Renesančna likovna umetnost. Italijansko renesančno slikarstvo

1. UVOD

"Renesansa" (renesansa) je izraz, ki ga je uvedel arhitekt, slikar in zgodovinar Giorgio Vasari, da bi opredelil dobo, v kateri je bilo kulturno gibanje pozvano, da oživi antiko in odpre možnosti za razvoj zahodne kulture. Srednji vek je veljal za prelom v razvoju kultur in je predstavljal obdobje barbarstva in nevednosti. Renesansa izvira iz Italije in je bila povezana predvsem s pojavom buržoaznih odnosov v fevdalni družbi in posledično s pojavom novega pogleda na svet. Začela se je vrnitev k pozabljenim dosežkom antične kulture. Vse spremembe so se najbolj pokazale v delu umetnikov.

Rast mest in razvoj obrti, vzpon svetovne trgovine, velika geografska odkritja v poznem 15. in začetku 16. stoletja so spremenili življenje srednjeveška Evropa. Urbana kultura ustvarili nove ljudi in oblikovali nov odnos do življenja. Pojavilo se je tiskarstvo, ki je odprlo možnosti za distribucijo literarnih in znanstvenih del.

V tem času se je italijanska družba začela aktivno zanimati za kulturo stare Grčije in Rima, zato so iskali rokopise starodavnih piscev. Različna področja družbenega življenja postajajo vse bolj samostojna in neodvisna od cerkve – umetnost, filozofija, literatura, šolstvo, znanost. V središču pozornosti renesanse je bila oseba, zato je svetovni nazor nosilcev te kulture označen z izrazom "humanističen" (iz latinskega humanitas - človečnost). Za italijanske humaniste je bila glavna stvar človekova osredotočenost nase. Njegova usoda je v veliki meri v njegovih rokah; Bog ga je obdaril s svobodno voljo.

Renesančni humanisti so menili, da pri človeku ni pomembno njegovo poreklo oz socialni status, temveč osebne lastnosti. kot " idealna oseba” je bila prepoznana močna, nadarjena in vsestransko razvita osebnost. Državljanske vrline so začele veljati za glavno dostojanstvo posameznika. »Človeka bi morali soditi po njegovih lastnostih in ne po obleki,« kot duhovito pravi neki starodavni avtor, »Ali veste, zakaj se vam zdi tako visok? Višina njegovih pet te vara: osnova še ni kip. Izmeri osebo brez hodulj. Naj pusti ob strani svoje bogastvo in naslov ter se pojavi pred vami v svoji srajci.«

Humanisti so se zgledovali po antiki, ki jim je bila vir znanja in vzor umetniška ustvarjalnost. Renesančna umetnost je postavila temelje evropska kultura Nov čas. Vse glavne zvrsti umetnosti – slikarstvo, grafika, kiparstvo, arhitektura – so se zelo spremenile.

V dobi italijanske renesanse je običajno razlikovati med več obdobji: protorenesanco (druga polovica 13.-14. stoletja), zgodnjo renesanso (15. stoletje), visoko renesanso (konec 15. - prva desetletja 16. stoletja) , pozna renesansa (zadnji dve tretjini 16. stoletja).

2. VREDNOSTNI TEMELJI RENESANČNE UMETNOSTI

Za renesanso je značilen kult lepote, predvsem človeške. Italijansko slikarstvo prikazuje lepe, popolne ljudi.

Umetniki in kiparji so si pri svojem delu prizadevali za naravnost, za realistično poustvarjanje sveta in človeka. Ravninske podobe niso bile več v uporabi, slikarstvo so obogatili z linearno in zračno perspektivo, s poznavanjem anatomije in proporcev človeškega telesa ter reševali probleme natančne risbe in naravnega gibanja.

Objekti umetnosti so bili človeško telo, moderni in verski subjekti. Pozornost in zanimanje umetnikov je vse bolj usmerjeno v človeka in vse, kar ga obdaja. Vendar je bila umetnost zgodnje renesanse kompleksna, protislovna in to protislovje jo je vodilo naprej. V umetnosti zgodnje renesanse je poleg drobnih podrobnosti prisotna zavest o posplošeni, monumentalni in junaški podobi popolne osebe.

Človek v renesansi spet postane glavna tema umetnost, človeško telo pa velja za najpopolnejšo obliko v naravi. Humanistična kultura renesanse je prežeta s sanjami o novem človeku in njegovem novem duhovnem razvoju. Državljanske vrline so začele veljati za glavno dostojanstvo posameznika. Teocentrično zavest je začela nadomeščati antropocentrična zavest. Ideje humanizma so bile najbolj živo in v celoti utelešene v umetnosti, katere glavna tema je bila lepa, harmonično razvita oseba, ki ima neomejeno duhovno in ustvarjalne možnosti. Umetnost renesanse je prežeta s humanizmom, vero v ustvarjalne moči človeka, v neomejene možnosti njegovih zmožnosti, v zmagoslavje napredka. Figure v slikarstvu pridobijo volumen in opazna je želja, kajne, po prenosu anatomije Človeško telo.

Znaki meščanske kulture in pojav novega pogleda na svet so bili še posebej izraziti v 15. stoletju. Ampak, prav zato, ker nastanek nova kultura, in nov pogled na svet ni bil dokončan, je bilo 15. stoletje polno ustvarjalne svobode, drzne drznosti in občudovanja človeške individualnosti. To je doba humanizma, vere v brezmejno moč razuma, doba intelektualizma. Zaznavanje realnosti je preizkušeno z izkušnjami in nadzorovano z umom. Zato je duh reda tako značilen za renesančno umetnost. Anatomija, preučevanje proporcev človeškega telesa, je za umetnike zelo pomembna.

Antika pridobi samostojno vrednost in igra veliko vlogo pri oblikovanju posvetne kulture. Lastnosti starodavne preprostosti in harmonije postanejo značilne za umetnost v arhitekturi. Knjižnice vsebujejo bogato zbirko starih rokopisov. Zdi se, da so muzeji polni kipov in fragmentov starodavne arhitekture. Stari Rim se obnavlja. Toda vpliv antike je prepleten s tradicijo srednjega veka in krščanske umetnosti, kar daje renesančni kulturi kompleksen značaj.

V umetnosti so problemi državljanske dolžnosti, visokih moralnih lastnosti, junaških dejanj, podobe harmonično razvitega, močan v duhu in telo človeškega junaka, ki se mu je uspelo dvigniti nad raven vsakdanjega življenja. Umetnost visoke renesanse opušča manjše podrobnosti v imenu splošne podobe, želje po harmoniji v lepih vidikih življenja. Portretiranje se je razvilo in postalo eden od pomembnih dosežkov renesanse. Najprestižnejša oblika umetnosti je bilo kiparstvo, ki se je razmahnilo z uveljavitvijo baroka. V pozni renesansi je bilo manj iluzij in več realizma v razumevanju realnosti. Ideali lepote in harmonije so bili celovito dojeti in postali celo norma, kar je vplivalo različni tipi ustvarjalna dejavnost.

3. ITALIJANSKA RENESANSA

Po številčnosti nadarjenih rokodelcev in obsegu umetniške ustvarjalnosti je bila Italija v 15. stoletju pred vsemi evropskimi deželami. Spremembe v umetnosti so vplivale predvsem na kiparstvo. Dela mojstra Niccola Pisana kažejo jasen vpliv antike. Toda začetek nove dobe je povezan z imenom slikarja Giotta di Bondone (1266?-1337). Od njegovih del so najbolje ohranjene freske kapele del Arena v Padovi na evangelijske teme, kjer je že mogoče videti željo po pravilnem prenosu anatomije človeškega telesa. »Giottov človek se upira udarcem usode. Pripravljen je prenašati stisko, ne da bi izgubil srce, ne da bi postal zagrenjen na ljudi. Takšno razumevanje ni bilo v nasprotju s srednjeveško cerkveno moralo, temveč je človeka dvignilo, se uveljavilo in mu dalo moč.”

V likovni umetnosti se je pojavilo več šol s svojimi edinstvenimi slogovnimi značilnostmi.

3.1. FIRENČINSKA ŠOLA XV stoletja

V arhitekturi Italije so se šele v 15. stoletju začele pojavljati značilnosti novega sloga. Filippo Brunelleschi (1377-1446) je leta 1434 dokončal firenško katedralo z velikansko kupolo, gotsko stavbo, zgrajeno leta 1295. Za posvetno arhitekturo palače je značilna kombinacija zunanje nedostopnosti, podobne trdnjavi, z notranjim vzdušjem udobja.

