18 ஆம் நூற்றாண்டின் நுண்கலை. 18 ஆம் நூற்றாண்டின் ரஷ்ய நுண்கலை. 18 ஆம் நூற்றாண்டின் ரஷ்ய நுண்கலை மற்றும் கட்டிடக்கலை

18 ஆம் நூற்றாண்டின் ரஷ்ய நுண்கலை

18 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியின் ரஷ்ய கலை

பதினெட்டாம் நூற்றாண்டு ரஷ்யாவின் வரலாற்றில் ஒரு திருப்புமுனையாக மாறியது. இந்த காலகட்டத்தின் ஆன்மீகத் தேவைகளுக்கு சேவை செய்த கலாச்சாரம் ஒரு மதச்சார்பற்ற தன்மையை விரைவாகப் பெறத் தொடங்கியது, இது அறிவியலுடன் கலையின் இணக்கத்தால் பெரிதும் எளிதாக்கப்பட்டது. எனவே, அந்த நாட்களின் புவியியல் "நில வரைபடத்திற்கும்" வளர்ந்து வரும் இனங்கள் வேலைப்பாடுகளுக்கும் இடையே ஒரு கலை வேறுபாட்டைக் கண்டறிவது இன்று மிகவும் கடினம் (A.F. Zubov இன் படைப்புகளைத் தவிர). நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில் உள்ள பெரும்பாலான வேலைப்பாடுகள் தொழில்நுட்ப வரைபடங்களைப் போலவே இருக்கின்றன. கலைக்கும் அறிவியலுக்கும் இடையிலான இணக்கம் கலைஞர்களின் அறிவில் ஆர்வத்தைத் தூண்டியது, எனவே சர்ச் சித்தாந்தத்தின் கட்டுகளிலிருந்து தங்களை விடுவித்துக் கொள்ள உதவியது.

ஓவியத்தில், புதிய, யதார்த்தமான கலையின் வகைகள் கோடிட்டுக் காட்டப்பட்டு வரையறுக்கப்பட்டன. அவற்றில் உருவப்பட வகை முதன்மையான முக்கியத்துவத்தைப் பெற்றது. மதக் கலையில், மனிதனைப் பற்றிய எண்ணம் சிறுமைப்படுத்தப்பட்டது, கடவுள் பற்றிய எண்ணம் உயர்ந்தது, எனவே மதச்சார்பற்ற கலை மனிதனின் உருவத்துடன் தொடங்க வேண்டும்.

ஐ.எம். நிகிடின் படைப்பாற்றல்.ரஷ்யாவில் தேசிய உருவப்பட வகையை நிறுவியவர் இவான் மக்ஸிமோவிச் நிகிடின் (பி. சுமார் 1690 - டி. 1741). இந்த கலைஞரின் வாழ்க்கை வரலாற்றைப் பற்றி எங்களுக்கு கொஞ்சம் தெரியும், ஆனால் மிகக் குறைவான தகவல்கள் கூட இது அசாதாரணமானது என்பதைக் காட்டுகிறது. ஒரு பாதிரியாரின் மகன், அவர் ஆரம்பத்தில் ஆணாதிக்க பாடகர் குழுவில் பாடினார், ஆனால் பின்னர் அவர் ஆன்டிலெரி பள்ளியில் (எதிர்கால பீரங்கி அகாடமி) கணிதம் கற்பிப்பதைக் கண்டார். பீட்டர் I நுண்கலை மீதான அவரது ஆரம்ப ஆர்வத்தை அறிந்தார், மேலும் நிகிடின் இத்தாலிக்கு உதவித்தொகை மாணவராக அனுப்பப்பட்டார், அங்கு வெனிஸ் மற்றும் புளோரன்ஸ் கல்விக்கூடங்களில் படிக்க அவருக்கு வாய்ப்பு கிடைத்தது. வெளிநாட்டிலிருந்து திரும்பி வந்து ரஷ்ய யதார்த்த பள்ளிக்கு தலைமை தாங்கிய ஓவியர் தனது வாழ்நாள் முழுவதும் பீட்டர் தி கிரேட் காலத்தின் கொள்கைகளுக்கு உண்மையாக இருந்தார். அண்ணா அயோனோவ்னாவின் ஆட்சியின் போது, ​​அவர் எதிர்க்கட்சி வட்டங்களில் சேர்ந்தார் மற்றும் சைபீரிய நாடுகடத்தலுடன் பணம் செலுத்தினார், அதிலிருந்து திரும்பினார் (எலிசபெத் பெட்ரோவ்னாவின் அணுகலின் போது) அவர் சாலையில் இறந்தார். எஜமானரின் முதிர்ந்த படைப்பாற்றலின் காலம் பீட்டர் I இன் முழு அளவிலான உருவப்படங்களை மட்டுமல்லாமல், "ஹெட்மேனின் போர்ட்ரெய்ட் ஆஃப் தி ஃப்ளோர்" (1720 கள்) போன்ற ஒரு சிறந்த படைப்பையும் போதுமான அளவில் பிரதிநிதித்துவப்படுத்த முடியும்.

என் சொந்த வழியில் தொழில்நுட்ப செயல்திறன்நிகிடினின் படைப்பு ஐரோப்பிய மட்டத்தில் உள்ளது ஓவியம் XVIIIநூற்றாண்டு. இது கண்டிப்பாக கலவையில் உள்ளது, வடிவம் மென்மையாக வடிவமைக்கப்பட்டுள்ளது, நிறம் முழு உடலுடன் உள்ளது, மற்றும் சூடான பின்னணி உண்மையான ஆழத்தின் உணர்வை உருவாக்குகிறது.

"தி ஃப்ளோர் ஹெட்மேன்" இன்றைய பார்வையாளர்களால் ஒரு தைரியமான மனிதனின் உருவமாக கருதப்படுகிறது - கலைஞரின் சமகாலத்தவர், அவர் தனது பிறப்பால் அல்ல, ஆனால் அவரது அயராத உழைப்பு மற்றும் திறன்களுக்கு நன்றி.

நிகிடினின் தகுதிகளைக் குறிப்பிட்டு, இருப்பினும், அது கவனிக்கப்பட வேண்டும் உள் பண்புசித்தரிக்கப்பட்ட நபரின் பாத்திரம், அவர்கள் சொல்வது போல், "முகத்தில் எழுதப்பட்டதாக" கூர்மையாகவும் உறுதியாகவும் இருந்தால் மட்டுமே ஓவியரால் சித்தரிக்கப்படும் நபர் அடையப்படுவார். நிகிடினின் பணி, கொள்கையளவில், உருவப்பட வகையின் ஆரம்ப சிக்கல் தீர்க்கப்பட்டது - மக்களின் தனிப்பட்ட தோற்றத்தின் தனித்துவத்தைக் காட்டுகிறது.

மற்ற ரஷ்ய உருவப்பட ஓவியர்களில், முதல் XVIII இன் பாதிநூற்றாண்டு, ஹாலந்தில் ஓவியம் பயின்ற A. M. Matveev (1701 - 1739) என்றும் பெயரிடலாம், அவருடைய சிறந்த படைப்புகள் கோலிட்சின் தம்பதியினரின் (1727 - 1728) உருவப்படங்களாகவும், அவர் தனது இளம் வயதினருடன் தன்னை சித்தரித்த சுய உருவப்படமாகவும் கருதப்படுகிறது. மனைவி (1729).

நிகிடின் மற்றும் மத்வீவ் இருவரும் பீட்டர் தி கிரேட் காலத்தில் ரஷ்ய உருவப்படத்தின் வளர்ச்சியில் யதார்த்தமான போக்கை மிகத் தெளிவாக வெளிப்படுத்தினர்.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் ரஷ்ய கலை. ஏ.பி.யின் படைப்பாற்றல்அன்ட்ரோபோவா நிகிடின் வகுத்த மரபுகள் பீட்டரின் உடனடி வாரிசுகளின் ஆட்சியின் கலையில் நேரடி வளர்ச்சியைப் பெறவில்லை, இதில் பிரோனோவிசம் என்று அழைக்கப்படுவது உட்பட.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் உருவப்பட ஓவியர்களின் படைப்புகள், சகாப்தம் அவர்களுக்கு முன்னோடியான நிகிடின் கிடைத்த வளமான பொருட்களை அவர்களுக்கு வழங்கவில்லை என்பதைக் குறிக்கிறது. எவ்வாறாயினும், சித்தரிக்கப்பட்டவர்களின் தோற்றத்தின் அனைத்து அம்சங்களையும் விழிப்புடன் மற்றும் மனசாட்சியுடன் பதிவு செய்வது தனிப்பட்ட உருவப்படங்கள் உண்மையிலேயே குற்றஞ்சாட்டும் சக்தியைப் பெறுவதற்கு வழிவகுத்தது. இது குறிப்பாக அலெக்ஸி பெட்ரோவிச் ஆன்ட்ரோபோவ் (1716 - 1795) பணிக்கு பொருந்தும்.

ஒரு கைவினைஞரின் குடும்பத்திலிருந்து வந்த, ஏ.எம். மத்வீவின் மாணவர், அவர் இறுதியாக கட்டிடங்களின் அலுவலகத்தின் "ஓவியக் குழுவில்" உருவாக்கப்பட்டது, இது பல நீதிமன்ற கட்டிடங்களில் தொழில்நுட்ப மற்றும் கலைப் பணிகளுக்குப் பொறுப்பாக இருந்தது. அவரது படைப்புகள் 18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில், நூற்றாண்டின் முதல் காலாண்டில் நிகிடினின் படைப்புகளைப் போலவே காலத்தின் ஆவணமாக இருந்தது. அவர் ஏ.எம். இஸ்மாயிலோவா (1754), பீட்டர் III (1762) மற்றும் பிற கேன்வாஸ்களின் உருவப்படங்களை வரைந்தார், இதில் ஆசிரியரின் படைப்பு பாணியின் அசல் தன்மை மற்றும் நாட்டுப்புற பயன்பாட்டு கலையின் மரபுகள் அலங்காரத்தில் வெளிப்பட்டன; தூய (உள்ளூர்) நிறத்தின் பிரகாசமான புள்ளிகளின் சேர்க்கைகள், ஒன்றாக இணைக்கப்பட்டுள்ளன.

ஆன்ட்ரோபோவின் செயல்பாடு, நடுப்பகுதியைத் தவிர, 18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதி முழுவதையும் உள்ளடக்கியது. ஆயினும்கூட, 18 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியின் கலை வரலாற்றை அவரது படைப்புகளின் பகுப்பாய்வோடு முடிப்பது நல்லது, ஏனெனில் ரஷ்ய கலை கலாச்சாரத்தின் மேலும் வளர்ச்சியில் பிற பணிகள் வெளிப்பட்டன, அதைத் தீர்ப்பதில் ஒரு நபரின் உருவம். அவரது தனிப்பட்ட தோற்றத்தின் தனித்தன்மையில் ஒரு தொடக்கப் புள்ளியைத் தவிர வேறொன்றுமில்லை.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியின் ரஷ்ய கலை

18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில், ரஷ்யா, இடைக்கால கலை கலாச்சாரத்தின் வழக்கற்றுப் போன வடிவங்களிலிருந்து முற்றிலும் விலகி, பொதுவானதாக நுழைந்தது. ஐரோப்பிய நாடுகள்ஆன்மீக வளர்ச்சியின் பாதை. ஐரோப்பாவிற்கான அவரது பொதுவான திசை 1789 இன் வரவிருக்கும் பெரிய பிரெஞ்சு புரட்சியால் தீர்மானிக்கப்பட்டது. உண்மை, வளர்ந்து வரும் ரஷ்ய முதலாளித்துவம் இன்னும் பலவீனமாக இருந்தது. நிலப்பிரபுத்துவ அடித்தளங்களின் மீதான தாக்குதலின் வரலாற்று நோக்கம் ரஷ்யாவிற்கு மேம்பட்ட உன்னத புத்திஜீவிகளின் செயல்பாடுகளுடன் இணைக்கப்பட்டுள்ளது, அதன் பிரதிநிதிகள் அறிவொளி பெற வேண்டும்! XVIII நூற்றாண்டு படிப்படியாக அடுத்த நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் டிசம்பிரிசத்திற்கு வருகிறது.

அறிவொளி, சகாப்தத்தின் மிகப்பெரிய பொது கலாச்சார நிகழ்வு, சட்ட சித்தாந்தத்தின் மேலாதிக்க நிலையின் நிலைமைகளில் உருவாக்கப்பட்டது. உயரும் வர்க்கத்தின் கோட்பாட்டாளர்கள் - முதலாளித்துவம் - அதன் மேலாதிக்கத்தை நியாயப்படுத்தவும், சட்ட நனவின் பார்வையில் நிலப்பிரபுத்துவ நிறுவனங்களை அகற்ற வேண்டிய அவசியத்தை நியாயப்படுத்தவும் முயன்றனர். "இயற்கை சட்டம்" கோட்பாட்டின் வளர்ச்சி மற்றும் அறிவொளியாளர் சார்லஸ் மான்டெஸ்கியூவின் புகழ்பெற்ற படைப்பான "தி ஸ்பிரிட் ஆஃப் லாஸ்" 1748 இல் வெளியிடப்பட்டதை ஒருவர் உதாரணமாகக் குறிப்பிடலாம். இதையொட்டி, பிரபுக்கள், பழிவாங்கும் நடவடிக்கைகளை எடுத்து, சட்டமன்ற விதிமுறைகளுக்கு திரும்பினார்கள், ஏனெனில் வரவிருக்கும் அச்சுறுத்தலுக்கு மற்ற வகையான எதிர்ப்புகள் தங்கள் கைகளை விட்டு வெளியேறின.

ஐம்பதுகளில், முதல் பொது தியேட்டர் ரஷ்யாவில் தோன்றியது, எஃப்.ஜி. வோல்கோவ் நிறுவினார். உண்மை, திரையரங்குகளின் எண்ணிக்கை பெரியதாக இல்லை, ஆனால் அமெச்சூர் கட்டத்தின் வளர்ச்சியை கணக்கில் எடுத்துக்கொள்ள வேண்டும் (மாஸ்கோ பல்கலைக்கழகத்தில், ஸ்மோல்னி இன்ஸ்டிடியூட் ஆஃப் நோபல் மெய்டன்ஸ், ஜென்ட்ரி கார்ப்ஸ் போன்றவை). ஹோம் தியேட்டர்கட்டிடக் கலைஞரும் மொழிபெயர்ப்பாளருமான N. A. Lvov தலைநகரின் வாழ்க்கையில் குறிப்பிடத்தக்க பங்கைக் கொண்டிருந்தார். 18 ஆம் நூற்றாண்டின் ரஷ்ய இலக்கியத்தில் நாடகம் ஆக்கிரமித்துள்ள இடம், கேத்தரின் II கூட, மனதின் மீது அரசாங்கத்தின் பாதுகாப்பைத் தேடி, வியத்தகு எழுத்தின் வடிவத்தைப் பயன்படுத்தினார் என்பதற்கு சான்றாகும் (அவர் "ஓ, நேரம்!" நகைச்சுவைகளை எழுதினார். , “திருமதி வொர்சல்கினாவின் பெயர் நாள்,” “ஏமாற்றுபவர்” மற்றும் பிறர்).

உருவப்பட வகையின் வளர்ச்சி. 18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் ரஷ்ய நுண்கலையின் உடனடி வரலாற்றை நோக்கி நகரும், நாம் முதலில் நெருக்கமான உருவப்படம் என்று அழைக்கப்படுபவரின் பிறப்பில் வாழ வேண்டும். பிந்தையவற்றின் அம்சங்களைப் புரிந்து கொள்ள, நூற்றாண்டின் முதல் பாதியின் பெரிய எஜமானர்கள் உட்பட அனைவரும் சடங்கு உருவப்படங்களுடன் பணிபுரிந்தனர் என்பதைக் கவனத்தில் கொள்ள வேண்டும். கலைஞர்கள் முதன்மையாக உன்னத வர்க்கத்தின் தகுதியான பிரதிநிதியைக் காட்ட முற்பட்டனர். எனவே, சித்தரிக்கப்பட்ட நபர் சடங்கு ஆடைகளில், மாநிலத்திற்கான சேவைகளுக்கான முத்திரையுடன், பெரும்பாலும் ஒரு நாடக போஸில் சித்தரிக்கப்படுபவரின் உயர்ந்த சமூக நிலையை வெளிப்படுத்துகிறார்.

சடங்கு உருவப்படம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் சகாப்தத்தின் பொதுவான வளிமண்டலத்தாலும், பின்னர் வாடிக்கையாளர்களின் நிறுவப்பட்ட சுவைகளாலும் கட்டளையிடப்பட்டது. இருப்பினும், இது மிக விரைவாக, கண்டிப்பாகச் சொன்னால், அதிகாரப்பூர்வமாக மாறியது. அந்தக் காலத்தின் கலைக் கோட்பாட்டாளர் ஏ.எம். இவானோவ் கூறினார்: "உருவப்படங்கள் தங்களைப் பற்றி பேசுவது போல் தோன்ற வேண்டும்: "என்னைப் பார், நான் இந்த வெல்ல முடியாத ராஜா, கம்பீரத்தால் சூழப்பட்டேன்."

சடங்கு உருவப்படத்திற்கு மாறாக, ஒரு நெருக்கமான உருவப்படம் ஒரு நபரை நெருங்கிய நண்பரின் கண்களுக்குத் தோன்றுவதைப் பிடிக்க முயன்றது. மேலும், கலைஞரின் பணி, சித்தரிக்கப்பட்ட நபரின் சரியான தோற்றத்துடன், அவரது குணாதிசயங்களை வெளிப்படுத்துவது மற்றும் அவரது ஆளுமையை மதிப்பீடு செய்வது.

ரஷ்ய உருவப்படத்தின் வரலாற்றில் ஒரு புதிய காலகட்டத்தின் தொடக்கமானது ஃபியோடர் ஸ்டெபனோவிச் ரோகோடோவ் (பி. 1736 - டி. 1808 அல்லது 1809) ஓவியங்களால் குறிக்கப்பட்டது.

எஃப்.எஸ். ரோகோடோவின் படைப்பாற்றல்.வாழ்க்கை வரலாற்றுத் தகவல்களின் பற்றாக்குறை அவர் யாருடன் படித்தார் என்பதை நம்பத்தகுந்த முறையில் நிறுவ அனுமதிக்காது. ஓவியரின் தோற்றம் பற்றி கூட நீண்ட சர்ச்சைகள் இருந்தன. கலைஞரின் ஆரம்பகால அங்கீகாரம் அவரது உண்மையான திறமையால் உறுதி செய்யப்பட்டது, இது V. I. மேகோவ் (1765), இளஞ்சிவப்பு நிறத்தில் அறியப்படாத பெண் (1770 கள்), காக் தொப்பியில் ஒரு இளைஞன் (1770 கள்), V. E. நோவோசில்ட்சேவா (1780) ஆகியோரின் உருவப்படங்களில் வெளிப்பட்டது. பி.என். லான்ஸ்காய் (1780கள்).

நெருக்கமான உருவப்படத்தின் மேலும் வளர்ச்சி டிமிட்ரி கிரிகோரிவிச் லெவிட்ஸ்கி (1735 - 1822) என்ற பெயருடன் தொடர்புடையது.

டி.ஜி. லெவிட்ஸ்கியின் படைப்பாற்றல்.கியேவ் பெச்செர்ஸ்க் லாவ்ராவில் செதுக்குபவர் தனது தந்தையின் வழிகாட்டுதலின் கீழ் தனது ஆரம்ப கலைக் கல்வியைப் பெற்றார். A.P. Antropov ஆல் மேற்கொள்ளப்பட்ட கெய்வ் செயின்ட் ஆண்ட்ரூஸ் கதீட்ரலின் ஓவியத்தில் பங்கேற்பது, இந்த மாஸ்டருடன் தொடர்ந்து நான்கு வருட பயிற்சிக்கு வழிவகுத்தது மற்றும் உருவப்பட வகையின் மீதான ஆர்வத்திற்கு வழிவகுத்தது. லெவிட்ஸ்கியின் ஆரம்பகால ஓவியங்களில் பாரம்பரிய சடங்கு உருவப்படத்துடன் தெளிவான தொடர்பு உள்ளது. 1773 - 1776 இல் செயல்படுத்தப்பட்ட ஏழு பெரிய வடிவ படைப்புகளைக் கொண்ட ஸ்மோல்னி இன்ஸ்டிடியூட் ஆஃப் நோபல் மெய்டன்ஸின் மாணவர்களின் உருவப்படத் தொடரால் அவரது பணியில் ஒரு திருப்புமுனை குறிக்கப்பட்டது. ஆர்டர், நிச்சயமாக, சடங்கு உருவப்படங்களைக் குறிக்கிறது. போர்டிங் ஹவுஸில் அரங்கேற்றப்பட்ட அமெச்சூர் நிகழ்ச்சிகளின் இயற்கைக்காட்சியின் பின்னணியில் நாடக உடைகளில் பெண்களை முழு உயரத்தில் சித்தரிக்க திட்டமிடப்பட்டது.

1773 - 1773 குளிர்காலத்தில், மாணவர்கள் கலை நிகழ்ச்சிகளில் வெற்றி பெற்றனர், ஏகாதிபத்திய நீதிமன்றமும் தூதரகப் படைகளும் நிகழ்ச்சிகளில் கலந்து கொண்டனர்.)

கல்வி நிறுவனத்தில் இருந்து வரவிருக்கும் முதல் பட்டப்படிப்பு தொடர்பாக வாடிக்கையாளர் பேரரசியாக இருந்தார். அவர் தனது நேசத்துக்குரிய கனவை நிறைவேற்றுவதற்கான தெளிவான நினைவகத்தை சந்ததியினருக்கு விட்டுச் செல்ல முயன்றார் - ரஷ்யாவில் பிரபுக்களின் தலைமுறையை வளர்ப்பது, பிறப்புரிமையால் மட்டுமல்ல, கல்வி மற்றும் அறிவொளியால், கீழ் வகுப்புகளுக்கு மேலே உயரும்.

இருப்பினும், ஓவியர் பணியை எவ்வாறு அணுகினார் என்பது வெளிப்படுகிறது, எடுத்துக்காட்டாக, "ஈ. ஐ. நெலிடோவாவின் உருவப்படம்" (1773). சிறுமி தனது சிறந்த பாத்திரத்தில் சித்தரிக்கப்படுகிறார் என்று நம்பப்படுகிறது - ஜியோவானி பெர்கோலேசியின் ஓபரா "தி சர்வன்ட்-மிஸ்ட்ரஸ்" நாடகத்தில் இருந்து பணிப்பெண் செர்பினா, இது தனது எஜமானரின் அன்பான ஆதரவை அடைய முடிந்த ஒரு புத்திசாலி பணிப்பெண்ணைப் பற்றி கூறியது, பின்னர் திருமணம். அவரை. லாவகமாகத் தன் லைட் லேஸ் கவசத்தைத் தன் விரல்களால் உயர்த்தி, தந்திரமாகத் தலையைக் குனிந்துகொண்டு, நெலிடோவா மூன்றாவது இடத்தில் நின்று, நடத்துனரின் தடியடிக்காகக் காத்திருக்கிறாள். (இதன் மூலம், பதினைந்து வயதான "நடிகை" பொதுமக்களிடமிருந்து அத்தகைய அன்பை அனுபவித்தார், அவரது நடிப்பு செய்தித்தாள்களில் குறிப்பிடப்பட்டது மற்றும் கவிதைகள் அவருக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்டன.) அவருக்கு நாடக நிகழ்ச்சி ஒரு காரணம் அல்ல என்று ஒருவர் உணர்கிறார். உறைவிடப் பள்ளியில் "அழகிய பழக்கவழக்கங்கள்" புகுத்தப்பட்டன, ஆனால் ஸ்மோல்னி இன்ஸ்டிட்யூட்டின் கடுமையான அன்றாட விதிகளால் கட்டுப்படுத்தப்பட்ட இளமை உற்சாகத்தை வெளிப்படுத்த ஒரு வாய்ப்பு. மேடை நடவடிக்கையில் நெலிடோவாவின் முழுமையான ஆன்மீகக் கலைப்பை கலைஞர் தெரிவிக்கிறார். நிலப்பரப்பு நாடக பின்னணி உருவாக்கப்பட்ட ஒத்த சாம்பல்-பச்சை நிழல்கள், பெண்ணின் ஆடையின் முத்து வண்ணங்கள் - அனைத்தும் இந்த பணிக்கு அடிபணிந்துள்ளன. லெவிட்ஸ்கி நெலிடோவாவின் சொந்த இயல்பின் தன்னிச்சையையும் காட்டுகிறார். ஓவியர் வேண்டுமென்றே பின்னணியில் டோன்களை மங்கலாக்கினார், அதே நேரத்தில் அவற்றை முன்னணியில் - கதாநாயகியின் ஆடைகளில் பிரகாசிக்கச் செய்தார். காமா என்பது சாம்பல்-பச்சை மற்றும் முத்து டோன்களின் உறவை அடிப்படையாகக் கொண்டது, அதன் அலங்கார குணங்கள் நிறைந்தது, முகம், கழுத்து, கைகள் மற்றும் ரிப்பன்களின் வண்ணத்தில் இளஞ்சிவப்பு நிறத்துடன் ஆடை அலங்கரிக்கிறது. மேலும், இரண்டாவது வழக்கில், கலைஞர் உள்ளூர் நிறத்தை கடைபிடிக்கிறார், ஒருவர் தனது ஆசிரியர் ஆன்ட்ரோபோவின் பாணியை நினைவில் வைக்கும்படி கட்டாயப்படுத்துகிறார்.

லெவிட்ஸ்கி தனது அடுத்தடுத்த படைப்புகளில் இந்த சிறிய உருவப்பட கேலரிக்கு அசல் தன்மையைக் கொடுத்த கலை சாதனைகளை ஒருங்கிணைத்தார், குறிப்பாக, செனட் தலைமை வழக்கறிஞரின் மகள் (1778 மற்றும் 1781) M. A. Lvova, nee Dyakova ஆகியோரின் இரண்டு சிறந்த உருவப்படங்களை உருவாக்கினார்.

அவற்றில் முதலாவது பதினெட்டு வயது சிறுமியைக் காட்டுகிறது, கிட்டத்தட்ட ஸ்மோலென்ஸ்க் பெண்களின் அதே வயது. அவள் ஒரு திருப்பத்தில் சித்தரிக்கப்படுகிறாள், இதன் எளிமை, உருவத்தின் மீது விழும் தங்க பக்க ஒளி மூலம் வெளிப்படையாக வலியுறுத்தப்படுகிறது. இளம் கதாநாயகியின் பிரகாசமான கண்கள் கனவாகவும் மகிழ்ச்சியாகவும் பார்வையாளரைக் கடந்து எங்காவது பார்க்கின்றன, மேலும் அவளுடைய ஈரமான உதடுகளில் ஒரு கவிதை தெளிவற்ற புன்னகையால் தொட்டது. அவளுடைய தோற்றத்தில் தந்திரமான துடுக்கான தைரியமும், கற்பு கூச்சமும், எங்கும் நிறைந்த மகிழ்ச்சியும், தெளிந்த சோகமும் இருக்கிறது. இது இன்னும் முழுமையாக உருவாகாத, வயது வந்தோருக்கான எதிர்பார்ப்பு நிறைந்த ஒரு பாத்திரம்.

வண்ணத் திட்டம் மாறிவிட்டது. முதல் படைப்பில், ஓவியம் டோனல் ஒற்றுமைக்கு கொண்டுவரப்பட்டது மற்றும் ரோகோடோவின் வண்ணமயமான தேடல்களை நினைவூட்டுகிறது. 1781 இன் உருவப்படத்தில், அதன் ஒலியின் தீவிரத்தில் வண்ணம் எடுக்கப்பட்டது. சூடான சோனரஸ் டோன்கள் நிறத்தை தீவிரமானதாகவும், கொஞ்சம் கடுமையானதாகவும் ஆக்குகின்றன.

எண்பதுகளுக்கு முந்தைய M. A. Lvova, N. I. Novikov, A.V. Khrapovitsky, கணவன் மற்றும் மனைவி Mitrofanov, Bakunina மற்றும் பிறரின் உருவப்படங்கள், லெவிட்ஸ்கி, ஆன்ட்ரோபோவின் கடுமையான துல்லியத்தையும், ரோகோடோவின் பாடல் வரிகளையும் இணைத்து, ரஷ்ய உருவப்படத்தின் மிகச்சிறந்த பிரதிநிதியாக ஆனார் என்பதைக் குறிக்கிறது. 18 ஆம் நூற்றாண்டு.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் முக்கிய ஓவிய ஓவியர்களின் விண்மீன் விளாடிமிர் லூகிச் போரோவிகோவ்ஸ்கி (1757 - 1825) மூலம் முடிக்கப்பட்டது.

வி.எல். போரோவிகோவ்ஸ்கியின் படைப்பாற்றல்.ஒரு சிறிய உக்ரேனிய பிரபுவின் மூத்த மகன், தனது தந்தையுடன் சேர்ந்து ஐகான் ஓவியம் மூலம் வாழ்க்கையை உருவாக்கினார், அவர் முதலில் க்ரெமென்சுக்கில் உருவக ஓவியங்களால் கவனத்தை ஈர்த்தார், இது 1787 இல் கேத்தரின் II இன் வருகைக்காக முடிக்கப்பட்டது. இது இளம் மாஸ்டருக்கு தனது ஓவியத் திறனை மேம்படுத்த செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கிற்குச் செல்லும் வாய்ப்பைக் கொடுத்தது. அவர் டி.ஜி. லெவிட்ஸ்கியிடம் இருந்து படிப்பினைகளைப் பெற்று, இறுதியில் தலைநகரின் கலை வட்டங்களில் தன்னை நிலைநிறுத்திக் கொண்டார் என்று நம்பப்படுகிறது.

போரோவிகோவ்ஸ்கியின் உருவப்படங்கள், இப்போது விவாதிக்கப்பட்டவை உட்பட, ஓவியர் ஒரு நபரின் உருவத்தை ஆழப்படுத்துவதில் அடுத்த, புதிய (லெவிட்ஸ்கியின் சாதனைகளுக்குப் பிறகு) நிலைக்கு உயர்ந்துள்ளார் என்பதைக் குறிக்கிறது. லெவிட்ஸ்கி ரஷ்ய உருவப்பட வகைக்கு மனித கதாபாத்திரங்களின் பன்முகத்தன்மை கொண்ட உலகத்தைத் திறந்தார். போரோவிகோவ்ஸ்கி மனநிலையில் ஊடுருவ முயன்றார் மற்றும் மாதிரியின் தன்மை எவ்வாறு உருவானது என்பதைப் பற்றி யோசித்தார்.

குறிப்புகள்

1. இளம் கலைஞருக்கு. கலை வரலாற்றைப் படிக்க வேண்டிய புத்தகம். எம்., 1956.

2. ஒரு இளம் கலைஞரின் கலைக்களஞ்சிய அகராதி. எம்., 1987.

3. பிகுலேவ் I.I. ரஷ்ய நுண்கலை. எம்., 1977.

4. டிராக் ஜி.வி. கலாச்சாரவியல். ரோஸ்டோவ்-ஆன்-டான், 1995.

யூ.கே

18 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில், பிரான்சின் கலையில் பெரும் மாற்றங்கள் நிகழ்ந்தன. வெர்சாய்ஸிலிருந்து, கலை மையம் படிப்படியாக பாரிஸுக்கு மாறியது. நீதிமன்றக் கலை, முழுமைவாதத்தின் அபோதியோசிஸ் மூலம், ஒரு நெருக்கடியை அனுபவித்து வந்தது. ஆதிக்கம் வரலாற்று ஓவியம்இனி பிரிக்கப்படாதது, அன்று கலை கண்காட்சிகள்மேலும் மேலும் உருவப்படங்கள் மற்றும் வகை கலவைகள் இருந்தன. மதப் பாடங்களின் விளக்கம் அத்தகைய மதச்சார்பற்ற தன்மையைப் பெற்றது, மதகுருமார்கள் அவர்கள் கட்டளையிட்ட பலிபீட ஓவியங்களை ஏற்க மறுத்துவிட்டனர் (சாண்டெராவின் "சுசன்னா").

ரோமன்-போலோக்னீஸ் கல்வி பாரம்பரியத்திற்கு பதிலாக, 17 ஆம் நூற்றாண்டின் ஃப்ளெமிஷ் மற்றும் டச்சு யதார்த்தவாதத்தின் தாக்கங்கள் தீவிரமடைந்தன; இளம் கலைஞர்கள் லக்சம்பர்க் அரண்மனைக்கு விரைந்தனர், ரூபன்ஸின் தொடர்ச்சியான ஓவியங்களை நகலெடுத்தனர். இந்த நேரத்தில் வெளிவந்த ஏராளமான தனியார் தொகுப்புகளில், பிளெமிஷ், டச்சு மற்றும் வெனிஸ் மாஸ்டர்களின் படைப்புகள் அதிகமாக இருந்தன. அழகியலில், "உயர்ந்த அழகு" (Félibien) க்கான மன்னிப்பு, யதார்த்தமான தேடல்களுக்கு அனுதாபம் கொண்ட கோட்பாட்டாளர்களிடமிருந்து கடுமையான எதிர்ப்பைச் சந்தித்தது. "Poussinists மற்றும் Rubensists போர்" என்று அழைக்கப்படுவது ரோஜர் டி பில் வெற்றியுடன் முடிசூட்டப்பட்டது, அவர் இயற்கையைப் பின்பற்ற வேண்டியதன் அவசியத்தை கலைஞர்களுக்கு நினைவூட்டினார் மற்றும் ஓவியத்தில் வண்ணத்தின் உணர்ச்சியை மிகவும் மதிக்கிறார். "சன் கிங்" காலத்தின் ஆவிக்கு ஒத்த கல்வியியலின் எபிகோன்களின் வெடிக்கும் சொல்லாட்சி சிறிது சிறிதாக புதிய போக்குகளுக்கு வழிவகுத்தது.

இந்த திருப்புமுனையில், இரண்டு நூற்றாண்டுகளின் தொடக்கத்தில், பழைய இலட்சியங்கள் சரிந்து, புதியவை வடிவம் பெற்றபோது, ​​​​அன்டோயின் வாட்டியோ (1684-1721) கலை எழுந்தது.

எந்த முறையான கல்வியையும் பெறாத வாலென்சியன்ஸ் கூரையின் மகன், வாட்டியோ 1702 இல் பாரிஸுக்குச் சென்றார்.

முதல் பத்து ஆண்டுகளில் - படைப்பாற்றலின் ஆரம்ப காலம் - அவர் ஓவியர்கள் மற்றும் செதுக்குபவர்களிடையே வாழ்ந்து பணியாற்றினார், அவர்கள் அன்றாட காட்சிகள் மற்றும் "நாகரீகங்கள் மற்றும் ஒழுக்கங்களின்" வேலைப்பாடுகளை உருவாக்கினர், அவை பரந்த அளவிலான வாங்குபவர்களிடையே பிரபலமாக இருந்தன. அறியப்படாத கைவினைஞரின் பட்டறையில், அவர் டச்சு வகை ஓவியர்களின் நகல்களை உருவாக்கினார். இந்த சூழலில், இளம் கலைஞர் பிளெமிஷ் மட்டுமல்ல, கல்விச் சுவர்களுக்கு வெளியே வளர்ந்த தேசிய ஓவிய மரபுகளையும் உணர்ந்தார். வாட்டியோவின் கலை பின்னர் எவ்வாறு மாறினாலும், இந்த மரபுகள் அவர் மீது என்றென்றும் தங்கள் அடையாளத்தை விட்டுச் சென்றன. சாதாரண நபர் மீதான ஆர்வம், படத்தின் பாடல் அரவணைப்பு, கவனிப்பு மற்றும் வாழ்க்கையிலிருந்து ஓவியத்திற்கான மரியாதை - இவை அனைத்தும் அவரது இளமை பருவத்தில் எழுந்தன.

