமாகி, தொடர்ச்சியாக பல நாட்கள் ஓடி, ஒவ்வொரு முறையும் மிகவும் சுவாரசியமான எபிசோடில் முடிவடைந்தது.

19 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் இருந்து. மூலதன நாடகம் மிகவும் பிரபலமான நாடக வகையாக மாறியுள்ளது, இதில் பழங்காலத்திலிருந்தே சீன நாடகக் கலையை வளர்த்து வந்த இரண்டு நீரோடைகள் ஒன்றிணைந்தன: நியாயமான, அழகான, வழங்கப்பட்டது. குங்குமற்றும் "புளோரிட், கலப்பு", பொதுவான உள்ளூர் திரையரங்குகளின் கலையுடன் தொடர்புடையது. அது செய்தது ஜிங்சிஒரு தேசிய நாடகம், அதன் தாயகத்தில் பிரபலமானது மற்றும் வெளிநாட்டில் பிரபலமானது. அவரது புகழ் குறிப்பிடத்தக்க கலைஞர்களின் விண்மீனைக் கொண்டுள்ளது: Zhou Xinfang (1895-1966) - ஒரு வீர இயல்பின் ஆண் வேடங்களில் நடித்தவர், அவர் தனது கலையில் பல்வேறு ஆண் பாத்திரங்களின் நுட்பங்களை இணைத்தார்; மெய் லான்ஃபாங் (1894-1961) - சீர்திருத்தவாதி மற்றும் சிறந்த நடிப்பாளர்பெண் கதாநாயகிகள், சீன நடிகருக்கு உலகப் புகழைக் கொண்டு வந்த பல பெண் வேடங்களை இணைத்து; செங் யான்கியு (1904-1958) குரல் கலையின் அசல் பள்ளியை உருவாக்கிய பெண் வேடங்களில் நடித்தவர்.

பெய்ஜிங் ஓபராவில் நான்கு முக்கிய பாத்திரங்கள் உள்ளன: ஷெங்(ஹீரோ), அஞ்சலி(நாயகி), சிங்(ஆண் பாத்திரம், "வர்ணம் பூசப்பட்ட முகம்" என்று அழைக்கப்படுகிறது ( ஹுவாலியன்) மற்றும் சோவ்(நகைச்சுவை நடிகர்). 16-17 நூற்றாண்டுகளில் இருந்து. நாடகவியலின் வளர்ச்சியுடன், பாத்திரம் மிகவும் விரிவானது: ஷெங்வேறுபடுத்திப் பார்க்கத் தொடங்கியது xiaosheng(இளம் ஹீரோ) லாவோஷெங்(வயதான ஹீரோ) வுஷெங்(இராணுவ ஹீரோ, தளபதி); பெண் பாத்திரம் வேறுபடுத்தப்பட்டது லாவோடன்(வயதான கதாநாயகிகள்), கிங்கியி(“நீல ஆடை அணிந்த பெண்கள்”, நல்லொழுக்கமுள்ள, அடக்கமான கதாநாயகிகள்), அவர்களின் எதிர்முனை ஹுவாடன்("ஒரு வண்ணமயமான உடையில் ஒரு பெண்"), பொதுவாக எஜமானியின் பணிப்பெண். போர்க் காட்சிகளின் மிகுதியானது துணை வேடத்தை பிரபலமாக்கியது உடான்(பெண்கள் வேலிகள்) மற்றும் தாமதன்(பெண் ரைடர்ஸ்). "வர்ணம் பூசப்பட்ட முகங்களின்" பாத்திரம் ஒரு ஆணின் நேர்மறை அல்லது எதிர்மறையான பாத்திரமாகும், அவர் குடிமகனாகவோ அல்லது இராணுவமாகவோ இருக்கலாம். சோவ்- நகைச்சுவை சிறிய பாத்திரம்அல்லது "சிறிய வர்ணம் பூசப்பட்ட முகம்", இராணுவ அல்லது சிவிலியன் பாத்திரங்களாக இருக்கலாம். 20 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதி வரை. அனைத்து பெண் வேடங்களும் ஆண்களால் செய்யப்பட்டன, ஆனால் பெண்கள் ஆண் பாகங்களை நிகழ்த்திய பெண் குழுக்களும் இருந்தன. கலப்பு குழுக்கள் 20 ஆம் நூற்றாண்டில் மட்டுமே தோன்றின.

ஒப்பனை. "வர்ணம் பூசப்பட்ட முகங்கள்" என்ற பாத்திரத்தைத் தவிர, ஒப்பனை ஒப்பனைக்கான வழிமுறையாக மட்டுமே செயல்பட்டது. பெண் பாத்திரங்களுக்கு, இது ஒரு சிற்றின்ப தன்மையைக் கொண்டிருந்தது, உதடுகளின் முழுமையையும் கண்களின் அழகையும் வலியுறுத்துகிறது. சிகை அலங்காரம் மற்றும் தலை அலங்காரங்கள் அதே நோக்கத்திற்காக உதவியது. ரொட்டிகளில் ஏற்பாடு செய்யப்பட்ட “மேகங்கள்” அழகாக முடிக்கப்பட்ட ஹேர்பின்களால் இடத்தில் வைக்கப்பட்டன. சீனாவில் ஹேர்பின் பெண்ணின் அடையாளமாக கருதப்பட்டது, காதலர்கள் ஹேர்பின்களை பரிமாறிக்கொண்டனர்.

ஒப்பனை ஹுவாலியன்பெரும்பாலும் முகமூடி என்று அழைக்கப்படுகிறது, இருப்பினும் சீன திரையரங்கில் முகமூடி மிகவும் அரிதானது. நடிகர் குழந்தை பருவத்திலிருந்தே ஒப்பனைக் கலையைக் கற்றுக்கொண்டார் மற்றும் அதில் தேர்ச்சி பெற்றார். வண்ணத் திட்டம் ஒழுங்குபடுத்தப்பட்டு உள்ளது குறியீட்டு பொருள்: சிவப்பு - விசுவாசம் மற்றும் நேர்மை, வெள்ளை - வஞ்சகம், கருப்பு - தைரியம், ஊதா - அமைதி, நீலம் மற்றும் பச்சை - கொடுமை மற்றும் பிடிவாதம். தங்கம் மற்றும் வெள்ளி வண்ணப்பூச்சுகள் - ஓநாய்கள் மற்றும் வானங்கள், முதலியன. ஒப்பனை ஆபரணமும் குறியீடாக உள்ளது: மூக்கின் பாலத்தில் ஒரு பச்சை மோனோகிராம் ஒரு பகட்டான வடிவத்தில் வௌவால்ஹீரோவின் தைரியம் மற்றும் கொடூரம் என்று பொருள்; கண்களுக்கு அருகில் ஒரு கருப்பு நிழல், அவை புராண பீனிக்ஸ் பறவையின் கண்களைப் போல தோற்றமளிக்கின்றன, அகலமான புருவங்கள் முழு சக்தியையும் பயன்படுத்த ஹீரோவின் தயார்நிலையைக் குறிக்கின்றன.

மேடை இடம் மற்றும் நடிப்பு. மேடையின் சதுரம் பூமியைக் குறிக்கிறது, மேலும் ஓவல் பாதைகளில் நடிகரின் இயக்கம் வானத்தைக் குறிக்கிறது. இது மேடை நடவடிக்கைக்கு ஒரு பிரபஞ்ச அளவை அளிக்கிறது, நடிகரை பூமி மற்றும் வானத்தின் இடைவெளிகளில் சுதந்திரமாக நகர்த்த அனுமதிக்கிறது. தியேட்டரால் ஏற்றுக்கொள்ளப்பட்ட மரபுகள் மற்றும் பார்வையாளருக்கு புரிந்துகொள்ளக்கூடியது மேடை மொழியை மிகவும் திறமையாகவும் வெளிப்பாடாகவும் ஆக்குகிறது: ஒரு வழக்கமான நடவடிக்கை எடுத்து, ஹீரோ வீட்டிற்கு வெளியே செல்கிறார்; மேசையின் மீது ஏறி, அவர் ஒரு மலையில் தன்னைக் காண்கிறார்; சாட்டையை அசைக்கவும் - ஹீரோ குதிரையில் ஓடுகிறார் என்பது அனைவருக்கும் தெரியும்; இருவரும் ஒருவருக்கொருவர் உணர முயற்சிக்கிறார்கள் மற்றும் ஒளிரும் மேடையில் தவறவிடுகிறார்கள் - அது இருட்டில் நடக்கிறது என்று எல்லோரும் யூகிக்கிறார்கள்.

பாத்திரத்தின் நியமனம் என்பது பாத்திரத்திற்கு சில வெளிப்பாடுகளை ஒதுக்கியது. இருபதுக்கும் மேற்பட்ட சிரிப்பு வழிகள் தெரியும். எந்தவொரு சைகையும் நடிகரால் வட்டமான அசைவுகளுடன் மீண்டும் உருவாக்கப்படுகிறது, இதில் அழகான பள்ளியின் செல்வாக்கு தெரியும். குங்கு. கை மற்றும் கையின் இயக்கங்கள் மிகவும் வேறுபட்டவை: சிந்திக்கும் கை, தடைசெய்யும் கை, உதவியற்ற கை போன்றவை. மேடை படிக்கு பல விருப்பங்கள் உள்ளன: வானவர்களுக்கான பறக்கும் படி, "மலர் காஸ்டானெட்டுகள்" - ஒரு படி ஹுவாடன்முதலியன

திறமையின் அளவைப் பொறுத்து, நாடகக் கோட்பாடு புத்திசாலித்தனமான, சரியான நடிகர்களை வேறுபடுத்துகிறது ( மியாவ்), தெய்வீக ( ஷென்), அழகான, அழகான ( மே), திறமையான ( நான்).

1949 க்குப் பிறகு, பாரம்பரிய தியேட்டர் நாடக சீர்திருத்தத்திற்கு உட்பட்டது, திறமைகளை நவீனமயமாக்குதல் மற்றும் நவீன கருத்தியல் பணிகளுக்கு மாற்றியமைக்கும் நோக்கத்துடன். டி.என். 1970 களின் இரண்டாம் பாதியில் நாட்டை உலுக்கிய "கலாச்சாரப் புரட்சி" பாரம்பரிய நாடகக் கலைக்கு ஈடுசெய்ய முடியாத சேதத்தை ஏற்படுத்தியது. தியேட்டரை மீட்டெடுக்க பல ஆண்டுகள் ஆனது. தற்போது, ​​பாரம்பரிய நாடகம் அதன் தாயகத்தில் பிரபலமாக இல்லை.

20 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில். ஐரோப்பிய நாடக அனுபவத்திற்கு மாறிய ஒரு நாடக அரங்கம் தோன்றியது. ஜப்பானில் படிக்கும் சீன மாணவர்கள் ஸ்பிரிங் வில்லோ குழுவை ஏற்பாடு செய்தபோது பிறந்த தேதி 1907 என்று கருதப்படுகிறது. இது இரண்டு ஆண்டுகள் மட்டுமே நீடித்தது. 1907 ஆம் ஆண்டில், "ஸ்பிரிங் சன்" குழு உருவாக்கப்பட்டது. போன்ற நிகழ்ச்சிகளை நடத்தினார்கள் ஓபியம் புகைப்பவரின் லாஸ்ட் சோலின் கதை, மாமா டாம்ஸ் கேபின்- பீச்சர் ஸ்டோ நாவலின் நாடகமாக்கல், புதிய பெண்மணிகாமெலியாக்களுடன், திரும்பி வருவது நல்லது, இரண்டாவது மிஸ் சென்முதலியன. அனைத்து நிகழ்ச்சிகளும் ஐரோப்பிய நிகழ்ச்சிகளுடன் தேசிய நாடக மரபுகளின் தேர்ந்தெடுக்கப்பட்ட கலவையை பிரதிநிதித்துவப்படுத்துகின்றன, இருப்பினும் முற்றிலும் வியத்தகு நிகழ்ச்சிகளை நடத்த முயற்சிகள் இருந்தன.

1920கள் மற்றும் 1930களில், அமெச்சூர் குழுக்களின் எண்ணிக்கை அதிகரித்தது; பெய்ஜிங்கில் உருவாக்கப்பட்டது நாடக சமூகம்"புதிய சீனா", இது நடிகர்கள் மற்றும் இயக்குனர்களின் பயிற்சியில் சாதகமான தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது. 1940 கள் மற்றும் 1950 களில், நாடக அரங்கம் உலக நாடகத்தின் நாடகங்களை அரங்கேற்றும் திறன் பெற்றது - ஷேக்ஸ்பியர், செக்கோவ், இப்சன், கார்க்கி.

கலாச்சாரப் புரட்சிக்குப் பிறகு, நாடக அரங்கம் படிப்படியாக அதன் வலிமையை மீட்டெடுத்தது. புதிய இளம் நாடக ஆசிரியர்கள் உருவாகி, தற்போதைய தலைப்புகளில் படைப்புகளை உருவாக்கியுள்ளனர்.