V cerkveni arhitekturi se pojavlja oblaganje fasad cerkva z večbarvnim marmorjem, zaradi česar postane fasada "črtasta" - značilnost Italijanska renesansa.

Nova skulptura se je rodila leta 1401, ko je bil organiziran natečaj za okrasitev vrat krstne kapele firenške katedrale. Kipar, ki je imel priložnost rešiti probleme evropske plastike - okrogla plastika, spomenik - je bil Donato di Niccolo di Betto Bardi (1386?-1466). Gotske reminiscence je opaziti tudi v njegovi umetnosti. Donatello rešuje problem vstajanja človeške figure po zakonih plastičnosti, razvitih v antiki, a pozabljenih v srednjem veku. Kip sv. Jurija, ki ga je izdelal Donatello, uteleša ideal zgodnja renesansa: Občutek samozavedanja in samozavesti na tej podobi je poudarjen s svobodno, mirno držo figure, ki spominja na steber. To ni "človečeni bog antike, ampak pobožen človek nove dobe" (N. Punin).

Donatello ima tudi čast, da je ustvaril prvi konjeniški spomenik v renesansi. To je konjeniški kip kondotjerja Erasma di Narnija v Padovi.

Z uporabo najboljših tradicij srednjeveške umetnosti in preučevanjem antičnega kiparstva je Donatello prišel do lastnih rešitev, do podob globoke človečnosti in pravega realizma, kar pojasnjuje njegov ogromen vpliv na vse poznejše evropsko kiparstvo.

Vodilno vlogo v slikarstvu florentinske zgodnje renesanse je imel Tommaso di Giovanni di Simone Cassan Guidi, znan kot Masaccio (1401-1428). Reševal je probleme slikovne umetnosti, ki si jih je Giotto zastavljal že prej. Masaccio se je pokazal kot umetnik, ki mu je bilo jasno, kako postaviti figure v prostor, kako jih povezati med seboj in s pokrajino, kakšni so zakoni anatomije človeškega telesa. Rešil je glavne probleme renesanse - linearno in zračno perspektivo.

Zgodovina renesanse se začne leta To obdobje imenujemo tudi renesansa. Renesansa se je spremenila v kulturo in postala predhodnica kulture novega veka. In renesansa se je končala v 16.-17. stoletju, saj ima v vsaki državi svoj začetni in končni datum.

Nekaj ​​splošnih informacij

Predstavnika renesanse sta Francesco Petrarca in Giovanni Boccaccio. Postali so prvi pesniki, ki so vzvišene podobe in misli začeli izražati v odkritem, navadnem jeziku. Ta inovacija je bila sprejeta z velikim navdušenjem in se je razširila v druge države.

Renesansa in umetnost

Posebnost renesanse je, da je človeško telo postalo glavni vir navdiha in predmet proučevanja umetnikov tega časa. Tako je bil poudarek na podobnosti kiparstva in slikarstva z realnostjo. Glavne značilnosti renesančne umetnosti so sijaj, rafinirana uporaba čopiča, igra sence in svetlobe, skrbnost v procesu dela in kompleksne kompozicije. Za renesančne umetnike so bile glavne podobe iz Svetega pisma in mitov.

Podobnost resnične osebe z njegovo podobo na tem ali onem platnu je bila tako blizu, da izmišljen lik zdelo živo. Tega ne moremo reči za umetnost dvajsetega stoletja.

Renesansa (njeni glavni trendi so na kratko opisani zgoraj) je človeško telo dojemala kot neskončen začetek. Znanstveniki in umetniki so redno izpopolnjevali svoje sposobnosti in znanje s preučevanjem teles posameznikov. Takrat je prevladovalo mnenje, da je človek ustvarjen po božji podobnosti in podobi. Ta izjava je odražala fizično popolnost. Glavni in pomembni predmeti renesančne umetnosti so bili bogovi.

Narava in lepota človeškega telesa

Renesančna umetnost je posvečala veliko pozornost naravi. Značilen element pokrajine je bilo razgibano in bujno rastlinstvo. Modro nebo, prebodeno s sončnimi žarki, ki so prodirali skozi bele oblake, je predstavljalo veličastno ozadje za lebdeča bitja. Renesančna umetnost je častila lepoto človeškega telesa. Ta lastnost se je pokazala v rafiniranih elementih mišic in telesa. Za delo kiparjev in kiparjev renesančnega obdobja so značilne težke poze, mimika in geste, harmonična in jasna barvna paleta. Med njimi so Tizian, Leonardo da Vinci, Rembrandt in drugi.

renesančna umetnost

Renesansa je čas razcveta vseh umetnosti, vključno z gledališčem, literaturo in glasbo, vendar je bila nedvomno glavna med njimi, ki je najpopolneje izražala duh svojega časa. umetnost.

Ni naključje, da obstaja teorija, da se je renesansa začela s tem, da se umetniki niso več zadovoljili z okviri prevladujočega "bizantinskega" sloga in so se v iskanju modelov za svojo ustvarjalnost prvi obrnili k antiki. Bil je eden prvih, ki je opustil "bizantinsko maniro" in začel uporabljati chiaroscuro kiparstvo figur Pietra Cavallinija v freskah. Toda največji mojster protorenesanse Giotto je namesto ikon prvič začel ustvarjati slike.

Bil je prvi, ki si je prizadeval posredovati krščanske etične ideje s prikazovanjem resničnih človeških občutij in izkušenj, zamenjal simboliko s podobo realnega prostora in posebne predmete. Na znamenitih Giottovih freskah v kapeli Arena v Padovi lahko ob svetnikih vidite zelo nenavadne like: pastirje ali predico. Vsak posameznik pri Giottu izraža zelo specifične izkušnje, specifičen značaj.

V dobi Ducenta (XIII. stoletje) se je v Italiji namesto knjižnega jezika srednjega veka - latinščine - postopoma oblikoval ljudski jezik - italijanščina. Veliko je prispeval k njegovemu nastanku največji pisatelj tistega časa Dante Alighieri (1256-1321). V svojem zgodnjem delu La Vita Nueva, napisanem v italijanščini, Dante pripoveduje zgodbo o svoji ljubezni do Beatrice, od njunega prvega srečanja, ko sta bila še otroka, do njene smrti, ko je bila stara 18 let.

Podobo preproste meščanke, povzdignjene s pesnikovo ljubeznijo, nosi skozi vse življenje. In povsem v duhu renesanse je prizor iz njegove »Božanske komedije«, v katerem upodablja svojo Beatrice, sedečo na vrhu voza, ki simbolizira Cerkev pred vrati čiščenja.

V zgodnji renesansi je v umetnosti obvladovala starodavna umetnostna dediščina, oblikovali so se novi etični ideali, umetniki so se obračali na dosežke znanosti (matematika, geometrija, optika, anatomija). Firence so igrale vodilno vlogo pri oblikovanju idejnih in slogovnih načel zgodnjerenesančne umetnosti. V slikah, ki so jih ustvarili mojstri Donatello in Verrocchio, prevladujejo junaška in domoljubna načela ("Sv. Jurij" in "David" Donatella in "David" Verrocchia).

Utemeljitelj renesančnega slikarstva je Masaccio (slike Brancaccijeve kapele, »Trojica«) je znal prenesti globino prostora, povezal figuro in pokrajino z enim kompozicijskim konceptom ter dal portretno ekspresivnost posameznikom. Toda nastanek in evolucija slikovit portret, ki odražajo zanimanje renesančne kulture za človeka, so povezani z imeni umetnikov umbijske šole: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Delo umetnika Sandra Botticellija izstopa v zgodnji renesansi. Podobe, ki jih je ustvaril, so duhovne in poetične. Raziskovalci opažajo abstrakcijo in prefinjen intelektualizem v umetnikovih delih, njegovo željo po ustvarjanju mitoloških kompozicij z zapleteno in šifrirano vsebino ("Pomlad", "Rojstvo Venere").

Eden od piscev Botticellijevega življenja je rekel, da njegove Madone in Venere dajejo vtis izgubljenosti, v nas povzročajo občutek neizbrisne žalosti ... Nekateri so izgubili nebo, drugi zemljo.