இந்த ஆண்டுகளில், வாட்டியோ அலங்காரக் கலையையும் பயின்றார்; ஆனால் நண்பர்கள் "கிராமப்புற விழாக்கள், நாடக பாடங்கள் மற்றும் நவீன உடைகள்" ஆகியவற்றில் அவரது விருப்பத்தை வலியுறுத்தினர். வாழ்க்கை வரலாற்றாசிரியர்களில் ஒருவர் கூறுகையில், வாட்டியோ "ஒவ்வொரு இலவச நிமிடத்தையும் பயன்படுத்தி சதுக்கத்திற்குச் சென்று பல்வேறு நகைச்சுவைக் காட்சிகளை வரைந்தார், அவை வழக்கமாக பயணிக்கும் சார்லடன்களால் விளையாடப்பட்டன." அகாடமியில் "நவீன பாடங்களின் கலைஞர்" என்று அழைக்கப்பட்ட கிளாட் கில்லட் வாட்டியோவின் முதல் பாரிசியன் ஆசிரியர் என்பது சும்மா இல்லை. லக்சம்பர்க் அரண்மனையின் சேகரிப்புகளின் கண்காணிப்பாளராக இருந்த தனது இரண்டாவது ஆசிரியரான கிளாட் ஆட்ரானின் உதவியுடன், வாட்டியோ உலகக் கலையைப் பற்றி நிறைய கற்றுக்கொண்டார் மற்றும் ரூபன்ஸின் "மெடிசி கேலரி" உடன் பழகினார். 1709 ஆம் ஆண்டில், அவர் ரோம் பரிசை வெல்ல முயன்றார் - அது இத்தாலிக்குச் செல்வதற்கான உரிமையைக் கொடுத்தது. ஆனால் விவிலியக் கதையில் அவரது இசையமைப்பு வெற்றிபெறவில்லை. கில்லட் மற்றும் ஆட்ரான் பட்டறைகளில் வாட்டியோவின் பணி அலங்கார பேனல்கள் மீதான அவரது ஆர்வத்திற்கு பங்களித்தது. இந்த வகை, 18 ஆம் நூற்றாண்டின் அனைத்து பிரெஞ்சு ஓவியங்களுக்கும் மிகவும் சிறப்பியல்பு, அதன் நேர்த்தியான விசித்திரத்தன்மையுடன் கலைஞரின் ஈசல் படைப்புகளின் கலவைக் கொள்கைகளை பாதித்தது. இதையொட்டி, ரோகோகோ அலங்காரக் கலையின் அத்தியாவசிய கூறுகள் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் வாட்டியோவின் புதிய தேடல்களின் செல்வாக்கின் கீழ் வடிவம் பெற்றன.

அதே 1709 ஆம் ஆண்டில், வாட்டேவ் பாரிஸை விட்டு தனது தாயகமான வாலன்சியன்ஸுக்கு சென்றார். புறப்படுவதற்குச் சிறிது நேரத்திற்கு முன், அவர் தனது வகை ஸ்கிட்களில் ஒன்றை நிகழ்த்தினார். சிப்பாய்களின் ஒரு பிரிவின் செயல்திறனை அவள் சித்தரித்தாள். வெளிப்படையாக, பொதுமக்கள் இந்த கதைகளை விரும்பினர் - வாலென்சியென்ஸில் இருப்பது, அதன் அருகே போர்கள் நடந்தன (ஸ்பானிய வாரிசுகளின் போர் நடந்து கொண்டிருந்தது). வாட்டியோ பாரிஸுக்குத் திரும்பிய பிறகு அவர் செய்ததைப் போலவே அவற்றைத் தொடர்ந்து வேலை செய்தார்.

வாட்டியோவின் "இராணுவ வகைகள்" போர்க் காட்சிகள் அல்ல. அவற்றில் திகில் அல்லது சோகம் இல்லை. இவை சிப்பாய்களின் ஓய்வு இடங்கள், அகதிகளின் ஓய்வு மற்றும் ஒரு பிரிவின் இயக்கம். அவை 17 ஆம் நூற்றாண்டின் யதார்த்தமான வகையை நினைவூட்டுகின்றன, மேலும் அதிகாரிகள் மற்றும் அகதிகளின் புள்ளிவிவரங்களில் பொம்மை போன்ற கருணை இருந்தாலும், நுட்பமான இந்த நிழல் அவர்களைப் பற்றிய முக்கிய விஷயம் அல்ல. "Bivuac" (மாஸ்கோ, A. S. புஷ்கின் நுண்கலை அருங்காட்சியகம்) போன்ற காட்சிகள், கதையின் நம்பகத்தன்மை மற்றும் அவதானிப்புகளின் செழுமை ஆகியவற்றால் போர் ஓவியத்தை இலட்சியப்படுத்துவதில் இருந்து தீர்க்கமாக வேறுபடுகின்றன. தோரணைகள் மற்றும் சைகைகளின் நுட்பமான வெளிப்பாடு நிலப்பரப்பின் பாடல் வரிகளுடன் இணைக்கப்பட்டுள்ளது.

வாட்டியோவின் படைப்புகள் கிட்டத்தட்ட காலாவதியாகிவிட்டன, மேலும் அவரது படைப்பின் பரிணாமத்தை கற்பனை செய்வது கடினம். ஆனால் அவரது "நவீன வகையின்" ஆரம்பகால படைப்புகளில் கலைஞரின் முதிர்ந்த கலையின் சிறப்பியல்பு அந்த மனச்சோர்வும் கசப்பும் இன்னும் இல்லை என்பது வெளிப்படையானது. அவர்களின் பாடங்கள் மிகவும் வேறுபட்டவை: "இராணுவ வகைகள்," நகர வாழ்க்கையின் காட்சிகள், நாடக அத்தியாயங்கள் (அவற்றில் ஒன்று 1712 இல் அகாடமிக்கு சமர்ப்பிக்கப்பட்டது). இந்த நவீன வகைகளில் ஹெர்மிடேஜ் சவோயார்ட் உள்ளது, அதன் பாடல் நுண்ணறிவுக்கு குறிப்பிடத்தக்கது.

1710 களின் முதல் பாதியில். அக்காலத்தின் மிகச்சிறந்த நையாண்டி எழுத்தாளரான லெசேஜுடன் வாட்டூ நெருங்கி பழகினார். அவர் பிரபல பணக்காரர் மற்றும் சேகரிப்பாளரான க்ரோசாட்டின் வீட்டிற்கு அறிமுகப்படுத்தப்பட்டார், அங்கு அவர் பழைய எஜமானர்களின் பல தலைசிறந்த படைப்புகளைக் கண்டார் மற்றும் பிரபல ரூபன்சிஸ்ட் ஓவியர்களை (சார்லஸ் டி லாஃபோஸ் மற்றும் பலர்) சந்தித்தார்.

இவை அனைத்தும் படிப்படியாக கைவினைஞர் வகை ஓவியரை மாற்றியது, வாட்டே முதல் பாரிசியன் ஆண்டுகளில் இருந்ததால், அவரது பிரபுத்துவ வாடிக்கையாளர்கள் அவரை அறிந்திருந்ததால், புகழ்பெற்ற விழாக்களில் பிரபலமான ஓவியராக மாற்றினார். ஆனால் வாழ்க்கையை அங்கீகரிப்பது அதன் முரண்பாடுகளின் கூர்மையான உணர்வைக் கொண்டு வந்தது, அடைய முடியாத அழகின் கவிதை கனவுடன் பின்னிப்பிணைந்தது.

வாட்டியோவின் முதிர்ந்த படைப்புகளில் மிக முக்கியமான இடம் மகத்தான கொண்டாட்டங்களால் ஆக்கிரமிக்கப்பட்டது. அவற்றில் அவர் மதச்சார்பற்ற "அசெம்பிளிகள்" மற்றும் நாடக முகமூடிகளை சித்தரித்தார், அதை அவர் பரோபகாரர் க்ரோசாட்டில் பார்க்க முடிந்தது. ஆனால் வாட்டியோவின் அற்புதமான கொண்டாட்டங்கள் தூய கற்பனையாக இல்லாவிட்டால், நண்பர்கள் மற்றும் வாடிக்கையாளர்களின் உருவப்படங்கள் கூட அவற்றில் காணப்பட்டால், அவர்களின் உருவ அமைப்பு பார்வையாளரை அன்றாட வாழ்க்கையிலிருந்து வெகு தொலைவில் உள்ள உலகத்திற்கு கொண்டு செல்கிறது. இது "அன்பின் திருவிழா" (டிரெஸ்டன்) - மன்மதனுடன் அப்ரோடைட் சிலைக்கு அருகிலுள்ள பூங்காவில் பெண்கள் மற்றும் ஆண்களின் படம். உருவத்திலிருந்து உருவத்திற்கு, குழுவிலிருந்து குழுவிற்கு, உணர்ச்சிகளின் இந்த நுட்பமான நுணுக்கங்கள், நிலப்பரப்பின் மென்மையான கோடுகளில், உடையக்கூடிய வண்ணக் கலவைகளில் எதிரொலிக்கின்றன. சிறிய பக்கவாதம் - பச்சை மற்றும் நீலம், இளஞ்சிவப்பு மற்றும் முத்து-சாம்பல், இளஞ்சிவப்பு மற்றும் சிவப்பு - நடுக்கம் மற்றும் மென்மையான இணக்கமாக இணைக்கின்றன; இந்த ஒளி டோன்களின் மாறுபாடுகள் ஓவியத்தின் வண்ணமயமான மேற்பரப்பில் ஒரு சிறிய அதிர்வு உணர்வை உருவாக்குகின்றன. மரங்களின் வரிசைகள் திரையரங்கின் பின்புறம் போல் அமைக்கப்பட்டுள்ளன, ஆனால் காற்றில் நடுங்கும் நெகிழ்வான கிளைகளின் வெளிப்படைத்தன்மை பின்தளத்தை இடஞ்சார்ந்ததாக்குகிறது; வாட்டியோ அதை புள்ளிவிவரங்களுடன் விரிவுபடுத்துகிறார், மேலும் மரத்தின் டிரங்குகள் வழியாக ஒருவர் தூரங்களைக் காணலாம், அவற்றின் கிட்டத்தட்ட காதல் அசாதாரணத்துடன் வசீகரிக்கும். வாட்டியோவின் ஓவியங்களில் உள்ள கதாபாத்திரங்களின் உணர்வுகளுக்கும் நிலப்பரப்புக்கும் இடையே உள்ள ஒற்றுமை 18 ஆம் நூற்றாண்டில் நிலப்பரப்பு ஓவியத்தின் வளர்ச்சிக்கு அவரது கலையின் முக்கிய பங்கின் அடிப்படையாகும். உணர்ச்சிக்கான தேடல் வாட்டியோவை ரூபன்ஸின் மரபுக்கு இழுக்கிறது. இது புராண அமைப்புகளில் தன்னை வெளிப்படுத்தியது - எடுத்துக்காட்டாக, "வியாழன் மற்றும் ஆண்டியோப்". ஆனால் ரூபன்சியன் உணர்வு மனச்சோர்வுக்கு வழிவகுக்கிறது, உணர்வுகளின் முழுமை அவற்றின் நிழல்களின் நடுக்கத்திற்கு வழிவகுக்கிறது. வாட்டியோவின் கலைக் கொள்கைகள் மாண்டெஸ்கியூவின் எண்ணத்தை நினைவூட்டுகின்றன, அழகு அதன் அசைவுகளில், பெரும்பாலும் கண்ணுக்குத் தெரியாத முக அம்சங்களில் வெளிப்படுத்தப்படவில்லை.

ஓவியரின் முறையானது அவர் தனது மாணவர் லைக்ராவுக்கு வழங்கிய அறிவுரையால் வகைப்படுத்தப்படுகிறது: “எந்தவொரு ஆசிரியருடனும் தங்கி நேரத்தை வீணாக்காதீர்கள், முன்னேறுங்கள், உங்கள் முயற்சிகளை ஆசிரியர்களின் ஆசிரியரிடம் - இயற்கைக்கு அனுப்புங்கள். பாரிஸின் புறநகர்ப் பகுதிகளுக்குச் சென்று, அங்குள்ள சில நிலப்பரப்புகளை வரைந்து, பின்னர் சில உருவங்களை வரைந்து, இதிலிருந்து ஒரு படத்தை உருவாக்கவும், உங்கள் சொந்த கற்பனை மற்றும் விருப்பத்தால் வழிநடத்தப்படும்"( "கலை பற்றிய மாஸ்டர்ஸ்", தொகுதி 1, M.-L., 1937, p.597) நிலப்பரப்புகளை உருவங்களுடன் இணைத்து, கற்பனை செய்தல் மற்றும் தேர்ந்தெடுப்பதன் மூலம், வாட்டியோ அவர் ஓவியங்களை உருவாக்கிய பல்வேறு கூறுகளை ஒரு மேலாதிக்க உணர்ச்சி மையத்திற்கு கீழ்ப்படுத்தினார். ஆடம்பரமான விழாக்களில், சித்தரிக்கப்பட்டவர்களிடமிருந்து கலைஞரின் பற்றின்மையை ஒருவர் உணர்கிறார்; ஓவியரின் கனவுக்கும் வாழ்க்கையின் குறைபாடுகளுக்கும் இடையே உள்ள ஆழமான முரண்பாட்டின் விளைவு இதுவாகும். ஆயினும்கூட, வாட்டியோ இருப்பின் நுட்பமான கவிதைக்கு எப்போதும் ஈர்க்கப்படுகிறார். அவரது கலை மிகவும் இசையமைப்பால் வகைப்படுத்தப்படுவது ஒன்றும் இல்லை, மேலும் கதாபாத்திரங்கள் பெரும்பாலும் தெளிவற்ற, அரிதாகவே உணரக்கூடிய மெல்லிசையைக் கேட்பது போல் தெரிகிறது. "மெட்செடின்" (c. 1719; நியூயார்க், மெட்ரோபொலிட்டன் மியூசியம் ஆஃப் ஆர்ட்) இது போன்றது, லூவ்ரின் "ஃபினெட்", மனச்சோர்வு இல்லாத சிந்தனை நிறைந்தது.

வாட்டியோவின் படைப்பின் நுட்பமான உணர்ச்சியானது, டெலாக்ரோயிக்ஸ் பின்னர் "தெளிவற்ற மற்றும் மனச்சோர்வு உணர்வுகளின் பகுதி" என்று அழைத்ததை ஆராய்வதற்கு நூற்றாண்டின் கலைக்கு வழி வகுத்தது. நிச்சயமாக, ஓவியரின் தேடல்கள் உருவாக்கப்பட்ட குறுகிய எல்லைகள் இந்த தேடல்களுக்கு தவிர்க்க முடியாத வரம்புகளை அமைத்தன. கலைஞர் உணர்ந்தார். அவர் எப்படி சதித்திட்டத்திலிருந்து சதித்திட்டத்திற்கு விரைந்தார், தன்னைப் பற்றி எரிச்சலடைந்தார், அவர் செய்த காரியத்தில் விரைவாக ஏமாற்றமடைந்தார் என்பதை வாழ்க்கை வரலாற்றாசிரியர்கள் கூறுகிறார்கள். இந்த உள் முரண்பாடு வாட்டியோவின் கலையின் சீரற்ற தன்மையின் பிரதிபலிப்பாகும்.

1717 ஆம் ஆண்டில், வாட்டியோ அகாடமிக்கு "சித்தரா தீவுக்கு புனித யாத்திரை" (லூவ்ரே) என்ற பெரிய ஓவியத்தை வழங்கினார், அதற்காக அவர் கல்வியாளர் என்ற பட்டத்தைப் பெற்றார். இது அவரது சிறந்த இசையமைப்பில் ஒன்றாகும், இது வெனிஷியர்களை நினைவூட்டும் தங்க நிற நிழல்களின் அற்புதமான வரம்பில் செயல்படுத்தப்பட்டது, இதன் மூலம் வெள்ளி-நீல நிற தொனி வெளிப்படுகிறது. மதச்சார்பற்ற பெண்களும் மனிதர்களும் மலைப்பாதையில் கில்டட் படகை நோக்கி நகர்கிறார்கள், சைத்தரா தீவின் யாத்ரீகர்களாக காட்டிக்கொள்கிறார்கள் - காதல் தீவு (கிரேக்க புராணத்தின் படி, காதல் தெய்வம் அப்ரோடைட் அதில் பிறந்தார்). தம்பதிகள் ஒன்றன் பின் ஒன்றாகப் பின்தொடர்கிறார்கள், படத்தின் பொதுவான பாடல் கருப்பொருளை எடுப்பது போல, உணர்ச்சிகரமான நிழல்களுடன் அதை வேறுபடுத்துகிறார்கள். உயரமான மரங்களின் கிளைகளுக்கு அடியில் உள்ள அப்ரோடைட்டின் சிலையிலிருந்து தொடங்கும் இயக்கம், ஒரு வேகமான தாளத்தில் விரிவடைகிறது - மனச்சோர்வு மற்றும் சந்தேகம் ஆகியவை உற்சாகம், அனிமேஷன் மற்றும் இறுதியாக - படகில் பறக்கும் மன்மதன்களின் விசித்திரமான விளையாட்டு. உடையக்கூடிய, மாறக்கூடிய உணர்வுகளின் கிட்டத்தட்ட புரிந்துகொள்ள முடியாத மாற்றங்கள், தெளிவற்ற முன்னறிவிப்புகள் மற்றும் உறுதியற்ற ஆசைகளின் நிலையற்ற விளையாட்டு - இது வாட்டூவின் கவிதையின் பகுதி, உறுதியும் ஆற்றலும் இல்லாதது. உணர்வுகளின் நுணுக்கங்களைப் பற்றிய உணர்வின் கூர்மை, நாடக ஆசிரியர் மரிவாக்ஸிடம் அவரது "உயர் சாலை"க்கு மாறாக "மனித இதயத்தின் பாதைகள்" பற்றி உரையாற்றிய வால்டேரின் வார்த்தைகளை நினைவூட்டுகிறது. "சித்தரா தீவிற்கு யாத்திரை"யில், வாட்டியோவின் நேர்த்தியான வண்ணம் குறிப்பிடத்தக்கது; தூரிகையின் ஒளி அதிர்வு இயக்கங்கள் வடிவங்களின் இயக்கம், அவற்றின் நடுங்கும் உற்சாகத்தை உருவாக்குகின்றன; மரங்களின் ஒளி கிரீடங்கள் வழியாக பாயும் மென்மையான பரவலான ஒளியால் எல்லாம் ஊடுருவி உள்ளது; மலைப்பாங்கான தூரங்களின் வெளிப்புறங்கள் மென்மையான காற்றோட்டமான மூடுபனியில் கரைகின்றன. ஆரஞ்சு, மென்மையான பச்சை மற்றும் இளஞ்சிவப்பு-சிவப்பு ஆடை துணிகளின் ஒளி வண்ண உச்சரிப்புகள் தங்கப் பின்னணியில் ஒளிரும். வாட்டியோவின் கனவு கலையானது ஒரு சிறப்புக் கவிதை அழகைக் கொண்டுள்ளது, இது அவரது சமகாலத்தவர்களிடையே நடத்தை மற்றும் வெகு தொலைவில் காணப்பட்ட "அழகிய விழாக்களை" மாயமாக மாற்றுகிறது.

வாட்டியோவின் பல இசையமைப்புகள் நாடகக் காட்சிகளை நினைவூட்டுகின்றன, அதில் கதாபாத்திரங்கள் விசித்திரமான வாழ்க்கையை வாழ்கின்றன, பழையவை, ஆனால் இன்னும் தங்கள் இதயங்களுக்கு மிகவும் பிடித்தவை, வேடிக்கையான மற்றும் சோகமான நாடகத்தின் பாத்திரங்கள். ஆனால் நவீன நிகழ்ச்சிகளின் உண்மையான உள்ளடக்கம் தியேட்டர் மற்றும் நாடகத் திட்டங்களில் வாட்டூவின் ஆர்வத்தையும் தீர்மானித்தது. அவற்றில் மட்டுமல்ல, அவற்றில் பல உள்ளன ஆரம்ப வேலைகலைஞர். சமீபத்திய ஆண்டுகளில், இந்த சுழற்சியின் மிக முக்கியமான படைப்புகள் வெளிவந்துள்ளன. அவற்றில் "இத்தாலிய நகைச்சுவையாளர்கள்" (பெர்லின்), 1716 க்குப் பிறகு எழுதப்பட்டது, இத்தாலிய நடிகர்கள் பாரிஸுக்குத் திரும்பியபோது, ​​17 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில் பிரான்சில் இருந்து நாட்டை ஆளும் வட்டங்களுக்கு எதிரான நையாண்டித் தாக்குதல்களுக்காக வெளியேற்றப்பட்டனர். நடிப்பின் இறுதிக் காட்சியில், ஒரு டார்ச் மற்றும் லாந்தர் வெளிச்சத்தில், மெசெட்டன், கேலி செய்யும் கில்லஸ், டைனமிக் ஹார்லெக்வின் மற்றும் மென்மையான மற்றும் ஊர்சுற்றக்கூடிய நடிகைகளின் உருவங்கள் இருளில் இருந்து வெளிப்படுகின்றன. பின்னர் கூட, அழகிய முறையில் ஆராயும்போது, ​​​​பிரெஞ்சு நகைச்சுவை நடிகர்களின் சித்தரிப்பு (நியூயார்க், பீட் சேகரிப்பு) நிகழ்த்தப்பட்டது - இந்த தியேட்டரின் நிகழ்ச்சிகளில் ஒன்றின் அத்தியாயம், இதில் குறைந்தது 1717 வரை, ஆடம்பரமான பாணி. நடிப்பு ஆதிக்கம் செலுத்தியது, முதல் புத்தகமான "கில்லெஸ் பிளாஸ்" இல் லெசேஜால் கேலி செய்யப்பட்டது. கட்டிடக்கலை கூறுகளின் குவியல் மற்றும் ஆடைகளின் சிறப்பு ஆகியவை கலைஞரின் நுட்பமான "ரோமானியர்கள்" (பிரெஞ்சு நகைச்சுவை தியேட்டரின் நடிகர்கள் முரண்பாடாக அழைக்கப்பட்டனர்), அவர்களின் வரவேற்புரை மற்றும் அபத்தமான போஸ்களை நுட்பமாக வெளிப்படுத்தியது. இத்தகைய ஒப்பீடுகள் கலைஞரின் வாழ்க்கை நிகழ்வுகள், கலைப் பணிகளுக்கான அணுகுமுறையை வெளிப்படுத்துகின்றன.

ஆனால் தியேட்டருடன் தொடர்புடைய வாட்டியோவின் மிகவும் குறிப்பிடத்தக்க படைப்பு "கில்லெஸ்" (லூவ்ரே). இதன் கலவை தீர்வு பெரிய படம்சற்றே மர்மமானது மற்றும் எப்போதும் பல முரண்பட்ட விளக்கங்களுக்கு வழிவகுத்தது. ஒளி வானம் மற்றும் அடர் பச்சை மரங்களின் பின்னணியில், வெள்ளை ஆடைகளில் ஒரு நடிகரின் உருவம் உயர்கிறது. ஒரு சாம்பல் தொப்பி அவரது முகத்தை வடிவமைக்கிறது, அவரது அமைதியான பார்வை பார்வையாளரின் மீது நிலைநிறுத்தப்பட்டுள்ளது, அவரது கைகள் குறைக்கப்படுகின்றன. கில்லஸ் நிற்கும் சரிவு போன்ற குன்றின் பின்னால், அவரது சக கைவினைஞர்கள் அமைந்துள்ளனர், அவர்கள் ஒரு கழுதையை கயிற்றால் இழுக்கிறார்கள், மேலும் சிரிக்கும் ஸ்கேபின் அதன் மீது சவாரி செய்கிறார். கட்டுப்படுத்தப்பட்ட மாறுபாட்டுடன் இந்த குழுவின் அனிமேஷன் அசைவற்ற கில்லஸின் செறிவை வலியுறுத்துகிறது. கில்லஸின் உருவத்தின் கலவையான விலகல் மற்றும் அவருடன் எந்த வகையிலும் இணைக்கப்படாத துணை கதாபாத்திரங்கள் இந்த படம் தியேட்டரின் நியாயமான பருவங்களில் ஒன்றின் அடையாளமாக செயல்படுத்தப்பட்டது என்ற சுவாரஸ்யமான அனுமானத்தால் விளக்கப்படலாம். இத்தாலிய நகைச்சுவை. பொதுமக்களின் விருப்பமான கில்லஸ் பார்வையாளரிடம் பேசுவது ஏன் என்பது தெளிவாகிறது, மேலும் இத்தாலிய பைன் மரம் நிலப்பரப்பில் தெரியும்; சிகப்பு திரையரங்குகளில் பெரும்பாலும் இதே போன்ற பலகைகள் தொங்கிக் கொண்டிருந்தன. படத்தின் முக்கிய கதாபாத்திரம் தியானம், ஆழ்ந்த சிந்தனையில் தோன்றும்; இசையமைப்பின் தன்மை இறுதியில் துல்லியமாக இந்த முரண்பாடான ஒன்றோடொன்று உலகிற்கு ஒரு முறையீடு மற்றும் ஒரு சிக்கலான, சுய-உறிஞ்சப்பட்ட உள் வாழ்க்கை, நுட்பமான உணர்ச்சி நிழல்களில் வெளிப்படுத்தப்படுகிறது. சற்றே உயர்த்தப்பட்ட புருவம், கனமான வீங்கிய கண் இமைகள் மாணவர்களை லேசாக உள்ளடக்கியது மற்றும் உதடுகளின் லேசான அசைவு - இவை அனைத்தும் நடிகரின் முகத்திற்கு சிறப்பு வெளிப்பாட்டை அளிக்கிறது. இது சோகமான கேலி, மறைக்கப்பட்ட பெருமை மற்றும் மக்களின் இதயங்களை சொந்தமாக்கக்கூடிய ஒரு நபரின் மறைக்கப்பட்ட உற்சாகம் ஆகியவற்றைக் கொண்டுள்ளது.

"கில்லெஸ்" நிகழ்த்தப்பட்ட அழகிய விதம் வாட்டியோவின் தேடல்களின் பன்முகத்தன்மையையும் அவரது கலையின் புதுமையையும் நிரூபிக்கிறது. முந்தைய துண்டுகள் ஒரு மெல்லிய மற்றும் கடினமான தூரிகை, சிறிய ஒளி பக்கவாதம், நீள்வட்ட, பிசுபிசுப்பான, புடைப்பு, சிறிது சினூஸ், வடிவங்கள் மற்றும் பொருட்களின் வரையறைகளுடன் இணைக்கப்பட்டதைப் போல செய்யப்பட்டன. மென்மையான வெள்ளை, பச்சை, நீலம், இளஞ்சிவப்பு, இளஞ்சிவப்பு, முத்து சாம்பல் மற்றும் மஞ்சள் - ஒளி, மேற்பரப்பில் நசுக்கியது, பல விலைமதிப்பற்ற முத்து நிழல்கள் shimmers. இந்த முத்து நிற சாயல்கள், வாட்டியோ தனது தூரிகைகளை கழுவவில்லை மற்றும் அவை அனைத்தும் கலந்த ஒரு தொட்டியில் இருந்து வண்ணப்பூச்சுகளை எடுக்காதது பற்றி நகைச்சுவையாக சமகாலத்தவர்களை உருவாக்கியது. அற்புதமான பலவிதமான நிழல்கள் சிறந்த மெருகூட்டல்களுடன் இணைக்கப்பட்டுள்ளன. டெலாக்ரோயிக்ஸ் வாட்டியோவின் நுட்பத்தை அற்புதம் என்று அழைத்தார், இது ஃபிளாண்டர்ஸ் மற்றும் வெனிஸை இணைத்தது என்று கூறினார்.

"கில்லெஸைப் பொறுத்தவரை," "சித்தெரா தீவுக்கு யாத்திரை" என்ற தங்கத் தட்டுக்கு அடுத்ததாக அதன் வண்ணத் திட்டம் குளிர்ச்சியாகவும், நீலமாகவும் தெரிகிறது, பொதுவாக முந்தைய "தங்க" காலத்துடன் தொடர்புடைய வாட்டியோவின் பிற்கால படைப்புகளின் நிறம். அற்புதமான விழாக்களைக் காட்டிலும் படம் மிகவும் பரந்த அளவில் வரையப்பட்டுள்ளது; இது ஒரு தைரியமான தேடலாகும், எதார்த்தமான போக்குகளை ஆழப்படுத்துவது, மாஸ்டரின் எண்ணற்ற வரைபடங்களில் மிகவும் தெளிவாகப் பொதிந்துள்ளது.

வாட்டியோவின் கிராபிக்ஸ் 18 ஆம் நூற்றாண்டின் பிரெஞ்சு கலையின் மிகவும் குறிப்பிடத்தக்க பக்கங்களில் ஒன்றாகும். கலைஞர் வழக்கமாக கருப்பு இத்தாலிய பென்சில், சாங்குயின் மற்றும் சுண்ணாம்பு ஆகியவற்றைப் பயன்படுத்தி மூன்று வண்ணங்களில் வரைந்தார். அவரது வரைபடங்கள் நேரடி கவனிப்பை அடிப்படையாகக் கொண்டவை. அவை எதிர்கால ஓவியங்களுக்காக உருவாக்கப்பட்டன, அதை நாம் இப்போது அழைப்பதைப் போல கலைஞரே அழைக்கவில்லை, ஆனால் எடுத்துக்காட்டாக: "எட்டு உருவங்களைக் கொண்ட தோட்டத்தைக் குறிக்கும் ஒரு சிறிய ஓவியம்." வாட்டியோவின் கிராபிக்ஸில் இந்த பல்வேறு புள்ளிவிவரங்களை நாம் சந்திக்கிறோம்: பிரபுக்கள் மற்றும் பிச்சைக்காரர்கள், வீரர்கள் மற்றும் உன்னத பெண்கள், வணிகர்கள் மற்றும் விவசாயிகள் - ஒரு பெரிய தொகுப்பு வகைகள், பின்னர் நான்கு தொகுதிகள் பொறிக்கப்பட்ட "பல்வேறு கதாபாத்திரங்களின் உருவங்கள்" இதில் அடங்கும். அலங்கார பேனல்கள் மற்றும் அழகான இயற்கை வரைபடங்களின் ஓவியங்கள் அற்புதமானவை, ஆனால் பெண் தலைகள் குறிப்பாக அழகாக இருக்கின்றன - வெவ்வேறு திருப்பங்கள் மற்றும் இயக்கங்களில், ஓவியர் மிகவும் மதிக்கும் அனுபவத்தின் நுட்பமான நிழல்களை வெளிப்படுத்துகிறது. ஓவியங்களுக்குத் தேவையான தோரணை மற்றும் சைகைக்கான தேடல் அது. ஆனால் இந்த வரைபடங்கள் மிகவும் ஆழமான உள்ளடக்கத்தைக் கொண்டுள்ளன, அவை சுயாதீனமான யதார்த்தமான மதிப்பைப் பெறுகின்றன. ஒளி தொடுதல்கள் மற்றும் அலை அலையான கோடுகள் இடத்தை மீண்டும் உருவாக்குகின்றன, ஒளியின் ஒளிரும் ஒளிரும், பளபளப்பான துணிகளின் iridescence மற்றும் காற்றோட்டமான மூடுபனியின் மென்மை. வாட்டியோவின் ஓவியங்கள் அவரது ஓவியங்களைப் போலவே நுட்பமான கவிதை வசீகரத்தைக் கொண்டுள்ளன.

வாட்டியோவின் கடைசிப் படைப்பு கெர்சனின் பழங்காலக் கடைக்கான அடையாளமாக இருந்தது (c. 1721; பெர்லின்). இந்த படம் வாட்டியோவால் பாராட்டப்பட்டது, அவர் வழக்கமாக தன்னைப் பற்றி அதிருப்தி அடைந்தார்.

ஜெர்சனின் கடைக்கு மேலே பதினைந்து நாட்கள் மட்டுமே தொங்கிக் கொண்டிருந்த வாட்டியோவின் அடையாளம் பொதுமக்களின் கவனத்தை ஈர்த்தது. இந்தக் கடையின் உட்புறத்தை வழக்கமான பார்வையாளர்களுடன் அவள் சித்தரித்தாள்: உன்னதப் பெண்களும் பிரபுக்களும் அவர்களுடன் வருகிறார்கள், உரிமையாளர்கள் மற்றும் வேலைக்காரர்கள் வாங்கிய ஓவியங்களை ஒரு பெட்டியில் வைப்பார்கள். விருந்தினர்கள் மற்றும் புரவலர்களின் கவனம் கலைப் படைப்புகளால் உறிஞ்சப்படுகிறது, எனவே வாட்டியோவின் பணியின் சிறப்பியல்பு நேர்த்தியான உணர்ச்சியின் சிறப்பு வளிமண்டலத்தால் "கெர்சனின் சைன்போர்டு" ஆதிக்கம் செலுத்துகிறது. அதில், முன்னெப்போதையும் விட, இது ஒரு உயிருள்ள மற்றும் உண்மையான கதையுடன் சுருக்கப்பட்டுள்ளது, இதில் நுட்பமான முரண்பாடு பாடல் மென்மையால் மாற்றப்படுகிறது. லூயிஸ் XIV இன் உருவப்படம் வைக்கப்பட்டுள்ள பெட்டியின் அருகே, கேலி செய்யும் சாமானியர் இருக்கிறார், முதன்மையான உயர்குடியினர் ஒரு பெரிய மேய்ச்சல் ஓவியத்தில் நிர்வாண நிம்ஃப்களைப் பார்க்கிறார்கள், முதல் குழுவில், ஒரு நேர்த்தியான பெண்ணின் பிரபுவின் தோற்றம் அடக்கமாக, சற்று நிற்கிறது. கெர்சனின் இளம் மனைவியின் வெட்கக்கேடான நடத்தை. கடை, ஒரு மேடை போல, தெருவுக்கு திறந்திருக்கும். இளஞ்சிவப்பு நிற ஆடை அணிந்த ஒரு பெண்ணின் உருவத்தில் இருந்து உட்புறத்தில் நுழைவதன் மூலம், சதித்திட்டத்தின் வளர்ச்சி தொடங்குகிறது, வாட்டியோவின் இசையமைப்பின் சிறப்பியல்பு இயக்கங்கள் மற்றும் திருப்பங்களின் ஒரு சங்கிலி, மைஸ்-என்-காட்சிகள் மற்றும் அவற்றுக்கிடையேயான இடஞ்சார்ந்த கேசுராக்களின் தாள மாற்றீடு. போஸ்கள் மற்றும் சைகைகளின் பிளாஸ்டிக் செழுமை இங்கே கதையின் வளர்ச்சியுடன் தொடர்புடையது, உணர்ச்சித் தொடர்புகளின் குறிப்பிட்ட உந்துதல், எனவே ஓவியரின் படைப்பு முறையின் சிறப்பியல்பு. உடையக்கூடிய மற்றும் மென்மையான வண்ண இணக்கங்கள் கட்டுப்பாடு மற்றும் பிளாஸ்டிக் வரையறையைப் பெறுகின்றன.

"கெர்சனின் அடையாளம்" என்பது அந்தக் கால மக்களைப் பற்றிய ஒரு வெளிப்படையான கதை, இது 18 ஆம் நூற்றாண்டின் யதார்த்தவாதத்தின் புதிய சாதனைகளை எதிர்பார்க்கிறது. ஆனால் 1721 இல் இறந்த கலைஞரின் அகால மரணம், அவரது முரண்பாடான மற்றும் விரைவான படைப்பு வளர்ச்சியைக் குறைத்தது, இது 18 ஆம் நூற்றாண்டின் பிரெஞ்சு ஓவியத்தில் மிகவும் தீர்மானிக்கப்பட்டது.

வாட்டியோவின் வேலை இருந்தது வலுவான செல்வாக்கு 18 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில் ஓவியர்கள் மீது. அவரது மாணவர்கள் அவரது கலையின் மரபுகளை வளர்க்க முயன்றனர் - பேட்டர், அவரைப் பின்பற்றுபவர்களில் மிகவும் திறமையானவர், ஆயர் மீது ஈர்ப்பு கொண்ட அன்டோயின் குயிலார்ட் மற்றும் மேலோட்டமான துணிச்சலான பாடங்கள் மற்றும் வளரும் அன்றாட வகைகளின் புதிய வடிவங்களுக்கு அஞ்சலி செலுத்திய நிக்கோலஸ் லாங்க்ரெட். . கல்வியாளர்களான கார்ல் வான்லூ மற்றும் பலர் "காலண்ட் வகையை" விரும்பினர். ஆனால் 18 ஆம் நூற்றாண்டின் பிரெஞ்சு கலையில் வாட்டூவின் செல்வாக்கு. மிகவும் பரந்ததாக இருந்தது: அவர் நவீன பாடங்களுக்கான வழியைத் திறந்தார், உணர்வுகளின் பாடல் நிழல்கள், இயற்கையுடன் கவிதைத் தொடர்பு மற்றும் வண்ணத்தின் நுட்பமான உணர்வு ஆகியவற்றின் உயர்ந்த கருத்து.