ஜப்பான் தியேட்டர்

ஜப்பானிய கலாச்சாரம் வழி கலாச்சாரம் (சீன). தாவோ, ஜப்பானியர் செய்ய), அதனால் தான் பல்வேறு வகையானகலைகள் "பாதை" என்ற வார்த்தையால் குறிக்கப்பட்டன. எனவே நோ தியேட்டரின் வழி - நோகடுகோ. பாதையைப் பின்பற்றுவது என்பது யுனிவர்சல் சட்டத்தைப் பின்பற்றுவதாகும், இதில் ஜப்பானிய தியேட்டர் சீனாவின் தியேட்டரிலிருந்து வேறுபட்டதல்ல, ஹைரோகிளிஃபிக்ஸ், கன்பூசியன் கிளாசிக்ஸ் மற்றும் புத்த நியதி ஆகியவை ஜப்பானுக்கு வந்தன. ஆனால் வெளிநாட்டு விஷயங்களை நன்கு கற்றுக்கொண்ட ஜப்பான், ஜப்பானிய பார்வையில் அவற்றை ஒருங்கிணைத்தது. ஜப்பானிய கலாச்சாரத்தின் சூத்திரம் இப்படித்தான் உருவானது - " வகோன் கன்சாய்"("ஜப்பானிய ஆன்மா - சீன அறிவு").

7-8 ஆம் நூற்றாண்டுகளில். கொரியா மற்றும் சீனாவைச் சேர்ந்த நடிகர்கள் ஜப்பானில் தோன்றினர், அவர்கள் இரண்டு நாடக வடிவங்களின் பிறப்புக்கு உத்வேகம் அளித்தனர் - கிகாகுமற்றும் புகாகு.

கிகாகு(நடிப்பு) - இசைக்கருவி மற்றும் மேடை நடிப்புடன் ஒரு பாடல் மற்றும் நடன வடிவம். கலைஞர்கள் முகமூடிகளை அணிந்தனர், அவை இன்றுவரை பாதுகாக்கப்படுகின்றன.

புகாகு(நடனம் மற்றும் இசை), அதன் உள்ளடக்கத்தில் வடிவம் ஒத்திருக்கிறது பைசி(நூறு விளையாட்டுகள்) சீன தியேட்டர்: வாள் சண்டையுடன் இடையிடையே நடனம்; "பால் விளையாட்டு" நடனம் பிரபலமான ஜப்பானிய பந்து விளையாட்டைப் பின்பற்றியது, இது சீனாவிலிருந்து வந்தது மற்றும் அதன் பங்கேற்பாளர்கள் குதிரையில் இருந்தனர்; டிராகன் நடனம்; அருமையான பறவைகளின் நடனம்; இந்திய தெய்வங்களின் பாத்திரங்களுடன் நடனக் காட்சிகள் நிகழ்த்தப்பட்டன.

நோ தியேட்டரின் பிறப்பு ("திறன்") அதன் சொந்த பின்னணியைக் கொண்டுள்ளது. ஜப்பானின் பண்டைய தலைநகரான நாரா நகரத்தில் உள்ள ஷின்டோ ஆலயத்தின் புனித பைன் மரத்தின் கீழ் மரியாதைக்குரிய மர்மங்கள் நடத்தப்பட்ட உசுமே தெய்வத்தின் சூரிய வழிபாட்டு முறைக்கு அதன் தோற்றத்தைக் காணலாம். இந்த பைன் மரம் தான் நோஹ் தியேட்டரில் மேடையின் பின்னணியில் சித்தரிக்கப்பட்டுள்ளது.

தியேட்டரின் உண்மையான வரலாறு 13 ஆம் நூற்றாண்டில் தொடங்குகிறது. மற்றும் 14 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில். அவன் உச்சத்தை அடைகிறான். இது காமகுரா சகாப்தத்துடன் (1192-1333) ஒத்துப்போகிறது, அதன் உலகக் கண்ணோட்டம் பௌத்த நம்பிக்கைகள், ஷின்டோ புராணங்கள், சீன தாவோயிசம் மற்றும் கன்பூசியன் நெறிமுறைகளின் கலவையை பிரதிநிதித்துவப்படுத்துகிறது. நோஹ் தியேட்டர் பயண மைம்களை உருவாக்கியது என்று நம்பப்படுகிறது சருகாகு-ஹோஷி("செயல், துறவிகளின் தியேட்டர்"), அதன் கலை ஏற்கனவே 8 ஆம் நூற்றாண்டில் பிரபலமாக இருந்தது. 11 ஆம் நூற்றாண்டில் அவர்கள் மேம்பாட்டின் அடிப்படையில் கேலிக்கூத்தான காட்சிகளை நடித்தனர் மற்றும் சிறிய நகைச்சுவை உரையாடல்கள் அல்லது மோனோலாக்குகள் உட்பட. அவர்களின் புகழ் காரணமாக, மடங்கள் தங்கள் ஆதரவை வழங்கத் தொடங்கின, விடுமுறை சேவைகளில் நடிக்க நடிகர்களை அழைத்தன. 12 ஆம் நூற்றாண்டில் இந்த நிகழ்ச்சிகளில் ஏற்கனவே ஒரு பாடல் மற்றும் நடன பிரார்த்தனை நாடகம் இருந்தது ஒகினா (பெரியவர்), இது பின்னர் நோ தியேட்டர் தொகுப்பின் ஒரு பகுதியாக மாறியது. 13 ஆம் நூற்றாண்டில் விளையாடுகிறார் சருககுபெயர் கிடைத்தது இல்லை-கியோஜென் (கியோஜென்- பேசுவதில் தொல்லை).

ஜப்பானிய நாடக வரலாற்றில் ஒரு நடிகரும் நாடக ஆசிரியருமான கனமி கியோட்சுகு (1333-1384) என்பவரின் பணியால் ஒரு புதிய கட்டம் திறக்கப்பட்டது. அவர் ஒரு முழு அளவிலான அசல் நாடகத்தையும் புதிய நடிப்பையும் உருவாக்கினார். நடிப்பு கலையில், கனாமி எல்லாவற்றிற்கும் மேலாக "நடிக்கும்" திறனைக் காட்டினார் ( ஒரே மாதிரியான), இது நடனத்தில் ஸ்டைலைசேஷன் கொள்கையை அறிமுகப்படுத்தியது, அதை ஒரு பாண்டோமைம் நடனமாக மாற்றியது மற்றும் மேடை இயக்கத்தை ஒரு கண்டிப்பான இசை தாளத்திற்கு அடிபணியச் செய்தது. அப்போதுதான் அவர் கொள்கையின் அர்த்தத்தை உணர்ந்தார் யுஜென், இது காட்சியின் அழகைக் குறிக்க நடிகர்களால் பயன்படுத்தப்பட்டது. பின்னர் யுஜென்ஜப்பானிய அழகியலின் முக்கிய வகைகளில் ஒன்றாக மாறியுள்ளது, அதாவது "மறைக்கப்பட்டவற்றின் அழகு". நாடக ஆசிரியராக அவர் உருவாக்கினார் புதிய வகைநாடகம், கடுமையான முரண்பட்டது, உள் பதற்றம் நிறைந்தது, நோயின் முந்தைய கதை-விளக்க நாடகங்களுக்கு மாறாக. அவரது நாடகத்தில் சோடோபா கோமாச்சிஒரு அரை பைத்தியம், வெறித்தனமான ஹீரோவின் படம் தோன்றுகிறது, இது மனித துன்பத்தின் தீவிர அளவை வெளிப்படுத்துகிறது. இந்த நேரத்தில் இருந்து தேசிய நாடகத்தின் வரலாறு தொடங்குகிறது. 19 ஆம் நூற்றாண்டில் நோ நாடகம் "யோக்கியோகு" என்று அழைக்கப்படுகிறது. முரோமாச்சி சகாப்தத்தில் நோ நாடகம் (1333-1573) ஜென் பௌத்த பிரிவின் பரவலின் செல்வாக்கின் கீழ் பௌத்த தொனியை எடுத்தது. சமர்ப்பிப்புகள் ஆனால்அந்த நேரத்தில் சாதாரண பார்வையாளர்களிடையே மிகவும் பிரபலமாக இருந்தது, ஆனால் ஷோகனின் கவனத்தையும் ஈர்த்தது, அவர் தனது பாதுகாப்பின் கீழ் நோஹ் குழுவை எடுத்துக் கொண்டார். இது நடிப்புத் திறன்களின் வளர்ச்சிக்கும், நடிகர்களின் மாகாணங்களுக்கான பயணங்களுக்கும் பங்களித்தது, இது அவர்களின் அபிமானிகளின் வட்டத்தை விரிவுபடுத்தியது. அந்த காலகட்டத்தில் ஒரு சிறந்த நடிகர் ஜீமி. அவர் சாமுராய் வகுப்பினரின் ரசனைக்கு நாடகங்களை இலக்காகக் கொண்டு, நோ நாடகத்தின் கருப்பொருள்களை விரிவுபடுத்தினார். Zeami நாடகங்களின் சுழற்சியை உருவாக்குகிறார் பழம்பெரும் போர்வீரர்கள் 12 ஆம் நூற்றாண்டில் தலைமை தாங்கிய டைரா மற்றும் மினாமோட்டோ குலங்களிலிருந்து. அதிகாரத்திற்கான இரத்தக்களரி போராட்டம்.

எடோ சகாப்தத்தில் (1617-1868), சிறந்த நோ குழுக்கள் எடோவுக்கு (டோக்கியோ) இடம்பெயர்ந்தன, மேலும் அதிகாரிகளின் சிறப்பு ஆணைகளால், நோ கலை "சம்பிரதாய நாடகமாக" மாறியது. ஆளும் வர்க்கம். இந்த நிகழ்ச்சிக்கு ஒரு சடங்கு மாயாஜால நிகழ்ச்சியின் தன்மை வழங்கப்பட்டது. அவர்கள் விளையாடும் நுட்பத்தில் அதிக கவனம் செலுத்தத் தொடங்கினர். மேடை நடவடிக்கையின் அனைத்து கூறுகளும் - மேடை, முட்டுகள், உடைகள், முகமூடிகள், சைகைகள், நடனம், ஒலியமைப்பு - கண்டிப்பாக கட்டுப்படுத்தப்பட்டன. பொம்மை நாடகம் மற்றும் வளர்ந்து வரும் கபுகி தியேட்டர் ஆகியவற்றில் நோ நாடகவியல் பெரும் தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது. நோ நாடகத்தின் மேலும் வரலாறு அதன் மேடை வாழ்க்கையின் வரலாறாகும்.

நோ நாடகத்தில் மூன்று முதல் ஐந்து பாத்திரங்கள் உள்ளன. முக்கிய கதாபாத்திரம் தளம்("நடிகர்"), இதுவும் பாத்திரத்தின் பெயர். இரண்டாவது பாத்திரம் - வாக்கி("பக்க") என்பதும் ஒரு பாத்திரம்; நாயகனின் கதை அவருக்குப் பேசப்படுகிறது, அவர் அதில் ஆர்வம் காட்டுகிறார் மற்றும் அனுதாபத்தை வெளிப்படுத்துகிறார். சுரே("தோழர்") முக்கிய கதாபாத்திரத்துடன் அவரது மாறுபாடுகளில் வருகிறார். வாக்கி – உறுதி("பக்க துணை") இரண்டாவது பாத்திரத்தின் விதியைப் பகிர்ந்து கொள்கிறது. சில நாடகங்களுக்கு ஒரு குணம் உண்டு கொக்கட்டா("குழந்தை") குழந்தைகள், பேரரசர்கள் அல்லது இராணுவ ஆட்சியாளர்களின் பாத்திரங்களுக்கு. சிறுவன் நடிகருடன் பேரரசர்களாக நடிக்கும் வழக்கம் 14 ஆம் நூற்றாண்டில் நிறுவப்பட்டது. ஏகாதிபத்திய உருவங்களை மேடையில் மீண்டும் உருவாக்க தடை விதிக்கப்பட்டதன் காரணமாக. நாடகத்தில் ஐந்து சதி நகர்வுகள் உள்ளன ( டானோவ்), ஒவ்வொன்றும் ஒரு சிறப்பு மெல்லிசையுடன் இருக்கும். நடிப்பு புனிதப்படுத்தப்பட்டு முறையான முழுமைக்கு கொண்டுவரப்பட்டது. மேடை இயக்கம் 250 எளிய அடிப்படை இயக்கங்களைக் கொண்டுள்ளது - கட்டாமற்றும் நடை, நடன அசைவுகள், போஸ்கள், விசிறியுடன் விளையாடுதல், கைகள், தோள்கள் போன்றவற்றின் நியதிப்படுத்தப்பட்ட நுட்பத்தை உள்ளடக்கியது. பாத்திரத்தின் வடிவம் கொடுக்கப்பட்டுள்ளது, பாத்திரம் மற்றும் முகமூடி பரிந்துரைக்கும் அனைத்தையும் நடிகர் நிறைவேற்ற வேண்டும்.

நோஹ் தியேட்டரில் உள்ள முகமூடி ஒரு முக்கிய பாத்திரத்தை வகிக்கிறது, முகத்தின் அசைவின்மையுடன் சைகையின் வெளிப்பாடு மற்றும் ஆன்மீகத்தின் அடிப்படையில் விளையாட்டின் சிறப்பு அழகை உருவாக்குகிறது. முதல் நடிகர் மட்டுமே முகமூடி அணிவார் மற்றும் சில நேரங்களில் ture(அது ஒரு பெண்ணாக இருந்தால்). முகமூடிகளில் நான்கு பிரிவுகள் உள்ளன: பெரியவர்கள், வீரர்கள், பெண்கள் மற்றும் பேய்கள். ஒவ்வொரு முகமூடிக்கும் விருப்பங்கள் இருக்கலாம் - ஒரு அழகு முகமூடி, ஒரு தேவதை, ஒரு மங்கலான பெண், ஒரு பயங்கரமான பொறாமை ஆவி. முகமூடிகள் சைப்ரஸால் செய்யப்பட்டவை, அளவு சிறியவை, அவை முழு முகத்தையும் கண்களுக்கு குறுகிய பிளவுகளால் மூடுவதில்லை, இது அழகியல் இலட்சியத்திற்கு ஒத்திருக்கிறது: ஒரு பெரிய உடலுடன் ஒரு சிறிய தலை இருப்பது அழகாக கருதப்பட்டது. பெண்களின் முகமூடிகள் உயர்ந்த நெற்றியில் இருந்தன, மற்றும் புருவங்கள் முடியின் வேர்களில் வரையப்பட்டன. முகமூடியில், சிறப்பு விளக்குகளில் உறைந்த அரை புன்னகை மனநிலையில் ஒரு மாற்றத்தின் தோற்றத்தை உருவாக்கியது, முகமூடி முகத்தின் "அரை வெளிப்பாடு" மறைந்திருக்கும் ஒரு குறிப்பிட்ட மர்மம். முகமூடியை அணியும் திறன் நடிகரின் திறமை மற்றும் அவரது "மறைக்கப்பட்ட அழகு" சாதனையை தீர்மானிக்கப் பயன்படுகிறது ( யுஜென்).