Vrhunec razvoja idejnih in umetniških načel italijanske renesanse predstavlja visoka renesansa. Leonardo da Vinci, veliki umetnik in znanstvenik, velja za utemeljitelja umetnosti visoke renesanse.

Ustvaril je vrsto mojstrovin: "Mona Lisa" ("La Gioconda"), "Benois Madonna" in "Madonna Litta", "Dama s hermelinom". V svojem delu je Leonardo skušal izraziti duha renesančnega človeka. Vire popolnih oblik umetnosti je iskal v naravi, vendar je N. Berdjajev odgovoren za prihajajoči proces mehanizacije in mehanizacije človeškega življenja, ki je človeka ločil od narave.

Slikarstvo dosega klasično harmonijo v delih Rafaela. Njegova umetnost se razvija od zgodnjih hladno odmaknjenih umbrijskih podob Madon (»Madonna Conestabile«) do sveta »srečnega krščanstva« florentinskih in rimskih del. »Madona s ščitljo« in »Madona v fotelju« sta v svoji človečnosti mehki, človeški in celo običajni.

Toda podoba "Sikstinske Madone" je veličastna, simbolično povezuje nebeški in zemeljski svet. Predvsem pa je Raphael znan kot ustvarjalec nežnih podob Madon. Toda v slikarstvu je utelesil tako ideal renesančnega univerzalnega človeka (portret Castiglioneja) kot dramatiko zgodovinskega dogajanja.

Michelangelo je mojster, ki je v svoji umetnosti združil lepo telesnost z globoko duhovnostjo podob, podedovanih iz srednjeveške krščanske kulture. Že v Michelangelovem zgodnjem delu je bil očiten njegov tragični pogled na svet (»Križanje«), pretanjen psihologizem podob in tehnična virtuoznost (»Objokovanje Kristusa« iz bazilike sv. Petra). Michelangelo ustvari tudi svoj koncept človeške zgodovine (slikovit strop Sikstinske kapele).

Posebno mesto v dobi visoke renesanse zavzema beneška šola, v kateri sta bila veselje do življenja in ljubezen do narave združena s humanističnim idealom (dela Giorgioneja, Tiziana). Poznejša renesansa in manierizem odražata krizo renesančnih humanističnih idealov.

V tem obdobju Michelangelovo delo odraža poglabljajočo se tragedijo njegovega pogleda na svet (podobe Medičejske kapele, zlasti »Noč«, »Poslednja sodba« in freske kapele Paolina). Umetniki, ki nadaljujejo tradicijo visoke renesanse, imajo vedno večjo željo po dekorativnosti in sijaju (Veronese), naraščata subjektivizem in spiritualizem.

Za manieriste podoba ni zgrajena na podlagi preučevanja narave, kot je bilo pri renesančnih umetnikih, temveč na njihovem notranjem občutku. Manierizem prepleteno prepleta mističnost in ideale dvorne kulture, poln je alegorij in umetniške plastičnosti. V manirizmu je zanikanje renesančne tradicije (Correggio, Amanti itd.).

Hkrati s krizo renesančne umetnosti v Italiji se je razcvetela na Nizozemskem in v Nemčiji.

Jan van Eyck - osrednja figura začetni čas Severna renesansa. Njegovo delo je odražalo eno temeljnih značilnosti te umetnosti: tesno povezanost z umetnostjo pozne gotike. Gentski oltar, ki sta ga izdelala brata van Eyck, v svoji figurativni strukturi združuje strog religiozen občutek z veselim in poetičnim dojemanjem zemeljske lepote, idealne podobe s portreti resničnih ljudi, kompleksno simboliko s preprostimi človeškimi čustvi. Portreti Jana van Eycka poudarjajo duhovno izpolnitev in pobožnost v psihološko pristnih in naturalistično natančnih podobah.

Kompleksna simbolika, fantazija in groteska so očitne v delih Hieronymusa Boscha. Njegov slog se zdi tako nenavaden za tisti čas, da mnogi sodobni umetnostni zgodovinarji menijo, da je Bosch predhodnik nadrealizma.

Razvoj umetnosti severne renesanse je povezan z imenom Albrechta Durerja, ki je v Nemčiji postavil temelje posvetnih žanrov - portretov, krajin in vsakdanjih žanrov. Njegovo delo razkriva še eno osupljivo značilnost severne renesanse: željo, da bi človeka prikazali kot nepopolnega in idealnega, a zanesljivega.

Ko govorimo o umetnosti severne renesanse, je seveda treba posvetiti pozornost portretom Holbeina in delu Bruegla.

Če povzamemo, je treba opozoriti, da lahko renesanso v Italiji in reformacijo v severni Evropi, kot je to storil N. Berdjajev, obravnavamo kot stopnji prehodnega obdobja, ki je v zgodovinskem merilu označilo konec ene vrste civilizacije (kozmogene, tradicionalna) in začetek nove, tehnogene civilizacije.

Italijanska renesansa je bila vir za severno renesanso in reformacijo. Reformacija je na svojstven način dopolnila in razvila renesančne ideje. če Italijanska renesansa postala začetek nove urbane meščanske kulture, ki jo je zagotovila reformacija, ki je ustvarila protestantizem dinamični razvoj kapitalizma v Evropi.

renesančna umetnost

Renesansa je razcvet vseh umetnosti (gledališča, glasbe, slikarstva, arhitekture, književnosti itd.). Govoril bom o literaturi in likovni umetnosti.

Renesančna književnost- glavni trend v literaturi, sestavni del celotne kulture renesanse. Zajema obdobje od 14. do 16. stoletja. Od srednjeveške literature se razlikuje po tem, da temelji na novih, naprednih idejah humanizma. Sinonim za renesanso je izraz "renesansa" francoskega izvora. Ideje humanizma so se najprej pojavile v Italiji, nato pa so se razširile po Evropi. Tudi literatura renesanse se je razširila po Evropi, vendar je v vsaki posamezni državi dobila svoj nacionalni značaj. Izraz renesansa pomeni prenovo, privlačnost umetnikov, pisateljev, mislecev k kulturi in umetnosti antike, posnemanje njenih visokih idealov.

Koncept humanizma

Pojem "humanizem" so v uporabo uvedli znanstveniki 19. stoletja. Izhaja iz latinskega humanitas (človeška narava, duhovna kultura) in humanus (človek) ter označuje ideologijo, usmerjeno k človeku. V srednjem veku je obstajala verska in fevdalna ideologija.

V renesansi je prišlo do odmika od fevdalno-cerkvene ideologije, pojavile so se ideje o emancipaciji posameznika, potrditev visokega dostojanstva človeka kot svobodnega tvorca zemeljske sreče. Ideje so postale odločilne v razvoju kulture kot celote, vplivale so na razvoj umetnosti, literature, glasbe, znanosti in se odražale v politiki. Humanizem je svetovni nazor sekularne narave, antidogmatičen in antisholastičen. Razvoj humanizma se začne v 14. stoletju, v delih humanistov, kot so Dante, Petrarka, Boccaccio itd. V 16. stoletju se proces razvoja novega pogleda na svet zaradi vpliva fevdalno-katoliške reakcije upočasni. . Nadomesti jo reformacija.

Renesančna književnost nasploh

Ko govorimo o renesansi, govorimo neposredno o Italiji, kot nosilki glavnega dela antične kulture, in o tako imenovani severni renesansi, ki je potekala v državah severne Evrope: Franciji, Angliji, Nemčiji, Nizozemski. , Španija in Portugalska.

Za literaturo renesanse so značilni zgoraj omenjeni humanistični ideali. To obdobje je povezano s pojavom novih žanrov in oblikovanjem zgodnjega realizma, ki se imenuje "renesančni realizem" (ali renesansa), v nasprotju s kasnejšimi stopnjami, izobraževalnim, kritičnim, socialističnim.

Dela avtorjev, kot so Petrarka, Rabelais, Shakespeare, Cervantes, izražajo novo razumevanje življenja kot osebe, ki zavrača suženjsko poslušnost, ki jo pridiga cerkev. Predstavljajo človeka kot najvišjo stvaritev narave, skušajo razkriti lepoto njegovega fizičnega videza ter bogastvo njegove duše in uma. Za renesančni realizem je značilna obsežnost podob (Hamlet, Kralj Lear), poetizacija podobe, zmožnost odličen občutek in hkrati visoka intenzivnost tragičnega konflikta (»Romeo in Julija«), ki odraža spopad osebe s sovražnimi silami.