இரண்டு நூற்றாண்டுகளின் விளிம்பில் நின்ற வாட்டியோவுக்குப் பிறகு, பிரெஞ்சு கலையில் சமூகத்தின் சண்டையிடும் சக்திகளுடன் தொடர்புடைய பல்வேறு திசைகளுக்கு இடையிலான முரண்பாடுகள் மிகவும் தெளிவாகத் தெரிய ஆரம்பித்தன. ஒருபுறம், 1720-1730 களில். ஏற்கனவே ஆரம்ப நிலையில் இருந்த ரோகோகோ கலை வடிவம் பெற்றுக்கொண்டிருந்தது. இது கட்டிடக்கலை மற்றும் கட்டடக்கலை அலங்காரத்தின் புதிய கொள்கைகளுக்கு நேரடி விகிதத்தில் எழுகிறது, நினைவுச்சின்ன குழுமங்கள் பிரபுக்களின் நெருக்கமான மாளிகைகளால் மாற்றப்படும்போது, ​​​​கலைப் படைப்புகள் இந்த மாளிகைகளின் சிறிய உட்புறங்களை அலங்கரிக்கும் நேர்த்தியான டிரின்கெட்டுகளாக விளக்கப்படத் தொடங்குகின்றன. இறுதியில் சரிவுடன் உன்னத கலாச்சாரம்ரோகோகோவின் ஹெடோனிஸ்டிக் தன்மை மற்றும் கலையின் அறிவாற்றல் மதிப்பில் ஆர்வம் பலவீனமடைதல் ஆகியவை "எங்களுக்குப் பிறகு, ஒரு வெள்ளம் கூட" என்ற வார்த்தைகளால் கோடிட்டுக் காட்டப்பட்ட நேரத்துடன் தொடர்புடையது. இந்த தசாப்தங்களின் கலையில், வகைகள் மற்றும் வகைகளுக்கு இடையிலான உறவு மாறுகிறது - வரலாற்று மற்றும் மத ஓவியம் ஒரு நெருக்கடியை அனுபவித்து வருகிறது, அலங்கார மற்றும் அலங்கார பேனல்கள், தரைவிரிப்புகள் மற்றும் சிறிய டெஸ்யூட்போர்ட்டுகள் ஆகியவை மிகவும் அற்புதமான காட்சிகள், பருவங்கள் மற்றும் கலைகளின் உருவகங்களை சித்தரிக்கிறது.

ரோகோகோ பாணியின் உச்சம் 1730-1740 களில் இருந்து வருகிறது; நுண்கலையில் இந்த பாணியின் ஒரு சிறந்த எடுத்துக்காட்டு பாரிஸில் உள்ள சௌபிஸ் ஹோட்டலின் உட்புறங்களின் அழகிய மற்றும் சிற்ப அலங்காரமாகும். இந்த குழுமம் 1730 களின் இரண்டாம் பாதியில் பல சிறந்த எஜமானர்களின் கூட்டு முயற்சியால் உருவாக்கப்பட்டது - கட்டிடக் கலைஞர் பியூஃப்ரான், சிற்பிகள் - ஆடம் மற்றும் லெமோயின் இருவரும், ஓவியர்கள் பௌச்சர், ட்ரெமோலியர், வான்லூ மற்றும் நேட்டோயர். மாளிகையின் சிறந்த உட்புறங்களில் ஒன்று, மேல் தளத்தில் உள்ள ஓவல் ஹால், இளவரசி சலோன் என்று அழைக்கப்படுகிறது. முற்றத்தை எதிர்கொள்ளும் பெரிய வளைவு ஜன்னல்கள் கதவுகள் மற்றும் ஒரே வடிவம் மற்றும் உயரத்தின் கண்ணாடிகளுடன் மாறி மாறி உள்ளன. வெர்சாய்ஸின் மிரர் கேலரியில் இருந்ததைப் போல, உட்புறத்தின் கலவையில் கண்ணாடிகளைப் பயன்படுத்துவது பிரமாண்டமாக இல்லை, கண்ணாடிகள் ஜன்னல்களுக்கு நேர் எதிரே அமைந்திருந்தன. ஓவல் மண்டபத்தில், பிரதிபலிப்புகள் உட்புறத்தை சிக்கலாக்குகின்றன, ஒரு கற்பனையான இடஞ்சார்ந்த வடிவத்தை உருவாக்குகின்றன, மேலும் பல சமச்சீரற்ற திறப்புகளின் மாயை இளவரசி வரவேற்புரை ஒரு தோட்ட கெஸெபோ போல தோற்றமளிக்கிறது. உட்புறங்களில் வெள்ளை நிறம் ஆதிக்கம் செலுத்துகிறது; நேர்த்தியான ஒளி வண்ணங்கள் - இளஞ்சிவப்பு மற்றும் மென்மையான நீலம் - லேசான தன்மை மற்றும் கருணையின் தோற்றத்தை மேம்படுத்துகிறது. கதவுகள் மற்றும் ஜன்னல்களின் வளைவுகளுக்கு மேலே கில்டட் ஸ்டக்கோ கார்டூச்கள், மன்மதன்கள், பின்னிப் பிணைந்த கிளைகள் மற்றும் நாடோயரின் அலங்கார பேனல்கள் உள்ளன, அவை ஒரு விசித்திரமான மாலையுடன் இணைக்கப்பட்டுள்ளன. இந்த அலை அலையான, ஒளி அமைப்பு சுவர்கள் மற்றும் கூரைக்கு இடையே உள்ள எல்லையை மறைக்கிறது, மேலும் உச்சவரம்பு மத்திய ரொசெட் வரை நீட்டிக்கும் மாலைகள் அலங்கார அமைப்பை நிறைவு செய்கின்றன. மன்மதன் மற்றும் ஆன்மாவின் காதல் கதைக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்ட நேட்டோயரின் ஓவியம், வடிவத்தின் ஒரு பகுதியாக மாறும், இது அழகான அலங்காரத்தின் ஒரு அங்கமாகும். உட்புறத்தின் கட்டடக்கலை அலங்காரத்தின் மென்மையான அலை போன்ற தாளங்களும் ஓவியங்களின் கலவைகளில் பாய்கின்றன, அலங்கார வடிவத்துடன் உருவங்களை இணைக்கின்றன.

ரோகோகோ ஹெடோனிசம் அடுக்குகளின் வேண்டுமென்றே சிற்றின்பம், இயக்கங்களின் பாதிப்பு, விகிதாச்சாரத்தின் நுட்பம் மற்றும் வண்ண நிழல்களின் இனிமையான மென்மை - இளஞ்சிவப்பு, பச்சை, நீலம் ஆகியவற்றில் வெளிப்படுகிறது. ஓவியத்தின் இந்த திசை உள்துறை அலங்காரத்தில் பரவலாகிவிட்டது, அது பிரதிபலிக்கிறது வழக்கமான அம்சங்கள் 18 ஆம் நூற்றாண்டின் உன்னத கலாச்சாரம்.

சௌபிஸ் ஹோட்டலின் உட்புறங்கள், நூற்றாண்டின் முதல் பாதியின் மற்ற மாளிகைகளைப் போலவே, கட்டிடக்கலை, ஓவியம், சிற்பம் மற்றும் பயன்பாட்டுக் கலை ஆகியவற்றின் நேர்த்தியான மற்றும் கரிமக் குழுவைக் குறிக்கின்றன. சிற்பி எர்பனின் மெல்லிய ஸ்டக்கோ அலங்காரங்கள் ட்ரெமோலியர் மற்றும் பவுச்சரின் மேல் கதவு வர்ணம் பூசப்பட்ட பேனல்களுடன் இணைக்கப்பட்டுள்ளன, நேர்த்தியான வெண்கல மேலடுக்குகள் கதவுகளை அலங்கரிக்கின்றன மற்றும் பளிங்கு நெருப்பிடம், வெளிர் பச்சை மற்றும் சிவப்பு நிற துணிகள் சுவர்களை உள்ளடக்கிய தங்க வடிவத்துடன் எம்ப்ராய்டரி செய்யப்பட்டுள்ளன. செதுக்கப்பட்ட மர ரோகோகோ மரச்சாமான்கள், பிரபல அலங்கரிப்பாளர்களான Meissonnier மற்றும் Oppenord ஆகியோரால் செய்யப்பட்ட ஓவியங்கள் ஒளி மற்றும் மாறுபட்டவை, அவற்றின் வடிவங்கள் அலங்கார ஆபரணங்கள் போன்ற விசித்திரமானவை, வளைந்த ஆதரவுகள் நிலையற்றதாகத் தெரிகிறது.

17 ஆம் நூற்றாண்டின் கனமான மற்றும் ஆடம்பரமான தளபாடங்கள். மிகவும் வசதியான சாய்ஸ் ஓய்வறைகள், கை நாற்காலிகள் மற்றும் சோஃபாக்கள், சிறிய பெட்டிகள் மற்றும் கன்சோல் அட்டவணைகள் ஆகியவற்றால் மாற்றப்படுகிறது. அவை சுருள்கள், குண்டுகள் மற்றும் பூங்கொத்துகள் வடிவில் நேர்த்தியான செதுக்கல்களால் மூடப்பட்டிருக்கும், சீன மற்றும் ஆயர் உருவங்களை சித்தரிக்கும் ஓவியங்கள், மற்றும் உள்வைப்புகள். ரோகெய்ல் பீங்கான் வடிவமானது "ரிசர்வ்" என்ற இலவச புலத்தை விட்டுச் சென்றது போல, தளபாடங்களில் வெண்கல மேலடுக்குகள் ஒளி மாலைஅவை பெரும்பாலும் வெவ்வேறு நிழல்களின் விலைமதிப்பற்ற மரங்களால் ஆன அலங்காரமற்ற மேற்பரப்பை வடிவமைக்கின்றன. விசித்திரமான வடிவமைப்பு மற்றும் அலங்காரத்தில், அவுட்லைனின் தெளிவு, மினியேச்சர் மற்றும் அதிநவீனமானது உட்புறத்தின் தன்மைக்கு ஒத்திருக்கிறது. இந்த நேரத்தில் மிகவும் பிரபலமான தளபாடங்கள் தயாரிப்பாளர்களில் ஒருவர் ஜாக் காஃபிரி.

நாடாக்கள் ரோகோகோ உட்புறத்திற்கும் பொதுவானவை, சீன் பெரின், கிளாட் ஆட்ரான், ஜீன் ஃபிராங்கோயிஸ் டி ட்ராய்ஸ், ஃபிராங்கோயிஸ் பௌச்சர் மற்றும் பிற ஓவியர்களின் அட்டைப் பலகைகளை அடிப்படையாகக் கொண்ட நாடாத் தொழிற்சாலை மற்றும் பியூவாஸில் உள்ள உற்பத்தித் தொழிற்சாலையில் செயல்படுத்தப்பட்டது. அவர்களின் பாடங்கள் அற்புதமான காட்சிகள் மற்றும் மேய்ச்சல், வேட்டை மற்றும் பருவங்கள், சீன மையக்கருத்துகள் ("chinoiserie"). பிந்தையது கிழக்கிலிருந்து கொண்டு வரப்பட்ட துணிகள் மற்றும் பீங்கான்கள் ஏராளமாக இருப்பதால். ஒளி வண்ணமயமான ஒத்திசைவுகள் மற்றும் ஒளி அழகான வடிவங்கள் இந்த நேரத்தில் தரைவிரிப்புகளின் சிறப்பியல்பு ஆகும், இது ரோகெய்ல் உட்புறங்களை அலங்கரிக்கும் நோக்கம் கொண்டது. குறுக்கு நெடுக்காக அடிக்கப்பட்ட தட்டி அட்டைகளின் ஆசிரியர்கள் பெரும்பாலும் அலங்கார பேனல்களில் எஜமானர்களாக இருந்தனர். 18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் அலங்கரிப்பவர்களில். செதுக்குபவர் ஜீன் வெர்பெர்க்ட் (வெர்சாய்ஸ் இன்டீரியர்) மற்றும் ஓவியர் கிறிஸ்டோஃப் ஹூட் (சாம்பில் உள்ள கோட்டையின் உட்புறங்கள்) தனித்து நிற்கின்றனர்.

17 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில் கண்டுபிடிக்கப்பட்டது. நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில் பிரஞ்சு மென்மையான பீங்கான் மெதுவாக வளர்ந்தது மற்றும் இயற்கையில் அடிக்கடி பின்பற்றக்கூடியதாக இருந்தது (செயின்ட் கிளவுட், சாண்டிலி மற்றும் மென்னேசியின் உற்பத்திகள்). உண்மையில், இந்த நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில்தான் அசல் பீங்கான் உற்பத்தி வின்சென்ஸ் மற்றும் குறிப்பாக செவ்ரெஸ் தொழிற்சாலைகளில் செழித்தது. 18 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில். வெள்ளி நுட்பம் (தாமஸ் ஜெர்மைன் மற்றும் பிற முதுநிலை), அத்துடன் வெண்கல தயாரிப்புகள் - கடிகாரங்கள், ஜிராண்டோல்கள் மற்றும் ஸ்கோன்ஸ், குவளைகள் மற்றும் தரை விளக்குகள் - மிகவும் வளர்ந்தன. பீங்கான்களைப் பொறுத்தவரை, வின்சென்ஸ் தயாரிப்புகள் டுப்ளெஸ்ஸிஸ் மற்றும் பவுச்சரின் வேலைகளுடன் தொடர்புடையவை, யாருடைய வரைபடங்களின்படி அவை உருவாக்கப்பட்டன. ஃபால்கோனெட் பணிபுரிந்த செவ்ரெஸ் தொழிற்சாலையின் அடுத்தடுத்த செழிப்பும் பெரும்பாலும் பவுச்சரின் செயல்பாடுகளால் ஏற்பட்டது. இந்த பகுதியில்தான் ரோகெய்ல் அலங்கரிப்பவரின் நேர்த்தியான திறமை மிகவும் இயல்பாக வெளிப்பட்டது. 18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் நிகழ்த்தப்பட்டது. செவ்ரெஸில், அவரது ஓவியங்களின் அடிப்படையில், மெருகூட்டப்படாத பிஸ்கு பீங்கான்களால் செய்யப்பட்ட சிறிய சிற்பங்கள் அவர் செய்தவற்றில் மிகச் சிறந்ததாக இருக்கலாம். அவர்களின் பாடல் நுணுக்கம் மற்றும் அழகான நேர்த்தி ஆகியவை சகாப்தத்தின் மற்ற வகையான அலங்கார கலைகளின் சிறப்பியல்பு அம்சங்களாகும். Boucher மற்றும் Falconetக்குப் பிறகு, Sèvres இன் சிற்பப் பட்டறைகள் Le Riche ஆல் வழிநடத்தப்பட்டன, பின்னர் Boisot ஆல் வழிநடத்தப்பட்டன. பிரெஞ்சு சிற்பிகள் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் பிளாஸ்டிக் கலையின் அறை வடிவங்களில் ஆர்வத்தை பராமரித்தனர். Sevres க்கான மாதிரிகள் Sali, Pigalle, Clodion மற்றும் பிறரால் செய்யப்பட்டன.

ஃபிராங்கோயிஸ் பவுச்சர் (1703-1770) தன்னை வாட்டியோவைப் பின்பற்றுபவர் என்று கருதினார். அவர் தனது ஓவியங்களை பொறிக்க ஆரம்பித்தார். ஆனால் வாட்டியோவின் கலையின் ஆழமான உள்ளடக்கத்திற்கும் பௌச்சரின் படைப்புகளின் வெளிப்புற அலங்காரத்திற்கும் இடையே ஒரு அடிப்படை வேறுபாடு உள்ளது, இது 18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் ஆனது. பிரான்சில் கலை ரசனைகளின் ட்ரெண்ட்செட்டர். பௌச்சரின் வேலைப்பாடுகளில், வாட்டியோவின் கடுமையான வகை காட்சிகள் அலங்கார விக்னெட்டுகளாக மாறியது. இதே போன்ற கொள்கைகள் பின்னர் ரோகோகோ புத்தக விளக்கப்படங்களில் பொதிந்தன - விக்னெட்டுகள் மற்றும் முடிவுகள் புத்தகத்தை நேர்த்தியான வடிவங்களுடன் அலங்கரித்தன, ஸ்டக்கோ மற்றும் டெசுடெபோர்ட்ஸ் ரோகெய்ல் உட்புறங்களை அலங்கரித்தது போல. Lancret, Pater மற்றும் Eisen ஆகியோருடன் சேர்ந்து, Boucher லா ஃபோன்டைனின் விசித்திரக் கதைகளுக்கான வரைபடங்களை பொறித்தார். இது Larmessen தொகுப்பு என்று அழைக்கப்படும், உளி மற்றும் பொறித்தல் ஆகியவற்றின் கலவையான நுட்பங்களில் நிகழ்த்தப்படுகிறது.

பௌச்சரின் வரைபடங்கள் வாட்டியோவைப் போல ஆன்மீக ரீதியில் இல்லை, ஆனால் அவை அவற்றின் சொந்த வழியில் வெளிப்படையான மற்றும் உணர்ச்சிகரமானவை. ஏறக்குறைய கைரேகை கருணையுடன், "தி மில்" (A. S. புஷ்கின் நுண்கலை அருங்காட்சியகம்) என்ற வாட்டர்கலர் மற்றும் பிஸ்ட்ரே வரைதல் உருவாக்கப்பட்டது. படத்தின் கலவை உறுதியாக அலங்காரமானது - நதி, மரம் மற்றும் மேகம் ஆகியவை இந்த சகாப்தத்தின் ஆபரணங்களைப் போலவே ஒரு வளைந்த கோட்டை உருவாக்குகின்றன. பௌச்சரின் நிலப்பரப்பு இசையமைப்பில், உண்மைத்தன்மை மற்றும் இயற்கையின் உண்மையான பேரானந்தம் இல்லாவிட்டாலும், அவை அன்றாட வாழ்க்கையிலிருந்து எடுக்கப்பட்ட மையக்கருத்துக்களால் உயிர்ப்பிக்கப்படுகின்றன. நாடாக்கள் மற்றும் பீங்கான்கள், வேலைப்பாடுகள் மற்றும் வரைபடங்களுக்கான ஓவியங்களைத் தவிர, பௌச்சர் ஏராளமான ஈசல் ஓவியங்களை எழுதினார், இருப்பினும், ரோகெய்ல் உள்துறை அலங்காரத்தின் அதே கொள்கைகளுடன் இணைக்கப்பட்டுள்ளது. அவர் பிரஞ்சு ஆயர் வகையின் உண்மையான படைப்பாளி ஆவார், அற்புதமான மேய்ப்பர்கள் மற்றும் அழகான மேய்ப்பர்கள் அல்லது பண்டைய புராணங்களின் சிற்றின்ப அத்தியாயங்களை சித்தரிக்கிறார். பௌச்சரின் மேய்ச்சல்கள் இனிமையானவை, அவை "கிராமப்புற காட்சிகளுக்கான" உணர்வுபூர்வமான உன்னத நாகரீகத்திற்கு ஒரு எடுத்துக்காட்டு. லூவ்ரின் "தி ஸ்லீப் ஷெப்பர்டெஸ்" (1745), "டயானாவின் குளியல்" (1742) மற்றும் ஒரு நேர்த்தியான நிலப்பரப்பில் பொம்மை உருவங்களை சித்தரிக்கும் பிற படைப்புகள் போன்றவை. இது "இனிமையான கலை", அது தயவு செய்து, ஆனால் தொந்தரவு செய்யவில்லை. அவரது இளமை பருவத்தில், இத்தாலிய பயணத்தின் போது, ​​​​பௌச்சர் டைபோலோவின் சில ஓவிய நுட்பங்களை ஏற்றுக்கொண்டார், குறிப்பாக தட்டுகளின் பிரகாசம். அவரது நிம்ஃப்களின் உடல்கள் மென்மையான ஒளியை வெளியிடுவது போல் தெரிகிறது, மேலும் நிழல்கள் மற்றும் விளிம்புகள் இளஞ்சிவப்பு நிறமாக மாறும். பௌச்சரின் இயற்கைக்கு மாறான வண்ணங்கள் அவர்கள் நேர்த்தியான, அரிய நிழல்களைத் தேடிக்கொண்டிருந்த காலத்தின் சிறப்பியல்பு: "புறா கழுத்து", "விளையாட்டு மேய்ப்பவள்", "இழந்த நேரத்தின் நிறம்", "மகிழ்ச்சியான விதவை" மற்றும் "நிறத்தின் நிறம்" உற்சாகமான நிம்ஃபின் தொடை". பௌச்சரின் ஓவியப் பாணியின் தனித்தன்மை என்னவென்றால், அவர் "பிரமாண்டமான பாணியை" நோக்கி ஈர்க்கப்பட்டார் மற்றும் லெப்ரூனின் எபிகோன்களைப் போன்ற இலட்சியமயமாக்கல் முறைகளைப் பயன்படுத்தினார். அவரது ஓவியங்களில் சமச்சீரற்ற ரோகெய்ல் வடிவங்களுடன் கல்விசார் முக்கோண மற்றும் பிரமிடு கலவைகளை ஒருவர் கண்டறிய முடியும். இந்த குளிர் பகுத்தறிவு பௌச்சரை வாட்டியோ மற்றும் அவரது பள்ளியிலிருந்து வேறுபடுத்துகிறது. அவரது சமகாலத்தவர்களின் சாட்சியங்களின்படி, இயற்கையை உன்னிப்பாகப் பார்க்க விரும்பாத பௌச்சர், அதில் இணக்கமும் வசீகரமும் இல்லை, அது முழுமையற்றது மற்றும் மோசமாக வெளிச்சம் கொண்டது என்று வாதிட்டார். வெளிப்படையாக, அதனால்தான் அவர் தனது ஓவியங்களில் வண்ணமயமான மற்றும் மிகவும் ஒளி - இளஞ்சிவப்பு மற்றும் நீலத்தை உருவாக்க முயன்றார். ஆச்சரியப்படுவதற்கில்லை, பவுச்சரின் நடத்தைகள் கடுமையாக விமர்சிக்கப்பட்டன; கல்வியாளர்களால் அவரது கலையின் எதிர்மறை மதிப்பீடு அறியப்படுகிறது.

நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் ரோகோகோவின் முன்னணி மாஸ்டராக இருந்த பவுச்சரைச் சுற்றி, இந்த இயக்கத்தின் பல கலைஞர்கள் குழுவாக இருந்தனர் - சார்லஸ் ஜோசப் நேட்டோயர், பியர் சார்லஸ் ட்ரெமோலியர், கார்ல் வான்லூ, பழைய தலைமுறையின் துணிச்சலான ஓவியர்கள் - சார்லஸ் அன்டோயின் கோய்பெல், ஜீன் மார்க் நாட்டியர் - அவரது கலையை கவனமாக பார்த்தார்.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியின் சிற்பம், ஓவியம் போன்றது, உள்துறை அலங்காரத்தின் கொள்கைகளை சார்ந்தது. Soubise ஹோட்டலில், desudéportes நிவாரணத்தில் தூக்கிலிடப்படுகிறார்கள், ஸ்டக்கோ ஆபரணத்தில் நெய்யப்பட்ட மன்மதனின் உருவங்களைக் குறிப்பிடவில்லை. உட்புறத்தில் நின்றிருந்த புராணக் குழுக்களும், உருவப் படங்களும் அலங்காரச் சிற்பத்தை எதிரொலித்தன. ஆனால் 18 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் தசாப்தங்களில். சிற்பத்தில் வெர்சாய் பள்ளியின் மரபுகள் அதன் நினைவுச்சின்னம் மற்றும் இடஞ்சார்ந்த நோக்கத்துடன் வலுவாக இருந்தன. நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில் பணிபுரிந்த பல கைவினைஞர்கள் வெர்சாய்ஸ் பூங்கா, மார்லி மற்றும் 17 ஆம் நூற்றாண்டில் கட்டப்பட்ட பிரமாண்டமான பாரிசியன் குழுமங்களுக்கான ஆர்டர்களை மேற்கொண்டனர். Guillaume Cousto the Elder (1677-1746) ஆற்றல் மற்றும் வெளிப்பாடு நிறைந்த மார்லி குதிரைகளின் குழுவை உருவாக்கினார், அவை இப்போது பாரிஸில் உள்ள Champs-Elysees இன் தொடக்கத்தில் நிற்கின்றன. உருவக உருவங்களில் செவ்வாய், மினெர்வா மற்றும் லூயிஸ் XIV - முகப்பின் சிற்பங்கள் மற்றும் இன்வாலைட்ஸ் நுழைவாயிலின் முக்கிய டிம்பானம் ஆகியவற்றையும் அவர் வைத்திருக்கிறார்.

எட்மே பௌச்சார்டன் (1698-1762), கூஸ்டோவின் மாணவர், வெர்சாய்ஸில் பணிபுரிந்தார். நினைவுச்சின்ன அரண்மனை பள்ளியின் திறன்கள் அதன் உருவாக்கத்தில் ஒரு பங்கைக் கொண்டிருந்தன. பவுச்சார்டனின் மிகவும் பிரபலமான படைப்புகளில், லூயிஸ் XV இன் உயிர்பிழைக்கப்படாத குதிரையேற்றச் சிலை உள்ளது, இது ஒரு காலத்தில் அதே பெயரில் (இப்போது பிளேஸ் டி லா கான்கார்ட்) சதுரத்தின் மையத்தில் இருந்தது, அதே போல் பாரிஸில் உள்ள ரூ டி கிரெனெல்லில் உள்ள பெரிய நீரூற்று ( 1739-1745). இந்த மாஸ்டரின் பணியில், புதிய கலை நுட்பங்கள் வரையறுக்கப்பட்டுள்ளன. மறைந்த வெர்சாய்ஸ் கிளாசிக்ஸின் சிறப்பியல்பு, வடிவங்களின் கனம் மற்றும் பிரகாசத்திலிருந்து அவர் தன்னை விடுவித்துக் கொள்கிறார், மேலும் பாடல் வரிகள், இயக்கங்களின் கருணை, ஒளி மற்றும் நிழல் மாற்றங்களின் மென்மை மற்றும் நெகிழ்வான வரிகளின் இசைத்திறன் ஆகியவற்றில் தேர்ச்சி பெற்றார். இந்த அம்சங்கள் கிரெனெல் தெருவில் உள்ள நீரூற்றை அலங்கரிக்கும் உருவக உருவங்களால் வேறுபடுகின்றன. இது ஒரு வீட்டின் முகப்பைப் போன்ற பெரிய கட்டடக்கலை மற்றும் சிற்ப அமைப்பைக் குறிக்கிறது. கீழ் பழமையான அடுக்கு மேல் நிலைக்கு ஒரு பீடமாக செயல்படுகிறது, மையம் மேல் அடுக்கின் அயனி போர்டிகோவால் குறிக்கப்படுகிறது, அதன் இருபுறமும் சிலைகளுடன் கூடிய இடங்கள் உள்ளன, முக்கிய இடங்களின் கீழ் நிவாரணங்கள் உள்ளன. இது ஒரு சகாப்தத்தின் குறுக்கு வழியில் நிற்கும் ஒரு நினைவுச்சின்னம்: ஒரு குழிவான சுவர் நீண்டுகொண்டிருக்கும் நடுத்தர பகுதி ரோகைல் அமைப்புகளின் விசித்திரமான தன்மையை நினைவுபடுத்துகிறது; ஆறுகள் மற்றும் குறிப்பாக நிவாரணங்களின் உருவகப் படங்களில், பாடல் வரிகள், ஆயர் குறிப்புகள் வலுவானவை; கலவையின் மையமாக செயல்படும் போர்டிகோ, அதை ஒருங்கிணைக்கிறது, ரோகோகோவிற்கு அசாதாரணமான தீவிரத்தையும் கட்டுப்பாட்டையும் அளிக்கிறது. பௌச்சார்டனின் மிகவும் பிரபலமான படைப்புகளில் ஒன்று மன்மதன் சிலை (1739-1750; லூவ்ரே).

எல்லாவற்றிற்கும் மேலாக, ரோகோகோ பாணியின் அம்சங்கள் ஜீன் பாப்டிஸ்ட் லெமோயின் (1704-1778) படைப்பில் வெளிப்பட்டன. அவரது வேலையின் முக்கிய பகுதி அலங்கார சிற்பம் மற்றும் குறிப்பாக உருவப்பட மார்பளவு. அவர் சௌபிஸ் ஹோட்டலில் பணிபுரிந்த அந்த சிற்பிகளில் ஒருவர் - அவர் அங்கு உருவக உருவங்களை வைத்திருந்தார். ஹெர்மிடேஜ் சேகரிப்பில் (லெனின்கிராட்) ஒரு இளம் பெண்ணின் உருவப்படத்தில், கலவையின் அழகான சமச்சீரற்ற தன்மை, வரிகளின் மென்மை, இயக்கத்தின் ஊர்சுற்றல் - லெமோயினின் திறமையின் இந்த அம்சங்கள் அனைத்தும் மிகவும் பொதுவான ரோகோகோ ஓவியராக அவரது பங்கை வரையறுக்கின்றன. , ஒரு பாடல் வரி மற்றும் நுணுக்கமான உணர்வைக் கொண்டுள்ளது, ஆனால் பாத்திரத்தின் சிக்கலான தன்மையை வெளிப்படுத்த முயற்சிக்கவில்லை.

1730-1740 களில் பிரெஞ்சு ஓவியத்தில் ரோகோகோ கலையின் வளர்ச்சியுடன் ஒரே நேரத்தில். மூன்றாவது எஸ்டேட்டின் யோசனைகளுடன் தொடர்புடைய மற்றொரு, யதார்த்தமான திசை வெளிப்படுகிறது.

ஜீன் பாப்டிஸ்ட் சிமியோன் சார்டின் (1699 -1779) கல்வி முதுகலை (பியர் ஜாக் கேஸ், நோயல் நிக்கோலஸ் கோய்பெல், ஜீன் பாப்டிஸ்ட் வான்லூ) ஆகியோரிடம் படித்தார். காஸின் பட்டறையில், அவர் தனது ஆசிரியரின் ஓவியங்களை நீண்ட நேரம் நகலெடுக்க வேண்டியிருந்தது. வெகு காலத்திற்குப் பிறகு, அவர் இந்த நேரத்தை நினைவு கூர்ந்தார்: “எங்களுக்கு ஒரு உயிருள்ள இயல்பு வழங்கப்படுவதற்கு முன்பு, ஒரு அசைவற்ற உயிரற்ற இயற்கையின் முன் விளக்குகளின் வெளிச்சத்தில் நாங்கள் நீண்ட பகல் மற்றும் இரவுகளைக் கழிக்கிறோம். திடீரென்று முந்தைய ஆண்டுகளின் அனைத்து வேலைகளும் வீணாகிவிட்டதாகத் தெரிகிறது, நாங்கள் முதலில் பென்சிலை எடுத்ததைப் போல குழப்பமாக உணர்கிறோம். இயற்கையைப் பார்க்க கண் பயிற்சி பெற்றிருக்க வேண்டும், ஆனால் எத்தனை பேர் அதைப் பார்த்ததில்லை, பார்க்க மாட்டார்கள். இது எங்கள் வாழ்க்கையின் வேதனை" ( டி. டிடெரோட், சலோன் ஆஃப் 1765. - சேகரிப்பு soch., தொகுதி VI, M., 1946, pp. 94-95.).

அவரது இளமை பருவத்தில் கூட, ஸ்டில் லைஃப் வகையின் மீதான சார்டினின் ஈர்ப்பு தெளிவாகத் தெரிந்தது, மேலும் 1728 ஆம் ஆண்டில், முக்கிய பாரிசியன் சதுக்கங்களில் ஒன்றில் (டாஃபின் சதுக்கம்) அவ்வப்போது நடைபெற்ற “இளைஞர்களின் கண்காட்சியில்” அவர் இரண்டு பாடல்களைக் காட்டினார் - "பஃபே" மற்றும் "ஸ்கேட்" (லூவ்ரே). அவர்கள் வெற்றியடைந்தனர் மற்றும் சார்டினை கல்வியாளர்களின் வரிசையில் அறிமுகப்படுத்தினர். இந்த படைப்புகளில் ஃப்ளெமிஷ் ஓவியத்தின் தாக்கம் சரியாக கவனிக்கப்பட்டது; அவை அலங்காரமானவை மற்றும் அதே நேரத்தில் இயற்கையைப் பற்றிய சிந்தனையுடன் செறிவூட்டப்பட்டவை. சார்டின் ஃப்ளெமிங்ஸின் பெரிய, சொற்களஞ்சிய அமைப்புகளை நோக்கி அல்ல, மாறாக அதிக செறிவூட்டப்பட்ட மற்றும் ஆழமான டச்சு "காலை உணவுகளை" நோக்கி ஈர்த்தார். மிக விரைவில் அவர் அடக்கமான பாடங்களுக்கு திரும்பினார். இவை கல்ஃபாவின் ஆவியில் "சமையலறை ஸ்டில் லைஃப்கள்", இன்னும் இருண்ட நிறத்தில் உள்ளன, அவற்றில் பச்சை, ஆலிவ் மற்றும் பழுப்பு ஆகியவை ஆதிக்கம் செலுத்துகின்றன. ஏற்கனவே ஆரம்பகால ஸ்டில் லைஃப்களில் வெகுஜனங்களின் சமநிலை நுட்பமாக கணக்கிடப்பட்டது, ஆனால் பொருள்கள் இன்னும் எப்படியோ சிதறிக்கிடந்தன, மேலும் வடிவத்தின் துல்லியமான ரெண்டரிங் மிகவும் புத்திசாலித்தனமாகத் தோன்றியது.

தினசரி வகை 1730-1740 களில் ஆக்கிரமித்தது. மூன்றாம் தோட்டத்தின் ஓவியராக பார்வையாளர்களின் அனுதாபத்தை வென்ற சார்டினின் வேலையில் ஒரு முன்னணி இடம்.

1730 களின் இரண்டாம் பாதியில் தோன்றிய அவரது துவைக்கும் பெண்கள் மற்றும் சமையல்காரர்கள், அன்றாட வாழ்க்கையில் கைப்பற்றப்பட்ட அவர்களின் அடக்கமான கவிதைகளில் பவுச்சரின் சர்க்கரை மேய்ப்பவர்களிடமிருந்து வேறுபட்டனர். சார்டினின் ஓவியங்கள் நுட்பமான உணர்ச்சி மற்றும் மென்மையான நேர்மை ஆகியவற்றால் வகைப்படுத்தப்படுகின்றன. அவர் தேர்ந்தெடுக்கும் பாடங்களும் தனித்தன்மை வாய்ந்தவை. அவற்றில் செயலில் நடவடிக்கை அல்லது கடினமான சூழ்நிலை இல்லை. கதாபாத்திரங்களுக்கு இடையிலான உறவுகள் அவர்களின் வாழ்க்கையின் எந்த அசாதாரண தருணத்திலும் அல்ல, ஆனால் அமைதியாக, நிதானமான அன்றாட நடவடிக்கைகளில் வெளிப்படுத்தப்படுகின்றன. அவரது கலை சிந்தனைக்குரியது, சிக்கலான, வியத்தகு எதுவும் இல்லை வாழ்க்கை பிரச்சனைகள். அந்த நேரத்தில் வேறுபட்ட, மிகவும் பயனுள்ள இலட்சியத்தின் தோற்றத்திற்கு போதுமான முன்நிபந்தனைகள் இன்னும் இல்லை.

"தி குக்" (1738; வியன்னா, கேலரி லிச்சென்ஸ்டைன்) சிந்தனைக்குரியதாக வழங்கப்படுகிறது; கலைஞர் நேரத்தை தாமதப்படுத்துகிறார், நேரடி செயலை சிந்தனையுடன் மாற்றுகிறார். இது அவரது ஆரம்ப நாட்களில் மிகவும் பிடித்த நுட்பமாகும், இதன் உதவியுடன் மிகவும் சாதாரண அத்தியாயத்தின் முக்கியத்துவம் அதிகரிக்கிறது.

சார்டினின் மிகப்பெரிய சித்திர சாதனைகளில் ஒன்று, அவர் வண்ண பிரதிபலிப்பு முறையைப் பரவலாகப் பயன்படுத்தினார். இங்கே, எடுத்துக்காட்டாக, வெள்ளை நிறம் இளஞ்சிவப்பு, மஞ்சள், வெளிர் நீலம் மற்றும் சாம்பல் நிற நிழல்களிலிருந்து பிணைக்கப்பட்டுள்ளது. ஒன்றன்பின் ஒன்றாக வைக்கப்படும் சிறிய பக்கவாதம் துடிப்பான வண்ண மாற்றங்களின் உணர்வைத் தூண்டுகிறது மற்றும் அவற்றின் சுற்றுச்சூழலுடன் பொருள்களின் உறவைத் தூண்டுகிறது.

1730 களின் இறுதியில். சார்டினின் அன்றாட வகைகளில், சதி யோசனைகள் மிகவும் சிக்கலானதாக மாறும் மற்றும் தார்மீக குறிப்புகள் மிகவும் கவனிக்கத்தக்கவை. இந்த ஆண்டுகளின் அனைத்து வகை ஓவியங்களும் கல்வியின் காட்சிகளை சித்தரிக்கின்றன: "தி கவர்னஸ்" (வியன்னா), 1740 ஆம் ஆண்டு வரவேற்பறையில் காட்சிப்படுத்தப்பட்ட இரண்டு ஜோடி பாடல்கள் - "கடின உழைப்பாளி தாய்" மற்றும் "இரவு உணவிற்கு முன் பிரார்த்தனை" (இரண்டும் லூவ்ரில்). "இரவு உணவிற்கு முன் பிரார்த்தனை" இல் மூன்று கதாபாத்திரங்கள் - ஒரு தாய் மற்றும் இரண்டு சிறுமிகள் - ஒரு எளிய அன்றாட சூழ்நிலையால் இணைக்கப்பட்டுள்ளனர்; தாயின் அமைதியான கருணை மற்றும் குழந்தைகளின் உடனடி உணர்ச்சிகளில் பார்வையாளர் பல நிழல்களை எளிதில் யூகிக்கிறார்.