நோஹ் தியேட்டரின் மேடை, ஒரு கண்ணாடி பிரகாசத்திற்கு மென்மையானது, ஜப்பானிய சைப்ரஸால் ஆனது. பிளாட்ஃபார்ம் 6ґ 6 ஆடிட்டோரியத்தில் ஒரு தீவிர கோணத்தில் அருகில் உள்ள மேடையுடன் நீட்டிக்கப்பட்டுள்ளது ( ஹாஷிககார்கி).

உடையின் நிறம் கதாபாத்திரத்தின் மனநிலை, அவரது சமூக நிலை மற்றும் வயது ஆகியவற்றை அடையாளமாக குறிக்கிறது. மிகவும் உன்னதமான நிறம் வெள்ளை, சிவப்பு - தெய்வங்கள், உன்னத நபர்கள் மற்றும் அழகானவர்களின் ஆடைகளுக்கு. சிறிய சிவப்பு இதழ்களுடன் மலர்களால் நெய்யப்பட்ட பெல்ட், வயதான பெண்ணின் முன்னாள் அழகைக் குறிக்கிறது.

நவீன ஜப்பானில், நோ தியேட்டர் ஒரு உயரடுக்கு பார்வையாளர்களின் ஆர்வத்தை ஈர்க்கிறது.

ஜப்பானிய நிலப்பிரபுத்துவத்தின் சகாப்தத்தை முடிவுக்குக் கொண்டுவந்த டோகுகாவா சகாப்தத்தின் முதல் ஆண்டான 1603 இல் கபுகி தியேட்டர் தோன்றியது. நகரங்கள் எப்படி வளரும் ஷாப்பிங் மையங்கள், புதிய வர்த்தக வகுப்புகளின் தோற்றம் இலக்கியம், ஓவியம் மற்றும் நாடகங்களில் புதிய வடிவங்களுக்கான நிலைமைகளை உருவாக்கியது. வளர்ந்து வரும் முதலாளித்துவ வர்க்கம் தியேட்டரில் தங்கள் ரசனைகள் மற்றும் அபிலாஷைகளின் பிரதிபலிப்பைக் காண விரும்பியது. கபுகியின் பிறப்பு ஷிண்டோ ஆலயத்தைச் சேர்ந்த நடனக் கலைஞர் ஒகுனியின் பெயருடன் தொடர்புடையது. கலகலப்பான மற்றும் கவர்ச்சிகரமான சிறுமிகளைக் கொண்ட அவரது குழு, சிற்றின்ப உள்ளடக்கத்தின் பாடல்களையும் காட்சிகளையும் நிகழ்த்தியது, இது உடனடியாக பொதுமக்களின் கவனத்தை ஈர்த்தது. ஒருவேளை இங்குதான் தியேட்டரின் பெயர் வந்திருக்கலாம்: வினைச்சொல் " கபுகு"அதாவது "விலகல்", "சாதாரணத்திற்கு வெளியே செல்வது." ஒழுக்கக்கேடு பரவும் என்ற அச்சத்தின் காரணமாக, கபுகி ஆஃப் கோர்டீசன்ஸ் பின்னர் அதிகாரிகளால் தடைசெய்யப்பட்டது. பெண்களுக்கு பதிலாக கபுகி"இளைஞர்களின் கபுகி" வந்தது, இது ஆண் விபச்சாரத்தின் பரவலுக்கு பங்களித்தது. 1652 ஆம் ஆண்டில், ஒரு சிறப்பு ஆணையின் மூலம், இளைஞர்கள் கபுகியில் நிகழ்ச்சி நடத்துவது தடைசெய்யப்பட்டது. நாடகக் குழுக்கள் மற்றும் நடிகர்களின் மேடை மற்றும் அன்றாட வாழ்க்கையின் கட்டுப்பாடு மிகவும் கடுமையானதாக இருந்தபோதிலும், தடைசெய்யப்பட்ட நடவடிக்கைகளால் பிரபலமான வகையின் வளர்ச்சியைத் தடுக்க முடியவில்லை.

வளர்ச்சி கபுகி பொம்மை நாடகம் மற்றும் இசை மற்றும் பாடல் கதை சொல்லல் ஆகியவற்றின் வெற்றிகளுடன் நெருங்கிய தொடர்புடையது. ஜோரூரி. 7 ஆம் நூற்றாண்டின் முற்பகுதியில் சீனாவில் இருந்து பொம்மலாட்டம் ஜப்பானுக்கு கொண்டு வரப்பட்டது, ஆனால் பொம்மை நாடகம் 16 ஆம் நூற்றாண்டில் மட்டுமே வளர்ந்தது. பின்னர் அவர்கள் புராணங்களைப் பயன்படுத்தி நிகழ்ச்சிகளுக்கு குரல் கொடுக்கத் தொடங்கினர் ஜோரூரி, மற்றும் அடுக்குகள் நோ தியேட்டரின் தொகுப்பிலிருந்து எடுக்கப்பட்டன. காலப்போக்கில், புதிய திசை பெயர் பெற்றது ஜோரூரி, மற்றும் 19 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில் இருந்து. இரண்டாவது பெயர் பயன்பாட்டுக்கு வந்தது பன்ராகு, ஒசாகாவில் "புன்ராகு கு-சா" என்ற முக்கிய பொம்மை அரங்கம் திறக்கப்பட்டது. வளர்ந்து வரும் கபுகி திறமையை கடன் வாங்கத் தொடங்குகிறது மற்றும் அதன் நாடகத்தில் பொம்மை நடிகர்களைப் பின்பற்றுகிறது. 17 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில். பாடகர்-கதைசொல்லி டேக்மோட்டோ கிடாயு ஒரு புதிய பாணியிலான நடிப்பை உருவாக்கினார் ஜோரூரி, இது நவீன பொம்மை அரங்கில் பாதுகாக்கப்பட்டுள்ளது. சிக்கமட்சு மொன்ஸெமன் (1653-1724) சிறந்த கபுகி நாடக ஆசிரியராகக் கருதப்படுகிறார். அவர் நூற்று முப்பது நாடகங்களை எழுதினார், அதில் முப்பதுக்கும் மேற்பட்ட நாடகங்கள் அவரது சிலை, நடிகர் மற்றும் இயக்குனரான சகடா டோஜுரோ (1647-1709)க்காக இருந்தன. மிகவும் பிரபலமான நாடகங்களில் சோனேசாகி காதலர்களின் தற்கொலை, இது அடிப்படையாக கொண்டது உண்மை கதை. குறிப்பாக கிடாயு அதன் தலைவரான பிறகு அவர் பொம்மை தியேட்டருக்காகவும் எழுதினார். 18 ஆம் நூற்றாண்டில் கபுகி சொந்தமாக உருவாக்கினார் சொந்த பாணிசெயல்படுத்தி அதன் வளர்ச்சியின் உச்சத்தை எட்டியது. கபுகி குழுக்கள் இரண்டு பெரிய மையங்களில் தொகுக்கப்பட்டன - எடோ (டோக்கியோ) மற்றும் ஒசாகா-கியோட்டோ, இது நாடகம் மற்றும் மேடை நிகழ்ச்சியின் பாணியில் ஒரு முத்திரையை ஏற்படுத்தியது: எடோவில், சர்வீஸ் வகுப்பு சண்டைகள் மற்றும் சண்டைகள் மற்றும் நடிப்பு பாணியுடன் சாமுராய் நாடகத்தை விரும்புகிறது. அதன்படி உருவாக்கப்பட்டது அரகோடோ("கூர்மையான, முரட்டுத்தனமான பாணி"). ஒசாகா-கியோட்டாவில் வசிக்கும் வணிகர்கள் மற்றும் கைவினைஞர்கள் உணர்ச்சிகரமான நாடகத்தை விரும்பினர், இது ஒரு நேர்த்தியான காதல் பாணியை உருவாக்கியது. வகோடோ("அமைதியான நடை"). 19 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதி வரை. கபுகி அவரது பார்வையாளர்களின் இதயங்களை முழுமையாக சொந்தமாக்குகிறது. ஜப்பானில் மீஜி புரட்சிக்குப் பிறகு, நவீனமயமாக்கல் மற்றும் மேற்கத்தியமயமாக்கலுக்கான நேரம் வந்தது. கபுகி ஒரு அனாக்ரோனிசமாக உணரத் தொடங்குகிறது, எனவே இது பொதுமக்களின் குளிர்ச்சியைக் கடக்க முயற்சிக்கிறது. 19 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில். தியேட்டர் பார்வையாளர்களின் அன்பை மீட்டெடுக்கிறது, அதை சீர்திருத்த முயற்சிகளுக்கு நன்றி. பெரும் பங்களிப்பை வழங்கியது பிரபல நடிகர்கள்இச்சிகாவா டோன்ஜுரா ஒன்பதாம் (1838-1903), ஓனோ கிகுகோரோ ஐந்தாவது (1844-1903). அவர்கள் திறமையைப் புதுப்பித்து, செயலை மிகவும் யதார்த்தமாக்க முயன்றனர். அவர்களின் மறைவுக்குப் பிறகு, அந்த விவகாரம் முடிவடையாமல் இருந்தது. 20 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில். கபுகி வெகுஜன பார்வையாளர்களை மீண்டும் பெற்றுள்ளது, ஆனால் இது செம்மையான ரசனை கொண்ட படித்த பார்வையாளர்கள்.

கபுகியின் கலை நியதி நோஹ் தியேட்டரைப் போலவே கண்டிப்பானது. நவீன கபுகி பார்வையாளர் தன்னை வேறு ஒரு வரலாற்று பரிமாணத்தில் காண்கிறார். மரத்தாலான சுத்திகளின் சத்தத்துடன் நடவடிக்கை தொடங்குகிறது. கருப்பு நிறத்தில் ஒரு மனிதன் மேடையில் தோன்றுகிறான் ( குரோகோ) - மேடையில் உதவி நடிகர். மேடையின் இடது விளிம்பிலிருந்து மண்டபத்திற்குள் ஒரு மேடை நீண்டுள்ளது ஹனமிச்சி(“மலர் சாலை”), இதில் பிடித்த நடிகர்கள் தங்கள் ரசிகர்களிடமிருந்து சலுகைகளையும் பரிசுகளையும் பெற்றனர். பின்னர் மேடையில் மேடை நடவடிக்கை இடம் விரிவாக்கப்பட்டது. 1758 இல், கபுகி தியேட்டரில் ஒரு சுழலும் மேடை தோன்றியது. தேவைப்பட்டால், மேடையின் ஒரு பகுதியை உயர்த்தலாம்.

பங்கு. ஆண் பாத்திரங்கள்: தத்தியாகு- மூன்று வகைகளாகப் பிரிக்கப்பட்ட ஒரு உன்னத ஹீரோ: அதன் சுகோடோ– முனிவர், அரகோடோ- போர்வீரன், வகோடோ- ஹீரோ-காதலன்; வில்லன்கள் கதகியாகு"உண்மையான வில்லன்கள்" ( ஜிட்சுவாகு), பிரபுத்துவ வில்லன்கள் ( குகேகு), நயவஞ்சக மயக்கிகள் ( இரோகு) இரண்டு வகையான நகைச்சுவை எழுத்துக்கள்: நேர்மறை ( டோக்ககாடா) மற்றும் எதிர்மறை ( khan dokataki) மிகவும் பிரபலமானது பெண் பாத்திரம் ( ஒன்னகத) இந்த பாத்திரங்கள் ஆண்களால் நிரப்பப்படுகின்றன. முழு வம்சங்களும் இருந்தன பிரபலமான கலைஞர்கள் Nakamura Utaemon மற்றும் Onoe Baiko போன்ற பெண் முன்னணிகள். பாத்திரங்கள் ஒன்னகதவேசிகளின் பாத்திரங்களாக பிரிக்கப்பட்டுள்ளது; உன்னத குடும்பத்தைச் சேர்ந்த பெண்கள்; உன்னத மனைவிகள்; வாள் சண்டையில் தேர்ச்சி பெற்ற பெண்கள்; தீங்கு விளைவிக்கும் பெண்கள்.

ஒப்பனை (குமடோரி) ஒவ்வொரு பாத்திரத்திற்கும் குறிப்பிட்டது. ஆண்களின் ஒப்பனை முகத்தில் வண்ணக் கோடுகளைப் பயன்படுத்துவதை உள்ளடக்கியது, ஒவ்வொன்றும் ஒரு குறியீட்டு அர்த்தத்தைக் கொண்டுள்ளது: சிவப்பு தைரியம், இரக்கம் மற்றும் இயற்கையின் ஆர்வத்தைக் குறிக்கிறது, நீலம் தீமை மற்றும் கோழைத்தனத்தைக் குறிக்கிறது. ஒன்னகதஅவை முகம் மற்றும் கைகளை வெண்மையாக்குகின்றன, பின்னர் மேக்கப்பைப் பயன்படுத்துகின்றன, அதன் நிறத்தின் தீவிரத்தை மிகைப்படுத்துகின்றன.