Za renesančno književnost so značilne različne zvrsti. Toda nekatere literarne oblike so prevladale. Najbolj priljubljen žanr je bila kratka zgodba, ki jo imenujemo renesančna novela. V poeziji postane najznačilnejša oblika sonet (14-vrstična kitica z določeno rimo). Dramaturgija je v velikem razvoju. Najvidnejša dramatika renesanse sta Lope de Vega v Španiji in Shakespeare v Angliji.

Razširjeni sta publicistika in filozofska proza. V Italiji Giordano Bruno v svojih delih obsoja cerkev in ustvarja svoje nove filozofske koncepte. V Angliji Thomas More izraža ideje utopičnega komunizma v svoji knjigi Utopija. Splošno znani so tudi avtorji, kot sta Michel de Montaigne (»Poskusi«) in Erazem Rotterdamski (»V hvalnico norosti«).

Med pisci tistega časa so bile kronane glave. Vojvoda Lorenzo de' Medici piše poezijo, Margareta Navarska, sestra francoskega kralja Franca I., pa je znana kot avtorica zbirke Heptameron.

Likovna umetnost renesanse

Prvi znanilci renesančne umetnosti so se pojavili v Italiji v 14. stoletju. Umetniki tega časa, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) in (predvsem) Giotto (1267-1337), so pri ustvarjanju slik tradicionalne religiozne tematike izhajali iz tradicije mednarodne gotike (različne značilnosti mednarodnega gotskega slikarstva: barvitost, prefinjenost in dekorativnost, vzvišenost, prefinjenost.), pa so začeli uporabljati nove likovne tehnike: gradnja tridimenzionalne kompozicije, uporaba pokrajine v ozadju, kar jim je omogočilo, da so slike postale bolj realistične. in animirani. To je njihovo delo močno razlikovalo od prejšnje ikonografske tradicije, polne konvencij v podobi. Za njihovo delo se uporablja izraz protorenesanca.

Različna stoletja v zgodovini Italijanska umetnost imajo imena, izpeljana iz ustreznih številk:

Ducento - 1200. Iz italijanščine duento (dvesto). Mednarodna gotika.

Trecento - 1300. Iz italijanščine trecento (tristo). Protorenesanca.

Quattrocento - 1400. Iz italijanščine quattrocento (štiristo). Zgodnja renesansa, visoka renesansa.

Cinquecento - 1500. Iz italijanščine cinquecento (petsto). Konec visoke renesanse, pozna renesansa.

Zgodnja renesansa

V začetku 15. stoletja je Filippo Brunelleschi (1377-1446), florentinski znanstvenik in arhitekt, odkril in opisal zakonitosti linearne perspektive v slikarstvu. To je umetnikom omogočilo, da so na ravnem slikarskem platnu dobili popolne podobe tridimenzionalnega prostora.

Drug pomemben korak je bil pojav nereligiozne, posvetne umetnosti. Portret in krajina sta se uveljavila kot samostojna žanra. Celo religiozni predmeti so dobili drugačno razlago - renesančni umetniki so začeli gledati na svoje like kot na junake z izrazitimi individualnimi lastnostmi in človeško motivacijo za dejanja.

Najbolj znani umetniki tega obdobja so Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Niccolo Pizzolo ( 1421-1497), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1445-1510).

Kiparstvo je postalo zelo razširjeno. V delu kiparjev so se razvile številne oblike: kip, relief, doprsni kip itd. Dosegli so nove višine pri upodabljanju plastičnosti človeškega telesa: čustva, telesna gibanja, kompleksni prizori v večplastnih, perspektivnih reliefih. Najbolj znana kiparja tega obdobja sta Donatello (1386-1466) in Lorenzo Ghiberti (1381-1456).

Visoka renesansa

Največji razcvet je renesančna umetnost doživela v prvi četrtini 16. stoletja, imenovani "visoka renesansa". Dela Sansovina (1486-1570), Leonarda da Vincija (1452-1519), Raphaela Santija (1483-1520), Michelangela Buonarrotija (1475-1564), Giorgioneja (1476-1510), Tiziana (1477-1576), Antonia Correggia (1489-1534) sestavljajo zlati sklad evropske umetnosti.

Leonardo da Vinci, ki je pristopil k slikarstvu z vidika naravoslovca, je dosegel visoko veščino pri prenosu obraznih izrazov človeškega obraza in telesa, načinih prenosa prostora in gradnji kompozicije. Hkrati njegova dela ustvarjajo harmonično podobo človeka, ki ustreza humanističnim idealom. Te inovacije je kasneje razvil Rafael Santi.

Slike in kipi Michelangela Buonarrotija so polni heroične patetike in hkrati tragičnega občutka krize humanizma. Njegove slike poveličujejo moč in moč človeka, lepoto njegovega telesa, hkrati pa poudarjajo njegovo osamljenost v svetu.

Dela Giorgioneja in Tiziana se odlikujejo po zanimanju za krajino in poetizaciji ploskve. Oba umetnika sta dosegla veliko mojstrstvo v umetnosti portretiranja, s pomočjo katerega sta prenesla značaj in bogat notranji svet svojih likov.

Pozna renesansa

Po plenjenju Rima s strani cesarskih čet leta 1527 je italijanska renesansa vstopila v obdobje krize. Že v delu poznega Rafaela se je začrtala nova umetniška linija, imenovana manierizem. Za to obdobje so značilne napihnjene in lomljene linije, podolgovate ali celo deformirane figure, pogosto gole, napete in nenaravne poze, nenavadni ali bizarni učinki, povezani z velikostjo, osvetlitvijo ali perspektivo, uporaba jedkega kromatskega obsega, preobremenjena kompozicija itd. prvi mojstri manierizma - Parmigianino, Pontormo, Bronzino - so živeli in delali na dvoru vojvod iz hiše Medičejci v Firencah. Manieristična moda se je kasneje razširila po vsej Italiji in izven nje. V 1590-ih je manierizem nadomestila baročna umetnost (prehodni osebi - Tintoretto in El Greco)

Severna renesansa

Umetniki, ki so živeli severno od Alp, niso imeli pred očmi primerov antične umetnosti. Povsem tuja jim je bila arheološka razsežnost italijanske renesanse, ki je obsegala preučevanje na novo odkritih antičnih spomenikov. Tradicija in veščine gotske umetnosti so se tu dolgo ohranjale, manj pozornosti so posvečali preučevanju starodavne dediščine in poznavanju človeške anatomije. Portreti severnih umetnikov (na primer Holbeina) nimajo harmonizacije in idealizacije realnosti, ki je značilna za njihove južne kolege; v svojem realizmu dosežejo naturalizem. Po drugi strani pa ne prekinjajo elementov ljudskega, kmečkega življenja in folklornega izročila; V tem pogledu je še posebej indikativno delo Pietra Bruegla starejšega.

Na stičišču mednarodnih gotskih in predrenesančnih trendov v Burgundski Nizozemski se je v 1. polovici 15. stoletja rodila staronizozemska umetnost. Kompleksna ikonografija in zapletena simbolika sta bili združeni z izjemno pozornostjo do podrobnosti domače rabe. Prehod s tempere na oljno sliko je umetniku omogočil jasnejšo in celovitejšo predstavo o raznolikosti, globini in sijaju objektivnega sveta. Vsi ti dosežki so povezani z imeni Roberta Campina in njegovih učencev - bratov van Eykovy, Roger van der Weyden. V drugi polovici stoletja so se v Memlingovem delu zapleteno prepletali ostanki gotike in italijanskih vplivov.

Čeprav je Italija iz obdobja Quattrocenta z zanimanjem spremljala dosežke nizozemskih umetnikov, je italijanski vpliv začel prodirati v te kraje šele v 16. stoletju, ko se je Bavarec Albrecht Dürer odpravil izpopolnjevat v Benetke, na Nizozemskem pa šola antwerpenskega manierizma. je nastala, kateri je pripadal zlasti Mabuse. Z začetkom reformacije je bilo religiozno slikarstvo v severni Evropi prepovedano, vendar so se začele oblikovati nove zvrsti, ki niso temeljile toliko na premisleku o umetniških dosežkih prejšnjih generacij (kot v Italiji), temveč na neposrednem opazovanju narave – krajine namreč. , tihožitje, žanrsko slikarstvo.