சார்டினின் வகை ஓவியங்கள் சாதாரண மக்களின் "நல்ல ஒழுக்கங்கள்", அவர்களின் வாழ்க்கை முறையின் கண்ணியம் பற்றிய கவிதை கதை. சார்டினின் யதார்த்தவாதம் அறிவொளி யுகத்தின் ஜனநாயக சிந்தனையின் முதல் வெளிப்பாடுகளில் ஒன்றாகும், இது மனிதனின் கண்ணியத்தில் நம்பிக்கையுடன், மக்கள் சமத்துவம் பற்றிய அவரது யோசனையுடன் இருந்தது. ஓவியரின் படைப்புத் தேடல் அறிவொளியின் எண்ணங்களை எதிரொலித்தது. ரூசோவின் ஆரம்பகால கற்பித்தல் பணி 1740 ஆம் ஆண்டிலிருந்து தொடங்குகிறது, அப்போது "கடின உழைப்பாளி தாய்" மற்றும் "இரவு உணவிற்கு முன் பிரார்த்தனை" ஆகியவை காட்சிக்கு வைக்கப்பட்டன, இது "நல்ல ஒழுக்கங்களை" சர்ச்சைக்குரிய வடிவத்தில் புகுத்துவதற்கான திட்டங்களை அமைத்தது.

பாடலியல் உணர்ச்சிகள் சார்டினின் கலையின் மிக முக்கியமான பண்புகளில் ஒன்றாகும். செதுக்குபவர் கோஷென் தனது சுயசரிதையில் மாஸ்டரின் ஒரு அறிக்கையைப் புகாரளிக்கிறார், இது ஒரு ஆக்கப்பூர்வமான நம்பிக்கையைப் போல் இருந்தது. ஓவியத்தின் ரகசியங்களில் ஆர்வமுள்ள ஒரு மேலோட்டமான கலைஞரின் அரட்டையால் கோபமடைந்த சார்டின் கேட்டார்: "ஆனால் அவர்கள் வண்ணப்பூச்சுகளால் வரைகிறார்கள் என்று உங்களுக்கு யார் சொன்னது?" "என்ன?" அவர் ஆச்சரியப்பட்டார். "அவர்கள் வண்ணப்பூச்சுகளைப் பயன்படுத்துகிறார்கள், ஆனால் அவர்கள் உணர்வுடன் எழுதுகிறார்கள்" என்று சார்டின் பதிலளித்தார்.

வகை ஓவியத் துறையில், சார்டினுக்கு அவரைச் சுற்றிப் பின்தொடர்பவர்கள் இருந்தனர்: ஜோரா, கேனோ, டுமெனில் தி யங்கர். இதனுடன் அவருடைய கலையின் தாக்கத்தில் தோன்றிய பல செதுக்குபவர்களின் பெயர்களை நாம் சேர்க்க வேண்டும். இவை லெபா, வில்லே, லெபிஸி, கார், சியுருக், ஃபிலிபார் மற்றும் பிற. கலை விமர்சகர் லாஃபோன் டி செயிண்ட்-யென் கருத்துப்படி, சார்டினின் ஓவியங்களில் இருந்து வேலைப்பாடுகள் மிக விரைவாக விற்றுத் தீர்ந்தன. 1750கள் மற்றும் 1760 களில், முதலாளித்துவ நல்லொழுக்கத்தைப் போதிக்கும் அன்றாட வகையின் புதிய வடிவங்கள் உருவாகிக்கொண்டிருந்தபோது, ​​அறுபது வயதான கலைஞர் வகை ஓவியத்தில் புதிதாக எதையும் உருவாக்கவில்லை; சாதாரண மனிதனின் நெறிமுறை கண்ணியத்தை உறுதிப்படுத்திய சார்டின், வேண்டுமென்றே தார்மீகமயமாக்கலுக்கு அந்நியமாகவே இருந்தார்.

அன்றாட வகை மற்றும் நிலையான வாழ்க்கை ஆகியவை சார்டின் கலையில் நெருக்கமாக இணைக்கப்பட்டுள்ளன. மூன்றாம் எஸ்டேட்டின் ஓவியருக்கு, ஸ்டில் லைஃப் கலையின் ஆழமான அர்த்தமுள்ள வகையாக இருந்தது. அவர் அன்றாட வாழ்வின் கண்ணியம் மற்றும் கவிதை பற்றி மட்டும் பேசவில்லை, இருப்பின் அழகு மற்றும் முக்கியத்துவத்தை உறுதிப்படுத்தினார்; சார்டினின் படைப்பில் இயற்கையைப் புரிந்துகொள்வது, விஷயங்களின் கட்டமைப்பு மற்றும் சாரத்தை வெளிப்படுத்துவது, அவற்றின் தனித்துவம், அவற்றின் இணைப்புகளின் வடிவங்கள் ஆகியவை உள்ளன. அவரது நிச்சயமற்ற வாழ்க்கையில் உள்ள விஷயங்கள் ஒரு நபரின் உணர்ந்த நெருக்கத்தால் ஈர்க்கப்படுகின்றன; பொருட்களின் ஏற்பாட்டின் இயல்பான தன்மை கலவை தர்க்கம், சமநிலை மற்றும் உறவுகளின் துல்லியமான கணக்கீடு ஆகியவற்றுடன் இணைக்கப்பட்டுள்ளது. நிலையான வாழ்க்கையின் உருவ அமைப்புகளின் இணக்கமான தெளிவு பார்வையாளரை மனித பயன்பாட்டிற்கான எளிய பொருட்களின் கண்டிப்பான கண்ணியத்தை மதிக்க தூண்டுகிறது. லூவ்ரே "காப்பர் டேங்க்" மற்றும் ஸ்டாக்ஹோம் "ஸ்டில் லைஃப் வித் எ ஹேர்" போன்றவை.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில். புதிய வண்ணமயமான பிரச்சனைகள் அனைத்து கலைஞர்களாலும் பரவலாக விவாதிக்கப்பட்டன; 1749 ஆம் ஆண்டில், ஸ்டில் லைஃப் மற்றும் லேண்ட்ஸ்கேப்பின் மாஸ்டர் ஜீன் பாப்டிஸ்ட் ஓட்ரியின் உரையை கல்வியாளர்கள் கேட்டனர். "இயற்பியல் மற்றும் கலைகள் மீதான அவதானிப்புகள்" என்று பொருள்படத் தலைப்பிடப்பட்ட 1757 சலோனைப் பற்றிய தனது மதிப்பாய்வில், பொருள்கள் ஒன்றுடன் ஒன்று பிரதிபலிக்கின்றன என்று கௌடியர் டகோடி எழுதினார்.

சார்டினின் படைப்புகளில், சித்திர மேற்பரப்பு சிறிய பக்கவாட்டுகளிலிருந்து நெய்யப்பட்டதாகத் தெரிகிறது; படைப்பாற்றலின் முதிர்ந்த காலகட்டத்தில், பக்கவாதம் பரந்த மற்றும் சுதந்திரமாக இருக்கும், இருப்பினும் கலைஞரின் அமைதியான மற்றும் சிந்தனைமிக்க தன்மையின் கட்டுப்பாடு எப்போதும் அவர்களுக்கு உணரப்படுகிறது. 18 ஆம் நூற்றாண்டின் மற்ற எஜமானர்களின் (“ஆரஞ்சு மற்றும் ஒரு வெள்ளி கோப்பை”, 1756; பாரிஸ், தனியார் சேகரிப்பு) படைப்புகளுக்கு அடுத்ததாக அவரது நிலையான வாழ்க்கை தொங்கும் போது, ​​வண்ணங்களின் புத்துணர்ச்சியும் சார்டினின் அனிச்சைகளின் செழுமையும் இப்போதும் வியக்க வைக்கின்றன. இது பொருட்களின் அமைப்பின் அம்சங்களை மட்டுமல்ல, அவற்றின் சதையையும் உங்களுக்கு உணர்த்துகிறது - எடுத்துக்காட்டாக, பழுத்த பழங்களின் வெளிப்படையான தோலின் கீழ் மென்மையான கூழ் மற்றும் பளபளப்பான சாறு (“பேஸ்கெட் ஆஃப் பிளம்ஸ்”, 1765 இன் வரவேற்புரை; பாரிஸ், தனிப்பட்ட சேகரிப்பு). சார்டின் வண்ணப்பூச்சு கலவைகளில் மிகவும் அதிகாரப்பூர்வ நிபுணர்களில் ஒருவராகக் கருதப்பட்டார், மேலும் புதிய வண்ணப்பூச்சுகளின் தரத்தை சோதிக்க அகாடமியால் அவர் ஒப்படைக்கப்பட்டார்.

சார்டின் பொருளின் வடிவத்தை கவனமாகவும் நம்பிக்கையுடனும் செதுக்குகிறார், வண்ணமயமான "பேஸ்ட்" உடன் பணிபுரிகிறார், அவரது எதிர்கால பானைகளுடன் ஒரு பீங்கான் போல. ஹவுஸ் ஆஃப் கார்ட்ஸ் (1735; உஃபிஸி) இப்படித்தான் உருவாக்கப்பட்டது; நிலையான வாழ்க்கை "பைப்ஸ் அண்ட் ஜக்" (லூவ்ரே) இல், ஃபையன்ஸ் பாத்திரம் மிகவும் அடர்த்தியான வண்ணப்பூச்சுடன் செதுக்கப்பட்டுள்ளது.

அன்றாட வாழ்க்கையின் கவிதைகள், விஷயங்களின் சாராம்சத்தைப் பற்றிய நுட்பமான நுண்ணறிவு, வண்ணத்தின் பாடல் வரிகள் மற்றும் இசையமைப்பு தர்க்கம் ஆகியவை சார்டினின் கலைக்கும் யதார்த்தமான நிலையான வாழ்க்கையின் வளர்ச்சியில் முந்தைய கட்டத்திற்கும் இடையிலான மிக முக்கியமான வேறுபாடுகளை உருவாக்குகின்றன.

சார்டின் தனது திட்டத்தை செயல்படுத்துவதில் அவசரப்படவில்லை, ஒவ்வொரு விவரத்தையும் கவனமாக பரிசீலித்தார். சார்டின் பூர்வாங்க ஓவியங்களைத் தயாரிக்கவில்லை என்பதால், வேலை செயல்முறையின் சிந்தனை மிகவும் முக்கியமானது. அவரது சமகால மேரியேட் இதைப் பற்றி நேரடியாகப் பேசுகிறார். உண்மையில், சார்டினின் எந்த வரைபடங்களும் எங்களை அடையவில்லை. அவரது ஓவியங்களில் வரையப்பட்டதில் பெரிய திருத்தங்கள் இருந்ததற்கான தெளிவான தடயங்கள் எதுவும் இல்லை. படைப்பின் இந்த இயல்புடன், வரைதல் பற்றிய ஆழமான அறிவு மற்றும் கலைஞரின் இசையமைப்பில் தேர்ச்சி ஆகியவை குறிப்பாக தெளிவாக உள்ளன. அவரது பாடல்கள் மிகச் சிறப்பாகவும் முழுமையாகவும் கட்டப்பட்டுள்ளன, எடுத்துக்காட்டாக, ஸ்டாக்ஹோம் அருங்காட்சியகத்திலிருந்து "தி டிராட்ஸ்மேன்".

1770களில். சார்டின் ஏற்கனவே முதிர்ந்த வயதில் இருந்தார்; இந்த ஆண்டுகளில், மற்றொரு உருவப்பட சுழற்சி எழுந்தது. சார்டினின் முந்தைய உருவப்படங்களில் (உதாரணமாக, நகைக்கடைக்காரர் கோட்ஃப்ராயின் மகனின் உருவத்தில்), பாத்திரப் பண்புகள் ஒரு ஆக்கிரமிப்பின் மூலம் வெளிப்படுத்தப்பட்டன, இது படத்திற்கு மிகவும் மையமானது, இது ஒரு வகை காட்சியைப் போலவே உணரப்படுகிறது. கோட்ஃப்ராயின் மகனின் உருவப்படம் "பாய் வித் எ விர்லிங் டாப்" (1777; லூவ்ரே) என்று அறியப்படுவது தற்செயல் நிகழ்வு அல்ல. 1770 களில், வெளிர் நுட்பத்திற்கு மாறிய சார்டின், சித்தரிக்கப்பட்ட நபரின் தோற்றத்தில் கவனம் செலுத்தினார். இந்த படைப்புகளில் மூன்றாம் எஸ்டேட்டின் மனிதனின் வகை படிகமாகிறது. இது கலைஞரின் மனைவியின் உருவப்படம் (1775; லூவ்ரே). அவளுடைய அக்கறையிலும் தீவிரமான பார்வையிலும் - அன்றாட சிறு கவலைகள் மற்றும் கவலைகளின் தடயங்கள் - இந்த உருவத்தில் பொதிந்துள்ள வாழ்க்கை முறையின் சிறப்பியல்பு, இல்லறம் மற்றும் விவேகத்தின் பண்புகள் தோன்றும். "செல்ஃப் போர்ட்ரெய்ட் வித் எ க்ரீன் விஸர்" (1775; லூவ்ரே) வீட்டு உடைகளில் சார்டினைக் குறிக்கிறது. உருவத்தின் தெளிவான தொகுதியில், ஓவியம் வடிவம் மிகவும் சிறியதாக இருப்பதால், அவரது தோரணையின் உறுதியைப் படிக்கலாம். போஸின் நம்பிக்கை, தலையின் கட்டுப்படுத்தப்பட்ட திருப்பத்தால் ஆதரிக்கப்படுகிறது, மற்றும் கவனமான பார்வையின் நுண்ணறிவு, வாழ்க்கையில் நீண்ட மற்றும் கடினமான பயணத்தை கடந்து வந்த ஒரு கடுமையான மற்றும் கோரும் நபரின் கண்டிப்பான கண்ணியத்தை வெளிப்படுத்துகிறது.

சார்டினின் பணியுடன் ஏறக்குறைய ஒரே நேரத்தில், லத்தூரின் உருவப்படக் கலை வடிவம் பெற்றது, இது 18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் யதார்த்தவாதத்தின் மிகப்பெரிய நிகழ்வுகளில் ஒன்றாகும்.

நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில், மரபுகள் நிலவின சடங்கு படம், அதன் பிரதிநிதிகள் ரிகாட் மற்றும் லார்கில்லியர்; இருப்பினும், அவர்களின் பணி புதிய யோசனைகளால் பாதிக்கப்பட்டது, மேலும் உணர்வின் கவிதைகள் கம்பீரமானவரின் பரிதாபங்களை ஒதுக்கித் தள்ளியது. மற்ற வகைகளைப் போலவே, 1730 மற்றும் 1740 களில், உருவப்படத்தில் பல்வேறு போக்குகள் வெளிப்பட்டன. ரோகோகோ ஓவியர்களான ஜீன்-மார்க் நாட்டியர் (1685-1766), ட்ரூட் மற்றும் பலர் நீதிமன்றப் பெண்களை தங்கள் ஓவியங்களில் பண்டைய தெய்வங்களின் பண்புகளால் அலங்கரித்தனர். நடத்தை மற்றும் இலட்சியமயமாக்கல் நீதிமன்றத்தில் நாட்டியரின் வெற்றியைத் தீர்மானித்தது. பௌச்சரைப் போலவே, நாட்டியர் பல அமர்வுகளுடன் மாடலைச் சுமக்கவில்லை, வாழ்க்கையில் இருந்து விரைவான ஓவியத்திற்கு தன்னைக் கட்டுப்படுத்திக் கொண்டார். சமகாலத்தவர்கள், Nattier அவரது வகையை வரலாற்றுக்கு ஒப்பிட்டார், இது கலைஞரின் "அபோதியோசிஸ்", இலட்சியமயமாக்கல் மற்றும் இயற்கையின் அலங்காரத்திற்கான விருப்பமாக புரிந்து கொள்ளப்பட்டது. அவரது உருவப்படங்கள் ஒரு வகையான பொம்மை போன்ற அழகு, வண்ணங்கள் வழக்கமானவை, நிழற்படங்கள் நேர்த்தியானவை; அவர் ஒரு ஓவிய ஓவியரின் உளவியலை வெளிப்படுத்தவில்லை, மாறாக முகஸ்துதி மற்றும் திறமையான அலங்கரிப்பாளரின் திறமைகளை வெளிப்படுத்துகிறார். உதாரணமாக, ஹெபே (1744; லூவ்ரே) வடிவத்தில் டச்சஸ் டி சாலின் உருவப்படம் உள்ளது. 1747 இன் வரவேற்புரையை விவரிக்கும் விமர்சகர் செயிண்ட்-இயன் வயதான பெண்களின் இந்த "வேடிக்கையான அபோதியோஸ்களை" கேலி செய்தார்.

லூயிஸ் டோக்வெட் (1696-1772), நாட்டியரைப் பின்பற்றுபவர், மிகவும் புத்திசாலித்தனமான, விவரிப்புப் பரிசைக் கொண்டிருந்தார். அவர் வகைகளின் படிநிலையை மதித்தார், மேலும் உருவப்படத்தின் நெருக்கத்தை நோக்கி ஈர்க்கப்பட்டார், ரிகாட்டின் சடங்கு கலவையின் பாரம்பரிய வடிவங்களையும் பயன்படுத்தினார் ("மரியா லெஷ்சின்ஸ்காயா"; லூவ்ரே). 1750 இல் ஒரு கல்வி மாநாட்டில் ஒரு உரையில், முகத்தை அழகாகக் கொடுக்கும் சாதகமான சூழ்நிலைகளை உருவப்பட ஓவியர்கள் படம்பிடிக்க வேண்டும் என்று அவர் பரிந்துரைத்தார். ஆயினும் டோக் நாட்டியரைக் காட்டிலும் வாழ்க்கையிலிருந்து அதிகம் உழைத்தார், மேலும் விவரங்களுக்கான அவரது அன்பு மாதிரியின் தனித்துவத்தை வெளிப்படுத்த அவருக்கு உதவியது. அவரது உருவப்படங்கள் மிகவும் இயல்பானவை மற்றும் எளிமையானவை.

1730-1740 களில், உருவப்படத்தில் யதார்த்தமான போக்குகள் வலுவாக வளர்ந்தன. அவர்கள் முதலில் சார்டினின் "வகை உருவப்படம்" வடிவத்தில் தோன்றினர். ஜாக் ஆண்ட்ரே ஜோசப் அவெட் என்ற உருவப்படக் கலையில் இதே போன்ற அம்சங்கள் கவனிக்கத்தக்கவை. அதே ஆண்டுகளில், லத்தூர் தனது முதல் படைப்புகளை உருவாக்கினார்.

Maurice Quentin de Latour (1704-1788) செயின்ட் குவென்டனே நகரில் பிறந்தார். அவரது இளமை பருவத்தில், அவர் பாரிஸுக்குச் சென்று அங்கு சிறு கலைஞர்களுடன் படித்தார், மேலும் இத்தாலிய ரோசல்பா கேரியரா மற்றும் பிரெஞ்சுக்காரர் விவியன் ஆகியோரால் பாஸ்டலிஸ்டுகளால் பாதிக்கப்பட்டார். "முதல் பார்வையில் முக அம்சங்களைக் கைப்பற்றுவதற்கான இயற்கையான பரிசு" அவருக்கு இருப்பதாகக் குறிப்பிடப்பட்டது, ஆனால் இந்த பரிசு மெதுவாக வளர்ந்தது. 1730 களின் நடுப்பகுதியில் மட்டுமே. லத்தூர் புகழ் பெற்றார், 1737 ஆம் ஆண்டில் அவர் அகாடமியில் "வெளிர் உருவப்படங்களின் ஓவியராக" அனுமதிக்கப்பட்டார், மேலும் ஒரு வருடம் கழித்து வால்டேரே அவரை பிரபலமானவர் என்று அழைத்தார்.

லத்தூரின் முதல் படைப்பு, நமக்குத் தெரிந்த தேதி, வால்டேரின் உருவப்படம். லத்தூரின் ஆரம்பகால வெற்றிகள் 1737-1739 இல் லூவ்ரில் வரவேற்புரை கண்காட்சிகள் மீண்டும் தொடங்கப்பட்டது.

1742 இன் வரவேற்பறையில் அவர் அபோட் ஹூபர்ட்டின் (ஜெனீவா, அருங்காட்சியகம்) உருவப்படத்தை காட்சிப்படுத்தினார். இந்த இசையமைப்பின் வகையின் தன்மை சார்டினின் ஒத்த ஓவியங்களுக்கு நெருக்கமாகக் கொண்டுவருகிறது. கற்றறிந்த மடாதிபதி டோம் மீது வளைந்தார். மாதிரியின் சார்டினின் பாடல் வரிகள் அவர்களின் சுறுசுறுப்பான வாழ்க்கையின் தருணத்தில் எண்ணங்கள் மற்றும் உணர்வுகளின் சிக்கலான இயக்கத்தைப் பிடிக்கும் விருப்பத்தால் இங்கே மாற்றப்பட்டுள்ளன: அபே ஹூபர்ட் தனது வலது கையின் விரலால் புத்தகத்தின் பக்கங்களை இரண்டையும் ஒப்பிடுவது போல் வைத்திருக்கிறார். இந்த படைப்பின் பத்திகள் (மான்டெய்ன் எழுதிய "கட்டுரைகள்"). Nattier போன்ற ஓவியர்களைப் போலல்லாமல், Latour மாதிரியை "அலங்கரிப்பதை" தவிர்த்தது மட்டுமல்லாமல், அவரது அசல் தன்மையையும் அம்பலப்படுத்தினார். ஹூபர்ட்டின் ஒழுங்கற்ற முக அம்சங்கள் அறிவார்ந்த சக்தியால் தூண்டப்படுகின்றன. கனமான சுருக்கமான இமைகள் ஊடுருவும் பார்வையை, கேலியான புன்னகையை மறைக்கின்றன. மடாதிபதியின் முகபாவனைகள் இந்த மனிதனின் அசாதாரண இயக்கம் மற்றும் ஆற்றலின் உணர்வை வெளிப்படுத்துகின்றன.

வெளிப்படையான முகபாவனைகளின் உதவியுடன் சித்தரிக்கப்படும் நபரை குணாதிசயப்படுத்தும் முறை, சிந்தனையின் சுறுசுறுப்பான வாழ்க்கையை வெளிப்படுத்துவது, லத்தூரின் கொள்கைகளால் தீர்மானிக்கப்படுகிறது. இது புதியது மட்டுமல்ல சமூக வகைசார்டினின் முதல் உருவப்படங்கள் அவரது தார்மீக நற்பண்புகளுடன். காலத்தின் விமர்சன உணர்வோடு ஊறிப்போன ஒரு சுறுசுறுப்பான தன்மை நமக்கு முன் உள்ளது.

1740 களின் முதல் பாதியில். லத்தூர் பெரிய சடங்கு உருவப்படங்களையும் வரைந்தார். 1746 ஆம் ஆண்டில் அகாடமிக்கு ஓவியர் ரெட்டுவின் உருவப்படத்தை வழங்கிய பின்னர், லத்தூர் கல்வியாளர் என்ற பட்டத்தைப் பெற்றார்.

இந்த ஆண்டுகளின் பெரிய இசையமைப்பில், அவரது சமகாலத்தவர்களால் "பாஸ்டல்களின் ராஜா" என்று அழைக்கப்படும் டுவால் டி எல் எபினேயின் (1745; ரோத்ஸ்சைல்ட் சேகரிப்பு) உருவப்படம், உண்மையில், இது 1740 களின் சிறந்த படைப்புகளில் ஒன்றாகும். குணாதிசயத்தின் துல்லியம் இரக்கமற்ற தன்மையின் எல்லைகளாகும்

லாட்டூரின் இத்தகைய படைப்புகளில்தான் கலைஞரின் விழிப்புணர்வு இயற்கை விஞ்ஞானியின் அக்கறையின்மைக்கு மிகவும் ஒத்திருக்கிறது. இது புரிந்துகொள்ளத்தக்கது - அத்தகைய மாதிரியானது அவரது உணர்வுகளை உற்சாகப்படுத்துவதை விட ஓவியரின் பகுப்பாய்வு திறனை வளர்க்கும். மெல்லிய உலர்ந்த உதடுகளின் திமிர்த்தனமான வெளிப்பாட்டில், பார்வையின் எச்சரிக்கையில், அவநம்பிக்கை, சந்தேகம் மற்றும் ஆணவம் வெளிப்படுகிறது, தோற்றத்தின் மூலம் "பிரகாசிப்பது" போல். அதனால்தான் டுவால் டி எல் எபினேயின் உருவப்படம், படத்தின் அனைத்து உணர்ச்சியற்ற தன்மையுடன், ஹூபர்ட்டின் உருவப்படத்தைப் பற்றி சிந்திக்கும்போது எழும் உணர்ச்சிகளைப் போலல்லாமல், கலைஞர் நிச்சயமாக மாடலுடன் அனுதாபப்படுகிறார் ஒரு வகையான மற்றும் முரண்பாடான சமூக உரையாசிரியரின் நியமன முகமூடியிலிருந்து பார்வையாளரை இயற்கையின் உண்மையான குணாதிசயங்களுக்கு இட்டுச் செல்வது போல் தோன்றுகிறது.

1750 களில் லத்தூர் அவரது மிகவும் பிரபலமான படைப்புகளை நிகழ்த்தினார். 1753 ஆம் ஆண்டு வரவேற்பறையில், பிரான்சின் அறிவொளி தத்துவவாதிகள், எழுத்தாளர்கள் மற்றும் விஞ்ஞானிகளை சித்தரிக்கும் தொடர்ச்சியான உருவப்படங்களை அவர் காட்சிப்படுத்தினார். இந்த நேரத்தில் எஜமானரின் படைப்பாற்றலின் மிக முக்கியமான அம்சங்களில் ஒன்று, செயலில் மற்றும் வலுவான விருப்பமுள்ள ஆளுமையின் கண்ணியத்தை உறுதிப்படுத்துவதாகும். லத்தூரின் உருவப்படம் பொதுவாக அறிவுசார்ந்ததாக இருக்கும். கலைஞர் மனித இயல்பின் தெளிவற்ற, இருண்ட பக்கங்களைத் தவிர்த்தார், பகுத்தறிவின் ஒளியால் ஒளிரவில்லை. விமர்சனத்தின் ஆவியும் பகுப்பாய்வு நுணுக்கமும் பழைய, இறக்கும் ஒழுங்கிற்கு எதிரான முற்போக்கு சிந்தனையின் போராட்டத்தின் காலத்தால் உருவாக்கப்பட்ட அறிவுஜீவிகளால் நிரப்பப்பட்டது. இந்த அம்சங்கள் லத்தூரின் பல சுய உருவப்படங்களிலும் காணப்பட்டன.

1753 இன் படைப்புகளில் டி'அலெம்பெர்ட்டின் உருவப்படம் உள்ளது (லூவ்ரே; செயிண்ட்-குவென்டினில் உள்ள லாட்டூர் அருங்காட்சியகத்தில் ஆயத்த ஓவியம்). முக அம்சங்கள் இயக்கத்தில் உள்ளன, ஒளியின் கண்ணை கூசும் ஒரு புன்னகை மற்றும் கலகலப்பான பார்வையின் மாற்றத்தின் உணர்வை அதிகரிக்கிறது. தத்துவ விவாதத்தின் ஆன்மாவாக இருந்த புத்திசாலித்தனமான வாதவியலாளரின் பாத்திரம் அவரது உரையாசிரியருடன் தொடர்புகொள்வது போல் வெளிப்படுகிறது. இது ஒரு பொதுவான லத்தூர் நுட்பமாகும்.

லத்தூரின் "அரிய திறமைகள்" மற்றும் அவர் வரைந்த ஓவியம் பற்றி ரூசோ பாராட்டினார். ரூசோவின் படம் பல பதிப்புகளில் அறியப்படுகிறது. செயிண்ட்-குவென்டின் அருங்காட்சியகத்தின் உருவப்படத்தில், ரூசோ சிந்தனையுடனும் மனச்சோர்வுடனும் இருக்கிறார், ஆனால் அவரது பார்வையில் சிறப்பு கலகலப்பு நிரம்பியுள்ளது, இருப்பின் வசீகரத்திற்கு முழு மனதுடன் சரணடையும் இந்த மனிதனின் திறனை நினைவூட்டுகிறது. உருவப்படம் "தி நியூ ஹெலோயிஸ்" ஆசிரியரின் ஆன்மாவின் சிறப்பியல்பு உணர்ச்சி உற்சாகத்தைக் கொண்டுள்ளது.

மற்றொரு இசையமைப்பில் (1753; பாரிஸ், போம் சேகரிப்பு) அவரது கஷ்கொட்டை கண்கள் அமைதியற்றதாகவும், சோகமாகவும், புருவங்கள் சுருக்கமாகவும், நெற்றியில் சுருக்கமாகவும் உள்ளன. இங்கே, சித்தரிக்கப்படும் நபரின் தோற்றத்தில், தயவுசெய்து முயற்சி செய்யாத ஒரு நபரின் கோணல் மற்றும் நிர்பந்தம் கவனிக்கப்படுகிறது. வெளிப்படுவது ஒரு சிக்கலான, முரண்பாடான படம், உணர்திறன் மற்றும் சந்தேகம், நுணுக்கம் மற்றும் கடினமான கடுமை, அவநம்பிக்கை மற்றும் மறைக்கப்பட்ட உற்சாகம் ஆகியவற்றை இணைக்கிறது. ஒரு மனச்சோர்வு புன்னகை, மறைந்து போகத் தயாராக உள்ளது, இந்த குணாதிசயத்தில் குறிப்பிடத்தக்க பங்கு வகிக்கிறது.

வெளிப்படையாக 1750 களில். லாட்டூரின் "தயாரிப்புகள்", உருவப்படங்களுக்கான தயாரிப்பு ஓவியங்களின் செழுமையையும் சேர்க்க வேண்டும். லாட்டூரின் உருவப்பட ஆய்வுகள் பக்கவாதத்தின் சுதந்திரம், ஸ்கெட்ச்சி அமைப்பு மற்றும் பல்வேறு நுட்பங்களால் வேறுபடுகின்றன: பேஸ்டல் பென்சில், சுண்ணாம்பு மற்றும் சங்குயின் ஆகியவற்றுடன் கலக்கப்படுகிறது. ஆனால் அவை உயர்ந்த உருவக மற்றும் முறையான முழுமையைக் கொண்டுள்ளன.

இந்த ஓவியங்களில் பெரும்பாலானவை Saint-Quentin அருங்காட்சியகத்தில் வைக்கப்பட்டுள்ளன.

நடிகை மேரி ஃபெல் (Saint Quentin, Latour Museum; 1757 ஆம் ஆண்டு வரவேற்பறையில் காட்சிப்படுத்தப்பட்ட உருவப்படம், எங்களை அடையவில்லை) ஒரு சிறந்த ஆய்வு. ராமேவின் ஓபரா ஜோராஸ்டரில் இருந்து ஒரு பாத்திரத்தில் அவர் பிரதிநிதித்துவப்படுத்தப்படுகிறார், எனவே அவர் ஒரு தங்க நாடா மற்றும் கருஞ்சிவப்பு மற்றும் வெள்ளை பூக்களுடன் வெளிர் நீல நிற தலைப்பாகையால் அலங்கரிக்கப்பட்டுள்ளார். இயற்கையின் ஆன்மீக மென்மை, நடிப்பு உத்வேகத்தின் வசீகரத்துடன் இங்கே பின்னிப்பிணைந்துள்ளது. நடிகையின் தலையின் அழகான திருப்பத்தில் மேடை மாநாட்டின் குறிப்பு உள்ளது, ஆனால் இது ஒரு மென்மையான, கவர்ச்சியான பார்வை மற்றும் தொடும், சிந்தனைமிக்க புன்னகையின் நேர்மைக்கு வழிவகுக்கிறது.

லத்தூரின் பெண்களின் உருவப்படங்கள் மிகவும் வித்தியாசமானவை. அவை ஒவ்வொன்றிலும், குணாதிசயத்தின் நுண்ணறிவும் நுணுக்கமும் வியக்க வைக்கிறது - பெருமை மற்றும் சற்றே முரண்பாடான காமர்கோ, அடக்கமான, தன்னிச்சையான டாங்கேவில், துணிச்சலான மற்றும் பிடிவாதமான ஃபேவார்ட், அப்பாவியாக எளிமையின் முகமூடியின் கீழ் தனது இயல்பான புத்திசாலித்தனத்தை மறைக்கிறது. இவர்கள் அனைவரும் சிறந்த நடிகைகள், மற்றும் உளவியல் படம் எப்போதும் அவர்களின் கலைத் தனித்துவத்தின் முத்திரையைக் கொண்டுள்ளது. இவ்வாறு, ஜஸ்டின் ஃபேவார்டின் (Saint-Quentin) தோற்றத்தில், அவளது கலகலப்பான கேலி, அவளுடைய பார்வையில், தைரியமான தந்திரம் மற்றும் தைரியமான உற்சாகம், அவளால் உருவாக்கப்பட்ட மேடை வகையின் அம்சங்களும் வெளிப்படுகின்றன. ஆனால் கலைத் திறமை தனித்துவத்தின் மிக முக்கியமான மற்றும், மேலும், சமூக முக்கியத்துவம் வாய்ந்த தரமாக செயல்படுகிறது.

இது லத்தூரின் கலையின் பரந்த பொது எதிரொலியின் அடித்தளங்களில் ஒன்றாகும். அவர் உருவப்படத்தில் ஒரு நபரின் சமூக நிலையை மட்டுமல்ல - மற்ற ஓவியர்களும் இதைச் செய்தார்கள் - ஆனால் இயற்கையின் செயல்பாடு, இது சித்தரிக்கப்படும் நபரின் செயல்பாட்டின் உள்ளடக்கம் மற்றும் தன்மைக்கு ஒத்திருக்கிறது.

பல அறிக்கைகள் மூலம் ஆராயும்போது, ​​லத்தூர் ஒரு வலிமையான மற்றும் சுதந்திரமான மனிதர். அவரது பெருமையை புண்படுத்தும் பிரபுக்களுடன் கடுமையான, அவர் லூயிஸ் XV வழங்கிய உத்தரவை மறுத்தார். கலைஞரின் சுதந்திரத்தை வலியுறுத்துவதற்கான விருப்பம் மேம்பட்ட சமூக சிந்தனையில் மிகுந்த ஆர்வத்துடன் இணைந்தது - டிடெரோட்டின் "சலோன்ஸ்" ஓவியர் மற்றும் அவரது விமர்சகரின் கருத்தியல் நெருக்கம் பற்றிய பல சான்றுகளைக் கொண்டுள்ளது, மேலும் லத்தூரின் சொந்த கடிதங்களில் மாறுபாடு பற்றிய சுவாரஸ்யமான விவாதங்கள் உள்ளன. இயற்கையின், ஒரு உருவப்படத்தில் முன்னோக்கு கட்டுமானம் பற்றி, கதாபாத்திரங்களின் தனிப்பயனாக்கம் மற்றும் அதன்படி - ஓவியம் நுட்பங்கள்.

Latour பச்டேல் நுட்பத்தை வளப்படுத்தியது, இது வெல்வெட்டி அமைப்பு போன்ற மென்மை, வண்ணத்தின் தூய்மை ஆகியவற்றால் வேறுபடுத்தப்பட்டது, இது ஒரு சிறப்பு பிளாஸ்டிக் சக்தியைக் கொடுத்தது.

உருவப்படத்தை உருவாக்கும் போது, ​​லத்தூர் பாகங்கள் மூலம் விநியோகிக்கப்பட்டது; முகத்தைப் படித்து, கைகளின் வெளிப்பாட்டை அவர் கவனிக்கவில்லை. ஆனால் லத்தூர் அற்புதமான திறமையுடன் முகத்தை சித்தரித்தார். அவருடன் கலகலப்பான மற்றும் நகைச்சுவையான உரையாடலைப் பராமரித்து, நீண்ட நேரம் போஸ் கொடுக்க அவர் உருவப்படத்தை கட்டாயப்படுத்தியது ஒன்றும் இல்லை. அவனது உரையாசிரியரைப் படிக்கையில், அவனுடன் ஒரு நுட்பமான விளையாட்டை விளையாடுவது போல் இருந்தது. "ஐரோப்பாவின் விதிகளை வழிநடத்தும்" லாட்டூரைக் கேட்டபோது, ​​மார்மான்டெல், இது தெரியாமல், இந்த விளையாட்டின் பலியாகிவிட்டதாகத் தெரிகிறது.