இல்லை போன்ற நிலை நுட்பங்கள் அழைக்கப்படுகின்றன கட்டா. அவர்கள் கண்டிப்பாக நிலையானவர்கள் மற்றும் குழந்தை பருவத்திலிருந்தே அவற்றைக் கற்றுக்கொள்கிறார்கள். குறிப்பாக கண்கவர் போர் மற்றும் அக்ரோபாட்டிக் நுட்பங்கள், எடுத்துக்காட்டாக, ஒரு தாண்டுதல் அல்லது உடனடியாக ஒரு சூட்டை இழுத்து, கீழே மற்றொரு உடையை வெளிப்படுத்துகிறது. போஸ் மூலம் ஒரு சிறப்பு அழகியல் விளைவு அடையப்படுகிறது mie, அதாவது செயலின் உச்சக்கட்டத்தில் நிலையான போஸ். சில சமயம் mieபார்வையாளர்களின் மகிழ்ச்சியை ஏற்படுத்தும் பல உருவங்கள் உள்ளன.

நடிப்பு என்பது மேடைப் பேச்சின் எல்லைக்கு அப்பாற்பட்டது. அதன் சிறப்பம்சம் மேடை இயக்கத்தில் உள்ளது, இதில் நடிகர் சித்திரக் கொள்கையைப் பின்பற்றுகிறார், வேறுவிதமாகக் கூறினால், இது அல்லது அந்த போஸ் mieஒரு பிரபலமான ஓவியத்தை ஒத்திருக்க வேண்டும். கலை நிகழ்ச்சிகள் கபுகி, அவரது நடிப்பைப் போலவே, ஒரு இலக்கை அடைவதை நோக்கமாகக் கொண்டுள்ளது, இது "உண்மை மற்றும் புனைகதையின் விளிம்பில்" இருக்க வேண்டும் என்ற விருப்பமாக சிறந்த சிக்கமட்சு வகுத்தார்.

20 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில். மேற்கத்திய நாடக நாடகத்தின் தாக்கத்துடன் தொடர்புடைய புதிய போக்குகள் ஜப்பானிய நாடக அரங்கில் பிறக்கின்றன. ஒரு தேர்ந்தெடுக்கப்பட்ட வகை மற்றவர்களை விட முன்னதாக எழுந்தது ஷிங்கேகி("தியேட்டர் புதிய பள்ளி"), இது கபுகி நுட்பங்களை மேற்கத்திய நாடகத்தின் கூறுகளுடன் இணைத்தது. இந்த பாணியை உருவாக்கியவர் புகழ்பெற்ற நாடக நபர் கவாகாமி ஓட்டோஜிரோ (1846-1911). 1900 ஆம் ஆண்டில், கவாகாமி மற்றும் ஒரு சிறிய குழு ஐரோப்பாவில் சுற்றுப்பயணம் செய்து, ரஷ்யாவிற்கு விஜயம் செய்தது. கபுகி உண்மையான கபுகியை விட முன்னதாகவே ஐரோப்பாவிற்கு வந்ததாகக் கூறப்படுகிறது. ஆனால் முதல் நடிகை, கவாகாமியின் மனைவி சதா யாக்கோ, ஐரோப்பிய மக்களிடையே பெரும் தாக்கத்தை ஏற்படுத்தினார். அவரது நடிப்பை ஸ்டானிஸ்லாவ்ஸ்கி மற்றும் இளம் மேயர்ஹோல்ட் பாராட்டினர்.

கெகிடன் ஷிம்பா (புதிய சிம்பா தியேட்டர்) குழுவும் அதே திசையில் செயல்பட்டது. கபுகி நுட்பங்கள், எடுத்துக்காட்டாக, mieஐரோப்பிய விளையாட்டு பாணியை ஒட்டி இருந்தன. பிரபலமான நாடகம்கவாகுச்சி மாட்சுதாரோவின் (1899-1985) நாடகமாக மாறியது மீஜி பெண், ஒரு உண்மையான குற்றக் கதையை அடிப்படையாகக் கொண்டது. 1911 இல், இலக்கிய மற்றும் கலை சங்கம் முதல் "மேற்கத்திய நாடகத்தை" அரங்கேற்றியது. ஹேம்லெட்.பின்னர், மேற்கத்திய நாடகத்தின் கிளாசிக்ஸ் மேடையில் ஆட்சி செய்தது: இப்சன், செக்கோவ், ஸ்ட்ரிண்ட்பெர்க், கோர்க்கி. 1950களில், மிஷிமா யூகியோவின் (1925-1970) நாடகங்கள் பிராட்வேயில் பொதுத் தலைப்பின் கீழ் தயாரிக்கப்பட்டன. நவீன நோ தியேட்டர், இவை கிளாசிக்கல் கதைகளின் விளக்கங்களாக இருந்தன.

1960 களின் தொடக்கத்தில், நாடகக் குழுக்கள் தோன்றின, ஒரு நாடக ஆசிரியரைச் சுற்றி குழுவாக அமைக்கப்பட்டது. அபே கோபோ என்ற பெயர் கிட்டத்தட்ட சின்னமாகிவிட்டது. அவரது படைப்புகள் அறை பார்வையாளர்களை நோக்கமாகக் கொண்டவை, ஆனால் அவரது நாடகம் நம்மிடையே பேய்கள்பெரிய நாடக அரங்குகளிலும் அரங்கேற்றப்பட்டது.

1970கள் மற்றும் 1980களில் ஜப்பானில் 40க்கும் மேற்பட்ட குழுக்கள் பணியாற்றின ஷிங்கேகி.

ஸ்வெட்லானா செரோவா

இலக்கியம்:

கொன்ராட் என்.ஐ. நோ தியேட்டர். – தொகுப்பில்: தியேட்டர் பற்றி, எல்., 1926
கொன்ராட் என்.ஐ. ஜப்பானிய தியேட்டர் . எம். – எல். 1928
ஜௌ யிபாய். Zhongguo Xiqu Changbian. பெய்ஜிங், 1960
பல்வந்த் கார்கி. இந்தியாவின் நாடகம் மற்றும் நடனம். எம்., 1963
பாப்கினா எம்.பி., பொட்டாபென்கோ எஸ்.ஐ. இந்தியாவின் மக்கள் தியேட்டர். எம்., 1964
"ஜப்பானின் நாடகம் மற்றும் நாடகம்"" – தொகுப்பில்: எம்., 1965
அலெக்ஸீவ் வி.எம். சீன நாட்டுப்புற ஓவியம். எம்., 1966
எம். குஞ்சி. ஜப்பானிய கபுகி தியேட்டர். எம்., 1969
செரோவா எஸ்.ஏ. பெய்ஜிங் இசை நாடகம். எம்., 1970
கைடா ஐ.வி. சீன பாரம்பரிய தியேட்டர் Xiqu. எம்., 1971
அலிகானோவா யு.எம். பண்டைய இந்தியாவின் தியேட்டர். – புத்தகத்தில்: பண்டைய இந்தியாவின் கலாச்சாரம், 1975
செரோவா எஸ்.ஏ. ஹுவாங் ஃபாஞ்சோவின் "தி மிரர் ஆஃப் தி என்லைட்டன்ட் ஸ்பிரிட்" மற்றும் சீன கிளாசிக்கல் தியேட்டரின் அழகியல்.எம்., 1979
யோக்கியோகு - கிளாசிக் ஜப்பானிய நாடகம். எம்., 1979
அனரினா என்.ஜி. ஜப்பானிய நோ தியேட்டர். எம்., 1984
அலிகானோவா யு.எம். "இனம்" என்ற பண்டைய இந்தியக் கருத்தாக்கத்தின் வரலாற்றில். – புத்தகத்தில்: நாட்டுப்புறவியல் மற்றும் ஆரம்பகால இலக்கிய நினைவுச்சின்னங்களின் தொன்மையான சடங்கு. எம்., 1987
கிரின்ட்சர் பி.ஏ. பாரம்பரிய இந்திய கவிதைகளின் முக்கிய வகைகள். எம்., 1987
செரோவா எஸ்.ஏ. சீன நாடகம் மற்றும் பாரம்பரிய சீன சமூகம் (16-17 ஆம் நூற்றாண்டு).எம்., 1990
ஜப்பானிய தியேட்டர். செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க், 2000

இந்தியா உலகின் மிக நீளமான மற்றும் பணக்கார நாடக பாரம்பரியத்தைக் கொண்டுள்ளது, இது மீண்டும் நீண்டுள்ளது குறைந்தபட்சம் 5000 ஆண்டுகளுக்கு முன்பு. இந்திய நாடகத்தின் தோற்றம் பண்டைய சடங்குகள் மற்றும் நாட்டின் பருவகால திருவிழாக்களுடன் நெருக்கமாக இணைக்கப்பட்டுள்ளது. நாட்டியசாஸ்திரம் (கிமு 2000 - கிபி 4 ஆம் நூற்றாண்டு) உலகளவில் நாடகம் மற்றும் நடனம் பற்றிய ஆரம்பகால மற்றும் மிகவும் சிக்கலான ஆய்வுக் கட்டுரையாகும். பாரம்பரியமாக, நாட்டிய சாஸ்திரம் இந்திய நாடகம் தெய்வீக தோற்றம் கொண்டது என்று வலியுறுத்துகிறது, மேலும் அதன் தோற்றம் பிரம்ம தேவன் உருவாக்கிய நாடகத்தின் புனித நூலான நாட்டியவேதத்திற்குக் காரணம் என்று கூறுகிறது.

நாட்டிய சாஸ்திரம் நடனம், மைம் மற்றும் நாடகம் போன்ற பல்வேறு மரபுகளை ஒன்றிணைத்து குறியீடாக்கியது. நாட்டியசாஸ்திரம் நாடகத்தின் பத்து வகைப்பாடுகளை விவரிக்கிறது, ஒரு நடிப்பு முதல் பத்து நாடகம் வரை. நாட்டிய சாஸ்திரம் போன்ற நாடகத்தைப் பற்றிய முழுமையான ஆய்வு உலகில் எந்தப் பழங்கால புத்தகத்திலும் இல்லை. இது ஆயிரக்கணக்கான ஆண்டுகளாக நாடக ஆசிரியர்கள், இயக்குனர்கள் மற்றும் நடிகர்களை வழிநடத்தியது, பரத முனியில் இந்த மூவரும் பிரிக்க முடியாத சமஸ்கிருத நாடகமான நாட்யகாவின் உருவாக்கத்தில் இருந்தனர், இதன் பெயர் நடனம் என்று பொருள்படும் வார்த்தையிலிருந்து பெறப்பட்டது. பாரம்பரிய இந்து நாடகத்தில், நாடகத்தின் உள்ளடக்கத்தின் வெளிப்பாடு இசை மற்றும் நடனம் மற்றும் செயல் மூலம் அடையப்பட்டது, எனவே எந்தவொரு தயாரிப்பும் அடிப்படையில் ஓபரா, பாலே மற்றும் நாடகம் ஆகியவற்றின் கலவையாக இருந்தது.

புராணத்தின் படி, தெய்வங்கள், பேய்களை தோற்கடித்து, தங்கள் வெற்றியைக் கொண்டாட முடிவு செய்தபோது, ​​பரலோகத்தில் முதல் நடனம் நிகழ்த்தப்பட்டது. இந்து கோட்பாட்டாளர்கள் பண்டைய காலங்களிலிருந்து இரண்டு வகையான நடன நிகழ்ச்சிகளை நடத்தியுள்ளனர்: லோகதர்மி (யதார்த்தம்), இதில் மேடையில் நடனக் கலைஞர்கள் மனித நடத்தையை சித்தரித்தனர், மற்றும் நாட்டியதர்மி (வழக்கமான), இது பகட்டான சைகைகள் மற்றும் சின்னங்களைப் பயன்படுத்தியது (இந்த வகை நடன நிகழ்ச்சி மிகவும் கலைநயமிக்கதாக கருதப்பட்டது. யதார்த்தத்தை விட).

இந்தியாவில் தியேட்டர் ஒரு விளக்க வடிவத்துடன் தொடங்கியது, எனவே பாராயணம், பாடல் மற்றும் நடனம் ஆகியவை நாடகத்தின் ஒருங்கிணைந்த கூறுகளாக மாறியது. கதை கூறுகள் மீதான இந்த முக்கியத்துவம், இந்தியாவில் நாடகம் மற்ற அனைத்து வகையான இலக்கியம் மற்றும் காட்சிக் கலைகளை அதன் உடல் வெளிப்பாடாகத் தழுவத் தொடங்கியது: இலக்கியம், மைம், இசை, நடனம், இயக்கம், ஓவியம், சிற்பம் மற்றும் கட்டிடக்கலை - அனைத்தையும் ஒன்றாகக் கலந்து அழைக்கத் தொடங்கியது. "நாட்யா" அல்லது "தியேட்டர்".