1. Visoka renesansa.
2. Dela Leonarda da Vincija, Tiziana, Rafaela, Michelangela.
3. Severna renesansa: umetnost Nizozemske in Nemčije.

Visoka renesansa

Umetnost visoke renesanse zajema pozno 15. in prva tri desetletja 16. stoletja. »Zlata doba« italijanske umetnosti je bila kronološko zelo kratka in le v Benetkah je trajala dlje, do sredine stoletja. Toda v tem času so nastale čudovite stvaritve titanov renesanse.

Največji vzpon kulture se je zgodil v najtežjih časih zgodovinsko obdobježivljenje v Italiji, v razmerah ostre gospodarske in politične oslabitve italijanskih držav. Turška osvajanja na vzhodu, odkritje Amerike in nova pomorska pot v Indijo odvzamejo italijanskim mestom vlogo najpomembnejših trgovskih središč; zaradi neenotnosti in stalne medsebojne sovražnosti so lahek plen za vse bolj centralizirane severozahodne države. Pretok kapitala znotraj države iz trgovine in industrije v kmetijstvo ter postopno preoblikovanje buržoazije v razred posestnikov je prispevalo k širjenju fevdalne reakcije. Vdor francoskih čet leta 1494, uničujoče vojne v prvih desetletjih 16. stoletja in poraz Rima so močno oslabili Italijo. V tem času, ko je nad državo grozila njena popolna zasužnjenost s strani tujih osvajalcev, se je pokazala moč ljudstva, ki je stopilo v boj za narodno samostojnost, za republikansko obliko vladavine in njegovo narodno samozavedanje. je rasla. To dokazujejo ljudska gibanja zgodnjega 16. stoletja v mnogih italijanska mesta, zlasti v Firencah, kjer je bila republikanska vladavina vzpostavljena dvakrat: od 1494 do 1512 in od 1527 do 1530. Velik družbeni vzpon je služil kot osnova za razcvet močne kulture visoke renesanse. IN težke razmere V prvih desetletjih 16. stoletja so se oblikovala načela kulture in umetnosti novega sloga.
Posebna značilnost kulture visoke renesanse je bila izjemna širitev družbenih obzorij njenih ustvarjalcev, obseg njihovih idej o svetu in prostoru. Spremeni se pogled na človeka in njegov odnos do sveta. Sam tip umetnika, njegov pogled na svet in položaj v družbi so bistveno drugačni od tistih, ki so jih zavzemali mojstri 15. stoletja, ki so bili še v veliki meri povezani z obrtniškim slojem. Umetniki visoke renesanse niso bili le ljudje velike kulture, temveč ustvarjalni posamezniki, osvobojeni cehovskih okvirov, ki so predstavnike vladajočih razredov silili k upoštevanju njihovih načrtov.
V središču njihove umetnosti, povzeli po umetniški jezik, podoba idealno lepe osebe, popolne fizično in duhovno, ki ni abstrahirana od realnosti, ampak napolnjena z življenjem, notranjo močjo in pomenom, titansko močjo samopotrditve. Poleg Firenc sta bili najpomembnejši središči nove umetnosti v začetku 16. stoletja papeški Rim in patricijske Benetke. Od leta 1530 se v srednji Italiji krepi fevdalno-katoliška reakcija, z njo pa se širi dekadentno gibanje v umetnosti, imenovano manierizem. In že v drugi polovici 16. stoletja so se pojavili trendi v antimanieristični umetnosti.
V tem poznem obdobju, ko le še posamezna središča renesančne kulture ohranjajo svojo vlogo, ustvarjajo najpomembnejša umetniška dela. To so pozne stvaritve Michelangela, Palladia in velikih Benečanov.

Dela Leonarda da Vincija

Nekateri trendi v umetnosti visoke renesanse so bili predvideni v delu izjemnih umetnikov 15. stoletja in so bili izraženi v želji po veličini, monumentalizaciji in posploševanju podobe. Vendar pa je bil pravi utemeljitelj visoke renesanse Leonardo da Vinci, genij, katerega delo je zaznamovalo velik kvalitativni premik v umetnosti. Pomen njegove obsežne znanstvene in umetniške dejavnosti je postal jasen šele ob pregledu Leonardovih raztresenih rokopisov. Njegovi zapiski in risbe vsebujejo briljantne vpoglede na različna področja znanosti in tehnologije. Kot je rekel Engels, ni bil le velik slikar, ampak tudi velik matematik, mehanik in inženir, ki mu najrazličnejše veje fizike dolgujejo pomembna odkritja.

Umetnost je bila za Leonarda sredstvo razumevanja sveta. Številne njegove skice služijo ilustraciji znanstvenega dela, hkrati pa so dela visoke umetnosti. Leonardo utelešal nov tip umetnik - znanstvenik, mislec, presenetljiv s svojo širino pogledov in vsestranskostjo talenta.
Leonardo se je rodil v vasi Anchiano blizu mesta Vinci. Bil je nezakonski sin notarja in preproste kmečke žene. Študiral je v Firencah, v ateljeju kiparja in slikarja Andree Verrocchia. Eno od Leonardovih zgodnjih del - figura angela na Verrocchiovi sliki "Krst" (Firence, Uffizi) - izstopa med zamrznjenimi liki s svojo subtilno duhovnostjo in priča o zrelosti svojega ustvarjalca.
Med Leonardovimi zgodnjimi deli je "Madona z rožo" (tako imenovana "Benoisova Madona", okoli 1478), ki se hrani v Ermitažu in se bistveno razlikuje od številnih Madon iz 15. stoletja. Leonardo zavrača žanr in skrbne podrobnosti, značilne za dela zgodnjih renesančnih mojstrov, poglablja značilnosti in posplošuje oblike. Skoraj ves prostor slike zapolnjujeta figuri mlade mamice in dojenčka, subtilno modelirani s stransko svetlobo. Gibanje figur, organsko povezanih med seboj, je naravno in plastično. Jasno izstopajo na temnem ozadju stene. Jasno modro nebo v okenski odprtini povezuje figure z naravo, s prostranim svetom, ki mu vlada človek. V uravnoteženi konstrukciji kompozicije je čutiti notranji vzorec. Vendar ne izključuje topline, naivnega šarma, ki ga opazimo v življenju.
Leta 1480 je Leonardo že imel svojo delavnico in prejemal naročila. Vendar ga je njegova strast do znanosti pogosto odvrnila od študija umetnosti. Veliki oltarni kompoziciji »Čaščenje magov« (Firence, Uffizi) in »Sveti Hieronim« (Rim, Vatikanska pinakoteka) sta ostali nedokončani. V prvem je umetnik poskušal preoblikovati kompleksno monumentalno kompozicijo oltarne podobe v piramidasto, dobro vidno skupino, da bi posredoval globino človeških občutkov. V drugem - do resnične upodobitve kompleksnih kotov človeškega telesa, prostora pokrajine.
Ker na dvoru Lorenza Medičejskega s kultom izvrstne prefinjenosti ni našel ustreznega spoštovanja svojega talenta, je Leonardo vstopil v službo milanskega vojvode Lodovica Mora. Milansko obdobje Leonardovega dela (1482-1499) se je izkazalo za najbolj plodno. Tu se je razkrila vsestranskost njegovega talenta kot znanstvenika, izumitelja in umetnika.
Kariero je začel z nastopanjem kiparski spomenik- konjeniški kip Francesca Sforze, očeta vojvode Ludovica Mora. Velik model Spomenik, ki je prejel soglasno visoko oceno sodobnikov, je bil uničen med zavzetjem Milana s strani Francozov leta 1499. Ohranile so se le risbe - skice različnih različic spomenika, podobe vzpenjajočega se konja, polnega dinamike, ali slovesno nastopajočega konja, ki spominja na kompozicijske rešitve Donatella in Verrocchia. Očitno je bila ta zadnja možnost spremenjena v model kipa. Po velikosti je bil bistveno večji od spomenikov Gattamelata in Colleonija, zaradi česar so sodobniki in sam Leonardo spomenik poimenovali »veliki kolos«. To delo nam omogoča, da Leonarda štejemo za enega največjih kiparjev tistega časa.
Do nas ni prišel niti en dokončan Leonardov arhitekturni projekt. In vendar njegove risbe in načrti stavb, načrti za ustvarjanje idealnega mesta govorijo o njegovem daru izjemnega arhitekta.
Milansko obdobje vključuje slike zrelega sloga - "Madona v jami" in "Zadnja večerja". "Madona v jami" (1483-1494, Pariz, Louvre) je prva monumentalna oltarna kompozicija visoke renesanse. Njeni liki Marije, Janeza, Kristusa in angela so dobili poteze veličine, poetične duhovnosti in polnosti življenjske izraznosti. Združeni z razpoloženjem premišljenosti in dejanja - dojenček Kristus blagoslovi Janeza - v harmonični piramidalni skupini, kot da bi jo razpihnila lahka meglica chiaroscura, se zdi, da so liki evangelijske legende utelešenje idealnih podob mirne sreče.