அவர் சித்தரித்தவர்களைப் பற்றி லத்தூர் கூறினார்: "நான் அவர்களின் முகங்களின் அம்சங்களை மட்டுமே கைப்பற்றுகிறேன் என்று அவர்கள் நினைக்கிறார்கள், ஆனால் அவர்களுக்குத் தெரியாமல் நான் அவர்களின் ஆன்மாவின் ஆழத்தில் இறங்கி அதை முழுவதுமாக எடுத்துக்கொள்கிறேன்."

ஒருவேளை கலைஞர் மிகைப்படுத்தியிருக்கலாம் - அவருடைய படைப்புகள் அனைத்தும் மிகவும் ஆழமானவை அல்ல; ஆயினும்கூட, மிகவும் நுண்ணறிவுள்ள ஓவிய ஓவியரின் இந்த வார்த்தைகள், அவரது மாதிரியை "ஒப்புக்கொள்வது", அவரது படைப்புக்கு ஒரு கல்வெட்டாக இருக்கும். "மனித முகம், ஆன்மா என்று அழைக்கப்படும் ஒளி மற்றும் வேகமான சுவாசங்களின் எண்ணற்ற மாற்றங்களுக்குக் கீழ்ப்படிந்து, கவலைகள், நகர்வுகள், பதட்டங்கள், மென்மையாக்கும், வண்ணங்கள் மற்றும் மங்கலான ஒரு மாறக்கூடிய கேன்வாஸ் ஆகும்" என்று டிடெரோட் எழுதினார். குணாதிசயத்தின் திட்டவட்டமான தன்மையைப் பேணுகையில், உணர்ச்சிகரமான இயக்கங்களின் நிழல்களைப் பிடிக்கும் திறன், லத்தூரின் யதார்த்தவாதத்தின் முக்கிய பண்புகளில் ஒன்றாகும். அவர் தங்களுக்குள் குறிப்பாக கலகலப்பான மாநிலங்களைத் தேர்ந்தெடுத்தார் - அவர் தனது ஹீரோக்கள் புன்னகைப்பதை அடிக்கடி சித்தரித்தது ஒன்றும் இல்லை. லத்தூரின் உருவப்படங்களில் உள்ள புன்னகை அறிவுப்பூர்வமானது. மேலும், சித்தரிக்கப்படும் நபரின் உள் உலகம் ஒரு புன்னகையின் நுட்பமான உளவியல் வெளிப்பாடில் குறிப்பிட்ட பிரகாசத்துடன் வெளிப்படுகிறது, அது முகத்தை உண்மையிலேயே ஒளிரச் செய்கிறது.

Latour மற்றும் Perronneau ஆகியோரின் உருவப்படக் கலையை ஒப்பிடும் போது, ​​Jean Baptiste Perronneau Latour (1715-1783) ஐ விட பதினொரு வயது இளையவர் என்பது பெரும்பாலும் கவனிக்கப்படுவதில்லை. பெரோன்னோவின் உருவப்பட வேலையின் முதல் அறியப்பட்ட தேதி 1744 ஆகும், அந்த நேரத்தில் பிரெஞ்சு உருவப்படம் ஏற்கனவே மிகவும் வளர்ந்திருந்தது. பெரோன்னோ தனது முன்னோடிகளால் அடிக்கப்பட்ட பாதையைப் பின்பற்றினார், மேலும் அவர் விரைவில் லத்தூரின் அதே வயதாகத் தோன்றியதில் ஆச்சரியமில்லை.

அவர் கல்வியாளர் Natoire உடன் படித்தார், ஆனால் சிறிய அளவிலான உருவப்படங்களின் வகையைத் தேர்ந்தெடுத்தார், முக்கியமாக மார்பளவு நீளம், குறைவாக அடிக்கடி இடுப்பு நீளம். லத்தூரின் செல்வாக்கு மற்றும் அவருடனான நெருக்கம் சமகாலத்தவர்களால் ஒருமனதாக குறிப்பிடப்பட்டது; பற்றி பேசுகிறோம்திசையின் பொதுவான தன்மை பற்றி. ஒருவேளை ஏற்கனவே 1744 இல் பெரோன்னோ அலைந்து திரிந்த வாழ்க்கையைத் தொடங்கினார்; வாழ்வாதாரத்தைத் தேடி, அவர் ஐரோப்பாவைச் சுற்றி வர வேண்டியிருந்தது. அவர் நாட்டியரைப் போல நாகரீகமான நீதிமன்ற ஓவியர் அல்ல, அவருக்கு கமிஷன்கள் எளிதானது அல்ல. வாடிக்கையாளர்கள் பெரோன்னோவின் கடின உழைப்பைப் பற்றி எழுதுகிறார்கள், அவர் தனது மாதிரியை அணியத் தயாராக இருந்தார், படத்தின் துல்லியம் மற்றும் முழுமைக்காக பாடுபடுகிறார். இவை அனைத்தும் அவரது வாழ்க்கையை வளமாக்கவில்லை, மேலும் அவர் தனது வறுமை மற்றும் தோல்விகளைப் பற்றி அடிக்கடி தனது கடிதங்களில் குறிப்பிடுகிறார்.

அவரது படைப்பில், இரண்டு தசாப்தங்களை வேறுபடுத்தி அறியலாம், அவை செழிப்பு காலங்களாக இருந்தன. முதல் தசாப்தம் - 1744 மற்றும் 1753 க்கு இடையில், முதல் பெரிய வெற்றிகளின் நேரம், பெரோன்னோவின் சிறந்த திறமையை அங்கீகரிக்கும் நேரம். இரண்டாவது காலம் 1760களை உள்ளடக்கியது.

பெரோன்னோவின் கலை நுட்பங்களை விவரிக்கும் போது, ​​விமர்சகர்கள் பெரும்பாலும் தூரிகையின் கருணை, வண்ணத்தின் நுணுக்கம் மற்றும் வரைபடத்தின் ஆன்மீகம் பற்றி பேசினர். இவை பாடல் நற்பண்புகள், மேலும் பெரோன்னோ அவர்களுக்காக துல்லியமாக மதிப்பிடப்பட்டார்; அவரது கலைக்கான மாதிரியின் பொதுவான பண்புகள் இயற்கையான இரக்கம், ஆன்மீக மென்மை மற்றும் மாறக்கூடிய உணர்ச்சிகளின் நிச்சயமற்ற தன்மை.

அவரது படைப்புகளில் குறிப்பாக கவர்ச்சிகரமான விஷயம் என்னவென்றால், வண்ணத்தின் மென்மை, சாம்பல் மற்றும் ஆலிவ், பச்சை மற்றும் இளஞ்சிவப்பு, நீலம் மற்றும் கருப்பு நிழல்கள், ஒரு வெள்ளி டோனலிட்டி மூலம் ஒன்றுபட்டது ("புத்தகத்துடன் ஒரு சிறுவனின் உருவப்படம்," 1740 கள், ஹெர்மிடேஜ், விளக்கப்படத்தைப் பார்க்கவும் ; "திரு. ஷி சோர்கன்வில்லின் உருவப்படம், லூவ்ரே). சிறிய தூரிகைகள் மற்றும் வண்ண பிரதிபலிப்புகள் பெரோன்னோவை சார்டினுடன் நெருக்கமாகக் கொண்டுவருகின்றன. தோலின் மென்மையான மென்மை, நல்ல தரமான துணியின் அடர்த்தி, லேசாக பொடித்த கூந்தலின் காற்றோட்டம் மற்றும் நகைகளின் சூடான மினுமினுப்பை அவர் மிகச்சரியாகப் பிரதிபலித்தார்.

பெரோன்னோவின் கலை, லாட்டூரின் அறிவுஜீவியிலிருந்து வெகு தொலைவில் உள்ளது, ஒரு பிரகாசமான ஆளுமையின் திட்டவட்டமான வலியுறுத்தலில் இருந்து. ஆனால் அவரது படங்கள் அவற்றின் சொந்த வழியில் கவிதைகளாக உள்ளன: அவர் குழந்தைகள் மற்றும் பெண்களை சித்தரிக்க விரும்புவது தற்செயல் நிகழ்வு அல்ல. ஒரு இளம் ஆன்மாவின் அழகை வெளிப்படுத்த வேண்டிய அவசியம் ஏற்பட்டபோது, ​​பெரோன்னோவின் கலையின் பாடல் மொழி அவருக்கு வியக்கத்தக்க வகையில் சேவை செய்தது. ஒன்று சிறந்த உதாரணங்கள்இது வரைவாளர் மகள் ஹுகியர் (பாஸ்டல், லூவ்ரே) உருவப்படம். பெரும்பாலான சந்தர்ப்பங்களில், பெரோன்னோவின் கதாபாத்திரங்கள் பார்வையாளரைப் பார்த்து, அவரிடம் தங்கள் ஆன்மீக ரகசியங்களை வெளிப்படுத்துகின்றன. இங்கே பார்வை ஒரு பக்கம் திரும்பியது, இது ஓவியரின் உள் வாழ்க்கையை மிகவும் கவனமாகவும் மென்மையாகவும் மாற்றுகிறது. தந்திரமான, மென்மையான புன்னகை ஓரளவு தெளிவற்றது; ஒளியிலிருந்து நிழலுக்கு மாறுவது மிகவும் நுட்பமானது, மேடமொயிசெல்லே ஹூகியரின் அழகான தலை வெளிப்படையான மூடுபனியால் மூடப்பட்டிருப்பதாகத் தெரிகிறது.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் உருவப்பட ஓவியர்களில். ஜோசப் சிஃப்ரெட் டுப்ளெஸ்ஸிஸ் (1725-1802) மற்றும் அடிலெய்ட் லேபில்-குய்லார்ட் (1749-1803) ஆகியோர் தனித்து நிற்கின்றனர்.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில். வரைதல், வேலைப்பாடு, புத்தக விளக்கப்படம் - கிராஃபிக் கலைகள் அவற்றின் உச்சத்தில் நுழைகின்றன. அதன் வெற்றிகள் பொதுவாக இந்த சகாப்தத்தின் சிறப்பியல்பு ஆகும், அது ஒப்பீட்டளவில் சுதந்திரம் பெற்றது. இது வகை கருப்பொருள்களின் வளர்ச்சி மற்றும் வாழ்க்கையிலிருந்து ஓவியத்தின் கண்ணியத்திற்கு வளர்ந்து வரும் மரியாதை ஆகியவற்றால் எளிதாக்கப்பட்டது. வரைதல் மாஸ்டர்கள் தோன்றும், கருப்பொருள்களில் பல்வேறு தொகுப்புகளை உருவாக்குகிறது நவீன வாழ்க்கை. வகை ஓவியத்தில் அந்த நேரத்தில் பாடங்களின் வரம்பின் விரிவாக்கம் நிகழ்ந்ததால் இந்த செயல்முறைகள் அனைத்தும் மிகவும் புரிந்துகொள்ளக்கூடியவை.

சார்டினின் பின்தொடர்பவரான எட்டியென் ஜோரா, நகர சந்தை சதுக்கத்தில் காட்சிகள் மற்றும் தெரு வாழ்க்கையின் அத்தியாயங்களை அவரது வகை ஓவியங்களின் பாடங்களாக ஆக்குகிறார். 1750 களின் கலையில். கதை ஆரம்பம் பலப்படுத்தப்பட்டுள்ளது, வகை எழுத்தாளர்கள் வீட்டு பதிவுகள் மற்றும் உள்துறை வகையின் எல்லைகளுக்கு அப்பால் செல்கிறார்கள். ஓவியர்கள் ஜே.-பி. அதே ஆண்டுகளில், பெனார்ட் மற்றும் ஜீன் பாப்டிஸ்ட் லெப்ரின்ஸ் ஆகியோர் "கிராமப்புற காட்சிகளுக்கு" திரும்பினர்;

18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் மிகவும் திறமையான வரைவு கலைஞர்களில் ஒருவர். கேப்ரியல் டி செயிண்ட்-ஆபின் (1724-1780). ஒரு கைவினைஞரின் மகன், செயிண்ட்-ஆபின் தனது இளமை பருவத்தில் ஒரு கட்டிடக்கலை பள்ளியில் வரைதல் கற்பித்தார். 1750 களின் முற்பகுதியில். அவர் இரண்டு முறை ரோம் பரிசை வெல்ல முயன்றார், ஆனால் ஒவ்வொரு முறையும் அது இரண்டாவது பரிசு மட்டுமே, மேலும் கல்வி மானியங்கள் அவரால் அடைய முடியாததாக மாறியது. வரலாற்று ஓவியத் துறையில் கலைஞரின் யோசனைகள் ஓவியங்களில் இருந்தன, மேலும் அவர் தொடங்கிய பாடல்களை பல முறை மறுவேலை செய்தார், இறுதியில் அவற்றை முடிக்காமல் கைவிட்டார். ஆனால் அவர் பாரிஸில் அன்றாட வாழ்க்கையின் நேரடி அவதானிப்புகளின் அடிப்படையில் வரைபடங்களில் சிறந்து விளங்கினார்.

செயிண்ட்-ஆபின் குடும்பத்தில் இரண்டு திறமையான வரைவாளர்கள் இருந்தனர்; இரண்டாவது அகஸ்டின் (1737-1807). சகோதரர்களின் திறமைகள் வேறுபட்டவை - அகஸ்டினின் வரைதல் முதன்மையாக துல்லியமானது மற்றும் விவரிப்பு, ஆனால் இது ஒரு நுட்பமான, நேர்த்தியான தொடுதலின் நுட்பத்தையும் கொண்டுள்ளது. புகழைப் பெற்ற அகஸ்டின் உத்தியோகபூர்வ கொண்டாட்டங்கள் மற்றும் விழாக்களின் வரலாற்றாசிரியராக மாறுகிறார். ஆனால் 1750 களில். இந்த ஆண்டுகளின் பொதுவான சிறப்பியல்பு மூலம் அவர் கேப்ரியல் உடன் இணைந்துள்ளார். எனவே, 1757 ஆம் ஆண்டில், அகஸ்டின் "பாரிஸ் வழியாக ஒரு அழகிய பயணம்" க்கான காட்சிகளை பொறித்தார்.

கேப்ரியலின் படைப்புகள் அதன் பல்வேறு பாடங்களில் வியக்க வைக்கின்றன - கண்காட்சிகள் மற்றும் வரவேற்புரைகள், நகர பூங்காக்கள் மற்றும் தியேட்டர் அரங்குகள், தெருக்கள் மற்றும் சதுரங்களில் காட்சிகள், விஞ்ஞானிகளின் விரிவுரைகள் மற்றும் மெஸ்மெரிக் அமர்வுகள், நினைவுச்சின்னங்கள் மற்றும் இயற்கைக்காட்சிகள், விடுமுறைகள் மற்றும் இரவு உணவுகள், நடைகள் மற்றும் கழிப்பறைகள், சிலைகள் மற்றும் ஓவியங்கள். - லூவ்ரே முதல் செயிண்ட் கிளவுட் மற்றும் வெர்சாய்ஸ் வரை. இந்த வரைபடங்களின் கீழ் பெரும்பாலும் தலைப்புகள் உள்ளன: "நடைபயிற்சியின் போது உருவாக்கப்பட்டது." அவர் வாழ்க்கையின் பன்முகத்தன்மையை மட்டுமல்ல, வகைகளின் தனித்துவத்தையும் மதிப்பிட்டார், இதில் அவர் பிரெஞ்சு வேலைப்பாடு "நாகரீகங்கள் மற்றும் ஒழுக்கங்கள்" மரபுகளுக்கு உண்மையாக இருந்தார். அவரது சிறந்த படைப்புகளில் ஒன்று "1753 ஆம் ஆண்டின் லூவ்ரே சலோனின் பார்வை" பொறித்தல் ஆகும். செதுக்கலின் கலவை இரண்டு அடுக்குகளைக் கொண்டுள்ளது - மேலே நீங்கள் சுவர்களில் ஓவியங்கள் தொங்குவதையும், பொதுமக்கள் அவற்றைப் பார்ப்பதையும் காணலாம், கீழே - பார்வையாளர்கள் கண்காட்சிக்கு விரைகிறார்கள், படிக்கட்டுகளில் ஏறுகிறார்கள். ஒரு வயதான மனிதனின் தனிமையான உருவம், எதிர்பார்ப்பு நிறைந்தது, குறிப்பாக வெளிப்படுகிறது. கூட்டத்தின் உற்சாகம் மற்றும் கலகலப்பு, நிபுணர்களின் செறிவான சிந்தனை, விவாதத்தை விரும்புபவர்களின் வெளிப்படையான சைகைகள் - இவை அனைத்தையும் செதுக்குபவர் கூர்ந்து கவனிக்கிறார். வாட்டியோவை நினைவூட்டும் நேர்த்தியான தொனியில் ஒரு சிறப்பு ஆன்மீகமும் உணர்ச்சியும் உள்ளது.

செயிண்ட்-ஆபின் உலகின் மாறுபாடுகளையும் அதன் வடிவங்களின் இயக்கவியலையும் வெளிப்படுத்தும் திறன் கொண்ட ஒரு நெகிழ்வான மற்றும் இலவச நுட்பத்தைத் தேடினார். அவர் ஈயம் மற்றும் இத்தாலிய பென்சில்களைப் பயன்படுத்தினார், அவற்றின் மென்மை மற்றும் கறுப்பு நிறத்தின் ஆழத்தைப் பாராட்டினார், அவர் பேனா மற்றும் தூரிகையுடன் பணிபுரிய விரும்பினார், கழுவுதல், பிஸ்ட்ரே, செபியா, மஞ்சள் மற்றும் வெளிர் நீல நிற வாட்டர்கலர்களைப் பயன்படுத்தினார். அவரது வரைபடங்களில் இத்தாலிய பென்சில் பிஸ்ட்ரே மற்றும் பேஸ்டல், சீன மை மற்றும் சாங்குயினுடன் முன்னணி பென்சில் இணைக்கப்பட்டுள்ளது. பல்வேறு தொழில்நுட்ப வழிமுறைகளின் கலவையானது கேப்ரியல் டி செயிண்ட்-ஆபினின் கிராபிக்ஸ் அம்சமாகும்.

அவரது பிற்காலத்தில், செயின்ட்-ஆபின் நாடக ஆசிரியர் சேடனின் படைப்புகள் மற்றும் மெர்சியரின் புத்தகங்களை விளக்கினார். அவரே நையாண்டிக் கவிதைகளை எழுதியவர் என்பது ஆர்வமாக உள்ளது; அவற்றில் புஷ் பற்றிய ஒரு கல்வெட்டு உள்ளது.

நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில், நவீன ஒழுக்கத்தின் காட்சிகளை சித்தரிக்கும் செதுக்குபவர்களின் எண்ணிக்கை பல மடங்கு அதிகரித்தது. இவை கொச்சின், கிரேவ்லாட், ஈசன், ஜீன் மைக்கேல் மோரே தி யங்கர். அவர்களின் கலை புத்தக விளக்கப்படத்தின் வளர்ச்சியில் மிக முக்கியமான கட்டமாக இருந்தது - 18 ஆம் நூற்றாண்டின் கிராஃபிக் கலாச்சாரத்தின் மிக நேர்த்தியான படைப்புகளில் ஒன்று. மோரே தி யங்கரின் வேலைப்பாடுகள் மற்றும் காட்சிகள் குறிப்பாக வெளிப்படுத்துகின்றன சமூக வாழ்க்கை; அவர் அந்த நேரத்தில் பிரான்சில் அன்றாட வாழ்வின் சிறந்த எழுத்தாளர்களில் ஒருவராக இருந்தார்.

இந்த நேரத்தில் வேலைப்பாடு தொழில்நுட்பத்தில் நிறைய சுவாரஸ்யமான விஷயங்கள் உள்ளன. வேலைப்பாடுகளின் புகழ் தொழில்நுட்பத்தின் முன்னேற்றத்திற்கு வழிவகுத்தது, மேலும் கண்டுபிடிப்புகள் தேடலைப் பின்பற்றின. கண்டுபிடிக்கப்பட்ட நுட்பங்களின் வகைகள் உயிரோட்டமான வெளிப்பாடு, மாறும் மற்றும் இலவச நுட்பங்களுக்கான விருப்பத்தால் ஒன்றுபட்டன என்பது சிறப்பியல்பு. Gilles Demarteau ஒரு பென்சில் முறையில் வேலை செய்யத் தொடங்குகிறார், அவருடைய முன்னோடிகளில் ஒருவரான F. Charpentier லாவிஸைக் கண்டுபிடித்தார் - வேலைப்பாடுகளில் கழுவும் ஒரு சாயல், மற்றும் வகை கலைஞர் லெப்ரின்ஸ், இந்த கண்டுபிடிப்பை எடுத்து, அக்வாடிண்ட் நுட்பத்தை உருவாக்குகிறார். இறுதியாக, பின்னர் லாவிஸ் மற்றும் அக்வாடிண்ட் அடிப்படையில் ஒரு வண்ண வேலைப்பாடு தோன்றியது (ஜீன் ஃபிராங்கோயிஸ் ஜானினெட், லூயிஸ் பிலிபர்ட் டெபுகோர்ட்).

18 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில், பிரெஞ்சு கிராபிக்ஸில் ஒரு புதிய எழுச்சி புரட்சியின் நிகழ்வுகளின் பிரதிபலிப்புடன் தொடர்புடையது, இது வரைவு கலைஞர்களின் அற்புதமான விண்மீனை முன்வைத்தது - ப்ரியர், தெவெனின், மோனெட், எல்மன், டுப்ளெஸ்ஸிஸ்-பெர்டோ, ஸ்வெபாச் மற்றும் பலர். .

நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் யதார்த்தவாதத்தின் வளர்ச்சி, முரண்பாடுகளின் அதிகரிப்பு மற்றும் கலையில் போக்குகளின் போராட்டம் - இவை அனைத்தும் கலைக் கோட்பாட்டின் எழுச்சி மற்றும் கலை விமர்சனத்தின் முன்னோடியில்லாத செயல்பாட்டை ஏற்படுத்தியது. நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில், வால்டேர் கூறியது போல், தேசம் இறுதியாக ரொட்டியைப் பற்றி பேசத் தொடங்கியது, முதலாளித்துவ கல்வியாளர்களின் முகாம் திரண்டது, மேலும் 1751 இல் அவர்கள் தங்கள் "போர்க் கோபுரத்தை" - என்சைக்ளோபீடியாவை - பிரபுக்களுக்கு எதிராக முன்வைத்தனர். தேவாலயம். அழகியல் துறையிலும் கருத்தியல் போராட்டம் வெளிப்பட்டது. உங்களுக்குத் தெரிந்தபடி, ஒழுக்கக் கல்வியின் மூலம் சமூகத்தை மறுசீரமைக்க முடியும் என்று அறிவொளியாளர்கள் நம்பினர், எனவே, முதலில், ஒழுக்கக்கேடு மற்றும் அது சமூகத்தில் பொருத்தப்பட்ட வழிமுறைகளை அகற்றுவது அவசியம். டிஜோன் அகாடமி "கலை மற்றும் அறிவியலின் மறுமலர்ச்சி தார்மீக முன்னேற்றத்திற்கு பங்களித்திருக்கிறதா?" என்ற தலைப்பை முன்வைத்தபோது, ​​ரூசோ எதிர்மறையாக பதிலளித்தார், அடிமைத்தனத்தின் இரும்புச் சங்கிலியில் ஒரு மலர் மாலை என்று முத்திரை குத்தினார். சாராம்சத்தில், உன்னத கலாச்சாரத்தை அதன் வக்கிரம் மற்றும் இயற்கைக்கு விரோதம் ஆகியவற்றைக் கண்டித்தார். வெளிப்படையான வேறுபாடுகள் இருந்தபோதிலும், தவறான நாகரிகத்திற்கு எதிரான ரூசோவின் இந்த போருக்கும் ரோகோகோ கலையின் வெளிப்பாடுக்கும் இடையே மறுக்க முடியாத பொதுவான தன்மை உள்ளது, இது டிடெரோட்டின் சலூன் ஒவ்வொன்றிலும் காணப்படுகிறது.

கல்வி அழகியலில் பெரும்பாலானவை கலையில் யதார்த்தத்தை நிறுவுவதை நோக்கமாகக் கொண்டுள்ளன. சார்டின், லாடூர் மற்றும் பிறர் போன்ற யதார்த்தவாத கலைஞர்களை ஆதரித்த டிடெரோட், இதை அயராது மீண்டும் கூறினார். கலை விமர்சனம்கலை நடைமுறைத் துறையில் ஒரு முற்போக்கான சிந்தனையாளரின் செயலில் தலையீட்டின் முதல் உதாரணத்தை டிடெரோட் பிரதிநிதித்துவப்படுத்துகிறார், கலையின் நிகழ்வுகளை அவற்றின் யதார்த்தமான மதிப்பு மற்றும் ஜனநாயக நோக்குநிலையின் பார்வையில் மதிப்பிடுகிறார்.

டிடெரோட்டின் அழகியல் கோட்பாடு கலையின் உறுதியான வாழ்க்கையை வாழ்ந்தது, மேலும் இது கல்விக் கோட்பாட்டாளர்களின் ஊக, ஊக கட்டுமானங்களை எதிர்த்தது. கலையில் உண்மையின் கோரிக்கைகளுடன், டிடெரோட், நவீன ஓவியம் மற்றும் சிற்பத்தை பகுப்பாய்வு செய்து, செயல்பாட்டின் சிக்கலை முன்வைக்கிறார். ஒரு அன்றாட வகை முதியவர்களுக்கான கலையாக மாறிவருகிறது என்று அவர் கவலைப்படுகிறார். அவர் உருவப்படத்தில் உள்ள செயலைப் பார்க்க விரும்புகிறார் மற்றும் ரூசோவின் உருவப்படத்திலிருந்து "கேட்டோ ஆஃப் எவர் டேஸ்" படத்தை உருவாக்காததற்காக, அவரது இதயத்திற்கு மிகவும் பிடித்த லத்தூரைத் தாக்குகிறார்.

இந்த ஆண்டுகளில்தான் "ஆற்றல்" என்ற வார்த்தை பிரான்சில் பயன்படுத்தப்பட்டது. டிடெரோட்டுக்கு நுண்கலைகளில் செயல்பாட்டின் சிக்கல் கலையின் சமூக செயல்பாட்டின் சிக்கல். பின்னர் என்ன நடக்கும் என்று எதிர்பார்த்து, அவர் ஓவியம் வரைவதற்கும் ஆதரவளிப்பதற்கும் எண்ணம், உற்சாகம், கற்பனை - தேசத்தின் விழிப்புணர்விற்கு பங்களிக்கக்கூடிய அனைத்தையும் பெற்றார்.

ஓவியத்தில் மக்களின் வர்க்க நிலையை வெளிப்படுத்துவது பற்றி பேசுகையில், டிடெரோட் என்பது பார்வையாளருக்கு அவர் உருவப்படத்தில் யார் பார்க்கிறார் என்பதை விளக்கும் வெளிப்புற பண்புகளை அர்த்தப்படுத்துவதில்லை. இது மனித ஆன்மா, அவரது உள் உலகம் மற்றும் அவரது உணர்ச்சிகளின் தன்மை ஆகியவற்றில் இந்த நிலைப்பாட்டின் முத்திரையைக் குறிக்கிறது. "கைவினைஞர்களின் உருவங்களும் முகங்களும் கடைகள் மற்றும் பட்டறைகளின் திறன்களைப் பாதுகாக்கின்றன." சுற்றுச்சூழல் மனித இயல்பை எவ்வாறு வடிவமைக்கிறது என்பதைப் பற்றிய ஆய்வுக்கான அழைப்பு, இறுதியாக, கலையில் சாதாரண மனிதனை சித்தரிப்பது அறிவொளியின் அழகியலின் சிறப்பியல்பு.

உண்மைத்தன்மை பற்றி பேசுகிறது கலை படம், டிடெரோட் தனது "ஓவியம் பற்றிய கட்டுரையில்" நவீன கலைஞர்களின் யதார்த்தமான தேடல்களை பொதுமைப்படுத்தினார். வான்வழி முன்னோக்கு மற்றும் வண்ண பிரதிபலிப்பு, சியாரோஸ்குரோ மற்றும் வெளிப்பாட்டுத்தன்மை பற்றிய அவரது கருத்துக்கள் குறிப்பாக சுவாரஸ்யமானவை.

டிடெரோட்டின் அழகியல் கருத்துக்கள் முரண்பாடுகள் இல்லாமல் இல்லை. பௌச்சரைக் கண்டித்து, கலைப் படைப்புகளில் நளினம் மற்றும் கருணை பற்றி ஆர்வத்துடன் பேசுகிறார்; சார்டினின் சித்திரத் தகுதிகளைப் பாராட்ட முடிந்ததால், அவர் க்ரூஸின் சர்க்கரை "தலைகள்" மீது விவரிக்க முடியாத போற்றுதலுக்கு ஆளானார், அவை ரூபன்ஸின் ஓவியங்களை விட உயர்ந்தவை என்று அறிவித்தார். மதிப்பீடுகளில் இந்த சரிசெய்ய முடியாத முரண்பாடுகள் முதலாளித்துவ அறிவொளியாளர்களின் கருத்துகளின் சாராம்சத்தால் உருவாக்கப்படுகின்றன.

கலைக்கு பெரும் கல்வி முக்கியத்துவம் அளித்து, கல்வியாளர்கள் தங்கள் "இயற்கை மனிதன்" என்ற கோட்பாட்டின்படி ஒழுக்கங்களைக் கற்பிப்பதற்கான வழிமுறையாகக் கருதினர். ஆனால், நெறிமுறைகள் துறையில், அவர்கள் இலட்சியவாதத்திற்குத் திரும்பியது துல்லியமாக இந்தக் கட்டத்தில் இருந்ததால், முதலாளித்துவத்தின் கூறப்படும் நல்லொழுக்கம் கலையில் இலட்சியமயமாக்கலுக்கு உட்பட்டது. உயர்குடியினரின் சீரழிவை அருவமான குணத்துடன் வேறுபடுத்தி, முதலாளித்துவம் என்ன கொண்டு வந்தது என்பதை அறிவாளிகள் பார்க்கவில்லை. எனவே, டிடெரோட்டின் சொந்த நாடகங்களில் உள்ள முதலாளித்துவ ஹீரோக்கள் யதார்த்தமற்ற, உயிரற்ற மற்றும் மந்தமான, பிரசங்கங்களை வழங்குவதற்கான ஊதுகுழலாக பணியாற்றுகிறார்கள். கல்வி அழகியலில் பலவீனமான புள்ளி கலையில் அறநெறிக்கான கோரிக்கையாக இருக்கலாம், மேலும் கலைக்கு அர்ப்பணிக்கப்பட்ட கட்டுரைகளின் மிகச்சிறிய பக்கங்கள் ஒழுக்கமான வகையின் மீது போற்றப்படும் இடங்களாகும். இதுபோன்ற சமயங்களில் டிடெரோட்டின் குருட்டுத்தன்மை வியக்க வைக்கிறது. ஓவியர்களுக்காக அவரே இயற்றிய மனதைத் தொடும் கதைகள் குறிப்பாக சுவாரஸ்யமானவை.

காட்சி கலைகளில், இந்த முரண்பாடுகளை பிரதிபலித்த கலைஞர் ஜீன் பாப்டிஸ்ட் க்ரூஸ் (1725-1805) ஆவார். க்ரூஸ் லியோனில் இரண்டாம் தர ஓவியரான கிராண்டனிடம் படித்தார். அவரது முதல் புகழ் "பைபிள் படிக்கும் ஒரு குடும்பத்தின் தந்தை" வகை ஓவியத்திலிருந்து வந்தது. 1750 களில் அவர் இத்தாலிக்குச் சென்று அன்றாட காட்சிகளை மீண்டும் கொண்டு வந்தார், அதில் சதித்திட்டத்தைத் தவிர, இத்தாலியன் எதுவும் இல்லை. அவரைச் சுற்றி ஒரு சண்டை உருவாகிறது. அரச கட்டிடங்களின் இயக்குனர், Marquis of Marigny, Marquise of Pompadour க்கான உருவக அமைப்புகளுக்கான உத்தரவுகளுடன் அவரை ஈர்க்க முயன்றார், மேலும் அவரை இத்தாலிக்கு அனுப்ப முன்வந்தார். மூன்றாவது தோட்டத்தின் ஓவியராக செயல்பட்ட க்ரூஸின் குடிமக்களின் ஜனநாயகத்தை அறிவொளியாளர்கள் ஆதரித்தனர்.

க்ரூஸின் நிரல் வேலைகள் 1761 ஆம் ஆண்டு வரவேற்பறையில் காட்சிக்கு வைக்கப்பட்டன. இது "நாட்டு மணமகள்" (லூவ்ரே). கனவுகளின் ஓவியம் இல்லற வாழ்க்கையின் தருணங்களில் ஒன்றின் படம் மட்டுமல்ல. அவர் மிகவும் உணர்வுபூர்வமாக தனக்காக அமைத்துக் கொண்ட பணி மிகவும் விரிவானது - குடும்ப வாழ்க்கையில் ஒரு விதிவிலக்கான நிகழ்வை விரிவான பல-உருவ அமைப்பில் முன்வைப்பது, மூன்றாம் எஸ்டேட்டின் நல்ல ஒழுக்கங்களை மகிமைப்படுத்துவது. எனவே, நிகழ்வின் முக்கிய விஷயத்தைச் சுற்றி - வரதட்சணையின் குடும்பத்தின் தந்தை தனது மருமகனுக்கு மாற்றுவது - குடும்பத்தின் மரியாதைக்குரிய உறுப்பினர்கள் இந்த "ஆன்மாவின் அசாதாரண இயக்கத்தை எவ்வளவு உற்சாகமாக உணர்கிறார்கள் என்பதைப் பற்றி கதை விரிவடைகிறது. ”. கலவை ஒரு புதிய வழியில் கட்டமைக்கப்பட்டுள்ளது: கனவுகளில் உள்ள கதாபாத்திரங்கள் மேடையில் இருப்பதைப் போல உணர்கிறார்கள், அவர்கள் வாழவில்லை, நடிக்கவில்லை, ஆனால் கற்பனை செய்கிறார்கள். கதாபாத்திரங்களின் இடம், அவர்களின் சைகைகள் மற்றும் முகபாவனைகள் "கண்ணீர் நகைச்சுவை" பள்ளியில் பயிற்றுவிக்கப்பட்ட ஒரு இயக்குனரால் சிந்திக்கப்படுகிறது. இவ்வாறு, புதுமணத் தம்பதியின் இரண்டு சகோதரிகள் ஒருவரின் பக்தி மற்றும் மென்மையையும் மற்றவரின் கண்டிக்கத்தக்க பொறாமையையும் ஒப்பிடும் நோக்கத்திற்காக ஒப்பிடப்படுகிறார்கள். ஆங்கில நாடக ஆசிரியர் கோல்ட்ஸ்மித் நாடகக் கலையில் இதே போன்ற நிகழ்வுகளைப் பற்றி எழுதினார்: "இந்த நாடகங்களில், கிட்டத்தட்ட அனைத்து கதாபாத்திரங்களும் நல்லவை மற்றும் மிகவும் உன்னதமானவை: தாராளமான கையால் அவர்கள் தங்கள் தகர பணத்தை மேடையில் விநியோகிக்கிறார்கள்."