தியேட்டர் இல்லாமல் எந்த கலாச்சார நாட்டையும் கற்பனை செய்து பார்க்க முடியாது. மேலும் இந்தியாவும் விதிவிலக்கல்ல. எனவே, இந்தியாவில் ஹோட்டல்களை முன்பதிவு செய்யும் போது, ​​அனைத்து இந்திய முக்கிய நகரங்களிலும் நீங்கள் ஒரு நாடக நிகழ்ச்சியைப் பிடிக்கலாம் என்பதை மறந்துவிடாதீர்கள். மேலும், இந்திய நாடகத்தின் நியதிகளும் பாணியும் உள்நாட்டு நாடகங்கள் மற்றும் நகைச்சுவைகளிலிருந்து மிகவும் வேறுபட்டவை, எனவே குறைவான சுவாரஸ்யமான மற்றும் புத்திசாலித்தனமானவை அல்ல.

இந்தியாவிற்கு தியேட்டர் வந்தது பண்டைய கிரீஸ். பல வல்லுநர்கள் இந்த ஆய்வறிக்கையை மறுத்தாலும், இந்திய நாடகத்தின் பல அம்சங்கள் கிரேக்க சோகங்கள் மற்றும் நகைச்சுவைகளில் இயல்பாகவே இருந்தன.

இருப்பினும், மற்ற நாடுகளைப் போலவே, இந்தியாவிலும் இருந்தன திறமையான மக்கள், இந்தியப் படைப்புகளுக்கான ஸ்கிரிப்ட்களைத் சுயாதீனமாகத் தயாரிக்கத் தொடங்கியவர். அதே நேரத்தில், உள்ளூர் மரபுகள் மற்றும் பழக்கவழக்கங்கள் கிரேக்க அடிப்படையில் வைக்கப்பட்டன.

தியேட்டரின் விடியலில், உள்ளூர் ஆட்சியாளர்களும் பெரும் பணக்காரர்களும் மட்டுமே அத்தகைய ஆடம்பரத்தை வாங்க முடியும். எனவே, அவர்களின் வேலைக்காரர்கள் முதல் நடிகர்கள் ஆனார்கள். நாடகத்தின் பரவலுடன், தொழில்முறை நடிகர்களும் தோன்றினர்.

இந்திய நாடகங்களைப் பொறுத்தவரை, அவை மிகவும் வேறுபட்டவை, இருப்பினும் அவற்றுக்கான பல விதிகள் பொதுவானதாகவே இருந்தன. படைப்புகளின் அளவு மிகவும் வித்தியாசமாக இருந்தது. இந்திய நாடகங்களில் சில நிமிடங்கள் நீடிக்கும் சிறிய ஓவியங்கள் மற்றும் காட்சிகள் இரண்டையும் நீங்கள் காணலாம், மேலும் பெரிய அளவிலான படைப்புகள் முழு நாட்கள் நீடிக்கும்.

பெரும்பாலான இந்திய நாடக இயக்குநர்கள் மற்றும் எழுத்தாளர்கள் தெளிவான விதிகளைப் பின்பற்றினர். அவற்றில் பல உள்ளன. முதலாவதாக, யோசனை மற்றும் சதித்திட்டத்தைப் பொருட்படுத்தாமல், மேடைகளில் வன்முறை அனுமதிக்கப்படவில்லை. பண்டைய இந்தியாவில் தியேட்டர் இல்லாமல் கூட அது போதுமானதாக இருந்தது, எனவே கொடுமையின் காட்சிகளை நாடக மேடைக்கு மாற்றுவது வழக்கம் அல்ல.

கண்டிப்பாக கடைபிடிக்கப்பட்ட இரண்டாவது விதி, வேலையின் முடிவைப் பற்றியது. எனவே, ஒரு நாடகம் அல்லது திரைப்படத்தின் மகிழ்ச்சியான முடிவை ஹாலிவுட்டின் கண்டுபிடிப்பு என்று நீங்கள் நினைக்கக்கூடாது. இது பண்டைய இந்தியாவில் கிமு பல நூற்றாண்டுகளாக அறியப்பட்டு பயன்படுத்தப்பட்டது. எனவே பழங்கால மற்றும் நவீன இந்திய நாடகங்கள் அனைத்தும் இந்த விதியை கண்டிப்பாக பின்பற்றுகின்றன. சதி சோகமாகவும் இதயத்தை உடைப்பதாகவும் இருக்கலாம், ஆனால் இறுதியில் எல்லாம் நன்றாக முடிவடையும்.

ஒரு சிறப்பு பிரச்சினை தியேட்டரின் ஏற்பாடு. நாடக நிகழ்ச்சியின் இந்த பகுதிக்கு அதிக கவனம் செலுத்தப்பட்டது. ஹீரோக்களுக்கான உடைகள் கவனமாக தேர்ந்தெடுக்கப்பட்டன. அவர்களுக்கு மிகவும் விலையுயர்ந்த பொருள் பயன்படுத்தப்பட்டது, மற்றும் அலங்காரங்களுக்கு நிறைய பணம் செலவாகும். நாடக முட்டுகள் நடிகர்களின் சொத்து இல்லை என்றாலும்.

இந்திய நாடகங்களை அரங்கேற்றுவதற்கான விதிகள் மேடை உபகரணங்களுக்கும் பொருந்தும். பார்வையாளர்களுக்கும் நடிகர்களுக்கும் இடையே திரைகளோ திரைகளோ இல்லை. எனவே, நடிகர்கள் மேடையில் நுழைந்தவுடன், அவர்கள் உடனடியாக பார்வையாளர்களின் கண்களை ஈர்த்தனர். இந்திய திரையரங்கிலும் சில செட்டுகள் இருந்தன. மேலும் ஏராளமான முட்டுக்கட்டைகள் அதிகரித்த சைகைகள், முகபாவங்கள் மற்றும் நடனம் ஆகியவற்றால் மாற்றப்பட்டன.

சுவாரஸ்யமாக, இந்திய நடிகர்கள் எதுவும் சொல்லவில்லை. அனைத்து செயல்களும் சைகைகள் மற்றும் நடனம் மூலம் வெளிப்படுத்தப்பட்டன. சைகைகளால் வெளிப்படுத்தப்பட்ட சிறப்பு சின்னங்களைப் புரிந்துகொள்வதன் மூலம் மட்டுமே என்ன நடக்கிறது என்பதை பொதுமக்கள் யூகிக்க முடியும்.

இந்திய நாடகங்களை உங்கள் கண்களால் பார்ப்பது நல்லது. இது மிகவும் சுவாரஸ்யமான மற்றும் கண்கவர் காட்சி.

இந்தியாவின் நிகழ்த்து கலைகள் கிமு 2 ஆம் நூற்றாண்டில் தோன்றின. - 1 ஆம் நூற்றாண்டு, கிபி 10 ஆம் நூற்றாண்டில் அதன் வளர்ச்சியின் உச்சத்தை எட்டியது, இந்த நேரத்தில், நூற்றுக்கணக்கான நாடகங்கள் உருவாக்கப்பட்டன, பின்னர் இந்திய நாடகத்தின் கிளாசிக் என அங்கீகரிக்கப்பட்டது. 10 ஆம் நூற்றாண்டுக்குப் பிறகு, இந்தியாவில் இஸ்லாமிய வெற்றியாளர்களின் வருகையுடன், கிளாசிக்கல் நாடகம் வீழ்ச்சியடைந்தது. தியேட்டர் தயாரிப்புகள் கிராமப்புறங்களின் தொலைதூர மூலைகளில் பழமையான வடிவத்தில் தொடர்ந்து உள்ளன. XV-XIX நூற்றாண்டுகளின் காலகட்டத்தில். நாடகக் கலையின் மறுமலர்ச்சி உள்ளது. 19 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில். நாடக மேடைபிரிட்டிஷ் காலனித்துவ ஆட்சிக்கு எதிரான போராட்டத்தின் வழிமுறையாக மாறுகிறது, இது இந்தியாவில் நாடக நடவடிக்கைகளின் மீது கடுமையான கட்டுப்பாட்டை அறிமுகப்படுத்த ஆங்கிலேயரைத் தள்ளுகிறது, அரசியல் உள்ளடக்கத்தின் தயாரிப்புகளைத் தடுக்கிறது மற்றும் கிளாசிக்கல் நாடகங்களை மட்டுமே அனுமதிக்கிறது. 1947 இல் இந்தியா சுதந்திரம் அடைந்ததிலிருந்து, திரையரங்குகள் நாடு முழுவதும் தடையின்றி வளர்ந்தன, இது பொழுதுபோக்கு துறையில் ஒரு முக்கிய பகுதியாக மாறியது.
இந்திய கலை நிகழ்ச்சிகள் மூன்று வடிவங்களாக பிரிக்கப்பட்டுள்ளன: பாரம்பரிய சமஸ்கிருத நாடகம், பாரம்பரிய நாட்டுப்புற நாடகம் மற்றும் நவீன நாடகம்.

பாரம்பரிய சமஸ்கிருத நாடகம்

இந்திய பாரம்பரிய சமஸ்கிருத நாடகம் - நாடகக் கலையின் பழமையான வடிவங்களில் ஒன்று, இது 1 ஆம் நூற்றாண்டில் தீவிரமாக உருவாகத் தொடங்கியது. கி.பி இருப்பு பற்றி சமஸ்கிருத நாடகம்இத்தகைய பண்டைய காலங்களில், "நாட்ய சாஸ்திரம்" - பரத முனி (கி.மு. IV - IV நூற்றாண்டு) மற்றும் "மகாபாஷ்யா" தொகுத்த நாடகக் கலை பற்றிய ஒரு கட்டுரை, இந்திய இலக்கணத்தின் வர்ணனை, பதஞ்சலிக்குச் சொந்தமானது, சாட்சியமளிக்கின்றன ( கிமு 2 ஆம் நூற்றாண்டு).
இந்திய நாடகம் என்பது இந்திய இலக்கியத்தின் மிக உயர்ந்த பரிபூரணத்தின் சாதனையாகும். ஹீரோக்களின் குணாதிசயங்கள் மற்றும் செயல்களுடன் தொடர்புடைய வலுவான உணர்ச்சி அனுபவங்களை பார்வையாளருக்குத் தூண்டும் வகையில் இது கட்டமைக்கப்பட்டுள்ளது. சில கதாபாத்திரங்கள் போற்றுதல் மற்றும் பிரமிப்பு உணர்வைத் தூண்டுகின்றன, மற்றவை, மாறாக, அருவருப்பைத் தூண்டுகின்றன, மற்றவை சிரிப்பையும் வேடிக்கையையும் தூண்டுகின்றன. பாத்திரங்கள் சமஸ்கிருத நாடகம்சமூக நிலை மூலம் தெளிவாக பிரிக்கப்பட்டுள்ளது.
இந்திய நாடகத்தில் இரண்டு வகையான நாடகங்கள் உள்ளன: லோகதர்மி, பாத்திரங்கள் யதார்த்தமான முறையில் வழங்கப்படுகின்றன மற்றும் நாட்டியதர்மிசைகை மொழியைப் பயன்படுத்தும் பகட்டான நாடகம்.
சமஸ்கிருதத்தில் எழுதிய முதல் நாடக ஆசிரியர் அஸ்வகோஷா (கி.பி. 2ஆம் நூற்றாண்டு) என்று கருதப்படுகிறார். இந்த படித்த மற்றும் திறமையான மனிதர் தனது படைப்புகள் மூலம் பௌத்தத்தின் தத்துவத்தை போதித்தார். அஸ்வகோசரின் மூன்று புகழ்பெற்ற கவிதைகள் புத்தசரிதா, சௌந்தரானந்தா மற்றும் நாடகம் சரிநுத்ரகரணா.
ஆனால் இந்திய நாடகத்தில் மிகவும் குறிப்பிடத்தக்க நபர் கவிஞர் காளிதாசர் (IV-V நூற்றாண்டுகள்), புராணங்களின் கதைகளை அடிப்படையாகக் கொண்டு சமஸ்கிருதத்தில் நாடகங்களை இயற்றினார். பெரும்பாலானவை பிரபலமான படைப்புகள்"மாளவிகாக்னிமித்ரம்", "விக்ரமோர்வசி", "அபிஞான-சகுந்தலா" ஆகிய நாடகங்கள் காளிதாசர். அவற்றில் முக்கிய கதைக்களம் நாயகன், நாயகியின் காதல். பல தடைகளைத் தாண்டி, காதலர்கள் ஒருவரையொருவர் மீண்டும் இணைவதற்கான வாய்ப்பைப் பரிசாகப் பெறுகிறார்கள்.