Najpomembnejša izmed Leonardovih monumentalnih slik, »Zadnja večerja«, narejena v letih 1495-1497 za samostan Santa Maria della Grazie v Milanu, vas popelje v svet resničnih strasti in dramatičnih občutkov. Leonardo, ki se odmika od tradicionalne interpretacije evangelijske epizode, daje temi inovativno rešitev, kompozicijo, ki globoko razkriva človeška čustva in izkušnje. Po minimiziranju obrisa pohištva obednice, namerno zmanjšanju velikosti mize in potiskanju v ospredje, osredotoča pozornost na dramatični vrhunec dogodka, na kontrastne lastnosti ljudi različnih temperamentov, manifestacijo kompleksnega razpona čustev, izraženih tako v obrazni mimiki kot v kretnjah, s katerimi se apostoli odzovejo na Kristusove besede: »Eden izmed vas me bo izdal.« Odločilno nasprotje apostolom predstavljata podobi navzven umirjenega, a žalostno zamišljenega Kristusa, ki se nahajata v središču kompozicije, in izdajalca Juda, naslonjenega na rob mize, katerega grobi, plenilski profil je potopljen v senca. Zmedenost, poudarjena s potezo roke, ki mrzlično stiska denarnico, in mračen videz ga ločita od ostalih apostolov, na katerih razsvetljenih obrazih je mogoče prebrati izraz presenečenja, sočutja in ogorčenja. Leonardo ne ločuje figure Jude od drugih apostolov, kot so to počeli zgodnjerenesančni mojstri. In vendar odvraten videz Juda bolj ostro in globlje razkriva idejo o izdaji. Vseh dvanajst Kristusovih učencev se nahaja v skupinah po tri na obeh straneh učitelja. Nekateri med njimi od navdušenja poskočijo s svojih sedežev in se obračajo h Kristusu. Umetnik podreja različna notranja gibanja apostolov strog red. Kompozicija freske preseneti s svojo enotnostjo, celovitostjo, je strogo uravnotežena, osrednja v konstrukciji. Monumentalizacija podob in obseg slike prispevata k vtisu globokega pomena podobe, ki podreja ves velik prostor refektorija. Leonardo briljantno rešuje problem sinteze slikarstva in arhitekture. S postavitvijo mize vzporedno s steno, ki jo krasi freska, uveljavlja njeno ravnino. Zdi se, da perspektivna redukcija stranskih sten, upodobljenih na freski, nadaljuje realni prostor refektorija.
Freska je močno poškodovana. Leonardovi poskusi z uporabo novih materialov niso prestali preizkusa časa; poznejši posnetki in restavracije so skoraj skrile izvirnik, ki je bil očiščen šele leta 1954. Toda ohranjene gravure in pripravljalne risbe omogočajo izpolnjevanje vseh podrobnosti kompozicije.
Ko so Milano zavzele francoske čete, je Leonardo zapustil mesto. Začela so se leta potepanja. Po naročilu Firentinske republike je izdelal karton za fresko »Bitka pri Anghiariju«, ki naj bi krasila eno od sten dvorane sveta v Palazzo Vecchio (stavba mestne vlade). Pri ustvarjanju tega kartona je Leonardo vstopil v tekmovanje z mladim Michelangelom, ki je izvajal naročilo za fresko "Bitka pri Cascini" za drugo steno iste dvorane. Vendar ti kartoni, ki so prejeli univerzalno priznanje svojih sodobnikov, niso preživeli do danes. Samo stare kopije in gravure nam omogočajo presojo inovativnosti genijev visoke renesanse na področju bojnega slikarstva.
V Leonardovi kompoziciji, polni drame in dinamike, je podana epizoda bitke za prapor, trenutek najvišje napetosti sil borcev, razkrita je kruta resnica vojne. V ta čas sega nastanek portreta Mona Lise (»La Gioconda«, okoli 1504, Pariz, Louvre), enega najbolj znanih del svetovnega slikarstva. Izjemna je globina in pomen ustvarjene podobe, v kateri se posamezne značilnosti združujejo z veliko posplošenostjo. Leonardova inovativnost se je pokazala tudi v razvoju renesančnega portreta.
Plastično razčlenjena, sklenjena silhueta, veličastna postava mladenke obvladuje oddaljeno pokrajino, ovito v modrikasto meglico, med katerimi se vijejo skale in vodni kanali. Kompleksna, polfantastična pokrajina se subtilno sklada z značajem in inteligenco portretiranca. Zdi se, da se v izrazu njenega obraza, oživelega s pretanjenim nasmehom, v njenem umirjeno samozavestnem prodornem pogledu čuti nestanovitna spremenljivost življenja samega. Obraz in mehke roke patricija so naslikani z neverjetno skrbnostjo in nežnostjo. Najtanjša, kot da se topi, meglica chiaroscuro (tako imenovani sfumato), ki obdaja figuro, zmehča konture in sence; Na sliki ni niti ene ostre poteze ali kotne konture.
V zadnjih letih svojega življenja je Leonardo večino svojega časa posvetil znanstvenemu raziskovanju. Umrl je v Franciji, kamor je prišel na povabilo francoskega kralja Franca I. in kjer je živel le dve leti.
Njegova umetnost, znanstvena in teoretična raziskovanja ter sama njegova osebnost so imeli izjemen vpliv na razvoj svetovne kulture. Njegovi rokopisi vsebujejo nešteto zapiskov in risb, ki pričajo o univerzalnosti Leonardovega genija. Tu so skrbno narisane rože in drevesa, skice neznanih orodij, strojev in naprav. Poleg analitično natančnih podob se pojavljajo risbe, ki jih odlikuje izjemna obsežnost, epskost ali pretanjena liričnost. Strastni občudovalec eksperimentalnega znanja si je Leonardo prizadeval za njegovo kritično razumevanje in iskanje posplošljivih zakonitosti. »Izkušnje so edini vir znanja,« je rekel umetnik. »Knjiga o slikarstvu« razkriva njegove poglede kot teoretika realistične umetnosti, za katerega je slikarstvo hkrati »znanost in zakonita hči narave«. Traktat vsebuje Leonardove izjave o anatomiji in perspektivi, išče vzorce v konstrukciji harmonične človeške figure, piše o medsebojnem delovanju barv in refleksih. Med Leonardovimi privrženci in učenci pa ni bilo niti enega, ki bi se po talentu približal učitelju; prikrajšani za samostojen pogled na umetnost, le navzven so asimilirali njegov umetniški slog.

Slike in biografija Tiziana Vecellia

Tizian Venera iz Urbina, 1538 Galerija Uffizi, Firence Venera in Adonis, 1550 Muzej Getty, Los Angeles.