1761 ஆம் ஆண்டு வரவேற்பறையில், க்ரூஸ் ஹெர்மிடேஜ் ஓவியம் "தி பாராலிடிக்" க்கான பல வரைபடங்களை காட்சிப்படுத்தினார். இந்த ஓவியத்திற்கான ஓவியங்களில் "பாட்டி" (பாரிஸ், தனியார் சேகரிப்பு) என்று அழைக்கப்படும் ஒரு பிரபலமான வாட்டர்கலர் உள்ளது. வாட்டர்கலர் ஒரு ஏழை வீட்டை சித்தரிக்கிறது, குழந்தைகள் படிக்கட்டுக்கு அடியில் நோய்வாய்ப்பட்ட வயதான பெண்ணைச் சுற்றி திரண்டுள்ளனர். போஸ்களின் உறுதியும், அமைப்பின் உயிர்ச்சக்தியும் க்ரூஸின் வாழ்க்கையின் வேலையை நினைவூட்டுகின்றன. பாரிசியன் வணிகர்கள், பிச்சைக்காரர்கள், விவசாயிகள் மற்றும் கைவினைஞர்கள் பற்றிய அவரது வரைபடங்கள் அறியப்படுகின்றன. ஓவியத்தின் கலைஞரின் பணியின் தொடக்கத்தில், வாழ்க்கையின் ஓவியங்கள் முக்கிய பங்கு வகித்தன. ஆனால் 1763 ஆம் ஆண்டு சலூனில் காட்சிப்படுத்தப்பட்ட ஓவியத்துடன் ஓவியத்தை ஒப்பிடுகையில், ஒரு மாற்றம் கவனிக்கத்தக்கது. தோரணைகள் மற்றும் இயக்கங்கள் பாதிக்கப்பட்டன மற்றும் எப்படியோ மரமாகிவிட்டன, குடும்பத்தினர் பக்கவாதத்தை நோக்கி விரைந்தனர், அவர்களின் நன்றியுணர்வு மற்றும் வைராக்கியத்தின் சத்தமான அணிவகுப்புடன் அவரது கடைசி பலத்தை இழந்தனர். படிக்கட்டுகளின் வளைந்த தண்டவாளத்தில் ஓவியத்தில் தொங்கும் துணி, படத்தில் கம்பீரமான துணிமணியாக மாறுகிறது. இந்த தாள், குடும்ப பேனர் போன்றது, பிரமிடு குழுவில் முதலிடம் வகிக்கிறது நல்லொழுக்கமுள்ள ஹீரோக்கள். சுருக்கமாக, க்ரூஸ் கல்விசார் கலவை நுட்பங்களை நாடினார், முன்புறத்தில் கதாபாத்திரங்களை "அடிப்படை நிவாரணத்தில்" வைக்கிறார். க்ரூஸின் பல வரைபடங்கள் யதார்த்தத்தின் அம்சங்களைக் கொண்டுள்ளன; அவை வாழ்க்கையைக் கவனிப்பதை அடிப்படையாகக் கொண்டவை. ஆனால் கலைஞரின் படைப்பு முறை வெளிப்புற, ஒரே மாதிரியான போக்கால் வகைப்படுத்தப்படுகிறது. இந்த செயல்முறை 17 ஆம் நூற்றாண்டின் கல்வியாளர் ஒருவரின் முயற்சியை நினைவூட்டுகிறது. Le Brun மனித உணர்வுகளின் பன்முகத்தன்மையை சுருக்க உணர்வுகளின் சில சூத்திரங்களுக்கு குறைக்கிறார்.

1760 களில் ஒவ்வொரு புதிய படைப்பிலும், ட்ரீம்ஸின் ஹீரோக்கள் "பெட்ரிஃபைட் பெயர்களை" பெறுகிறார்கள் - ஒரு குடும்பத்தின் துன்பகரமான தந்தை, ஒரு தீய மகன், மரியாதைக்குரிய மருமகன், தீய மாற்றாந்தாய்இந்த தசாப்தத்தின் இரண்டாம் பாதியில், கனவுக் கலையின் எதிர்மறையான அம்சங்கள் மேலும் மேலும் நிர்வாணமாகத் தோன்றுகின்றன ("தந்தையின் சாபம்", லூவ்ரே மற்றும் பிற).

"நார்த் அண்ட் காரகல்லா" (சலோன் 1769; லூவ்ரே) ஒரு நல்லொழுக்கமுள்ள தந்தை மற்றும் ஒரு தீய மகனின் கதை, இது ஒரு வரலாற்று ஓவியத்தின் தரத்திற்கு உயர்த்தப்பட்டது. ஒருபுறம், க்ரூஸில் குடும்ப நல்லொழுக்கம் மேலும் மேலும் சுருக்கமானது, மேலும் அதன் "வரலாற்று வீரமயமாக்கல்" இந்த கண்ணோட்டத்தில் மிகவும் தர்க்கரீதியானது. ஆனால் அதே நேரத்தில் இங்கே ஒரு குறிப்பிடத்தக்க புதிய நுணுக்கம் உள்ளது. கராகல்லா ஒரு தீய மகன் மட்டுமல்ல, ஒரு மோசமான ஆட்சியாளரும் கூட. க்ரூஸ் இந்த ஓவியத்தை ஏற்க மறுத்து, அகாடமி (அப்போது அது வயதான பவுச்சரின் தலைமையில் இருந்தது) 1770 களில் ஏற்கனவே என்ன நடக்கிறது என்பதைத் தயாரிக்கும் குடிமை நோக்கத்திற்கு எதிராக எதிர்ப்புத் தெரிவித்தது. குடும்ப நல்லொழுக்கத்தை குடிமை நல்லொழுக்கத்துடன் மாற்றுதல்.

பிற்பட்ட காலத்தின் க்ரூஸின் படைப்புகளில் மேலும் மேலும் நடத்தை உள்ளது. "உடைந்த குடம்" (லூவ்ரே), "இறந்த பறவைகள்", "தலைகள்" மற்றும் "காலை பிரார்த்தனைகள்" ஆகியவை அவற்றின் தெளிவற்ற தன்மைகள், குட்டி முதலாளித்துவ உணர்வு மற்றும் மோசமான ஓவியம். "உண்மையாக இருக்க முடியாவிட்டால் கடுமையாய் இரு" என்று கிரேசோம் கூறியதில் ஆச்சரியமில்லை. அக்கால முற்போக்கு சிந்தனைகளை ஓவியத்தில் வெளிப்படுத்தும் ஆசையை விட "மகிழ்ச்சி தரும் கலை" மேலோங்கியது.

க்ரூஸ் 18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் பிரெஞ்சு ஓவியத்தில் ஒரு முழு இயக்கத்தை நிறுவினார் (லெபிசியர், ஆப்ரி மற்றும் பலர்). இது 1770 களில் புரட்சிகர கிளாசிக் கலை ஏற்கனவே வடிவம் பெற்ற போது வளர்ந்தது. எனவே, இந்த நேரத்தின் தார்மீக வகை பிரெஞ்சு ஓவியத்தில் இரண்டாம் நிலை நிகழ்வாக மாறியது. க்ரூஸின் மிகவும் பொதுவான பின்தொடர்பவர்களில் ஒருவரான எட்டியென் ஆப்ரி, அவரது ஓவியங்களின் பாடங்களை வாழ்க்கையிலிருந்து அல்ல, மாறாக மார்மண்டலின் ஒழுக்கக் கதைகளிலிருந்து வரைந்தார். நிக்கோலஸ் பெர்னார்ட் லெபிசியரின் (1735-1784) படைப்பில், தாமதமான உணர்ச்சி வகையின் மற்றொரு பக்கம் தோன்றுகிறது - ஐடில். ஃபால்கோன் ஒருமுறை சரியாகக் குறிப்பிட்டார்: "நம்மைத் தொடுவதற்கான முயற்சிகள் எவ்வளவு தெளிவாகத் தெரிகின்றனவோ, அவ்வளவு குறைவாகவே நாம் தொடப்படுகிறோம்."

க்ரூஸ் மற்றும் அவரைப் பின்பற்றுபவர்களின் கலையை மதிப்பிடும் போது, ​​ரூசோவின் உலகக் கண்ணோட்டத்துடன் தொடர்புடைய 18 ஆம் நூற்றாண்டின் உணர்வுவாதத்தின் மற்றொரு நீரோட்டத்துடன் நல்லொழுக்கத்தைப் பிரசங்கிப்பதை ஒருவர் குழப்பக்கூடாது. இயற்கையின் மீதான ஈர்ப்பு, நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியை வகைப்படுத்தியது, குறிப்பாக, இந்த சகாப்தத்தின் இயற்கைக் கலையில் யதார்த்தமான போக்குகளின் வளர்ச்சிக்கு ஒரு முன்நிபந்தனை.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் தொடக்கத்தில். இயற்கையின் ஒரு புதிய உணர்வின் அடித்தளம் - அதன் பாடல், உணர்ச்சி, இயக்கங்களுடன் இசைவாக இருக்கும் திறன் மனித ஆன்மா- வாட்டியோவின் வேலையில் உட்பொதிக்கப்பட்டன. இந்த கலை பின்னர் மற்ற வகைகளுக்குள் உருவாக்கப்பட்டது: தரைவிரிப்புகளுக்கான அட்டைப் பெட்டியில் நிலப்பரப்பு பின்னணிகள், அத்துடன் போர் மற்றும் விலங்கு அமைப்புகளில். பிரான்சுவா டிபோர்ட் (1661-1743) மற்றும் ஓட்ரி (1686-1755) ஆகியோரின் வேட்டைக் காட்சிகள் மிகவும் சுவாரஸ்யமானவை; டிபோர்ட்டின் ஆய்வுகளில் நேரடி அவதானிப்புகள் மிகவும் கவனிக்கத்தக்கவை ("பள்ளத்தாக்கு ஆஃப் தி சீன்", Compiègne).

18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் இயற்கை ஓவியம் வரைவதில் முக்கிய வல்லுநர்கள் தோன்றினர். அவர்களில் மூத்தவர் ஜோசப் வெர்னெட் (1714-1789). இருபது வயதில் இத்தாலி சென்று பதினேழு ஆண்டுகள் வாழ்ந்தார். எனவே, வெர்னெட் 1750 களில் பிரான்சில் பிரபலமானார். 1753 இல் லூவ்ரே சலோனில் வெற்றி பெற்ற பிறகு. வெர்னெட்டின் பணி கிளாட் லோரெய்னின் மரபுகளை நினைவூட்டுகிறது - அவரது நிலப்பரப்புகள் அலங்காரமானவை. சில சமயங்களில் வெர்னெட் பாடல் வரிகள் மற்றும் சில சமயங்களில் வியத்தகு குறிப்புகளுக்குச் சாய்ந்தார்; வெர்னெட் ஒரு திறமையான கதைசொல்லியாக இருக்கிறார்; அது எப்படி இருக்கிறது பிரபலமான தொடர்"பிரான்ஸின் துறைமுகங்கள்", பல கடல் மற்றும் பூங்கா காட்சிகள். இந்த கலைஞரின் நிலப்பரப்புகள் உள்துறை அலங்காரத்தின் ஒரு பகுதியாக கணிசமான புகழ் பெற்றன.

லூயிஸ் கேப்ரியல் மோரே தி எல்டர் (1739-1805) - பின்னாளில் இயற்கை ஓவியத்தில் மாஸ்டர். அவர் வழக்கமாக பாரிஸ் மற்றும் அதன் சுற்றுப்புறங்களின் காட்சிகளை வரைந்தார் - மியூடன், செயிண்ட் கிளவுட், பகடெல்லே, லூவெசியன்ஸ். மோரேவ் தனது நேர்த்தியான நிலப்பரப்பு வரைபடங்களுக்கு பிரபலமானவர் - "லேண்ட்ஸ்கேப் வித் எ பார்க் வேலி" (வாட்டர்கலர் மற்றும் கௌச்சே; புஷ்கின் மியூசியம் ஆஃப் ஃபைன் ஆர்ட்ஸ்). அவரது படைப்புகள் நேர்த்தியானவை, சற்றே குளிர்ச்சியானவை, ஆனால் வண்ணத்தில் நுட்பமானவை. மோரேவின் கவிதை மற்றும் முக்கிய அவதானிப்பு "தி ஹில்ஸ் ஆஃப் மியூடன்" (லூவ்ரே) போன்ற படைப்புகளில் பிரதிபலித்தது. அவரது ஓவியங்கள் அளவு சிறியவை, ஓவியரின் கையெழுத்து கையெழுத்து.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் மிகவும் பிரபலமான இயற்கை ஓவியர். ஹூபர்ட் ராபர்ட் (1733-1808). இத்தாலியில் கழித்த ஆண்டுகளில், ராபர்ட் பழங்காலத்தின் மீது ஒரு மரியாதையை வளர்த்துக் கொண்டார் - பண்டைய ரோமின் இடிபாடுகளுக்கு. இது ஒரு புதிய தலைமுறையின் கலைஞர், கிளாசிக்ஸின் கருத்துக்களால் ஈர்க்கப்பட்டவர். ஆனால் ராபர்ட்டின் கலை குறிப்பாக இயற்கையின் மீதான ஈர்ப்புடன் பழங்கால ஆர்வத்தின் கரிம கலவையால் வகைப்படுத்தப்படுகிறது. 18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் பிரெஞ்சு கலாச்சாரத்தின் மிக முக்கியமான போக்கு இதுவாகும், பழங்காலமும் இயற்கையும் சுதந்திரத்தின் முன்மாதிரிகளாகவும் மனிதனின் இயல்பான நிலையாகவும் காணப்பட்டன. கலைஞர் பாரிஸுக்குத் திரும்பிய பிறகு, கட்டிடக்கலை நிலப்பரப்புகளுக்கு ஏராளமான ஆர்டர்களைப் பெற்றார். அவர்கள் ஒரு அலங்கார நோக்கத்தைக் கொண்டிருந்தனர் மற்றும் புதிய கிளாசிக் மாளிகைகளின் உட்புறங்களை அலங்கரித்தனர். அவை ரஷ்ய பிரபுக்களால் ஆர்டர் செய்யப்பட்டன, எடுத்துக்காட்டாக யூசுபோவ், ஆர்க்காங்கெல்ஸ்கோயில் உள்ள அவரது தோட்டத்திற்காக.

ஒரு படத்தை உருவாக்கும் போது, ​​ராபர்ட் கற்பனை செய்து இசையமைத்தார், இருப்பினும் அவர் வாழ்க்கையிலிருந்து ஓவியங்களைப் பயன்படுத்தினார். பிரனேசியைப் போலவே, அவர் ஒரு ஓவியத்தில் வெவ்வேறு இடிபாடுகள் மற்றும் நினைவுச்சின்னங்களை இணைத்தார். கலைஞர் கட்டிடக்கலை வடிவங்களின் கம்பீரத்தால் வகைப்படுத்தப்படுகிறார். முறை மற்றும் பாடங்களின் அடிப்படையில், அவர் கிளாசிக்ஸின் ஒரு பொதுவான மாஸ்டர். ஆனால் 18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியின் நிலப்பரப்பில் யதார்த்தமான போக்குகள். அவரது கலையில் நிறைய தீர்மானிக்கிறது. பழைய கற்களின் மேற்பரப்பு ஒளியால் நிறைவுற்றது, இருண்ட இடிபாடுகளுக்கு இடையில் ஒளிரும் வெளிப்படையான ஈரமான சலவைகளை தொங்கவிடுவதன் மூலம் ஒளியின் விளையாட்டை வெளிப்படுத்த விரும்புகிறார். சில நேரங்களில் கட்டிடங்களின் அடிவாரத்தில் ஒரு நீரோடை பாய்கிறது, மற்றும் சலவையாளர்கள் அதில் துணிகளை துவைக்கிறார்கள். காற்றோட்டம் மற்றும் வண்ண நுணுக்கங்களின் மென்மை ஆகியவை ராபர்ட்டின் நிலப்பரப்புகளின் சிறப்பியல்பு ஆகும்; அதன் வரம்பில் குறிப்பிடத்தக்க பல்வேறு பச்சை மற்றும் முத்து-சாம்பல் நிழல்கள் உள்ளன, அவற்றில் சின்னாபார் பெரும்பாலும் கட்டுப்படுத்தப்பட்ட உச்சரிப்பை வைக்கிறது.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் இயற்கை ஓவியத்தின் வளர்ச்சிக்கு, வழக்கமான அமைப்பை மாற்றியமைத்த பூங்கா திட்டமிடலின் புதிய கொள்கைகள் மிகவும் முக்கியமானவை. இயற்கையான இயற்கையைப் பின்பற்றும் "ஆங்கிலோ-சீன" தோட்டங்களை ராபர்ட் விரும்பினார், இது உணர்ச்சிவாதத்தின் காலத்தின் உணர்வில் இருந்தது. 1770 களின் இறுதியில். அவர் வெர்சாய்ஸில் இதேபோன்ற பூங்காவின் மறுவடிவமைப்பை மேற்பார்வையிட்டார்; இயற்கை ஓவியர்களின் ஆலோசனையின் பேரில், எர்மனோன்வில்லே, பகடெல்லே, சாண்டிலி, மெரேவில்லே (ராபர்ட்டின் திட்டத்தின் படி பிந்தையது) தோட்டங்கள் இந்த நேரத்தில் அமைக்கப்பட்டன. இவை தத்துவவாதிகள் மற்றும் கனவு காண்பவர்களுக்கான தோட்டங்களாக இருந்தன - விசித்திரமான பாதைகள், நிழல் சந்துகள், பழமையான குடிசைகள், கட்டிடக்கலை இடிபாடுகள் ஆகியவை பிரதிபலிப்புக்கு உகந்தவை. இதையொட்டி, இயற்கை பூங்காக்களில் இயல்பான தன்மைக்கான தேடல், அவற்றின் அமைப்பு சுதந்திரம், நெருக்கமான கருக்கள் - இவை அனைத்தும் இயற்கை ஓவியத்தை பாதித்து அதன் யதார்த்தமான போக்குகளைத் தூண்டின.

நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் மிகப்பெரிய ஓவியர் மற்றும் கிராஃபிக் கலைஞர் ஹானர் ஃப்ராகனார்ட் (1732-1806). பதினேழு வயதில், ஃப்ராகனார்ட் பவுச்சரின் பட்டறைக்குச் சென்றார், அவர் அவரை சார்டினுக்கு அனுப்பினார்; சார்டினுடன் ஆறு மாதங்கள் தங்கிய பிறகு, இளம் கலைஞர் பவுச்சருக்குத் திரும்பினார். ஃபிராகனார்ட் பெரிய ஆர்டர்களை முடிக்க ஆசிரியருக்கு உதவ வேண்டியிருந்தது. 1752 ஆம் ஆண்டில், ஃபிராகோனார்ட் ஒரு விவிலியக் கதையில் தனது இசையமைப்பிற்காக பிரிக்ஸ் டி ரோம் பெற்றார். 1756 இல் அவர் ரோமில் உள்ள பிரெஞ்சு அகாடமியில் மாணவரானார். ஐந்து இத்தாலிய ஆண்டுகள் கலைஞருக்கு மிகவும் பயனுள்ளதாக இருந்தன. பவுச்சரின் கண்களால் அவனால் உலகைப் பார்க்க முடியவில்லை.

ஃப்ராகனார்ட். 1760 வியன்னா, அல்பெர்டினாவில் உள்ள பெரிய சைப்ரஸ் மரங்கள்.

ஃபிராகனார்டின் படைப்புகள் இத்தாலிய ஓவியத்தால் வலுவாக தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது, முக்கியமாக 17 மற்றும் 18 ஆம் நூற்றாண்டுகளில் இருந்து. அவர் பண்டைய சர்கோபாகியின் நிவாரணங்களை நகலெடுத்தார் மற்றும் பண்டைய கருப்பொருள்களில் மேம்பாடுகளை உருவாக்கினார் - 1760 களின் பேச்சிக் காட்சிகள். இந்த ஆண்டுகளில், Fragonard இன் அற்புதமான இயற்கை வரைபடங்கள் தோன்றின, காற்று மற்றும் ஒளி நிறைந்தது. நெகிழ்வான மற்றும் இலவச கிராஃபிக் நுட்பங்கள் உணர்வின் சிற்றின்ப நுணுக்கத்துடன் ஒத்துப்போகின்றன. வளிமண்டல மூடுபனி மற்றும் சந்துகளில் சூரிய ஒளியின் விளையாட்டை வெளிப்படுத்தி, அவர் மென்மையான ஒளி மற்றும் நிழல் மாற்றங்களை வரைபடத்தில் அறிமுகப்படுத்தினார், பிஸ்ட்ரே அல்லது மை கொண்டு கழுவும் நுட்பத்தை மேம்படுத்தினார். இந்த ஆண்டுகளில், அவர் சாங்குயினையும் விரும்பினார். ஃப்ராகனார்ட்டின் ஆரம்பகால நிலப்பரப்புகள் இளம் ஓவியரின் முதல் வெற்றிகளில் ஒன்றாகும்.

1761 இலையுதிர்காலத்தில், ஃப்ராகனார்ட் பாரிஸுக்குத் திரும்பினார். 1760கள் அவரது கலை முதிர்ச்சியடைந்த காலம். இது மிகவும் சர்ச்சைக்குரியதாகவே இருந்தது. ரோகோகோவின் பாரம்பரிய வடிவங்கள் யதார்த்தமான தேடல்களுடன் வாதிட்டன. ஆனால் புராண வகையிலும் கூட பாடல் கருப்பொருள் பிரதானமாக மாறியது. 1764 குளிர்காலத்தில் அவர் தனது திட்டத்தை முடித்தார் "பூசாரி கோரெஸ் காலிரோவை காப்பாற்ற தன்னை தியாகம் செய்தார்"; இந்த பெரிய ஓவியம் 1765 இல் லூவ்ரே சலோனில் காட்சிக்கு வைக்கப்பட்டது. இது மறைந்த இத்தாலிய எஜமானர்களின் செல்வாக்கின் கீழ் எழுதப்பட்டது, அதில் நிறைய வழக்கமான நாடகத்தன்மை உள்ளது, ஆனால் உணர்ச்சிகள் சொல்லாட்சியை உடைக்கிறது. படம் வெற்றி பெற்றது. அகாடமியின் கமிஷன் (1766) லூவ்ரின் அப்பல்லோ கேலரிக்கு ஒரு பெரிய பிளாஃபாண்ட் உருவாக்க கல்வியாளர் பட்டத்தை உறுதியளித்தது. ஆனால் இந்த பணியை ஃப்ராகனார்ட் ஒருபோதும் முடிக்கவில்லை, அவர் விலகிவிட்டார் வரலாற்று வகைமற்றும் 1769 முதல் அவர் லூவ்ரின் சலூன்களில் காட்சிப்படுத்துவதை நிறுத்தினார். கல்வியியல் வரலாற்று ஓவியத்தின் பிடிவாதத்தால் அவர் தெளிவாக வெறுப்படைந்தார். பிரபுத்துவ பூடோயர்களில் அவரது படைப்புகள் பிரபலமடைந்து, பெரிய யோசனைகளையும் ஒரு வரலாற்று ஓவியரின் மகிமையையும் கைவிட்டு அவர் திருப்தி அடைவதாக சமகாலத்தவர்கள் வருத்தப்பட்டனர்.

உண்மையில், இளம் மாஸ்டர் கலை 1760 களில் வடிவம் பெற்றது. என பாடல் வரிகள், அந்தரங்கம். அன்றாட வாழ்க்கையின் காட்சிகள், நிலப்பரப்புகள், ஃப்ராகனார்டின் படைப்புகளில் உள்ள உருவப்படங்கள் ஆகியவை இக்கால பிரெஞ்சு கலை கலாச்சாரத்தின் தனித்துவம், இயல்பு மற்றும் உணர்வு பண்பு ஆகியவற்றில் ஆர்வத்தால் குறிக்கப்படுகின்றன. ஃபிராகோனார்டின் கலையின் தனித்தன்மை என்னவென்றால், இது 18 ஆம் நூற்றாண்டின் மற்ற ஓவியர்களின் கலையை விட அதிகமாக, ஹேடோனிசம் மற்றும் இன்பத்தின் கவிதை ஆகியவற்றால் நிறைந்துள்ளது. அறியப்பட்டபடி, 18 ஆம் நூற்றாண்டின் ஹெடோனிசம். ஒரு சர்ச்சைக்குரிய நிகழ்வாக இருந்தது. இன்பத்தின் தத்துவம் மில்லியன் கணக்கான மக்களின் இருப்புக்கான உண்மையான நிலைமைகளுடன் முரண்பட்டது, மேலும் ஜனநாயகவாதியான ரூசோவின் உக்கிரமான கோபம் அதன் மீது விழுந்தது காரணமின்றி இல்லை. ஆனால் அதே நேரத்தில், உண்மையான, பூமிக்குரிய சிற்றின்பத்தின் உறுதிப்பாடு அதனுடன் தொடர்புடையது: பிரெஞ்சு பொருள்முதல்வாதிகள் பிரபுத்துவத்தின் சீரழிவையும், புனிதர்களின் பாசாங்குத்தனத்தையும் மனிதனின் இருப்பின் அனைத்து செல்வங்களையும் அனுபவிக்கும் உரிமையுடன் வேறுபடுத்தினர். வேறு வார்த்தைகளில் கூறுவதானால், அறிவொளியாளர் லா மெட்ரியின் அழைப்பு "அபாண்டத்தின் எதிரி மற்றும் இன்பத்தின் நண்பன்" என்பது பாரிசாயிசம் மற்றும் மதகுருக்களின் இடைக்கால ஒழுக்கத்திற்கு எதிரான எதிர்ப்பாக ஒலித்தது. ரோகோகோ ஓவியத்தின் நிறைவுற்ற சிற்றின்பம், வீழ்ச்சியடைந்த பிரபுத்துவத்தின் ஒழுக்கத்தை பிரதிபலிக்கிறது, கலையை அழித்தது. ஃபிராகோனார்ட்டின் பணி உன்னத கலாச்சாரத்தின் பொதுவான அம்சங்களின் முத்திரையைக் கொண்டுள்ளது. ஆனால் அவரது சிறந்த படைப்புகளில் அவர் பௌச்சரின் எபிகோன்களின் குளிர்ச்சியான நுட்பத்திலிருந்து விடுபட்டுள்ளார்;

"மன்மதன் சட்டை திருடுவது" (லூவ்ரே), "குளியல் நயாட்ஸ்" (லூவ்ரே) போன்ற புராணக் காட்சிகள் கூட ஒரு உறுதியான வாழ்க்கைத் தன்மையைப் பெறுகின்றன மற்றும் பார்வையாளரை இருப்பின் நெருக்கமான கோளத்திற்கு கொண்டு செல்கின்றன. இந்த ஓவியங்கள் சிற்றின்ப ஆனந்தம் நிறைந்தவை; மென்மையான கலவை தாளங்கள், மென்மையான நடுங்கும் நிழல்கள், ஒளி மற்றும் சூடான வண்ணமயமான நிழல்கள் ஒரு உணர்ச்சி சூழலை உருவாக்குகின்றன. ஃப்ராகனார்டின் காட்சிகளில் காதலுக்கான ஏக்கம், கலகலப்பான தந்திரம் மற்றும் துடுக்குத்தனமான கேலியுடன் இணைந்துள்ளது.

ஃப்ராகனார்டின் கலையின் உணர்ச்சி செழுமை அவரது நுட்பங்களின் மனோபாவத்தையும், ஒளி மற்றும் ஆற்றல்மிக்க பக்கவாதங்களின் சுதந்திரத்தையும், ஒளி-காற்று விளைவுகளின் நுணுக்கத்தையும் தீர்மானித்தது. அவர் மேம்பாட்டின் குறிப்பிடத்தக்க பரிசைப் பெற்றிருந்தார், மேலும் அவரை ஒளிரச் செய்த கருத்துக்களை எப்போதும் முழுமையாக உணரவில்லை. ஃப்ராகனார்ட்டின் ஓவிய அமைப்பில், வெளிப்பாடு நேர்த்தியான அலங்காரத்துடன் இணைக்கப்பட்டுள்ளது, மேலும் சார்டின் செய்ய முடிந்ததைப் போல வண்ணங்கள் பொருட்களின் அளவையும் பொருளையும் தெரிவிக்கவில்லை.

1760 களின் மிகவும் பிரபலமான படைப்புகளில் ஒன்று - “தி ஸ்விங்” (1767; லண்டன், வாலஸ் சேகரிப்பு) - வாடிக்கையாளரான பைனான்சியர் செயிண்ட்-ஜூலியனின் சதித்திட்டத்தின் அடிப்படையில் உருவாக்கப்பட்டது, கலைஞர் தனது காதலியை ஊஞ்சலில் சித்தரிக்க விரும்பினார். . பூங்காவின் ஒரு நெருக்கமான மூலையானது ஃபிர்டி பூடோயர் போல் தெரிகிறது. அழகான உருவத்தின் படபடக்கும் அசைவு, அவளது ஆடைகளின் அவுட்லைன்கள், அந்துப்பூச்சியின் நிழற்படத்தை நினைவூட்டுவது, மந்தமான பார்வைகளின் அழகான விளையாட்டு - இவை அனைத்தும் காரமான ரோகெய்ல் நுட்பம் நிறைந்த ஒரு படத்தை உருவாக்குகின்றன.

ஆனால் Fragonard இன் படைப்பில் "The Laundresses" (Amiens) போன்ற பல வகை காட்சிகள் உள்ளன. பழைய பூங்காவில், சலவைத் தொழிலாளர்கள் சாம்பல் பாரிய தூண்களுக்கு அருகில் சலவைகளைத் தொங்கவிடுகிறார்கள். நிறங்கள் சுத்தமான மற்றும் வெளிப்படையானவை, அவை சூரியனின் கதிர்களின் பிரகாசத்தை வெளிப்படுத்துகின்றன, பழைய கற்களில் மென்மையான பிரதிபலிப்புகளை சிதறடிக்கின்றன. இருண்ட இலைகள் பழைய கற்களில் நிழல்களை வீசுகின்றன. சாம்பல்அவை ஆலிவ், சாம்பல் மற்றும் பச்சை நிற நிழல்களிலிருந்து நெய்யப்படுகின்றன. வண்ணங்களின் புத்துணர்ச்சி, நுணுக்கங்களின் செழுமை, பக்கவாதத்தின் லேசான தன்மை - இவை அனைத்தும் பௌச்சரின் எபிகோன்களின் மந்தமான மற்றும் இயற்கைக்கு மாறான முறையை எதிர்த்தன மற்றும் 19 ஆம் நூற்றாண்டின் நிலப்பரப்பின் வண்ணமயமான சாதனைகளை எதிர்பார்த்தன.

இயற்கையின் மீதான ஃப்ராகனார்ட்டின் ஈர்ப்பு அவரது அன்றாட காட்சிகளுக்கு உயிர்ச்சக்தியைக் கொடுத்தது, செழுமைப்படுத்தியது இயற்கை வகை, உருவப்படத்தில் உள்ள மாதிரியின் தனித்துவத்தைப் பாராட்ட எங்களை கட்டாயப்படுத்தியது. ஃபிராகனார்டின் உருவப்படங்கள் (செயின்ட்-நோன்; பார்சிலோனா) கண்கவர் மற்றும் மனோபாவம் கொண்டவை; கலைஞரின் கவலை உள் உலகின் சரியான ஒற்றுமை அல்லது சிக்கலானது அல்ல - அவர் உருவப்படத்தில் ஆன்மாவின் உற்சாகம், அலங்கார நோக்கம், வண்ணமயமான ஆடைகளின் அசாதாரணம் ஆகியவற்றை விரும்பினார். மத்தியில் உருவப்படம் வேலை செய்கிறதுடிடெரோட் (பாரிஸ், தனியார் சேகரிப்பு), இந்த வகையின் கிராஃபிக் படைப்புகள் - “மேடம் ஃப்ராகனார்ட்” (சீன மை; பெசன்கான்), “மார்குரைட் ஜெரார்ட்” (பிஸ்ட்ரே, ஐபிட்.) ஆகியவற்றால் ஃபிராகனார்ட் வேறுபடுகிறார். அவரது தகுதிகள் முன்கூட்டிய நியதிகளிலிருந்து உருவப்படக் கலையை விடுவித்தல், உணர்வுகளின் நேர்மைக்கான ஆர்வம், அவற்றின் வெளிப்பாட்டின் தன்னிச்சையானது.

நிலப்பரப்பில், ஃப்ராகனார்ட் வாட்டியோவின் பாரம்பரியத்திற்குத் திரும்பினார், ஆனால் வாட்டியோவின் மனச்சோர்வுக் கனவுகள் சிற்றின்ப மகிழ்ச்சியால் மாற்றப்படுகின்றன.

ராபர்ட்டைப் போலன்றி, ஃப்ராகனார்டின் நிலப்பரப்பில் கட்டடக்கலை மையக்கருத்துகள் ஆதிக்கம் செலுத்துவதில்லை, இது இயற்கையின் குறிப்பிட்ட தோற்றத்தை வடிவமைக்கும் சூழலான இடஞ்சார்ந்த உறவுகள் மற்றும் ஒளி-காற்று விளைவுகளுக்கு முதன்மை அளிக்கிறது. கண்ணோட்டம் கண்ணை ஆழத்திற்கு இட்டுச் செல்கிறது, ஆனால் பெரும்பாலும் நேர்கோட்டில் இல்லை. மீடியம் ஷாட்ஒரு பொஸ்கெட், ஒரு கொத்து மரங்கள், ஒரு பெவிலியன் ஆகியவற்றால் ஆக்கிரமிக்கப்பட்டது; அவற்றைச் சுற்றி வளைந்து, ஒரு சந்து அல்லது பாதை தூரத்திற்கு இட்டுச் செல்கிறது, ஒரு மந்திர ஒளியால் ஒளிரும், ஆனால் அடிவானம் பொதுவாக தோப்புகள், மொட்டை மாடிகள் மற்றும் படிக்கட்டுகளால் மூடப்படும். Fragonard இன் நிலப்பரப்பு எப்போதும் நெருக்கமானது. Villa d'Este இன் ஆடம்பரமான பரோக் பூங்காவில், ஃபிராகனார்ட் ஆடம்பரம் மற்றும் கடுமையான சமச்சீர்மை இல்லாத அரிய மூலைகளைக் காண்கிறார், இந்த மூலைகள் பார்வையாளர்களின் கூட்டத்தால் சூழப்பட்ட சத்தமில்லாத நீரூற்றுகளிலிருந்து வெகு தொலைவில் உள்ளன.

சிறிய அதிர்வு பக்கவாதம் பசுமையாக சூரிய ஒளியின் பிரதிபலிப்புகள் மற்றும் ஒளிரும். இந்த ஃப்ளாஷ்கள் இருண்ட பொருட்களைச் சுற்றி ஒளியின் பரவலான ஒளிவட்டத்தை உருவாக்குகின்றன; ஆழத்தில் இருந்து ஒரு மென்மையான பளபளப்பு நீரோடைகள், மரங்களின் நிழற்படங்களை ஒளிரச் செய்கிறது. ஒளியின் அடுக்குகள் ஃப்ராகனார்ட்டின் வரைபடங்களை நிரப்புகின்றன, மேலும் இது அவரது கிராபிக்ஸ் மிகவும் அற்புதமான பண்புகளில் ஒன்றாகும். கிராஃபிக் நுட்பங்களின் தன்மை காகிதத்தின் வண்ண வெளிப்பாட்டையும் மாற்றுகிறது - மரங்களின் கிரீடங்கள் படிக்கட்டுகளின் வெள்ளை கற்களை விட வெயிலில் மென்மையாக பிரகாசிக்கின்றன.

1770களில் ஃப்ராகனார்டின் நிலப்பரப்பு எளிமையானதாகவும் மேலும் நெருக்கமானதாகவும் மாறும். பெருகிய முறையில், அலங்கரிக்கப்பட்ட இயற்கையின் இடம் சாதாரண இயற்கையால் எடுக்கப்படுகிறது ("ஜெனோவாவிற்கு அருகிலுள்ள கடற்கரை", செபியா, 1773). நாட்டுப்புற வாழ்க்கையின் காட்சிகளுடன் அன்றாட வகையின் செறிவூட்டலுடன் இது நடந்தது என்பது குறிப்பிடத்தக்கது. முக்கியமானது 1773-1774 இல் அவர் மேற்கொண்ட இத்தாலிக்கான ஃப்ராகனார்ட்டின் பயணம், வகை மற்றும் இயற்கைக் கலையின் வளர்ச்சிக்கு பங்களித்தது. இந்த ஆண்டுகளில் இத்தாலியில் கலை சூழ்நிலை ஏற்கனவே புதியதாக இருந்தது. இளம் கிளாசிக் கலைஞர்கள் - வின்சென்ட், சுவே, மெனகேவ் - ரோமில் உள்ள வில்லா மெடிசியில் படித்தார். ஆனால் ஃப்ராகனார்ட் இத்தாலியில் இருந்து கிளாசிக்ஸின் கொள்கைகளை அல்ல, ஆனால் யதார்த்தமான நிலப்பரப்புகள் மற்றும் அன்றாட காட்சிகளை கொண்டு வந்தார்.

ஃபிராகோனார்டின் படைப்புகளில் விளக்கப்படங்களின் பல சுழற்சிகள் அறியப்படுகின்றன - லா ஃபோன்டைனின் "ஃபேரி டேல்ஸ்", அரியோஸ்டோவின் "ரோலண்ட் தி ஃபியூரியஸ்", செர்வாண்டஸின் "டான் குயிக்சோட்". அரியோஸ்டோவுக்கான விளக்கப்படங்கள் செபியா மற்றும் பென்சில் ஓவியங்களில் இருந்தன. ஒரு வெளிப்படையான தொடுதல் மற்றும் அழகிய சியாரோஸ்குரோ, சில சமயங்களில் பாடல் வரிகளில் மென்மையானது, சில சமயங்களில் வியத்தகு முறையில் தீவிரமானது, கவிதைக் கதையின் இலவச மற்றும் உயிரோட்டமான தாளத்தை வெளிப்படுத்துவதை சாத்தியமாக்கியது, எதிர்பாராத ஒத்திசைவு மாற்றங்கள். இந்த வரைபடங்களில், ரூபன்ஸின் உருவக அமைப்புகளின் செல்வாக்கு மற்றும் வெனிஷியர்களின் கிராபிக்ஸ் - டைபோலோ மற்றும் காஸ்பரோ டிசியானி - கவனிக்கத்தக்கது. புத்தகத்தை விக்னெட்டுகளால் அலங்கரிக்கும் ரோகோகோ இல்லஸ்ட்ரேட்டர்களைப் போலல்லாமல், ஃபிராகனார்ட் கவிதையின் முக்கிய நிகழ்வுகள் மற்றும் கதாபாத்திரங்களைப் பற்றி சொல்லும் தொடர் தாள்களை உருவாக்குகிறார். இது ஒரு வித்தியாசமான, புதிய உவமை முறை. இருப்பினும், அவர்களின் வாழ்க்கையிலிருந்து கதாபாத்திரங்களின் ஆழமான குணாதிசயங்கள் வரை அசாதாரண நிகழ்வுகளின் கண்கவர் வெளிப்பாட்டுத்தன்மையை அவர் விரும்புகிறார்.