காளிதாசன்

மற்றொரு முக்கியமான ஆளுமை சமஸ்கிருத நாடக ஆசிரியர் பவபூதி (8 ஆம் நூற்றாண்டு). ஆசிரியரின் ஏராளமான படைப்புகளில், மூன்று நாடகங்கள் மட்டுமே எஞ்சியுள்ளன: "மகாவீரசரிதா" (ராமரின் வீர வாழ்க்கையைப் பற்றியது), "மாலதிமாதவா" (காதல் கதை) மற்றும் "உத்தரமாசரிதா" ( பிற்கால வாழ்க்கைசட்டங்கள்).
இந்தியவியலாளரான தசரத ஷர்மாவின் (1903-1976) ஆய்வின்படி, பிந்தைய நாடக ஆசிரியர்கள் இருவரும், தங்கள் படைப்புகளை எழுதும் போது, ​​அர்த்தசாஸ்திரத்தின் (ஒரு பழங்கால இந்திய அரசியல் மற்றும் பொருளாதார ஆய்வுக் கட்டுரை, இதன் தொகுப்பாளர் கௌடில்யராகக் கருதப்படுகிறார் - தலைமை ஆலோசகர்பேரரசர் சந்திரகுப்த மௌரியா (கிமு 321-297). அவர்களின் படைப்புகளில், ஹீரோக்களின் செயல்களிலும் கொள்கைகளிலும் தெளிவான இணை உள்ளது. மேலும், பவபூதி தனது காதல் நாடகமான மாலதிமாதவாவில் அர்த்தசாஸ்திரத்தின் வார்த்தைகளையும் யோசனைகளையும் பயன்படுத்துகிறார்.
மேலும் புஷ்யபூதி குடும்பத்தைச் சேர்ந்த வட இந்திய ஆட்சியாளர் ஹர்ஷா (606-647 ஆட்சி) என்பது குறிப்பிடத்தக்கது, இவர் "ரத்னாவளி", "பிரியதர்ஷிகா" மற்றும் "நாகனந்தா" ஆகிய நாடகங்களின் ஆசிரியராகவும், கவிஞர்களான சூத்ரகா மற்றும் பாசாவும் ஆவார். சமஸ்கிருதத்தில் பல நாடகங்கள் எழுதினார்.
சமஸ்கிருத நாடகம், பண்டைய காலத்தில் இந்தியாவில் தோன்றிய கலை வடிவங்களில் ஒன்றாக மாறியுள்ளது, இது வாழ்க்கையின் அனைத்து உண்மைகளையும் அலங்காரமின்றி பிரதிபலிக்கிறது. பின்னர் அது கிளாசிக்கல் நடனத்தால் நிரப்பப்பட்டது. இசை, சைகைகள் மற்றும் நடனம் ஆகியவற்றின் கலவையானது இந்திய நாடகத்தை ஒரு புதிய முகத்தைப் பெறவும், மாற்றவும் அனுமதித்தது பாரம்பரிய நடன நாடகம்.

பாரம்பரிய நடன நாடகம்
இந்த புதிய திசையானது பண்டைய இதிகாசங்களில் கொடுக்கப்பட்ட தெய்வீக உதாரணங்களை நம்பி, வாழ்க்கையின் அனைத்து அழகையும் வெளிப்படுத்தியது. தெளிவான உதாரணங்கள்இந்திய பாரம்பரிய நடன நாடகம்: குடியாட்டம், கிருஷ்ணநாட்டம், ராமநாட்டம் மற்றும் கதகளி (). மேலும், இந்தியாவின் கிட்டத்தட்ட அனைத்து பாரம்பரிய நடனங்களையும் நடன நாடகம் என வகைப்படுத்தலாம், ஏனெனில் அவை இன்று ஒரு நாடக நிகழ்ச்சியாகும். இசை நிகழ்ச்சி, பற்றி சொல்கிறேன் காதல் உறவுகள்ஹீரோ மற்றும் ஹீரோயின்.

பாரம்பரிய நாட்டுப்புற நாடகம்

இந்திய பாரம்பரிய நாட்டுப்புற நாடகம் , இடைக்காலத்தில் தெளிவாக உருவானது, பாரம்பரிய நாடகம் மற்றும் வரலாற்று நிகழ்வுகளை அடிப்படையாகக் கொண்ட இலவச மேம்படுத்தப்பட்ட தயாரிப்புகள் மற்றும் புராணங்கள் மற்றும் இதிகாசங்களின் கருப்பொருள்களின் தொகுப்பு ஆகும். நாட்டுப்புற நாடகங்கள் சாதாரண மக்களின் எண்ணங்கள், எண்ணங்கள் மற்றும் உணர்ச்சிகளை பிரதிபலிக்கின்றன. உண்மையில், பாரம்பரிய நாட்டுப்புற நாடகத்தை ஒரு மத மற்றும் மதச்சார்பற்ற தன்மை கொண்ட நிகழ்ச்சிகளாக பிரிக்கலாம். முதன்மையானவை மத, தார்மீக விழுமியங்களைப் போதிக்க உதவுகின்றன, உண்மையில், வாழ்க்கையின் அர்த்தத்தின் பிரதிபலிப்புகளாகும். இரண்டாவது நோக்கம் பொழுதுபோக்கு.
இந்திய நாட்டுப்புற நாடக அரங்கில் ஒரு முக்கிய இடம் பாடலால் ஆக்கிரமிக்கப்பட்டுள்ளது, இது மிக முக்கியமான பாத்திரத்தை வகிக்கிறது.
இந்தியாவில் பாரம்பரிய நாட்டுப்புற நாடகம் வியக்கத்தக்க வகையில் வேறுபட்டது. பன்னாட்டு நாட்டின் ஒவ்வொரு மாநிலமும் உள்ளூர் ஒழுக்கங்கள் மற்றும் பழக்கவழக்கங்களைப் பிரதிபலிக்கும் துடிப்பான கண்கவர் நிகழ்ச்சிகளால் குறிப்பிடப்படுகின்றன. ஆனால் அவர்கள் அனைவரும் வாழ்க்கை, அன்பு, நல்லொழுக்கம் மற்றும் தீமை ஆகியவற்றின் யதார்த்தத்தால் ஒன்றுபட்டுள்ளனர், பெரும்பாலும் ஒரு காதல் யோசனையுடன் அலங்கரிக்கப்பட்டுள்ளனர்.
நௌதாங்கிவட இந்தியாவில் மிகவும் பிரபலமான நகைச்சுவை மற்றும் இசை நாடக நிகழ்ச்சிகளில் ஒன்றாகும். கதைக்களங்கள் nautankiநாட்டுப்புறக் கதைகள், பழம்பெரும் ஹீரோக்கள் பற்றிய கதைகள் மற்றும் காவியக் கதைகளை அடிப்படையாகக் கொண்டது. நாட்டுப்புற இசை, பாடல் மற்றும் நடனம் ஆகியவை ஒன்றோடொன்று பின்னிப் பிணைந்துள்ளன nautanki. நிகழ்ச்சிகள் மொழியில் இருப்பது போல் நிகழ்த்தப்படுகிறது ஹிந்தி, மற்றும் அன்று உருது. திரையுலகம் வருவதற்கு முன், நிகழ்ச்சிகள் nautankiவட இந்தியாவின் அனைத்து நகரங்களிலும் கிராமங்களிலும் மிகவும் பொதுவான பொழுதுபோக்கு சாதனமாக இருந்தது. பாரம்பரியத்தின் படி, செயல்திறன் nautankiமாலை தாமதமாக தொடங்கி விடியும் வரை இரவு முழுவதும் இடையூறு இல்லாமல் நீடிக்கும். நிகழ்ச்சிகளின் குறுகிய பதிப்புகளும் உள்ளன, நவீன காலங்களில் சுமார் இரண்டு மணி நேரம் நீடிக்கும். சமூக தலைப்புகள், குடும்பப் பிரச்சனைகள், சுகாதாரப் பாதுகாப்பு மற்றும் பெண்மயமாக்கல் (பெண்கள் விடுதலை) போன்றவை.

நௌதாங்கி

ஸ்வாங்/சாங்ஹரியானா, உத்தரப் பிரதேசம், ராஜஸ்தான் மற்றும் மத்தியப் பிரதேசத்தில் பொதுவான நடனம் மற்றும் இசை நாடக வடிவமாகும். உண்மையில் ஊஞ்சல்மிகவும் ஒத்த nautanki. சிறிய வேறுபாடுகள் மட்டுமே உள்ளன. நௌதாங்கி- இது முற்றிலும் நகைச்சுவையான நடிப்பு வடிவம். உள்ளே இருக்கும்போது ஸ்வாஞ்ச்நையாண்டி மற்றும் வீர காதல் இரண்டும் உண்டு. சமர்ப்பிப்புகள் ஊஞ்சல்அதன் விரிவான திறனாய்வைக் கவர்கிறது நாட்டுப்புற பாடல்கள்மற்றும் நடனம். பாரம்பரியமாக, அனைத்து பாத்திரங்களும் ஆண்களால் செய்யப்படுகின்றன. பொருத்தமான சூழ்நிலையை உருவாக்க, ஒரு கச்சேரி நிகழ்ச்சிக்கு ஒரு மணி நேரத்திற்கு முன் தொடங்குகிறது, பார்வையாளர்களை நிகழ்ச்சிக்கு ஊக்கப்படுத்துகிறது.
பந்த் பட்டர்வடிவம் ஆகும் நாட்டுப்புற நாடகம், ஜம்மு காஷ்மீர் மாநிலம் முழுவதும் விநியோகிக்கப்படுகிறது. பாடங்கள் band paterஇப்பகுதியின் புராணக் கதைகள் மற்றும் மரபுகளை அடிப்படையாகக் கொண்டவை மற்றும் முக்கியமாக நையாண்டித் தன்மை கொண்டவை. நிகழ்ச்சிகள் காஷ்மீர் ஷைவிசத்தின் கூறுகளையும் காஷ்மீர் சூஃபித்துவத்தின் மரபுகளையும் தெளிவாகக் காட்டுகின்றன. ஆனால் முக்கிய கதைக்களம் வெளிநாட்டு வெற்றியாளர்களுக்கு உள்ளூர் மக்களின் எதிர்ப்பாகும். தயாரிப்பின் கருப்பொருள் மன்னர்களின் பழங்காலக் கதைகளைச் சுற்றியிருந்தாலும், நவீன சமூகக் கருப்பொருள்களும் அதில் அறிமுகப்படுத்தப்பட்டுள்ளன. நடிப்பில் நடிகர்களின் முக்கிய மொழி band paterகாஷ்மீரி . ஆனால் நகைச்சுவையான அபத்தமான சூழ்நிலைகளை வலியுறுத்துவதற்கும், இணக்கமற்ற வெளிப்பாடுகளை முன்னிலைப்படுத்துவதற்கும், தயாரிப்புகள் பஞ்சாபி, குஜாரி, டோக்ரி, ஃபார்ஸி மற்றும் ஆங்கில மொழிகள். நாடகங்களில் விலங்குகளை சித்தரிக்க band paterநடிகர்கள் பருமனான உடைகள் மற்றும் முகமூடிகளை அணிந்துகொள்கிறார்கள்.

பந்த் பட்டர்

யாத்ராமேற்கு வங்காளம் மற்றும் ஒரிசாவிலிருந்து அஸ்ஸாம், திரிபுரா மற்றும் பீகார் வரை பரவிய பாரம்பரிய நாட்டுப்புற பாடல் நாடகத்தின் பிரபலமான வடிவமாகும். IX-XII நூற்றாண்டுகளில். இந்த இசை நிகழ்ச்சி வங்காளத்தில் (இன்றைய மேற்கு வங்காளம் மற்றும் பங்களாதேஷ்) என்ற பெயரில் பரவியது சார்யா. பின்னர் 16 ஆம் நூற்றாண்டில். பக்தி இயக்கத்தின் போது, சார்யாஎன அறியப்பட்டது யாத்திரை(பிரசங்கிகளின் ஒரு மத ஊர்வலம்) மற்றும் மத மற்றும் பிரசங்க இயல்புடையது. ஆனால் ஏற்கனவே 19 ஆம் நூற்றாண்டில். நிகழ்ச்சிகளின் உள்ளடக்கம் தார்மீக போதனையாக மாறியது. மற்றும் இருபதாம் நூற்றாண்டில் யாத்திரைநான்கு மணிநேரம் நீடிக்கும் ஒரு சாதாரண பொழுதுபோக்கு நிகழ்ச்சியாக மாற்றப்பட்டது, அதற்கு முன் ஒரு நீண்ட இசை அறிமுகம். இன்று, நிகழ்ச்சிகளின் கருப்பொருள்கள் பரந்த அளவில் உள்ளன மற்றும் பாரம்பரிய காவியங்கள் மற்றும் புராணக் கதைகள், வரலாற்று புனைவுகள் மற்றும் உள்ளூர் நாட்டுப்புறக் கதைகள் ஆகியவை அடங்கும். பாரம்பரியமாக உள்ள யாத்திரைஅனைத்து பாத்திரங்களும் ஆண்களால் செய்யப்பட்டன, ஆனால் 19 ஆம் நூற்றாண்டிலிருந்து. ஆண் குழுக்களில் பெண்கள் சேர ஆரம்பித்தனர். இப்போதெல்லாம், அனைத்து நவீன வழிமுறைகளும் தயாரிப்புகளில் தெளிவான விளைவுகளை உருவாக்க பயன்படுத்தப்படுகின்றன.

யாத்ரா

அதிகம்மத்திய பிரதேசத்தில் உள்ள ஒரு பாரம்பரிய நாட்டுப்புற நாடகம். இது நாட்டுப்புற நாடகத்தின் ஒப்பீட்டளவில் இளம் வடிவமாகும், இது 18 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில் - 19 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் எழுந்தது. அதிகம்குரு கோபால்ஜி மற்றும் கலுராம் உஸ்தாத் போன்ற அக்கால பிரபல நடிகர்களால் வடிவமைக்கப்பட்டது. அவர்கள் திரைக்கதை எழுதுவது மட்டுமல்லாமல், நிகழ்ச்சிகளையும் இயக்கினர். அதிகம்பாரம்பரியமாக ஆண்களால் செய்யப்படுகிறது. இந்தியில் நிகழ்ச்சிகள் நடத்தப்படுகின்றன. நிகழ்ச்சிகளின் பாடங்கள் மாக்விரிவானது மற்றும் மத, வரலாற்று மற்றும் சமூகப் பிரச்சினைகளைத் தொடுகிறது.

தமாஷா- 16 ஆம் நூற்றாண்டில் எழுந்த ஒரு இசை மற்றும் நடன நாடக வடிவம். மகாராஷ்டிராவில் அனைத்து நிகழ்ச்சிகளின் இதயம் தமாஷாகாதல் பாடல்கள் என்று அழைக்கப்படுகின்றன லாவணி, இது பாரம்பரிய நடனங்களால் பூர்த்தி செய்யப்படுகிறது. நிகழ்ச்சிகளில் நடனம் தவிர தமாஷாஅக்ரோபாட்டிக் நிகழ்ச்சிகளும் ஆதிக்கம் செலுத்துகின்றன.