Posvetna ljubezen (Nečimrnost zemeljskega) 1515	Mladost z raztrgano rokavico, 1515-1520	Flora 1515	Francesco della Rovere 1538	Portret mlade ženske, 1536

Ljubezen zemeljska in nebeška, 1515

Portret Pietra Aretina 1545	Portret Karla V 1548	Danaja 1554	Sizif 1549	Venera z ogledalom 1555

Marijino vnebovzetje, (Assunta), 1518	Tarquin in Lucretia 1568-1571	Pokopavanje 1524-1526	Sveti Sebastijan 1570	Objokovanje Kristusa 1576

Madona iz družine Pesaro, 1519-1526	Bacchus in Ariadna 1522	Uvod v tempelj 1534-1538	, 1546	Alegorija časa 1565

Tizian (pravzaprav Tiziano Veccellio) (okoli 1488/1490 - 1576), italijanski slikar visokega in Pozna renesansa. Študiral je v Benetkah pri Giovanniju Belliniju, v čigar delavnici se je zbližal z Giorgionejem; delal v Benetkah, pa tudi v Padovi, Ferrari, Mantovi, Urbinu, Rimu in Augsburgu. Tesno povezan z umetniškimi krogi Benetk (Giorgione, arhitekt Jacopo Sansovino, pisatelj Pietro Aretino), izjemen mojster beneška šola slikarstvu je Tizian v svojem delu utelesil humanistične ideale renesanse. Njegovo življenjsko potrjeno umetnost odlikuje vsestranskost, realnostna širina in razkrivanje globokih dramatičnih konfliktov dobe. Zanimanje za pokrajino, poezijo, lirično kontemplacijo, subtilno barvanje naredi Tizianova zgodnja dela (tako imenovana "Ciganska Madona", Kunsthistorisches Museum, Dunaj; "Kristus in grešnik", Umetnostna galerija, Glasgow) podobna delu Giorgione; Umetnik je začel razvijati neodvisen slog sredi 1510-ih, potem ko se je seznanil z deli Rafaela in Michelangela. Mirne in vesele podobe njegovih slik so v tem obdobju zaznamovane s polnostjo življenja, svetlostjo občutkov, notranjim razsvetljenjem, glavni kolorit je zgrajen na sozvočju globokih, čistih barv (»Ljubezen zemeljsko in nebeško«, okoli 1514 -1516, Galleria Borghese, Rim; "Flora", okoli 1515, "Cezarjev denar", 1518, Umetnostna galerija, Dresden). Hkrati je Tizian naslikal več portretov, strogih in umirjenih kompozicije ter subtilno psiholoških ("Mladenič z rokavico", Louvre, Pariz; " Portret moškega“, Narodna galerija, London). Tizianovo novo ustvarjalno obdobje (pozne 1510. - 1530.) je povezano z družbenim in kulturnim vzponom Benetk, ki so v tem obdobju postale ena glavnih trdnjav humanizma in urbanih svoboščin v Italiji. V tem času je Tizian ustvaril monumentalne oltarne podobe, polne veličastnega patosa ("Marijino vnebovzetje", okoli 1516-1518, cerkev Santa Maria Gloriosa dei Frari, Benetke), katerih kompozicija je prežeta z gibanjem, slike, ki temeljijo na Evangelij in Venera iz Urbina, 1538 Galerija Uffizi, Firence Venera in Adonis, 1550 Muzej Getty, Los Angeles.

Posvetna ljubezen (Nečimrnost zemeljskega) 1515	Mladost z raztrgano rokavico, 1515-1520	Flora 1515	Francesco della Rovere 1538	Portret mlade ženske, 1536

V poznem obdobju svojega ustvarjanja je Tizian dosegel vrhunec tako v slikarski spretnosti kot v čustveni in psihološki interpretaciji verskih in mitoloških tem. Življenjska lepota človeškega telesa, obilica sveta, ki ga obdaja, je postala vodilni motiv umetnikovih del s temami iz antične mitologije (»Danae«, okoli 1554, Prado, Madrid in Ermitaž, Sankt Peterburg; »Venera« pred ogledalom", 1550, Narodna galerija umetnosti, Washington, "Diana in Actaeon", 1556, in "Diana in Callisto", 1556-1559, obe sliki v Narodni galeriji Škotske v Edinburghu).

Ljubezen zemeljska in nebeška, 1515

Portret Pietra Aretina 1545	Portret Karla V 1548	Danaja 1554	Sizif 1549	Venera z ogledalom 1555

Marijino vnebovzetje, (Assunta), 1518	Tarquin in Lucretia 1568-1571	Pokopavanje 1524-1526	Sveti Sebastijan 1570	Objokovanje Kristusa 1576

Madona iz družine Pesaro, 1519-1526	Bacchus in Ariadna 1522	Uvod v tempelj 1534-1538	Papež Pavel III. s Farnesejevimi vnuki, 1546	Alegorija časa 1565

Dela Rafaela Santija

Zamisel o najsvetlejših in najbolj vzvišenih idealih renesančnega humanizma je najbolj v celoti utelesil v svojem delu Raphael Santi (1483-1520). Leonardov mlajši sodobnik, ki je živel kratko, izjemno razgibano življenje, je Raphael sintetiziral dosežke svojih predhodnikov in ustvaril svoj ideal lepe, harmonično razvite osebe, obdane z veličastno arhitekturo ali pokrajino. Raphael se je rodil v Urbinu, v družini slikarja, ki je bil njegov prvi učitelj. Kasneje se je učil pri Timoteu della Vitiju in Peruginu, pri čemer je slednjega stil obvladal do popolnosti. Od Perugina je Raphael prevzel tisto gladkost linij, tisto svobodo umeščanja figure v prostor, ki je postala značilna za njegove zrele kompozicije. Kot sedemnajstleten deček razodeva pravo ustvarjalno zrelost, ustvarja niz podob, polnih harmonije in duhovne jasnosti.

Nežna liričnost in subtilna duhovnost odlikujeta eno njegovih zgodnjih del - "Madonna Conestabile" (1502, Sankt Peterburg, Ermitaž), razsvetljena podoba mlade matere, upodobljena na ozadju prozorne pokrajine Umbrije. Sposobnost svobodnega razporejanja figur v prostoru, njihovega povezovanja med seboj in z okoljem se kaže tudi v kompoziciji »Marijina zaroka« (1504, Milano, Galerija Brera). Prostornost v gradnji krajine, harmonija arhitekturnih oblik, ravnovesje in celovitost vseh delov kompozicije pričajo o nastanku Rafaela kot mojstra visoke renesanse.
Po prihodu v Firence je Raphael zlahka absorbiral najpomembnejše dosežke umetnikov firenške šole z izrazitim plastičnim začetkom in širokim obsegom realnosti. Vsebina njegove umetnosti ostaja lirična tema svetlobe materina ljubezen, ki mu pripisuje poseben pomen. Zrelejši izraz dobi v delih, kot so »Madona v zelenicah« (1505, Dunaj, Umetnostnozgodovinski muzej), »Madona s ščitljo« (Firence, Uffizi), »Lepi vrtnar« (1507, Pariz, Louvre). V bistvu se vse razlikujejo po isti vrsti kompozicije, sestavljene iz figur Marije, dojenčka Kristusa in Krstnika, ki se oblikujejo na čudovitem ozadju podeželska pokrajina piramidalne skupine v duhu tistih, ki jih je prej odkril Leonardo kompozicijske tehnike. Naravnost gibov, mehka plastičnost oblik, gladkost melodičnih linij, lepota idealnega tipa Madone, jasnost in čistost pokrajinskih ozadij pomagajo razkriti vzvišeno poezijo figurativne strukture teh skladb.
Leta 1508 je bil Rafael povabljen na delo v Rim, na dvor papeža Julija II., močnega, ambicioznega in energičnega moža, ki si je prizadeval povečati umetniški zakladi svojo prestolnico in pritegniti v svojo službo najbolj nadarjene kulturnike tistega časa. V začetku 16. stoletja je Rim vzbujal upanje na nacionalno združitev države. Ideali narodnega reda so ustvarili podlago za ustvarjalno rast, za utelešenje naprednih teženj v umetnosti. Tu, v neposredni bližini dediščine antike, cveti in zori Rafaelov talent, ki dobiva nov obseg in poteze umirjene veličine.
Rafael prejme naročilo za slikanje svečanih prostorov (tako imenovanih kitic) Vatikanske palače. To delo, ki se je s prekinitvami nadaljevalo od leta 1509 do 1517, je Rafaela uvrstilo med največje mojstre italijanske monumentalne umetnosti, ki so samozavestno rešili problem sinteze renesančne arhitekture in slikarstva. Rafaelov monumentalni in dekoraterski dar se je v vsem svojem sijaju pokazal pri poslikavi Stanzi della Segnatura (tiskarna). Na dolgih stenah te sobe, pokritih z jadralnimi oboki, sta skladbi "Spor" in " Atenska šola«, na ožjih - »Parnas« in »Modrost, zmernost in moč«, ki poosebljata štiri področja človeške duhovne dejavnosti: teologijo, filozofijo, poezijo in sodno prakso. Obok, razdeljen na štiri dele, je okrašen z alegoričnimi figurami, ki s stenskimi poslikavami tvorijo enoten dekorativni sistem. Tako je bil ves prostor sobe zapolnjen s slikami.