பிந்தைய காலகட்டத்தில், ஃப்ராகனார்ட்டின் பணி இந்த மாஸ்டரின் பொதுவான சிக்கல்களின் வரம்பிற்குள் இருந்தது. அவரது பாடல் வரிகள், அந்தரங்க கலை, பல வழிகளில் மரபுக்கு கட்டுப்பட்டதுஉன்னத கலாச்சாரம், நிச்சயமாக, 1780 களில் வெற்றி பெற்ற புரட்சிகர கிளாசிக்ஸின் சிறப்பியல்பு வீர இலட்சியங்களை இயல்பாக ஏற்றுக்கொள்ள முடியவில்லை. ஆனால் புரட்சியின் ஆண்டுகளில், ஃபிராகனார்ட் கலை வாழ்க்கையிலிருந்து விலகி இருக்கவில்லை, கலை நடுவர் குழுவின் உறுப்பினராகவும், லூவ்ரின் பொறுப்பாளராகவும் ஆனார்.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் பிரெஞ்சு சிற்பத்தில். எஜமானர்கள் தோன்றி, புதிய பாதைகளில் இறங்கினர்.

Jean Baptiste Pigalle (1714-1785) அவரது ஆசிரியரான J.-B ஐ விட பத்து வயது மட்டுமே இளையவர். லெமோயின்; ஆனால் அவரது பணி பல புதிய குணங்களைக் கொண்டுள்ளது. 1736-1739 இல் பிகல்லே படித்த ரோமில் டெரகோட்டாவில் செய்யப்பட்ட அவரது படைப்புகளில் மிகவும் பிரபலமான "மெர்குரி" இன்னும் பாரம்பரியமானது (1744 இல் அவர் பளிங்கு பதிப்பிற்கான கல்வியாளர் என்ற பட்டத்தைப் பெற்றார்). மெர்குரி தனது சிறகுகள் கொண்ட செருப்பை சரிசெய்யும் சிக்கலான போஸ் நேர்த்தியானது, அவரைப் பற்றி ஏதோ தந்திரமான மற்றும் துணிச்சலானது உள்ளது, கருப்பொருளின் நெருக்கத்திற்கு ஏற்ப பொருளின் சிகிச்சை நேர்த்தியானது. அதற்கு அருகில் "வீனஸ்" (பளிங்கு, 1748; பெர்லின்) - நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் அலங்கார சிற்பத்தின் உதாரணம்; அவள் ஒரு மேகத்தின் மீது அமர்ந்திருப்பதைக் காட்டுகிறாள், ஒரு நிலையற்ற போஸில் ஒரு மந்தமான ஆனந்த உணர்வு இருக்கிறது, அந்த உருவம் அதன் ஆதரவிலிருந்து நழுவப் போகிறது என்று தெரிகிறது. மெல்லிசைக் கோடுகளின் மென்மை, விகிதாச்சாரத்தின் நுட்பம், பளிங்குகளின் நுட்பமான செயலாக்கம், ஒரு மூடுபனியில் மூடப்பட்டிருப்பது போல் - இவை அனைத்தும் ஆரம்பகால பிகலின் சுத்திகரிக்கப்பட்ட இலட்சியத்தின் சிறப்பியல்பு. ஆனால் ஏற்கனவே இங்கே ரோகோகோவின் நெருக்கமான குறிப்புகள் பெண் உடல் வடிவத்தின் அற்புதமான இயல்பான தன்மையுடன் இணைக்கப்பட்டுள்ளன. பிகல்லே பின்னர் "இரக்கமற்றவர்" என்று அழைக்கப்படுவார். உண்மையில் - டான்கோர்ட்டின் கல்லறைகளில் (1771; கதீட்ரல் பாரிஸின் நோட்ரே டேம்) மற்றும் சாக்சனியின் மோரிட்ஸ் (1753-1776) உருவகத்தின் சொல்லாட்சி மட்டுமல்ல, பல நோக்கங்களின் மிக இயல்பான தன்மையும் உள்ளது. Marquise Pompadour இன் எண்ணற்ற உருவப்பட ஓவியர்களில் எவரும் அவரது உண்மையான தோற்றத்தை இவ்வளவு துல்லியமாக வெளிப்படுத்தவில்லை (நியூயார்க், தனியார் சேகரிப்பு). லத்தூரின் வேலையும் கூட மிகவும் அழகாக இருந்தது. ஆனால் இயற்கையில் இந்த ஆர்வம் குறிப்பாக வால்டேரின் பளிங்கு சிலையில் வெளிப்பட்டது (1776; பாரிஸ், பிரெஞ்சு நிறுவனத்தின் நூலகம்). 1770 ஆம் ஆண்டில், வால்டேர் தனது மூழ்கிய கண்கள் மற்றும் காகிதத்தோல் கன்னங்களைப் பற்றி ஒரு கடிதத்தில் எழுதினார். பிகல் இங்கே "வீர நிர்வாணம்" என்ற உன்னதமான சூத்திரத்தைப் பின்பற்றினார், ஆனால் அதே நேரத்தில் இந்த முதுமையின் அனைத்து அறிகுறிகளையும் படத்திற்கு மாற்றினார். இன்னும், அவரது கலையில் இயற்கையின் துல்லியமான ரெண்டரிங் எப்போதும் உயர் பொதுமைப்படுத்தலுக்கு உயரவில்லை, மேலும் அது பொதுவாக சொல்லாட்சிக் கருவிகளுடன் இருந்தது.

ஏறக்குறைய பிகாலின் அதே வயது எட்டியென் மாரிஸ் ஃபால்கோனெட் (1716-1791). வெண்கல குதிரைவீரனை உருவாக்கியவர் 18 ஆம் நூற்றாண்டின் மிகச்சிறந்த சிற்பக் கலைஞர்களில் ஒருவர். ஒரு தச்சரின் மகன், பால்கோனெட், பதினெட்டு வயதில், லெமோயினிடம் பயிற்சி பெற்றார். பிகல்லைப் போலவே, அவர் "பாம்படோர் சகாப்தத்தின்" சுவை தயாரிப்பாளரான பௌச்சரின் கிட்டத்தட்ட பிரிக்கப்படாத செல்வாக்கின் ஆண்டுகளில் தொடங்கினார். ஆனால் ஃபால்கோனெட் "இனிமையான கலை" க்கு பிகாலை விட தைரியமாக பதிலளித்தார், அவரது எல்லைகள் பரந்தவை, மேலும் கடந்த கால நினைவுச்சின்ன கலையின் மரபு அவரை எதிர்கால படைப்புகளுக்கு தயார்படுத்தியது. ஃபால்கோனெட் புகெட்டின் வேலையைப் பாராட்டினார், "அவரது சிலைகளின் நரம்புகளில் உயிருள்ள இரத்தம் ஓடுகிறது" என்று கூறினார்; பழங்காலத்தைப் பற்றிய ஆழமான ஆய்வு பின்னர் "மார்கஸ் ஆரேலியஸின் சிலை பற்றிய அவதானிப்புகள்" என்ற கட்டுரையில் விளைந்தது. இது ஃபால்கோனின் முதல் குறிப்பிடத்தக்க படைப்பான "மிலன் ஆஃப் க்ரோட்டன் டார்மென்ட் பை எ லயன்" (பிளாஸ்டர் மாடல், 1745) - சதித்திட்டத்தின் வியத்தகு தன்மை, கலவையின் இயக்கவியல், உடலின் பிளாஸ்டிசிட்டியின் வெளிப்பாடு. பளிங்கு மிலோ 1755 ஆம் ஆண்டு வரவேற்பறையில் காட்சிக்கு வைக்கப்பட்டது. ஆனால் முதல் அனுபவத்திற்குப் பிறகு, ஃபால்கோனின் படைப்பு பாதை இந்த காலத்தின் ஒரு கலைஞருக்கு பொதுவானது. அவர் பாம்படோரின் மார்க்யூஸ் மற்றும் பெல்லூ மற்றும் க்ரெசியின் உன்னத மாளிகைகளுக்கு உருவக அமைப்புகளையும் அலங்கார சிற்பங்களையும் செய்ய வேண்டியிருந்தது. அவை "ஃப்ளோரா" (1750), "அச்சுறுத்தும் மன்மதன்" மற்றும் "பாதர்" (1757). ரோகோகோவின் நெருக்கம், இந்த பாணியின் சிறப்பியல்பு விகிதாச்சாரத்தின் நேர்த்தியான நேர்த்தி, நெகிழ்வான வடிவங்களின் மென்மை, சைனஸ் வரையறைகளின் விசித்திரமான ரிதம் மற்றும் நெகிழ் இயக்கங்களின் எளிமை ஆகியவற்றால் அவை ஆதிக்கம் செலுத்துகின்றன. ஆனால் ஃபால்கோன் ரோகோகோ கருப்பொருளை நுட்பமான கவிதையுடன் மாற்றினார்.

1757 முதல், ஃபால்கோனெட் செவ்ரெஸ் பீங்கான் உற்பத்தியின் கலை இயக்குநரானார். நினைவுச்சின்ன அமைப்புகளை நோக்கி ஈர்க்கப்பட்ட அவர், பத்து ஆண்டுகளாக செவ்ரெஸ் பிஸ்கட்டுக்கான மாதிரிகளை உருவாக்க வேண்டியிருந்தது - "அப்பல்லோ மற்றும் டாப்னே", "ஹெபே", முதலியன. பிரெஞ்சு பீங்கான் வளர்ச்சிக்கு, அவரது செயல்பாடு மிகவும் முக்கியத்துவம் வாய்ந்தது; ஆனால் சிற்பிக்கு அது ஒரு கடினமான நேரம். 1750 களின் இறுதியில் - 1760 களின் தொடக்கத்தில், பழங்காலத்தின் தாக்கங்கள் ஃபால்கோனின் படைப்புகளில் அந்த சகாப்தத்தின் சிறப்பியல்பு என்று சுத்திகரிக்கப்பட்ட ஒளிவிலகல் உணரப்பட்டது. இந்த காலகட்டத்தின் படைப்புகளில், பிளாஸ்டிக் மொழியின் வடிவமைப்பு, கடுமை மற்றும் கட்டுப்பாடு ஆகியவற்றின் அதிக அர்த்தத்திற்கான தேடல் கவனிக்கத்தக்கது. பெரிய குழு "பிக்மேலியன் மற்றும் கலாட்டியா" (1763), "மென்மையான சோகம்" (1763; ஹெர்மிடேஜ்). ஒரு மகிழ்ச்சியான தருணத்தின் பாறை மழுப்பலானது நிகழ்வின் முக்கியத்துவம், சிந்தனையின் தீவிரத்தன்மை ஆகியவற்றின் உணர்வால் மாற்றப்படுகிறது. இந்த மாற்றங்கள், கலை கலாச்சாரத்தின் புதிய போக்குகள் மற்றும் ஃபால்கோனெட்டின் முற்போக்கான பார்வைகளால் தீர்மானிக்கப்பட்டது, ரஷ்ய காலத்தின் அவரது கலையின் மலர்ச்சிக்கு தயார்படுத்தியது.

அகஸ்டின் பழு (1730-1809) அலங்கார நினைவுச்சின்ன சிற்பங்களில் மாஸ்டர் - அவர் வெர்சாய்ஸ் தியேட்டர் மற்றும் தேவாலயம், பாலைஸ் ராயல், இன்வாலிட்ஸ் மற்றும் பாரிஸில் உள்ள நீதி அரண்மனை ஆகியவற்றை சிலைகளால் அலங்கரித்தார். அவர் செய்த ஏராளமான மார்பளவுகள் ஜே.-பியின் பணியை நினைவூட்டுகின்றன. லெமோயின் ஒரு நேர்த்தியான உருவப்படத்தின் செயல்திறன் கொண்டது, இதில் வெளிப்புறத்தை வெளிப்படுத்துவதில் ஒரு நுணுக்கம் உள்ளது, ஆனால் ஆழமான உளவியல் இல்லை.

மைக்கேல் கிளாட், க்ளோடியன் (1738-1814) என்ற புனைப்பெயர், பக்கத்திற்கு அருகில் இருக்கிறார். ஆனால் அவர் ஃப்ராகனார்டுடன், அவரது நெருக்கமான வகை காட்சிகளுக்கு இன்னும் நெருக்கமாக இருக்கிறார். ஆடம் மற்றும் பிகல்லின் மாணவர், 1759 இல் க்ளோடியன் கல்வி பிரிக்ஸ் டி ரோம் பெற்றார். அவர் நீண்ட காலமாக இத்தாலியில் இருந்தார் - 1762 முதல் 1771 வரை, அங்கு அவர் புகழ் பெற்றார் மற்றும் பாரிஸுக்குத் திரும்பினார், சேகரிப்பாளர்களிடையே பிரபலமானார். "வியாழன்" சிலைக்காக அகாடமியில் அனுமதிக்கப்பட்ட பிறகு, அவர் "வரலாற்று வகைகளில்" வேலை செய்வதை கிட்டத்தட்ட நிறுத்திவிட்டார், மேலும் கல்வியாளர் என்ற பட்டத்தைப் பெறவில்லை. அவரது சிறிய சிற்பங்கள், அலங்கார அடிப்படை-நிவாரணங்கள் மற்றும் குவளைகள், மெழுகுவர்த்திகள் மற்றும் மெழுகுவர்த்திகள் உன்னதமான மாளிகைகளுக்காக செய்யப்பட்டன. க்ளோடியனின் பாணி இத்தாலிய ஆண்டுகளில், பண்டைய கலையின் செல்வாக்கின் கீழ், அதன் ஒப்பீட்டளவில் பிற்கால வடிவங்கள் ஹெர்குலேனியத்தின் அகழ்வாராய்ச்சியின் போது அறியப்பட்டது. பழமையான கதைகள்க்ளோடியனின் கலையில் அவர்கள் ஒரு சுத்திகரிக்கப்பட்ட சிற்றின்பத் தன்மையைப் பெற்றனர் - அவரது பச்சனாலியா, நிம்ஃப்கள் மற்றும் விலங்கினங்கள், சத்யர்கள் மற்றும் மன்மதன்கள் ரோகெய்ல் காட்சிகளுக்கு நெருக்கமானவர்கள், பண்டைய முன்மாதிரிகளுக்கு அல்ல.

அவை ஆரம்ப கட்டத்தின் ரோகோகோவிலிருந்து சதி மையக்கருத்துகளின் மிகவும் நேர்த்தியான தன்மை மற்றும் பிரெஞ்சு கலை கலாச்சாரத்தில் கிளாசிசிசம் உருவாகும் காலத்தின் சிறப்பியல்பு கட்டுப்படுத்தப்பட்ட இசையமைப்பு தாளங்களால் வேறுபடுகின்றன. க்ளோடியனின் படைப்பில் நுட்பமான பாடல் வரிகள் மற்றும் மென்மையான அழகியல் ஆகியவை முக்கிய விஷயம், இது கருணை மற்றும் உயிர்ச்சக்தியின் சிறப்பு இணைவு ஆகும். டெரகோட்டா "நிம்ஃப்" (மாஸ்கோ, ஏ.எஸ். புஷ்கின் நுண்கலை அருங்காட்சியகம்) மற்றும் பீங்கான் அடிப்படை நிவாரணம் "நிம்ஃப்ஸ் ஹெர்ம் ஆஃப் பான்" (ஹெர்மிடேஜ்) ஆகியவை 1788 ஆம் ஆண்டு செவ்ரெஸ் தொழிற்சாலையில் அவரது மாதிரியின் படி தயாரிக்கப்பட்டன.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் யதார்த்தமான உருவப்பட சிற்பத்தின் மிகப்பெரிய மாஸ்டர். Jean Antoine Houdon (1741-1828) ஆவார். அவர் ஒரு புதிய தலைமுறையின் சிற்பி, புரட்சிகர சகாப்தத்துடன் நேரடியாக இணைக்கப்பட்டார். அவர் தேர்ந்தெடுத்த திசை நிராகரிக்கப்பட்டது கருத்தியல் அடித்தளங்கள்மற்றும் ரோகோகோ கலையின் சுத்திகரிக்கப்பட்ட வடிவங்கள். சிற்பிக்கு ஒரு தெளிவான, நிதானமான மனம் மற்றும் யதார்த்தமான சிந்தனை இருந்தது, இது பழைய பழக்கவழக்க பள்ளியின் மரபுகளையும், புதிய கிளாசிக்ஸின் சொல்லாட்சி உச்சத்தையும் கடக்க உதவியது. ஹூடனைப் பொறுத்தவரை, எந்தவொரு மாதிரியையும் விட இயற்கையின் மீது வலுவான விருப்பம் பொதுவானது அல்ல, ஆனால் உண்மையிலேயே அவரது பணியின் வழிகாட்டும் கொள்கை.

அவரது இளமை பருவத்தில், அவர் பிகல்லே மற்றும் ஸ்லோட்ஸ் ஆகியோரால் வழிநடத்தப்பட்டார், அவர்கள் ஹூடனுடன் தங்கள் சிறந்த நடைமுறை அறிவைப் பகிர்ந்து கொண்டனர். "சாலமன் மற்றும் ராணி சவேக்கியா" நிவாரணத்திற்காக ரோம் பரிசைப் பெற்ற ஹூடன் ரோமில் நான்கு ஆண்டுகள் (1764-1768) படித்தார். ரோமில் உள்ள பிரெஞ்சு அகாடமியில் ஒரு மாணவராக, ஹூடன் பண்டைய சிலைகளையும், 17 ஆம் நூற்றாண்டின் பிரபலமான சிற்பிகளின் வேலைகளையும் படித்தார். புகெட் மற்றும் பெர்னினி. ஆனால் ஹூடனின் முதல் சுயாதீனமான படைப்புகள் பழமையானவை அல்லது பரோக் அல்ல. அதிகாரிகள் அவர் மீது ஹிப்னாடிக் விளைவை ஏற்படுத்தவில்லை. ஆனால் அவர் நீண்ட காலமாக உடற்கூறியல் படித்தார் மற்றும் விடாமுயற்சியுடன், ரோமானிய உடற்கூறியல் தியேட்டரில் முறையாக வேலை செய்தார். இதன் விளைவாக, 1767 ஆம் ஆண்டில் ஹூடனால் உருவாக்கப்பட்ட பிரபலமான "எகோர்செட்", தோல் இல்லாமல், திறந்த தசைகள் கொண்ட ஒரு ஆண் உருவம். பல தலைமுறை சிற்பிகள் பின்னர் இருபத்தி ஆறு வயது மாணவனால் உருவாக்கப்பட்ட இந்த படத்தைப் படித்தனர். தொழில்நுட்ப அறிவின் முழுமையான தன்மை மற்றும் இயற்கையின் விதிகளுக்கு கவனம் செலுத்துவது ஹூடனின் எதிர்கால நடவடிக்கைக்கு மிக முக்கியமான அடிப்படையாகும், இது ரோமானிய ஆண்டுகளில் பலப்படுத்தப்பட்டது.

இந்த காலகட்டத்தில் அவர் ரோமில் உள்ள சீதா மரியா டெக்லி ஏஞ்சலி தேவாலயத்திற்காக இரண்டு பளிங்கு சிலைகளை நிறைவேற்றினார். அவர்களின் பெரிய அளவுகள்மைக்கேலேஞ்சலோவின் உட்புறத்தின் ஆடம்பரத்திற்கு ஒத்திருந்தது. இந்த சிலைகளில் ஒன்று மட்டுமே எஞ்சியிருக்கிறது - செயின்ட். புருனோ. ஹூடன் நினைவுச்சின்ன சிற்பத்திற்கு திரும்பினார் என்ற உண்மை, பிரெஞ்சு சிற்பத்தின் பாரம்பரிய அறை வடிவங்களை கடக்க அவரது விருப்பத்தின் உறுதிப்பாட்டிற்கு சாட்சியமளிக்கிறது. இந்த சிலைகளை உருவாக்குவதன் மூலம், ஹூடன் படத்தின் உள் முக்கியத்துவத்தை அடைய விரும்பினார், போஸ் மற்றும் இயக்கத்தின் கடுமையான கட்டுப்பாடு. அவர் பரோக் விளைவுகளைத் தவிர்த்தது கவனிக்கத்தக்கது. ஆயினும்கூட, ஹூடனின் கலையில் முக்கியமான போக்குகளைக் குறிக்கும் சாண்டா மரியா டெக்லி ஏஞ்சலியின் சிலைகள் மிகவும் புத்திசாலித்தனமாகவும் வறண்டதாகவும் உள்ளன; ஒரு மாஸ்டரின் முதிர்ந்த படைப்புகளை அவர்களில் காண்பது மிகைப்படுத்தலாக இருக்கும். போர்ஹேஸ் கேலரியின் பிளாஸ்டர் மாதிரியிலிருந்து அறியப்பட்ட ஜான் பாப்டிஸ்ட் உருவத்தில், கலவையின் செயற்கைத்தன்மையையும் பிளாஸ்டிக் வடிவத்தின் சோம்பலையும் ஒருவர் உணர முடியும்.

1768 ஆம் ஆண்டின் இறுதியில், சிற்பி பாரிஸுக்குத் திரும்பினார். அவர் அகாடமியில் அனுமதிக்கப்பட்டார் மற்றும் சலோனில் ரோமானிய படைப்புகள் மற்றும் தொடர்ச்சியான உருவப்படங்களைக் காட்டினார். ஒரு நினைவுச்சின்னமாக சில திறமைகளுடன் இத்தாலியில் இருந்து திரும்பிய ஹூடன் இந்த பாதையை பின்பற்றவில்லை. ஒருபுறம், அவர் கிட்டத்தட்ட உத்தியோகபூர்வ உத்தரவுகளைப் பெறவில்லை மற்றும் கலையை மேற்பார்வையிட்ட அரச அதிகாரிகளிடையே புரவலர்களும் இல்லை. அவர் பிரான்சுக்கு வெளியே ஆர்டர்களைத் தேட வேண்டியிருந்தது - அவர் குறிப்பாக 1770 களில், கேத்தரின் II, கோபர்க்-கோதாவின் ஜெர்மன் டியூக் மற்றும் ரஷ்ய பிரபுக்களுக்காக நிறைய பணியாற்றினார். பல நினைவுச்சின்னங்கள் எங்களை அடையவில்லை - பாந்தியனின் பெடிமென்ட்டின் நிவாரணத்திலிருந்து நெப்போலியனின் பெரிய வெண்கல சிலை வரை; இந்த அர்த்தத்தில், ஹூடன் குறிப்பாக துரதிர்ஷ்டவசமாக இருந்தார். ஆனால், மறுபுறம், ஹூடனின் பணியின் தன்மையே உருவப்படத்தின் மீதான அவரது நிலையான ஈர்ப்பை உறுதிப்படுத்துகிறது. இது அவரது படைப்பின் மிகவும் சக்திவாய்ந்த வகையாகும், மேலும் இது ஹூடனின் கலையில் தான் உருவப்படம் ஒரு நினைவுச்சின்னமான, சிக்கலான வகையாக மாறுகிறது என்பது காரணமின்றி இல்லை.

1777 இல், ஹூடன் கல்வியாளர் பட்டத்தைப் பெற்றார். "டயானா" (கோதா) ஒரு பிளாஸ்டர் மாதிரி ஒரு வருடம் முன்பு தேதியிடப்பட்டது. அவளுடைய தோற்றம் பெரும் தாக்கத்தை ஏற்படுத்தியது. ஹூடன் பழங்காலத்தால் ஈர்க்கப்பட்டார். லேசாக போர்த்தப்பட்ட உல்லாச நிம்ஃப்கள் மற்றும் ரோகோகோ பேச்சன்ட்களுக்கு மாறாக, அவர் டயானாவை நிர்வாணமாக வழங்கினார், மேலும் அவரது நிர்வாணத்திற்கு ஒரு சிறப்பு தீவிரத்தையும் குளிர்ச்சியையும் கொடுத்தார். 1770 களில் வளர்ந்த கிளாசிக்ஸின் போக்கு, நிழற்படத்தின் தெளிவு மற்றும் வடிவத்தின் துரத்தப்பட்ட தெளிவு ஆகிய இரண்டிலும் தோன்றுகிறது. 18 ஆம் நூற்றாண்டின் பிற எஜமானர்களின் படைப்புகளின் பின்னணியில். டயானா மிகவும் மூளை சார்ந்த வேலையாகத் தெரிகிறது; அதே நேரத்தில், டயானாவுக்கு நேர்த்தியான சமூகப் பெண்ணின் விசித்திரமான தோற்றம், அவரது தோற்றத்தின் நேர்த்தியான கருணை ஆகியவை நூற்றாண்டின் பிரபுத்துவ கலாச்சாரத்தின் உணர்வோடு ஊறவைக்கின்றன.

ஹூடனின் யதார்த்தமான உருவப்படத்தின் உச்சம் 1770-1780 களில், புரட்சிக்கு முன்னதாக பல தசாப்தங்களில் விழுகிறது. அவரது படைப்புகள் இந்த காலகட்டத்தின் சலூன்களில் தொடர்ந்து வெளிவந்தன; உதாரணமாக, 1777 கண்காட்சியில் ஹூடனால் செயல்படுத்தப்பட்ட சுமார் இருபது மார்பளவுகள் இருந்தன. அவரது படைப்புகளின் நூற்றைம்பதுக்கும் மேற்பட்ட ஓவியங்கள் உள்ளன. அவரது மாதிரிகள் வேறுபட்டவை. ஆனால் படத்தில் ஹூடனின் ஆர்வம் குறிப்பாக கவனிக்கத்தக்கது மேம்பட்ட மக்கள்நேரம், சிந்தனையாளர்கள், போராளிகள், விருப்பம் மற்றும் ஆற்றல் உள்ளவர்கள். இது அவரது உருவப்படத்திற்கு பெரும் சமூக முக்கியத்துவத்தை அளித்தது.

இந்த காலகட்டத்தில் ஹூடனின் கலை வடிவம் அல்லது அதன் புதுமையின் எந்த அம்சங்களுடனும் ஆச்சரியப்படுவதில்லை. புதுமை மறைக்கப்பட்டுள்ளது, ஏனெனில் இது அதிகபட்ச எளிமை, அனைத்து பண்புக்கூறுகள், உருவக கருக்கள், அலங்காரங்கள் மற்றும் திரைச்சீலைகள் ஆகியவற்றை நீக்குகிறது. ஆனால் அது நிறைய. இது சித்தரிக்கப்பட்ட நபரின் உள் உலகில் கவனம் செலுத்த ஹூடனை அனுமதித்தது. அவரது படைப்பு முறை லத்தூருக்கு நெருக்கமானது.

ஹூடன் 18 ஆம் நூற்றாண்டின் பிரெஞ்சு கலையின் சிறந்த யதார்த்த மரபுகளின் வாரிசு - அதன் பகுப்பாய்வு மற்றும் நுட்பமான உளவியல். ஹூடன் யாரை சித்தரித்தாலும், அவரது உருவப்படங்கள் எல்லாவற்றையும் கேள்விக்குள்ளாக்கும் மற்றும் பகுப்பாய்வு செய்யும் ஒரு யுகத்தின் ஆன்மீக உச்சமாக மாறியது.

உள் வாழ்க்கையின் தீவிரம் மார்க்யூஸ் டி சப்ரான் (டெரகோட்டா, சி. 1785; பெர்லின்) உருவப்படத்தின் சிறப்பியல்பு. வலது தோள்பட்டை வரை மேல்நோக்கி விரியும் ஆடைகளின் லேசான மடிப்புகள், சுருள் சுருட்டை, கழுத்தின் மாறும் வளைவு ஆகியவை தலையின் சற்று கூர்மையான திருப்பத்தின் வெளிப்பாட்டை வெளிப்படுத்துகின்றன. இது விரைவாக செயல்படும் திறன், ஆற்றல் மிக்க மற்றும் சுறுசுறுப்பான தன்மையின் சிறப்பியல்பு என கருதப்படுகிறது. இயற்கையின் உயிரோட்டம் ஒரு தளர்வான சிகை அலங்காரத்தின் அழகிய "பக்கவாதம்", ரிப்பன் மூலம் இடைமறித்து, மற்றும் முகம் மற்றும் ஆடைகளில் ஒளி சிறப்பம்சங்களின் விளையாட்டில் வெளிப்படுகிறது. ஒரு பரந்த, உயர் கன்னத்து முகம் அசிங்கமானது; ஒரு கூர்மையான, கேலி செய்யும் மனம் ஒரு காஸ்டிக் புன்னகையிலும் பார்வையிலும் பிரகாசிக்கிறது; மார்குயிஸ் டி சப்ரனின் அறிவுத்திறனில் அவரது காலத்தின் சிறப்பியல்பு ஒன்று உள்ளது.

ஹூடனின் மிக முக்கியமான படைப்புகளில் ஒன்று - ஒருவேளை புரட்சிக்கு முந்தைய ஆண்டுகளில் அவரது படைப்பு பூக்கும் உச்சம் - வால்டேரின் சிலை (லெனின்கிராட், ஹெர்மிடேஜ்; மற்றொரு விருப்பம் பாரிஸில் உள்ள பிரெஞ்சு நகைச்சுவை தியேட்டரின் ஃபோயர்). பாரிஸுக்கு வெற்றிகரமாகத் திரும்பிய "ஃபெர்னியின் தேசபக்தர்" இறப்பதற்கு சற்று முன்பு, 1778 ஆம் ஆண்டில் ஹூடன் இந்த உருவப்படத்தில் பணியாற்றத் தொடங்கினார். போஸ் மற்றும் இயக்கம் உடனடியாக ஹூடனால் கண்டுபிடிக்கப்படவில்லை என்பது அறியப்படுகிறது - அமர்வின் போது, ​​விரைவாக சோர்வடைந்த எண்பத்து நான்கு வயதான மனிதனின் வெற்றிகரமான மகத்துவத்தைப் பார்ப்பது கடினம், இது அவரது சமகாலத்தவர்கள் சிற்பியிடமிருந்து எதிர்பார்த்தது. ஹூடனின் கற்பனை, அது இல்லை வலுவான புள்ளிஅவரது திறமைகள் தற்செயலாக உதவியது - நினைவுகளைப் புதுப்பிக்கும் மற்றும் வால்டேரின் மனதை மீண்டும் பற்றவைக்கும் கருத்துக்களின் உயிரோட்டமான பரிமாற்றம். அதனால்தான் தத்துவஞானியின் போஸ் மிகவும் வெளிப்படையானது. அவர் தனது கற்பனை உரையாசிரியரிடம் திரும்பினார், அவரது வலது கை இந்த கூர்மையான இயக்கத்திற்கு உதவுகிறது - அவரது எலும்பு நீண்ட விரல்கள் நாற்காலியின் கையைப் பிடித்தன. திரும்பும் பதற்றம் கால்களின் நிலையிலும், உடற்பகுதியின் முயற்சியிலும், நாற்காலியின் வடிவத்திலும் கூட உணரப்படுகிறது - கீழே பள்ளங்கள் செங்குத்தாக இருக்கும், மேலே அவை சுழலில் முறுக்கப்பட்டதாகத் தெரிகிறது, கையின் இயக்கத்தை கடத்துகிறது. வால்டேரின் சுருக்கமான முகத்தில் கவனம் மற்றும் செறிவான சிந்தனை இரண்டும் உள்ளன - புருவங்கள் மூக்கின் பாலத்திற்கு மாற்றப்படுகின்றன. ஆனால் அவரைப் பற்றிய மிகவும் குறிப்பிடத்தக்க விஷயம் என்னவென்றால், வால்டேரின் இயல்பின் சிறப்பியல்பு, மனதின் மறைக்கப்பட்ட ஆற்றலின் வெளிப்பாடு, கருத்தியல் எதிரியை, புத்திசாலித்தனமான விவாதவாதியின் கொலைகார நெருப்பால் தோற்கடிக்கத் தயாராக உள்ளது. ஹூடனின் படைப்பில் வால்டேரின் படம் அப்போதைய நாகரீகமான "அபோதியோஸிலிருந்து" வெகு தொலைவில் உள்ளது. அதன் பலம் அறிவொளியின் மிக முக்கியமான அம்சங்களை வெளிப்படுத்துகிறது, அதன் மிகப்பெரிய பிரதிநிதிகளில் ஒருவரின் தன்மை, தைரியமான புரட்சிகர சிந்தனையின் சகாப்தம், தப்பெண்ணங்களின் இரக்கமற்ற விமர்சனம்.

ஹூடனால் உருவாக்கப்பட்ட வால்டேரின் சிலையை ஒரு வரலாற்று உருவப்படம் என்று அழைக்கலாம் - இது ஒரு முழு சகாப்தத்தையும் கொண்டுள்ளது. சொல்லாட்சி மற்றும் உருவகத்தின் பாரம்பரிய பாதை மூலம் ஹூடன் இதை அடையவில்லை. பண்டைய டோகா கூட - கிளாசிக்ஸின் வெளிப்படையான சாதனம் - ஒரு பண்டைய தத்துவஞானியின் பண்புக்கூறாக அல்ல, ஆனால் முதுமையின் மெல்லிய தன்மையை வெற்றிகரமாக மறைத்து, நினைவுச்சின்ன சிலைக்கு தேவையான பொதுமைப்படுத்தலை வழங்கும் சாதாரண தளர்வான ஆடைகளாக கருதப்படுகிறது.

"தங்கள் தாய்நாட்டின் பெருமை அல்லது மகிழ்ச்சிக்கு பங்களித்த மக்களின் படங்களை கைப்பற்ற" சிற்பியின் சிறந்த வாய்ப்பைப் பற்றி ஹூடன் எழுதினார்; இது அவர் அறிவொளியாளர்களான வால்டேர் மற்றும் ரூசோ, டிடெரோட் மற்றும் டி'அலெம்பர்ட் மற்றும் 18 ஆம் நூற்றாண்டின் பல சிறந்த விஞ்ஞானிகள் மற்றும் அரசியல் பிரமுகர்களின் உருவப்படக் கேலரிக்கு முழுமையாகப் பொருந்தும்.

இசையமைப்பாளர் க்ளக்கின் (1775; வீமர்) ஒரு குறிப்பிடத்தக்க உருவப்படம், இசையில் ஒரு சிறந்த புரட்சியாளர், அவரது படைப்புகள் புரட்சியின் முந்திய காலத்தின் வீர பாத்தோஸ் மற்றும் நாடக பண்புகளால் நிரம்பியுள்ளன. இசையமைப்பாளரின் போஸ் மற்றும் அவரது ஆடைகளின் பரந்த, சுதந்திரமாக கிடக்கும் மடிப்புகளில், ஒருவர் ஒரு சிறப்பு நோக்கத்தையும் ஆன்மீக வலிமையின் எழுச்சியையும் உணர முடியும். தலையின் திருப்பம் தீர்க்கமானது, அதில் தைரியத்தையும் ஆற்றலையும் ஒருவர் அறிய முடியும்; முடியின் பெரிய இழைகள் சிக்குண்டுள்ளன. உயர்ந்த நெற்றியானது சிந்தனையின் அழுத்தத்தின் கீழ் இருப்பது போல் உரோமமானது; பார்வை பார்வையாளருக்கு மேலே செலுத்தப்படுகிறது, அவரது ஆர்வம் சோகமான நுண்ணறிவு, உற்சாகமான மனநிலையை வெளிப்படுத்துகிறது. க்ளக் அசாதாரண இசையைக் கேட்பது போல் சித்தரிக்கப்படுகிறார், ஆனால் அவருக்கு ஊக்கமளிக்கும் விருப்பமும் தைரியமும் உருவப்படத்தின் உருவ ஒலியை விரிவுபடுத்துகிறது, இது அந்தக் காலத்தின் சிறந்த யோசனைகளின் சுவாசத்தை அவருக்கு உணர்த்துகிறது. முகத்தின் மாறும் வாழ்க்கையின் அனைத்து இயல்பான தன்மையுடனும், இசையமைப்பாளரின் உருவம் ஒரு சிறப்பு கம்பீரமான கோளமாக உயர்த்தப்படுகிறது - படைப்பு உத்வேகத்தின் கோளம்.