தமாஷா

யக்ஷகானா 16-17 ஆம் நூற்றாண்டுகளில் எழுந்த பாரம்பரிய நடன நாடக வடிவமாகும். கர்நாடகாவில் கால யக்ஷகானாஉண்மையில் "இயற்கையின் ஆவிகளின் பாடல்" என்று பொருள்படும் மற்றும் பல்வேறு வகையான நடன நாடகங்களை ஒருங்கிணைக்கிறது ஆத்தா, பயலாட, கேலிக்மற்றும் தசாவதாரம். யக்ஷகானாதென்னிந்திய பக்தி இயக்கத்தின் போது கர்நாடகாவின் நாட்டுப்புற இசை, நடனம் மற்றும் நாடகத்திலிருந்து உருவாக்கப்பட்டது. பக்தி அல்லது வைஷ்ணவம் எளிமையான நாடக நிகழ்ச்சிகள் மூலம் மதத்தை பிரபலப்படுத்துவதால், யக்ஷகானாவிரைவில் முழுவதும் அங்கீகாரம் பெற்றது தென் இந்தியா. அடுக்குகள் யக்ஷகானாமகாபாரதம், ராமாயணம் மற்றும் புராணங்களின் அத்தியாயங்கள். பாரம்பரியத்தின் படி, செயல்திறன் இரவில் தொடங்குகிறது. மேடையில் நடிகர்களின் தோற்றம் ஒரு நீண்ட (சுமார் ஒரு மணி நேரம்) இசை ஓவர்ட்டருக்கு முன்னதாக இருக்கும். அனைத்து பாத்திரங்களும் ஆண்களால் மட்டுமே செய்யப்படுகின்றன. நடிப்பு வசனகர்த்தாவின் (பகவதி) பாடலுடன் உள்ளது. அனைத்து நிகழ்ச்சிகளின் நிலையான பாத்திரம் நகைச்சுவையாளர், என்று அழைக்கப்படுகிறது கோடாங்கி. நடிகர்களின் அற்புதமான உடைகள் மற்றும் ஒப்பனை ஒரு சிறப்பு மனநிலையை உருவாக்குகிறது, கற்பனையின் அற்புதமான உலகில் பார்வையாளர்களை மூழ்கடிக்கிறது.

தெருக்கூத்துதமிழ்நாட்டிலும் அண்டை நாடான இலங்கையிலும் பொதுவான ஒரு சடங்கு தெரு நாடக வடிவமாகும். நிகழ்ச்சிகள் தமிழில். தெருக்கூத்துஇசை, நடனம் மற்றும் நாடகம் ஆகியவற்றை ஒருங்கிணைக்கிறது. நிகழ்ச்சிகளின் தலைப்புகள் விரிவானவை. ஆனால் அடிப்படையில், அனைத்து கதைக்களங்களும் மகாபாரதத்தின் கதைகளை அடிப்படையாகக் கொண்டவை, இன்னும் துல்லியமாக திரௌபதியின் மைய உருவமாக இருக்கும் காவியத்தின் பகுதிகள். அதே பெயரில் உள்ள மழை தெய்வத்திற்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்ட வருடாந்திர மாரியம்மன் திருவிழாவில், ராமாயண நாடகங்கள் நடத்தப்படுகின்றன.

மௌதீட்டுகேரள மாநிலத்தில் உள்ள ஒரு பாரம்பரிய சடங்கு அரங்கம் ஆகும், இதன் நிகழ்ச்சிகள் காளி தேவிக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்ட கோவில்களில் மட்டுமே நடைபெறும். நிகழ்ச்சிகள் பத்ரகாளி தெய்வத்திற்கும் அசுர தாரிகாவிற்கும் இடையிலான போரை சித்தரிக்கிறது, அதில் முன்னாள் வெற்றி. இந்த சடங்கு நிகழ்ச்சிகள் அறுவடைக்குப் பிறகு, பிப்ரவரி மற்றும் மே மாதங்களுக்கு இடையில் நடைபெறும். நிகழ்ச்சி ஒரு நல்ல நேரத்தில் தொடங்கி 41 நாட்கள் நீடிக்கும்.

பாரம்பரிய இந்திய நாட்டுப்புற பொம்மை நாடகம்

பப்பட் தியேட்டர் (இந்திய பப்பட் தியேட்டர்) என்பது இந்தியாவில், குறிப்பாக கிராமப்புறங்களில் உள்ள பழமையான பொழுதுபோக்கு வடிவங்களில் ஒன்றாகும். இது பல நூற்றாண்டுகளாக ஒரு வடிவத்தில் அல்லது மற்றொரு வடிவத்தில் செழித்து வளர்ந்தது மற்றும் நாட்டுப்புற கலாச்சாரத்தின் ஒருங்கிணைந்த பகுதியாகும். ஒரு பொம்மலாட்டக்காரனின் திறமையான கைகளில், பொம்மலாட்டம் உயிர்ப்பிக்கிறது, உண்மையில் மகாபாரதம் மற்றும் ராமாயணத்தின் காட்சிகளை உள்ளடக்கியது, அதே போல் நிஜ வாழ்க்கையைப் பின்பற்றுகிறது. குஜராத், ராஜஸ்தான், கேரளா, கர்நாடகா மற்றும் ஆந்திரப் பிரதேசத்தில் பொம்மலாட்டம் மிகவும் பிரபலமானது. இந்தியாவில், பல்வேறு வகையான பொம்மைகள் பயன்படுத்தப்படுகின்றன - மரத்தாலான, தோல் அல்லது கந்தல் பொம்மைகள் ஒரு குச்சி அல்லது சரங்களைக் கொண்டு கட்டுப்படுத்தப்படுகின்றன, கையுறை பொம்மைகள், அதே போல் நிழல் தியேட்டரில் பயன்படுத்தப்படும் தட்டையான பொம்மைகள்.
கத்புத்லி- ராஜஸ்தானி பொம்மை தியேட்டர். ராஜஸ்தானி மொழியிலிருந்து மொழிபெயர்க்கப்பட்டது காத்அதாவது "மரம்" மற்றும் புட்லி- "உயிரற்ற பொம்மை." தியேட்டர் என்று நம்பப்படுகிறது கத்புத்லிசுமார் இரண்டாயிரம் ஆண்டுகளுக்கு முன்பு ராஜஸ்தானில் உருவானது, உள்ளூர் புனைவுகள் மற்றும் பாடல்களில் மர பொம்மைகள் பற்றிய குறிப்புகள் மூலம் நிரூபிக்கப்பட்டுள்ளது. ராஜஸ்தானில் எந்த ஒரு மத விழாவும் அல்லது திருவிழாவும் வேடிக்கையான பொம்மை நிகழ்ச்சிகள் இல்லாமல் நடைபெறாது.

ராஜஸ்தானின் ஆளும் குடும்பங்கள் இந்த கலை வடிவத்திற்கு சாத்தியமான அனைத்து ஆதரவையும் வழங்கினர். பொழுதுபோக்கின் ஒரு வடிவமாக மட்டுமல்லாமல், ஒழுக்கக் கல்வியின் மூலமாகவும், கத்புத்லிராஜஸ்தானில் முகலாயர்களின் வருகை வரை செழித்தது. இந்த காலகட்டத்தில் கத்புத்லிபடிப்படியாக அதன் அர்த்தத்தை இழந்தது. ஆனால் இன்று, பழைய நாட்களில், தியேட்டர் கத்புத்லிமீண்டும் ஒருமுறை தனது அனல் பறக்கும் நிகழ்ச்சிகளால் பார்வையாளர்களை மகிழ்விக்கிறது.
பாரம்பரியமாக கத்புத்லிநாடோடி சமூகத்திற்கு ஒரு பரம்பரைத் தொழிலாகும் பாட், மேற்கு ராஜஸ்தானில் வசிக்கிறார். பொம்மலாட்டக்காரர்களைப் போலவே, மாநிலத்தில் உள்ள ஏராளமான பட்டறைகள் பொம்மைகளை உருவாக்குகின்றன: அவை மரத்திலிருந்து பொம்மைத் தலைகளை வெட்டி, அவற்றை வண்ணம் தீட்டி, பிரகாசமான ஆடைகளுடன், சீக்வின்கள், தங்கப் பின்னல் மற்றும் கண்ணாடிகளால் எம்ப்ராய்டரி செய்யப்பட்டன. ஒரு விதியாக, பொம்மையின் நிறம் பாத்திரத்தின் படத்தை தீர்மானிக்கிறது. உன்னத உருவங்கள் இலகுவாக வரையப்பட்டுள்ளன, ஈர்க்கக்கூடிய மீசைகள் மற்றும் வண்ணமயமான ஆடைகளை அணிந்துள்ளன. எதிர்மறை எழுத்துக்கள்பொதுவாக இருண்ட நிறம். பெண் பொம்மைகள் எப்போதும் வண்ணமயமான மற்றும் பிரகாசமான ஆடைகளில் இருக்கும்.
பொம்மைகளுடன் இணைக்கப்பட்ட கம்பியை இழுப்பதன் மூலம், பொம்மலாட்டக்காரர் திறமையாக அவர்களை ஒரு தற்காலிக மேடையில் நடனமாடுகிறார். குதிரைகள் மற்றும் ஒட்டகங்களில் சவாரி செய்பவர்கள், பாம்பு மந்திரிப்பவர்கள், வாள் ஏந்திய வீரர்கள், நடனமாடும் பெண்கள் மற்றும் பல பார்வையாளர்களை கவர்ந்திழுக்கிறார்கள்.

மாற்றும் பொம்மைகளும் மிகவும் பிரபலமாக உள்ளன, நடிப்பின் போது நடனமாடும் பெண் திடீரென்று தாடி வைத்த ஆணாக மாறுகிறார். ஒவ்வொரு பொம்மலாட்ட நிகழ்ச்சியும் நகைச்சுவையுடன் கூடியது மற்றும் இசைக்கருவியுடன் நடைபெறுகிறது. நிகழ்ச்சிகளின் அடுக்குகள் கத்புத்லிபொதுவாக அவை இலவச கருப்பொருளில் இருக்கும், சில சமயங்களில் உள்ளூர் விசித்திரக் கதைகள் மற்றும் புனைவுகளிலிருந்து எடுக்கப்பட்டவை. ஆனால் முக்கிய தொகுப்பில் முகலாய அரசவையில் பணியாற்றிய ஒரு ராஜபுத்திர இளவரசர் வீரம் மிக்க அமர் சிங் ரத்தோர் (1613-1644) பற்றிய பாலாட்கள் உள்ளன, அவருடைய புகழ்பெற்ற வீரம் மற்றும் போர்த்திறன் ஆகியவை பேரரசரின் தனிப்பட்ட அங்கீகாரத்தைப் பெற்றன. நீண்ட போர்க்காட்சிகள் கொண்ட இந்த நிகழ்ச்சிகள் இளம் பார்வையாளர்களுக்கு மட்டுமின்றி, வயது வந்த தலைமுறையினருக்கும் மிகவும் உத்வேகம் அளிக்கும்.

மாற்றும் பொம்மைகள்

புதுல் ஆரம்பம்மேற்கு வங்கத்தில் இருந்து திரிபுரா மற்றும் அஸ்ஸாம் வரை பரவியிருக்கும் மற்றொரு வகை பொம்மை நாடகமாகும். பொம்மைகள் புத்துல் ஆரம்பம்மிகவும் பெரியது, சுமார் 1.5 மீ உயரம். அவை மரத்தில் செதுக்கப்பட்டு ஆடை அணிவிக்கப்படுகின்றன அழகான ஆடைகள். கலைஞர்கள் குழுவில் பாடல்களைப் பாடும் மற்றும் கவிதை வாசிக்கும் பொம்மலாட்டக்காரர்கள் மற்றும் ஹார்மோனியம், டிரம்ஸ் மற்றும் உலோக சங்குகளை வாசிக்கும் இசைக்கலைஞர்கள் உள்ளனர். நிகழ்ச்சிகள் பெரும்பாலும் கிராமப்புற கண்காட்சிகளில் நடைபெறுகின்றன. அவர்கள் கிருஷ்ணரைப் பற்றிய கதைகளை நடிக்கிறார்கள் அல்லது பொம்மைகள் வெறுமனே நடனமாடும் ஒரு இலவச கருப்பொருளை மேம்படுத்துகிறார்கள்.

பாவகதகளிகேரளாவில் பிரபலமான நடன நாடக பொம்மை நிகழ்ச்சி. கதகளி. 30-50 சென்டிமீட்டர் அளவுள்ள கையுறை பொம்மைகளைப் பயன்படுத்தி நிகழ்த்தப்படும் நிகழ்ச்சிகள், மகாபாரதத்தின் பல்வேறு கதைகள், இரவில் எண்ணெய் விளக்கின் வெளிச்சத்தில் நடக்கும் நிகழ்ச்சிகள். செயல்திறனின் காலம் ஒரு மணிநேரம் முதல் இரண்டு மணி நேரம் வரை மாறுபடும், சில சமயங்களில் நீண்டது. நாட்டிய நாடகத்தில் கதகளிசைகைகள் மற்றும் முகபாவனைகளைப் பயன்படுத்தி கதை சொல்லப்படுகிறது. ஆனால் இந்த மொழி மர பொம்மைகள் மற்றும் அதனால் அணுக முடியாது முக்கிய பங்குசெயல்திறன் வார்த்தைக்கு வழங்கப்படுகிறது, அதன் உதவியுடன் பாடகர்கள் நிகழ்ச்சியின் உள்ளடக்கத்தை தெரிவிக்கிறார்கள். கடந்த காலங்களில், நிகழ்ச்சிகள் இயற்கையில் பிரத்தியேகமாக மதமாக இருந்தன மற்றும் வறட்சி மற்றும் தொற்றுநோய்களின் காலங்களில் கடவுளுக்கு பிரசாதமாக நடத்தப்பட்டன. மேலும் பாவகதகளிசிவராத்திரி விழாவில் விளையாடியது. இருபதாம் நூற்றாண்டின் 80 களில், பாரம்பரியம் பாவகதகளிகிட்டத்தட்ட மறைந்துவிட்டது. ஆனால் இந்திய கலாச்சார அமைச்சகத்தின் முயற்சியால், இந்த பாரம்பரிய பொம்மை அரங்கம் புத்துயிர் பெற்று சர்வதேச அளவில் கொண்டு வரப்பட்டது. இன்றைய நிகழ்ச்சிகள் பாவகதகளிமீதும் காணலாம் சர்வதேச திருவிழாக்கள்கலைகள்

நிழல் தியேட்டர்

நிழல் நாடகம் தென்கிழக்கு ஆசியாவில் மூவாயிரம் ஆண்டுகளுக்கு முன்பு தோன்றி படிப்படியாக இந்துஸ்தானுக்குள் ஊடுருவியதாக நம்பப்படுகிறது. நிழல் தியேட்டர் ஆந்திரா, கர்நாடகா, கேரளா மற்றும் ஒரிசாவில் மிகவும் பிரபலமானது. பாரம்பரியமாக, ஒரிசா மற்றும் கேரளாவின் நிழல் பொம்மைகள் கருப்பு மற்றும் வெள்ளை. மேலும் கர்நாடகா மற்றும் ஆந்திராவில் அவை வண்ணமயமாக உள்ளன.
தோலு பொம்மலடாஆந்திரப் பிரதேசத்தில் ஒரு பாரம்பரிய கலை நிகழ்ச்சியாகும். வினைச்சொல் தோலாஅதாவது "தோல்" மற்றும் பொம்மலது- "பொம்மை நடனம்". நிரந்தர குடியிருப்பு இல்லாமல், அலையும் பொம்மலாட்டக்காரர்கள் தோலா பொம்மலதாமாநிலம் முழுவதும் அலைந்து திரிந்து, நிகழ்ச்சிகள் நடத்துகிறார்கள், அக்ரோபாட்டிக் செயல்களைச் செய்கிறார்கள், மேலும் அதிர்ஷ்டம் சொல்லுகிறார்கள், நகைகளை விற்கிறார்கள் மற்றும் பாத்திரங்களைப் பழுது பார்க்கிறார்கள். உள்ளூர்வாசிகள் அவர்களை அழைக்கிறார்கள் கோம்பரம்கள்.
பாரம்பரிய பாரம்பரியமான தோலு பொம்மலாடா பொம்மைகள் காய்கறி சாயங்களால் சாயமிடப்பட்ட தோலில் இருந்து தயாரிக்கப்படுகின்றன. இந்த நாட்களில் அவை எக்ஸ்-கதிர்களுக்காக படத்திலிருந்து கூட வெட்டப்படுகின்றன. முடிக்கப்பட்ட புள்ளிவிவரங்களின் அளவு உயரம் கிட்டத்தட்ட ஒரு மீட்டர் அடையும். பொம்மைகளின் கைகளும் கால்களும் அசையும். பொம்மைகள் அவற்றுடன் இணைக்கப்பட்ட குச்சிகளைப் பயன்படுத்தி கட்டுப்படுத்தப்படுகின்றன. ஒரு எளிய வெள்ளைத் திரை ராமாயணம், மகாபாரதம் மற்றும் உள்ளூர் புராணங்களில் இருந்து கதைகளைச் சொல்லும் ஒரு நடிப்பின் மையமாகிறது.

தோலு பொம்மலடா

டோகாலு gombiyata/Togalu bombyata- கர்நாடகாவில் நிழல் நாடக நிகழ்ச்சி. முன்பு, இது மழைக்காக அல்லது நோய்களிலிருந்து பாதுகாக்கும் பிரார்த்தனையுடன் கடவுளுக்கு அர்ப்பணிக்கும் ஒரு மத சடங்கு. இன்று டோகாலு கோம்பியதாவெறும் பொழுதுபோக்கு சாதனம். முக்கிய கதைகள் ராமாயணம் மற்றும் மகாபாரதத்தின் கதைகள். பாரம்பரியமாக, நிகழ்ச்சிகள் மாலையில் தொடங்கி காலை வரை நீடிக்கும். தயாரிப்புகளுக்கான பொம்மைகள் ஆட்டின் தோலால் செய்யப்பட்டவை மற்றும் பிரகாசமான வண்ணங்களில் வர்ணம் பூசப்படுகின்றன. இந்த நிழல் தியேட்டரை கர்நாடகாவின் பல கிராமங்களில் காணலாம், ஆனால் இன்னும், பாரம்பரியமான அனைத்தையும் போலவே, தொலைக்காட்சி, இணையம் போன்ற நவீன போக்குகளுக்கு வழிவகுத்து, அதன் முக்கியத்துவத்தை இழந்து வருகிறது.

தொல்பவகுத்துவடிவம் ஆகும் நிழல் தியேட்டர்கேரள மாநிலத்தில். இந்த கலை 9 ஆம் நூற்றாண்டில் தோன்றியதாக நம்பப்படுகிறது. தொல்பவகுத்து- பத்ரகாளிக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்ட முற்றிலும் மத சடங்கு, இது தேவியின் (துர்கா) பல கோவில்களில் செய்யப்படுகிறது. இந்த நாடகம் கம்ப ராமாயணத்தின் முழுமையான வடிவம், ராமாயணத்தின் தமிழ் பதிப்பு. தமிழ், சமஸ்கிருதம் மற்றும் மலையாளம் ஆகிய இரு மொழிகளிலும் உற்பத்தி செய்யப்படுகிறது மற்றும் 21 நாட்கள் 9 மணி நேரம் நீடிக்கும். ஆனால் நீண்ட பதிப்புகள் உள்ளன, 70 நாட்கள் வரை நீடிக்கும், இது இந்த தயாரிப்புகள் நடைபெறும் கோவிலின் மரபுகளைப் பொறுத்தது. பாரம்பரியத்தின் படி, நிகழ்ச்சி மாலையில் தொடங்கி விடியற்காலையில் முடிவடைகிறது. இந்த நாடக சடங்கு 180 முதல் 200 பொம்மைகளை உள்ளடக்கியது, சுமார் 40 கலைஞர்கள் இருக்க வேண்டும். அசையும் கைகள் மற்றும் கால்கள் கொண்ட பொம்மைகள் பொதுவாக ஒரு மீட்டருக்கு மேல் உயரத்தில் இருக்கும். அவை ஆட்டின் தோலில் இருந்து தயாரிக்கப்படுகின்றன. தொல்பவகுத்து, பலரைப் போல பாரம்பரிய வகைகள்கலை அழியும் அபாயத்தில் உள்ளது. சமீப காலம் வரை, சமூகத்தில் ஒரு சில குடும்பங்கள் மட்டுமே புலவர்இந்த பாரம்பரியத்தை தொடர்ந்தார். அரசாங்கத்தின் ஆதரவுக்கு நன்றி, நவீன கருப்பொருள்களை திறனாய்வில் அறிமுகப்படுத்தியது மற்றும் செயல்திறன் நேரத்தைக் குறைத்தது, இந்த நிலைமை சற்று மேம்பட்டது. இன்று, கோவில்களில் மட்டுமல்ல, கல்லூரிகளிலும், கேரளா சர்வதேச திரைப்பட விழாவிலும் நிகழ்ச்சிகள் நடத்தப்படுகின்றன.

தொல்பவகுத்து

இராவணன் சாயா
ஒரிசா ஷேடோ தியேட்டர் என்று அழைக்கப்படுகிறது ராவண சாயா, அதாவது "ராவணனின் நிழல்". இந்தியாவில் பாதுகாக்கப்பட்ட அனைத்து நிழல் திரையரங்குகளிலும் இது மிகவும் பழமையானது. இராவணன் சாயாகிராமப்புறங்களில் பரவலாக இருந்தது, அதன் குடியிருப்பாளர்கள் அதை தடுக்கக்கூடிய ஒரு சடங்காக கருதினர் இயற்கை பேரழிவுகள்மற்றும் நோய். நாடகத்தின் கதைக்களம் குறுகிய பதிப்புஇடைக்கால ஒரிசா கவிஞர் விஸ்வநாத் குந்தியாவின் வார்த்தைகளுக்கு புகழ்பெற்ற காவியமான "ராமாயணம்". சிறிய பொம்மைகள் மான் தோலால் செய்யப்பட்டவை மற்றும் மூங்கில் குச்சிகளில் இணைக்கப்பட்டுள்ளன. பொம்மைகள் ஒரே வண்ணமுடையவை, அவற்றின் மூட்டுகள் அசைவற்றவை. செயல்திறனில் சுமார் 700 புள்ளிவிவரங்கள் பயன்படுத்தப்படுகின்றன. பெரும்பாலும் தயாரிப்புகளில், காவியங்களில் விவரிக்கப்பட்ட நிகழ்வுகள் நம் காலத்துடன் வெட்டுகின்றன. 7 நாட்கள் நடைபெறும் இந்த நிகழ்ச்சி இரவில் தாளமாக காட்டப்படுகிறது நாட்டுப்புற இசை, வசனகர்த்தாவின் பாராயணம் மற்றும் இரண்டு பாடகர்களால் பாடுதல். IN சமீபத்தில் இராவணன் சாயாவிரைவில் அதன் பிரபலத்தை இழக்கத் தொடங்கியது. இதன் காரணமாக, தேசிய மையம்இந்திரா காந்தியின் பெயரிடப்பட்ட கலைகள், இந்த வகை கலையை பராமரிக்கவும் புதுப்பிக்கவும் கணிசமான முயற்சிகள் மேற்கொள்ளப்பட்டுள்ளன.

நவீன தியேட்டர்

ஆங்கிலேயர் ஆட்சிக் காலத்தில், இந்திய நாடகத்துறையில் ஒரு புதிய திசை வடிவம் பெறத் தொடங்கியது. காலனிய ஆட்சிக்கு எதிரான போராட்டத்தில் நாடக மேடை ஒரு ஆயுதமாக மாறியது. இது சம்பந்தமாக, நாட்டில் உள்ள அனைத்து நாடக நடவடிக்கைகளையும் ஆங்கிலேயர்கள் தங்கள் கட்டுப்பாட்டில் வைத்தனர். காலனித்துவ அரசியலின் கையகப்படுத்துதலை அம்பலப்படுத்தும் அனைத்து அவதூறான மேம்பாடுகளும் தடைசெய்யப்பட்டுள்ளன. ஆனால் பிரிட்டிஷ் பிரசன்னத்தின் இருநூறு ஆண்டுகளில் சிறிய கலாச்சார பரிமாற்றம் இல்லை. கிழக்கின் இணைப்பு மற்றும் மேற்கத்திய கலாச்சாரங்கள்பெற்றெடுத்தது நவீன வடிவம்இந்திய நாடகம். காலப்போக்கில், கடவுள்கள், முனிவர்கள் மற்றும் புகழ்பெற்ற ஹீரோக்கள் பற்றிய கதைகள் பின்னணியில் மங்கி, இது பற்றிய கதைகளுக்கு வழிவகுத்தது. சாதாரண மக்கள்அவர்களின் அழுத்தமான பிரச்சனைகளுடன்.
மேற்கத்திய பாணி நாடகங்கள் உருவாகத் தொடங்கிய முதல் மெகாசிட்டிகளாக கல்கத்தா மற்றும் மெட்ராஸ் ஆகியன.
இருபதாம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில். இந்திய நாடகத்துறை வளர்ச்சியின் புதிய கட்டத்திற்குள் நுழைந்து கொண்டிருக்கிறது. 1922 இல், இந்திய கம்யூனிஸ்ட் கட்சி உருவாக்கப்பட்டது, அது 1942 இல் அதன் கலாச்சார பிரிவை உருவாக்கியது, அல்லது இந்திய நாட்டுப்புற நாடக சங்கம் (IPTA/இந்திய மக்கள் நாடக சங்கம்). இந்த அமைப்பின் செயல்பாடுகள் நாட்டில் நாடக கலாச்சாரத்தின் வளர்ச்சியில் குறிப்பிடத்தக்க தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது. IPTA இன் செயல்பாடுகள் முக்கியமாக மேற்கு ஐரோப்பிய, அமெரிக்க மாதிரியான சமூக வளர்ச்சியை விரும்பும் மக்களிடமிருந்து பெரும் ஆதரவைப் பெறுகின்றன.
சங்கீத நாடக அகாடமி (இந்திய மாநில இசை, நடனம் மற்றும் நாடக அகாடமி) திறக்கப்பட்ட பிறகு, 1953 இல் நவீன இந்திய நாடகம் ஒரு புதிய காலடியைப் பெற்றது.
இன்று, கணிசமான எண்ணிக்கையிலான தொழில்முறை நாடகப் பள்ளிகளை பெருமைப்படுத்தக்கூடிய சில நாடுகளில் இந்தியாவும் ஒன்றாகும், அவற்றில் மிகப்பெரியது டெல்லி, கொல்கத்தா மற்றும் மும்பை போன்ற முக்கிய நகரங்களில் அமைந்துள்ளது.