க்ளக்கின் உருவப்படம் மற்றும் ஹூடனின் பிற படைப்புகள் இரண்டும் அவற்றின் ஜனநாயகத்தால் வேறுபடுகின்றன. சிரிக்கும் மனைவியின் கலகலப்பான மற்றும் வசீகரமான உருவப்படத்தில் ஏதோ ஒரு தெளிவான ப்ளேபியன் உள்ளது (பிளாஸ்டர், சி. 1787; லூவ்ரே). அவரது மாதிரிகள் பதவி அல்லது பதவியின் மேன்மையைக் கோரவில்லை. அவர்களின் மேன்மை அவர்களின் செயல்பாடுகளின் சமூக முக்கியத்துவத்தில் உள்ளது, மேலும் இது ஹூடனின் படைப்புக் கருத்தின் முக்கிய அம்சங்களில் ஒன்றாகும், இது உருவப்படத்தில் அவரது ஹீரோவின் "சமூக செயலை" தெரிவிக்கிறது. அதனால்தான், எடுத்துக்காட்டாக, ஒரு அனுபவமிக்க பேச்சாளரின் அம்சங்கள் மிராபியூவின் (1790கள்; வெர்சாய்ஸ்) உருவப்படத்தில் மிகவும் நுட்பமாகப் பிடிக்கப்பட்டுள்ளன.

போலியின் உதவியுடன் உண்மையான முக வடிவங்களை மிகத் துல்லியமாக இனப்பெருக்கம் செய்வதன் மூலம், ஹூடன் பாத்திரத்தின் சாரத்தை அற்புதமாகப் படம்பிடித்தார். மாஸ்டரின் உருவப்பட யதார்த்தவாதத்தின் வலுவான அம்சங்களில் ஒன்று, உருவப்படத்தில் அவரது பார்வையின் வெளிப்பாடாகும். மாணவரில் அவர் ஒரு பளிங்குத் துண்டை விட்டு, பிரகாசித்து, தோற்றத்திற்கு ஒரு சிறப்பு வெளிப்பாட்டைக் கொடுத்தார். ஹூடனைப் பற்றி ரோடின் கூறினார்: “அவரைப் பொறுத்தவரை, ஒரு தோற்றம் வெளிப்பாட்டின் பாதிக்கும் மேலானது. அவரது பார்வையில் அவர் ஆத்மாவை அவிழ்த்தார்.

பிரான்சில் புரட்சிகர எழுச்சியுடன் தொடர்புடையது, ஹூடனின் யதார்த்தமான கலை புரட்சிக்குப் பிறகு அதன் முந்தைய முக்கியத்துவத்தை இழந்தது. ஏகாதிபத்திய குடும்ப உறுப்பினர்களின் கிளாசிக் ஓவியங்கள், அலெக்சாண்டர் I இன் மார்பளவு (1814) குளிர்ச்சியான மற்றும் சுருக்கமானவை, பேரரசின் முறையானது ஹூடனின் முறைக்கு விரோதமானது. 1803 ஆம் ஆண்டில் அவர் ஃபைன் ஆர்ட்ஸ் பள்ளியில் கற்பிக்கத் தொடங்கினார், மேலும் 1814 ஆம் ஆண்டில் அவர் சிற்பத்தை முழுவதுமாக விட்டுவிட்டார்.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் ஹூடன், ராபர்ட் மற்றும் பல எஜமானர்களின் பணியின் மிக முக்கியமான அம்சங்கள். பிரெஞ்சு கலை கலாச்சாரத்தில் கிளாசிக்ஸின் வளர்ச்சியின் காரணமாக. இந்த புதிய பாணியை உருவாக்குவதற்கான சாத்தியக்கூறுகள் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் கூட கவனிக்கத்தக்கவை. புதிய தொல்பொருள் கண்டுபிடிப்புகளுக்குப் பிறகு பழங்கால ஆர்வம் மிகவும் துடிப்பானது, இது ஹெர்குலேனியத்தின் அகழ்வாராய்ச்சியால் தூண்டப்பட்டது, இது பல கலைஞர்களால் பார்வையிடப்பட்டது. ஆனால், நூற்றாண்டின் கடைசிக் காலாண்டில் புதிய கிளாசிசம் முன்னணிப் போக்காக மாறியது என்ற உண்மையை இது விளக்க முடியாது. ஜி.வி. பிளெக்கானோவின் வார்த்தைகளில், "பழைய ஒழுங்கின் எதிர்ப்பாளர்கள் வீரத்தின் அவசியத்தை உணர்ந்தபோது" கலையில் அவரது முக்கிய பங்கு அவசியமானது. G.V. Plekhanov, தேர்ந்தெடுக்கப்பட்ட தத்துவப் படைப்புகள், V, M., 1958.) கனவுகளின் ஆவியில் குடும்ப நல்லொழுக்கத்தைப் பற்றிய பிரசங்கம் சிவில் நல்லொழுக்கத்தின் உறுதிப்பாட்டால் மாற்றப்பட்டது, ஒரு அழைப்பு வீரச் செயல். இதற்காகத்தான் பழங்காலம் தேவைப்பட்டது, அதில் அவர்கள் வீரத்தின் மாதிரியை, குடியரசுக் கொள்கைகளைத் தேடுகிறார்கள், ஏனென்றால், கே. மார்க்ஸ் சொன்னது போல், “எவ்வளவு வீரம் நிறைந்த முதலாளித்துவ சமூகம், அதன் பிறப்பிற்கு அது வீரத்தையும், சுய தியாகத்தையும் எடுத்தது. , பயங்கரவாதம், உள்நாட்டுப் போர் மற்றும் நாடுகளின் போர்கள் » ( கே. மார்க்ஸ் மற்றும் எஃப். ஏங்கெல்ஸ், சோச்., தொகுதி 8, பக்கம் 120.).

கிளாசிக்ஸின் முதல் வெளிப்பாடுகள் புரட்சிக்கு முந்தைய ஆண்டுகளின் ஆற்றல்மிக்க கலை இயக்கத்துடன் இன்னும் ஒத்திருக்கவில்லை. 1760-1770 களின் நெருக்கமான கட்டிடக்கலை அலங்காரத்தின் கட்டமைப்பிற்குள் பழங்கால உருவங்கள், நுட்பங்கள் மற்றும் அடுக்குகள் உருவாக்கப்பட்டன. இந்த திசையின் ஓவியம், டேவிட் (1763; ஃபோன்டைன்ப்ளூ) ஆசிரியரான வியன் (1716-1809) எழுதிய "தி க்யூபிட் சேல்ஸ்வுமன்" மூலம் வகைப்படுத்தப்படுகிறது. படம் பழங்காலத்தால் ஈர்க்கப்பட்டது, ஆனால் அதன் சதி பொழுதுபோக்கு, மற்றும் கதாபாத்திரங்களின் "இனிமையான கருணை", சாராம்சத்தில், மிகவும் பாரம்பரியமானது.

குறிப்பாக 1760களின் நடுப்பகுதியில் இருந்து அலங்கார மற்றும் பயன்பாட்டு கலைகளிலும் புதிய போக்குகள் தோன்றின. உட்புறம் டெக்டோனிசிட்டி, பிளவுகளின் தெளிவு, தொடர்ச்சியான அலங்கார முறை சுவரின் அமைதியான மேற்பரப்பால் மாற்றப்படுகிறது, கட்டுப்படுத்தப்பட்ட கிராஃபிக் மையக்கருத்துகளால் அலங்கரிக்கப்பட்டுள்ளது, அத்துடன் ஹூபர்ட் ராபர்ட்டின் அலங்கார நிலப்பரப்புகளைப் போன்ற ஈசல் கலவைகள். மரச்சாமான்கள் தயாரிப்பாளர்கள் - ரைசெனர் முதல் ஜேக்கப் வரை - தொல்பொருள் வெளியீடுகளில் இருந்து அவற்றை வரைந்து, பண்டைய வடிவங்களைப் பயன்படுத்தினர். தளபாடங்கள் கட்டமைப்பாக மாறும், அது தரையில் உறுதியாக நிற்கிறது; விசித்திரமான வெளிப்புறங்களுக்கு பதிலாக, அது இப்போது கடுமையான நேர்கோடுகளால் வகைப்படுத்தப்படுகிறது. மென்மையான மேற்பரப்பு நிவாரண பதக்கங்களால் அலங்கரிக்கப்பட்டுள்ளது; இந்த காலகட்டத்தின் சிறந்த உட்புறங்களில் வெர்சாய்ஸ் அரண்மனையின் உட்புறங்கள் ஜே.-ஏ. கேப்ரியல் (உதாரணமாக, லூயிஸ் XVI இன் நூலகம், 1774).

இந்த நேரத்தில், முழுமையானவாதத்தின் கலைக் கொள்கை மாறியது. அகாடமி ஆஃப் ஆர்ட்ஸ் மற்றும் ராயல் பில்டிங்ஸ் இயக்குநரகம் - உத்தியோகபூர்வ நிறுவனங்கள் - கலையை ஒழுங்குபடுத்த முயற்சிக்கிறது. ரோகோகோ மேய்ப்பர்கள் அரச அதிகாரிகளை திருப்திப்படுத்துவதை நிறுத்திவிட்டனர், நலிந்த முழுமையானவாதத்தை ஆதரிக்கும் திறன் கொண்ட ஒரு "மகத்தான பாணியின்" மறுமலர்ச்சிக்கான தேவை எழுந்தது. வரலாற்று வகையின் எஜமானர்கள் ரோகோகோவின் "காலண்ட் புராணங்களின்" பாரம்பரிய வடிவங்களை கைவிடுகின்றனர். கேப்ரியல் ஃபிராங்கோயிஸ் டோயன் (1726-1806), லூயிஸ் லாக்ரீன் தி எல்டர் (1725-1808) மற்றும் பலர் பெரிய, ஆடம்பரமான மற்றும் ஆடம்பரமான ஓவியங்களை "மகத்தான" பாடங்களுடன் ஏற்பாடு செய்கிறார்கள். உருவப்படக் கலையில் (எலிசபெத் விஜி-லெப்ரூன்) இலட்சியப்படுத்தும் போக்குகள் தீவிரப்படுத்தப்பட்டுள்ளன. கல்வியாளர்களின் வரலாற்று ஓவியம் நல்ல மன்னர்களின் "குடிமை நற்பண்புகளை" மகிமைப்படுத்தத் தொடங்குகிறது. 1780 ஆம் ஆண்டில், ஓவியர் சுவே ஒரு ஆடம்பரமான தலைப்பில் ஒரு ஓவியத்திற்காக கல்வியாளர் பட்டத்தைப் பெற்றார்: "16 லூயிஸ் ஆட்சியின் போது மான்சியர் டி'ஆன்ஜிவில்லியர்ஸின் கவனிப்பால் கலைகளுக்கு வழங்கப்பட்ட சுதந்திரம்."

1774 ஆம் ஆண்டில் ராயல் பில்டிங்ஸ் இயக்குநரகத்தின் தலைவரான காம்டே டி அன்ஜிவில்லியர், கொச்சின் அகாடமியின் செயலாளரான மார்க்விஸ் ஆஃப் மேரிக்னியின் காலத்திலும் கலையில் அதிநவீனத்தை தீவிரமாகப் பின்தொடர்ந்தார். ஓவியர்கள்: "ஆகஸ்ட் ஜானஸ் கோவிலின் கதவுகளை மூடுகிறார்," "டைட்டஸ் கைதிகளை விடுவிக்கிறார்," "மார்கஸ் ஆரேலியஸ் மக்களை பசி மற்றும் பிளேக்கிலிருந்து காப்பாற்றுகிறார்." பழங்காலக் கதைகள் ஆபத்தானவை - அவை மிகவும் கொடுங்கோன்மைக்கு எதிரானவை. அரச அதிகாரி வரலாற்று ஓவியத்தில் ஒரு தேசிய கருப்பொருளை ஊக்குவிக்கிறார், அது ஒரு பிற்போக்குத்தனமான, முடியாட்சித் தன்மையைக் கொடுக்கிறது. கலை வாழ்க்கையின் கட்டுப்பாடு அகாடமியைத் தவிர அனைத்து கலை நிறுவனங்களையும் வலுக்கட்டாயமாக ஒழிக்க வழிவகுக்கிறது. 1776 ஆம் ஆண்டில், "மான்சியர் டி'அன்ஜிவில்லியரின் கவலைகள் மூலம்," செயின்ட் லூக்கின் அகாடமி ஒழிக்கப்பட்டது, துன்புறுத்தலுக்குப் பிறகு, "ஒழுக்கங்களைத் தூய்மைப்படுத்த வேண்டும்" என்ற தவறான சாக்குப்போக்கின் கீழ் இவை அனைத்தும் மூடப்பட்டன. அரச கட்டிடங்களின் இயக்குனர் இந்த சகாப்தத்தின் மிகப்பெரிய முற்போக்கான கலைஞர்களிடம் இரக்கமற்றவர் - சிற்பி ஹூடன் மற்றும் ஓவியர் டேவிட்.

இந்த நிலைமைகளின் கீழ், தீவிரமடைந்த பிற்போக்கு, மக்கள் எழுச்சிகள், சமூக முரண்பாடுகளின் தீவிரம் மற்றும் புரட்சியை நோக்கி பிரெஞ்சு சமூகத்தின் வேகமான இயக்கம் ஆகியவற்றின் போது, ​​புரட்சிகர கிளாசிக்ஸின் முற்போக்கான கலை வடிவம் பெற்றது, அதன் தலைவர் ஜாக் லூயிஸ் டேவிட் ஆவார்.

புரட்சிக்கு முந்தைய தசாப்தங்களில், அடுத்த தொகுதியில் விவாதிக்கப்படும் டேவிட் வேலை, கிளாசிக்ஸின் பொதுவான பிரெஞ்சு கலை இயக்கத்தின் ஒருங்கிணைந்த பகுதியாக இருந்தது: 1780 களில் டேவிட் உருவாக்கிய வீர படங்கள் பிரெஞ்சுக்காரரில் குடிமகனை எழுப்ப வேண்டும்; அவர்களின் கடுமையான பேரார்வம் இதயங்களில் தீ வைத்தது. 1790 இல் ஜேக்கபின்களில் ஒருவர் டேவிட் ஒரு கலைஞன் என்று அழைத்ததில் ஆச்சரியமில்லை, "அவரது மேதை புரட்சியை நெருக்கமாக கொண்டு வந்தார்." டேவிட் கிளாசிசம் 18 ஆம் நூற்றாண்டின் பிரெஞ்சு ஓவியத்தின் முற்போக்கான போக்குகளிலிருந்து வளர்ந்தது; அதே நேரத்தில், அவர் ரோகோகோவின் பிரபுத்துவ கலாச்சாரத்தின் மரபுகளை மறுத்தார், இது 19 ஆம் நூற்றாண்டின் கலையில் புதிய சிக்கல்களின் வளர்ச்சியின் தொடக்கமாக மாறியது.

ரஷ்யாவிற்கு 18 ஆம் நூற்றாண்டு பீட்டர் I இன் சீர்திருத்தங்களுடன் தொடர்புடைய மாற்றங்களின் சகாப்தமாகும். இந்த சீர்திருத்தங்கள் நாட்டின் வாழ்க்கையின் அனைத்து துறைகளையும் பாதித்தன:

பொருளாதாரம், அரசாங்கம், இராணுவ விவகாரங்கள், கல்வி, சமூக சிந்தனை, அறிவியல் மற்றும் கலாச்சாரம். பீட்டர் தி கிரேட் வெட்டிய “சாளரம் வரை ஐரோப்பா” முதல், நம் காலத்தின் அனைத்து சாதனைகளும் உண்மையில் ரஷ்யாவில் ஊற்றப்பட்டன.
ரஷ்ய கலை மேற்கத்திய ஐரோப்பிய அனுபவத்தை பல்வேறு வழிகளில் தேர்ச்சி பெற்றது மற்றும் செயலாக்கியது: ஆயத்த கலைப் படைப்புகள் வெளிநாட்டில் வாங்கப்பட்டன, அவற்றின் சொந்த படைப்புகள் உள்நாட்டு மற்றும் வெளிநாட்டு நிபுணர்களால் உருவாக்கப்பட்டன, அவர்கள் அந்த நேரத்தில் ரஷ்யாவில் மிகவும் தீவிரமாக ஈடுபட்டிருந்தனர். திறமையானவர்கள் அரசு செலவில் படிக்க ஐரோப்பாவுக்கு அனுப்பப்பட்டனர்.

18 ஆம் நூற்றாண்டின் கலை படைப்பாற்றலின் அம்சங்கள்

புதிய காலம் ஒரு புதிய கலாச்சாரத்தை உருவாக்கியது, இது இடைக்காலத்தை மாற்றியது. அழகு பற்றிய யோசனையும் அதன் உருவகத்தின் வடிவங்களும் மாறிவிட்டன.
அதே நேரத்தில், பீட்டர் தி கிரேட் காலத்தின் கலை இன்னும் முழுமையாக நிறுவப்படவில்லை என்பதை நாம் மறந்துவிடக் கூடாது, ஆனால் வெளிநாட்டு கலை வடிகட்டப்படவில்லை, ஆனால் ரஷ்ய கலையில் முக்கியத்துவத்தை கொண்டிருக்கவில்லை. வாழ்க்கையே எல்லாவற்றையும் அதன் இடத்தில் வைத்தது, ரஷ்ய கலாச்சாரத்தில் ரஷ்ய மண்ணில் வேரூன்றி தேசிய நலன்களை சந்தித்தது மட்டுமே இருந்தது. இந்த செயல்முறைதான் கொண்டு வந்தது ரஷ்ய கலைமத்திய காலத்தின் மூடிய இடத்திலிருந்து மற்றும் உலகத் தரம் வாய்ந்த தலைசிறந்த படைப்புகளின் எடுத்துக்காட்டுகளை வழங்கும் அதே வேளையில், பான்-ஐரோப்பிய ஒன்றோடு இணைக்கப்பட்டது.
பொது உலகக் கண்ணோட்டம் மாறுகிறது என்பதை நாம் மறந்துவிடக் கூடாது - ரஷ்யா முழுமையான பாதையை எடுத்தது. அறிவியலும் கல்வியும் வளர்ந்தன. அகாடமி ஆஃப் சயின்சஸ் உருவாக்கப்பட்டது, புத்தக அச்சிடுதல் தீவிரமாக உருவாக்கப்பட்டது, கலாச்சாரம் மதச்சார்பற்ற வளர்ச்சியின் பாதையில் நுழைந்தது. இந்த மாற்றங்கள் காட்சி கலைகள் மற்றும் கட்டிடக்கலைகளில் குறிப்பாக உச்சரிக்கப்படுகின்றன.
நகர்ப்புற திட்டமிடல் கொள்கைகள் மாறிவிட்டன - அவை தளவமைப்பு, சில வகையான கட்டிடங்கள், முகப்புகளின் கலவைகள், அலங்காரம், உள்துறை போன்றவற்றுடன் தொடர்புடையவை.
18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில். பரோக் பழங்காலக் கொள்கைகளின் அடிப்படையில் கிளாசிக்ஸால் மாற்றப்பட்டது. ஆனால் ரஷ்ய கட்டிடக்கலையில், கிளாசிக்ஸின் அம்சங்கள் 18 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில் ஏற்கனவே கவனிக்கப்பட்டன: எளிமை, சமநிலை மற்றும் வடிவங்களின் தீவிரம். தொழில் மற்றும் வர்த்தகத்தின் வளர்ச்சி தொடர்பாக, தொழில்துறை, மாநில மற்றும் பொது முக்கியத்துவம் வாய்ந்த கட்டிடங்களை நிர்மாணிக்க வேண்டிய அவசியம் இருந்தது: வங்கிகள், பரிமாற்றங்கள், சந்தைகள், விருந்தினர் இல்லங்கள், அரசாங்க அலுவலகங்கள். மேலும் கலாச்சாரம் மற்றும் கல்வியின் வளர்ச்சி நூலகங்கள், திரையரங்குகள், பல்கலைக்கழகங்கள் மற்றும் கல்விக்கூடங்கள் கட்டுவதற்கு வழிவகுத்தது. பிரபுக்களின் சலுகைகள் விரிவடைந்தன, இது கிராமப்புறங்களில் உன்னத தோட்டங்களின் வளர்ச்சிக்கு வழிவகுத்தது.

ஓவியம்

18 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதியில். மதச்சார்பற்ற உருவப்படத்தின் வகை உருவாக்கப்பட்டது. இந்த சகாப்தம் "பீட்டர் காலத்தின் உருவப்படம்" என்று அழைக்கப்படுகிறது. ஓவியத்தில் போர்ட்ரெய்ட் வகை ஆதிக்கம் செலுத்துகிறது. அவர் ஏற்கனவே பர்சுனாவிலிருந்து மிகவும் வேறுபட்டவர் XVII இன் பிற்பகுதிவி. சித்தரிக்கப்பட்ட நபரின் கலவை, நிறம், தனிப்பயனாக்கம்.

ஐ.ஜி.தன்னவுர். பீட்டர் I இன் உருவப்படம்
கலைஞர்கள் நேரடி முன்னோக்கைப் பயன்படுத்தத் தொடங்கினர், இது ஒரு விமானத்தில் படத்தில் ஆழத்தையும் அளவையும் உருவாக்குகிறது. பீட்டர் தி கிரேட் சகாப்தத்தின் கலை, உறுதிமொழியின் உயர் நிலைகளால் வகைப்படுத்தப்படுகிறது, அதனால்தான் மைய தீம்அது ஒரு நபராக மாறுகிறது, மேலும் முக்கிய வகை ஒரு உருவப்படம்.
ஆனால் பீட்டர் தி கிரேட் சகாப்தத்தில் ஆசிரியர் பற்றிய கேள்வி ஒரு சிக்கலான பிரச்சனையாகவே இருந்தது. கலைஞர்கள் சில நேரங்களில் தங்கள் படைப்புகளில் கையெழுத்திடவில்லை. கூடுதலாக, மாதிரியை அடையாளம் காண்பதில் சிக்கல் இருந்தது, ஏனெனில் நியமிக்கப்பட்ட உருவப்படங்கள் பொதுவாக சித்தரிக்கப்படும் நபரின் பெரிய அளவிலான அலங்காரத்துடன் உருவாக்கப்பட்டன, குறிப்பாக இவை பொதுவாக பேரரசர் மற்றும் அவரது குடும்ப உறுப்பினர்கள் மற்றும் அவர்களது பரிவாரங்கள் என்பதால்.

I. நிகிடின். அதிபர் கோலோவ்கின் உருவப்படம்
பார்சுனா படிப்படியாக மாற்றப்பட்டு வருகிறது, ஆனால் சகாப்தத்தின் மேம்பட்ட கலைஞர்களின் படைப்புகளில் கூட சில காலம் தொடர்ந்து உள்ளது: I. நிகிடினா, I. விஷ்னியாகோவா, ஏ அன்ட்ரோபோவா, ஏ. மத்வீவா, I. அர்குனோவாமற்றும் பிற கலைஞர்கள், இது இடைக்காலத்திலிருந்து புதிய பாணிக்கு இன்னும் முடிக்கப்படாத மாற்றத்தைக் குறிக்கிறது. பார்சுனிசத்தின் தடயங்கள் 18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் காணப்படுகின்றன, குறிப்பாக செர்ஃப்கள் மற்றும் மாகாண கைவினைஞர்களின் படைப்புகளில், சுயமாக கற்பிக்கப்பட்டது.

I. விஷ்னியாகோவ். க்சேனியா இவனோவ்னா டிஷினினாவின் உருவப்படம் (1755)
18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில் ரஷ்ய ஓவியத்தில். இரண்டு கலை பாணிகள் ஆதிக்கம் செலுத்துகின்றன: கிளாசிக் மற்றும் செண்டிமெண்டலிசம்.
உருவப்பட வகை மேலும் வளர்ச்சி பெற்றது. கலைஞர்கள் V. போரோவிகோவ்ஸ்கிமற்றும் எஃப். ரோகோடோவ்செண்டிமெண்டலிசத்தின் பாணியில் பணியாற்றினார் மற்றும் பல பாடல் மற்றும் ஆன்மீக ஓவியங்களை உருவாக்கினார்.

V. போரோவிகோவ்ஸ்கி. E.N இன் உருவப்படம் அர்செனியேவா (1796)
ஒரு உருவப்படக் கலைஞர் அசாதாரண நபர்களின் படங்களின் முழு கேலரியையும் உருவாக்கினார் டி. லெவிட்ஸ்கி.

கட்டிடக்கலை

18 ஆம் நூற்றாண்டின் முதல் பாதி. பரோக் பாணியில் கட்டிடக்கலையில் குறிக்கப்பட்டது. ரஷ்ய பரோக்கின் வளர்ச்சியின் முதல் கட்டம் ரஷ்ய பேரரசின் சகாப்தத்திற்கு முந்தையது, மேலும் 1680 களில் இருந்து 1700 கள் வரை மாஸ்கோ பரோக் உருவாகத் தொடங்கியது, இதன் முக்கிய அம்சம் கட்டடக்கலை ஒழுங்கின் கூறுகளின் பரவலான பயன்பாடு ஆகும். கோவில் கட்டிடக்கலையில் மைய அமைப்புகளின் பயன்பாடு.

செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கின் ஸ்தாபனம் பீட்டர் I இன் செயல்பாடுகளுடன் ரஷ்ய கட்டிடக்கலை வளர்ச்சிக்கு ஒரு சக்திவாய்ந்த உத்வேகத்தை அளித்தது, ரஷ்ய பரோக்கின் வளர்ச்சியில் ஒரு புதிய கட்டம் தொடங்கியது, இந்த நிலை "பெட்ரின் பரோக்" என்று அழைக்கப்பட்டது. ஸ்வீடிஷ், ஜெர்மன் மற்றும் டச்சு சிவில் கட்டிடக்கலையின் எடுத்துக்காட்டுகள். ஆனால் இந்த காலகட்டத்தின் முதல் கட்டடக்கலை நினைவுச்சின்னங்கள் (உதாரணமாக, செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கில் உள்ள பீட்டர் மற்றும் பால் கதீட்ரல்) நடைமுறையில் ரஷ்ய செல்வாக்கிலிருந்து தப்பின. ஏராளமான வெளிநாட்டு கட்டிடக் கலைஞர்கள் இருந்தபோதிலும், ரஷ்யாவில் அதன் சொந்த கட்டிடக்கலை பள்ளி உருவாகத் தொடங்குகிறது.

பீட்டர் தி கிரேட் காலத்தின் கட்டிடக்கலை அளவீட்டு கட்டுமானங்களின் எளிமை, பிளவுகளின் தெளிவு மற்றும் அலங்காரத்தின் கட்டுப்பாடு மற்றும் முகப்புகளின் பிளானர் விளக்கம் ஆகியவற்றால் வேறுபடுத்தப்பட்டது. செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கின் முதல் கட்டிடக் கலைஞர்கள்: ஜீன்-பாப்டிஸ்ட் லெப்லாண்ட், டொமினிகோ ட்ரெஸினி, Andreas Schlüter, ஜே.எம்.ஃபோன்டானா, நிக்கோலோ மிச்செட்டிமற்றும் ஜி. மேட்டர்னோவி. பீட்டர் I இன் அழைப்பின் பேரில் அவர்கள் அனைவரும் ரஷ்யாவில் பணிபுரிந்தனர். அவர்கள் ஒவ்வொருவரும் தாங்கள் கட்டிய கட்டிடங்களின் தோற்றத்தில் அவர் பிரதிநிதித்துவப்படுத்திய கட்டடக்கலை பள்ளியின் மரபுகளை அறிமுகப்படுத்தினர். ரஷ்ய கட்டிடக் கலைஞர்களும் ஐரோப்பிய பரோக்கின் மரபுகளை ஏற்றுக்கொண்டனர், எடுத்துக்காட்டாக, மிகைல் ஜெம்ட்சோவ்.

குளிர்கால அரண்மனை எலிசபெதன் பரோக்கின் மிகவும் பிரபலமான நினைவுச்சின்னங்களில் ஒன்றாகும்
எலிசபெத் பெட்ரோவ்னாவின் ஆட்சியின் போது, ​​ஒரு புதிய எலிசபெதன் பரோக் உருவாக்கப்பட்டது. இது சிறந்த கட்டிடக் கலைஞர் பிரான்செஸ்கோ பார்டோலோமியோ ராஸ்ட்ரெல்லியின் பெயருடன் தொடர்புடையது. ஆனால் இந்த பாணி பீட்டர் தி கிரேட் உடன் அல்ல, ஆனால் மாஸ்கோ பரோக்குடன் தொடர்புடையது. ராஸ்ட்ரெல்லி செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க் மற்றும் அதன் சுற்றுப்புறங்களில் உள்ள அரண்மனை வளாகங்களை வடிவமைத்தார்: குளிர்கால அரண்மனை, கேத்தரின் அரண்மனை, பீட்டர்ஹோஃப். அவரது படைப்புகள் அவற்றின் மகத்தான அளவு, அலங்கார அலங்காரத்தின் மகத்துவம் மற்றும் தங்கத்தைப் பயன்படுத்தி இரண்டு அல்லது மூன்று வண்ண முகப்புகளால் வகைப்படுத்தப்படுகின்றன. ராஸ்ட்ரெல்லியின் கட்டிடக்கலையின் பண்டிகை தன்மை 18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் அனைத்து ரஷ்ய கலைகளிலும் அதன் அடையாளத்தை விட்டுச் சென்றது.
எலிசபெதன் பரோக்கில், 18 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் மாஸ்கோ கட்டிடக் கலைஞர்களின் பணிக்கு ஒரு முக்கியமான இடம் சொந்தமானது. தலைமையில் டி.வி. உக்டோம்ஸ்கிமற்றும் I. F. மிச்சுரின்.
1760 களில், ரஷ்ய கட்டிடக்கலையில் பரோக் படிப்படியாக கிளாசிக்ஸால் மாற்றப்பட்டது.
கடுமையான கிளாசிக்ஸின் எழுச்சி படைப்பாற்றலுடன் தொடர்புடையது எம்.எஃப். கசகோவா(1738-1812). 18 ஆம் நூற்றாண்டின் பிற்பகுதியிலிருந்து மாஸ்கோவில் உள்ள அனைத்து நினைவுச்சின்ன கட்டிடங்களும். அவரால் உருவாக்கப்பட்டது: கிரெம்ளினில் உள்ள செனட் அரண்மனை, பெட்ரோவ்ஸ்கி பயண அரண்மனை, கிரேட் சாரிட்சின் அரண்மனை, புட்டிர்கா போன்றவை.

மொகோவயா தெருவில் உள்ள மாஸ்கோ பல்கலைக்கழகத்தின் பழைய கட்டிடங்கள். கட்டிடக் கலைஞர் எம்.எஃப். கசகோவ்
1812 இல், மாஸ்கோவின் தீயின் போது, ​​கட்டிடம் கிட்டத்தட்ட முற்றிலும் எரிந்தது. மரத்தால் ஆன தளங்கள் அனைத்தும் அழிந்துவிட்டன. பல பிரத்தியேக பொருட்கள் அடங்கிய நூலகம் அழிக்கப்பட்டது. அருங்காட்சியக சேகரிப்பு மற்றும் காப்பகங்கள் மறைந்துவிட்டன. 1819 வரை, டொமினிகோ கிலார்டி பழைய கட்டிடத்தை மீண்டும் உருவாக்கும் பணியில் ஈடுபட்டார்.
தற்போது மாஸ்கோ மாநில பல்கலைக்கழகத்தில் ஆசிய மற்றும் ஆப்பிரிக்க நாடுகளின் நிறுவனம் இங்கு அமைந்துள்ளது.
ஆரம்பகால கிளாசிக்ஸின் எஜமானர்கள் ஏ.எஃப். கோகோரினோவ்(1726-1772) மற்றும் பிரெஞ்சு ஜே.பி. வேலன்-டெலமோட்(1729-1800). கோகோரினோவின் படைப்புகள் பரோக்கிலிருந்து கிளாசிசிசத்திற்கு மாறுவதைக் குறிக்கின்றன. செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கில் உள்ள இம்பீரியல் அகாடமி ஆஃப் ஆர்ட்ஸ் கட்டிடத்திற்கான திட்டத்தின் ஆசிரியர்கள் அவர்கள். மேலும் வேலன்-டெலமோட் சிறிய ஹெர்மிடேஜ் கட்டிடத்தையும் வைத்திருக்கிறார்.
ஐ.இ. ஸ்டாரோவ்(1745-1808) - 18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியின் மிகப்பெரிய கட்டிடக் கலைஞர். அவரது படைப்புகளில், செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கில் உள்ள டாரைடு அரண்மனை (1783-1789). இது டாரைடு இளவரசர் என்ற பட்டத்தை பெற்ற ஜி.ஏ.
80-90 களில், சாம்பியன்ஷிப் கட்டிடக் கலைஞர்களான குவாரெங்கி மற்றும் கேமரூனுக்கு வழங்கப்பட்டது. டி. குவாரெங்கி(1744-1817), பிறப்பால் இத்தாலியன், முக்கியமாக செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கில் பணிபுரிந்தார். குவாரெங்கிக்கான ஒரு பொதுவான கட்டிடம் மூன்று பகுதிகளைக் கொண்ட ஒரு கட்டிடமாகும்: ஒரு மைய கட்டிடம் மற்றும் இரண்டு இறக்கைகள் அதனுடன் கேலரிகளால் இணைக்கப்பட்டுள்ளன. கலவையின் மையம் ஒரு போர்டிகோவால் சிறப்பிக்கப்பட்டது. குவாரெங்கி அகாடமி ஆஃப் சயின்சஸ் கட்டிடத்தையும், ஒதுக்கீட்டு வங்கியின் கட்டிடத்தையும் கட்டினார். பின்னர் அவர் ஜார்ஸ்கோ செலோவில் ஹெர்மிடேஜ் தியேட்டர் மற்றும் அலெக்சாண்டர் அரண்மனையை உருவாக்குகிறார். ஸ்மோல்னி இன்ஸ்டிடியூட் கட்டிடங்களும் குவாரெங்கியின் வேலை.
கேமரூன்- பாவ்லோவ்ஸ்கில் உள்ள அரண்மனை தோட்டத்தின் ஆசிரியர்.

ஸ்மோல்னி நிறுவனத்தின் கட்டிடம். கட்டிடக் கலைஞர் டி. குவாரெங்கி

சிற்பம்

18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியில். சிற்பத் துறையில் மிக உயர்ந்த சாதனைகள் படைப்பாற்றலுடன் தொடர்புடையவை எஃப்.ஐ. ஷுபினா(1740-1805). ஷுபின் ரஷ்ய சிற்ப உருவப்படத்தில் மாஸ்டர். ரஷ்யாவில் இந்த வகையில் அவருக்கு முன்னோடி இல்லை. அவர் உருவாக்கிய சிற்ப ஓவியங்களின் தொகுப்பு (ஏ.எம். கோலிட்சின், பி.ஏ. ருமியன்ட்சேவ், எம்.வி. லோமோனோசோவ், பால் ஐ, முதலியன) அதன் யதார்த்தம் மற்றும் வெளிப்பாட்டுத்தன்மையால் வேறுபடுகிறது.
18 ஆம் நூற்றாண்டின் இரண்டாம் பாதியின் நினைவுச்சின்ன சிற்பம். பல படைப்புகளால் குறிப்பிடப்படுகிறது, அதில் மிகப்பெரியது "வெண்கல குதிரைவீரன்" இ.எம். பருந்து- பீட்டர் I இன் குதிரைச்சவாரி நினைவுச்சின்னம்.
சிற்பத்தில் கிளாசிக்ஸின் ஒரு முக்கிய பிரதிநிதி எம்.ஐ. கோஸ்லோவ்ஸ்கி. படம் நவீன ஹீரோஏ. சுவோரோவின் நினைவுச்சின்னத்தில் உருவப்படம் ஒற்றுமை இல்லாவிட்டாலும் அதை அவர் பொதிந்தார். மாறாக, இது ஒரு ஹீரோ-தளபதியின் பொதுவான படம். எம்.ஐ. கோஸ்லோவ்ஸ்கி பீட்டர்ஹோஃப் நகரில் பிரபலமான சிற்பக் குழுவான "சாம்சன் தியரிங் தி லயன்ஸ் மௌத்" இன் ஆசிரியர் ஆவார்.

செயின்ட் பீட்டர்ஸ்பர்க்கில் உள்ள சுவோரோவின் நினைவுச்சின்னம் (1801). நினைவுச்சின்னத்தின் கீழ் உள்ள கல்வெட்டு: இத்தாலியின் இளவரசர் ரைம்னிக் கவுண்ட் சுவோரோவ்

2. 18 ஆம் நூற்றாண்டின் ரஷ்ய நுண்கலை மற்றும் கட்டிடக்கலை.