Adam in Eva 1510	Atenska šola 1509	Triumf Galateje 1511	Spor 1510	Prerok Izaija 1512

Kombinacija podob krščanske vere in poganske mitologije na slikah je pričala o širjenju idej o spravi krščanske vere s starodavno kulturo in brezpogojni zmagi posvetnega načela nad cerkvijo med humanisti tistega časa. Tudi v »Disputaciji« (spor med cerkvenimi očeti o občestvu), posvečeni upodobitvi cerkvenih oseb, je med udeleženci spora mogoče prepoznati pesnike in umetnike Italije - Danteja, Fra Beato Angelica in druge slikarje. in pisatelji. O zmagoslavju humanističnih idej v renesančni umetnosti in njeni povezanosti z antiko priča kompozicija »Atenska šola«, ki poveličuje um lepote in močan človek, antična znanost in filozofija. Slika je dojeta kot utelešenje sanj o svetli prihodnosti. Iz globine enfilade veličastnih obokanih razponov izstopa skupina starodavnih mislecev, v središču katere sta veličastni sivobradi Platon in samozavestni, navdahnjeni Aristotel, ki z roko kaže proti tlom, utemeljitelja idealistične in materialistična filozofija. Spodaj, levo ob stopnicah, se je nad knjigo sklanjal Pitagora, obkrožen z učenci, na desni je bil Evklid, tu čisto na robu pa je upodobljen Rafael poleg slikarke Sodome. To je mladenič z nežnim, privlačnim obrazom. Vse like na freski združuje razpoloženje visokega duhovnega dviga in globoke misli. Tvorijo skupine, ki so neločljive v svoji celovitosti in harmoniji, kjer vsak lik natančno zavzame svoje mesto in kjer sama arhitektura v svoji strogi pravilnosti in veličastnosti pomaga poustvariti vzdušje visokega vzpona ustvarjalne misli.
Freska »Eliodorusov izgon« v Stanzi d'Eliodoro izstopa po svoji intenzivni dramatiki. Nenadnost čudeža, ki se dogaja - izgon templja roparja s strani nebeškega jezdeca - je posredovana s hitro diagonalo glavnega stavka in uporabo svetlobnega učinka. Papež Julij II. je upodobljen med gledalci, ki spremljajo Eliodorjev izgon. To je aluzija na sodobne dogodke Rafaela - izgon francoskih čet iz papeške države.
Rimsko obdobje Rafaelovega ustvarjanja so zaznamovali visoki dosežki na področju portreta. Življenjski liki »maše v Bolseni« (freske v Stanzi d'Eliodoro) pridobijo ostre portretne poteze. Raphael se je obrnil tudi na portretni žanr v štafelajnem slikarstvu, kjer je pokazal svojo izvirnost in razkril najbolj značilno in pomembno v modelu. Naslikal je portrete papeža Julija II. (1511, Firence, Uffizi), papeža Leona X. s kardinalom Ludovicom dei Rossijem in Giulia dei Medici (okoli 1518, ibid.) in druge portretne slike. Podoba Madone še naprej zavzema pomembno mesto v njegovi umetnosti, pridobiva značilnosti velike veličine, monumentalnosti, samozavesti in moči. Takšna je »Madonna della sedia« (»Madona v fotelju«, 1516, Firence, Galerija Pitti) s svojo harmonično, v krog sklenjeno kompozicijo.
Istočasno je Raphael ustvaril svojo največjo stvaritev, Sikstinsko Madono (1515-1519, Dresden, Umetnostna galerija), namenjeno cerkvi sv. Sixta v Piacenzi. Za razliko od prejšnjih, po razpoloženju lahkotnejših, liričnih Madon, je to veličastna podoba, polna globokega pomena. Zavese, razmaknjene od zgoraj na stran, razkrivajo Marijo, ki lahkotno hodi skozi oblake z dojenčkom v naročju. Njen pogled ti omogoča pogled v svet njenih izkušenj. Resno in žalostno in zaskrbljeno gleda nekam v daljavo, kot bi slutila tragično usodo svojega sina. Levo od Madone je papež Sikst, ki navdušeno razmišlja o čudežu, desno je sveta Barbara, ki spoštljivo spušča svoj pogled. Spodaj sta dva angela, ki gledata navzgor in kot da nas vračata k glavni podobi - Madoni in njenemu otroško premišljenemu otroku. Brezhibna harmonija in dinamična uravnoteženost kompozicije, subtilen ritem gladkih linearnih obrisov, naravnost in svoboda gibanja sestavljajo neustavljivo moč te celote, lepa slika. Življenjska resnica in idealne lastnosti so združene z duhovno čistostjo kompleksnega tragičnega lika Sikstinske Madone. Nekateri raziskovalci so našli njegov prototip v elementih "Dame s tančico" (okoli 1513, Firence, galerija Pitti), sam Raphael pa je v pismu prijatelju Castiglioneju zapisal, da je njegova ustvarjalna metoda temeljila na načelu izbire in povzemanja. življenjska opažanja: »Da bi lahko naslikal lepotico, moram videti veliko lepotic, a zaradi pomanjkanja ... lepih žensk, uporabim kakšno idejo, ki mi pride na misel.« Tako umetnik v resnici najde poteze, ki ustrezajo njegovemu idealu, ki se dviga nad naključnost in minljivost.
Rafael je umrl pri sedemintridesetih letih, nedokončane pa so ostale poslikave vile Farnesina, vatikanskih lož in številna druga dela, ki so jih iz kartonov in risb dokončali njegovi učenci. Rafaelove svobodne, graciozne, sproščene risbe postavljajo svojega ustvarjalca med največje svetovne risarje. Njegovo delo na področju arhitekture in uporabne umetnosti pričajo o njem kot vsestransko nadarjeni osebnosti visoke renesanse, ki je med svojimi sodobniki pridobila veliko slavo. Že samo ime Raphael je kasneje postalo občni samostalnik za idealnega umetnika.
Številni italijanski učenci in privrženci Rafaela so ga povzdignili v nesporno dogmo kreativna metoda učiteljev, kar je prispevalo k širjenju posnemanja v italijanski umetnosti in napovedovalo nastajajočo krizo humanizma.

Dela Michelangela Buonarrotija

Vrhunec visoke renesanse in hkrati odsev globokih nasprotij v kulturi tiste dobe je bilo delo tretjega izmed titanov italijanske umetnosti - Michelangela Buonarrotija (1475-1564). Tudi v primerjavi z Leonardom in Rafaelom, ki sta presenetljiva v svoji vsestranskosti, se Michelangelo odlikuje po tem, da je na vsakem od področij umetniške ustvarjalnosti zapustil dela veličastnega obsega in moči, ki utelešajo najnaprednejše ideje dobe. Michelangelo je bil sijajen kipar, slikar, arhitekt, risar, vojaški inženir, pesnik, hkrati pa je bil borec za visoke humanistične ideale, državljan, ki je z orožjem v rokah branil svobodo in neodvisnost svoje domovine.
Veliki umetnik in borec sta v ideji Michelangela neločljiva. Vse njegovo življenje je nenehen junaški boj za uveljavljanje človekove pravice do svobode in ustvarjalnosti. Vseskozi dolgo ustvarjalna pot Umetnikov fokus je bil učinkovit, aktiven, pripravljen na podvig in prevzet z veliko strastjo človek. Njegova dela poznega obdobja odražajo tragičen propad renesančnih idealov.
Michelangelo se je rodil v Capreseju (v bližini Firenc), v družini mestnega vladarja. Kot trinajstleten deček je vstopil v delavnico Ghirlandaio, leto kasneje pa v umetniško šolo na dvoru Lorenza de' Medicija Veličastnega. Tu, v tako imenovanih Medičejskih vrtovih v samostanu San Marco, je nadaljeval študij pod vodstvom Bertolda di Giovannija, zavzetega ljubitelja antike. Ko sem se seznanil z bogato, prefinjeno kulturo Medičejskega dvora, s čudovitimi deli starodavnih in sodobna umetnost, s slavnimi pesniki in humanisti, se Michelangelo ni osamil v elegantnem dvornem okolju. Že zgodnja samostojna dela so potrdila njegovo željo po velikih monumentalnih podobah, polnih junaštva in moči. Relief »Bitka kentavrov« (začetek 1490-ih, Firence, Casa Buonarroti) razkriva dramo in viharno dinamiko boja, neustrašnost in energijo borcev, močno plastičnost med seboj povezanih močne postave, prežet z enim samim hitrim ritmom.
Končna formacija javna zavest Michelangelo prihaja v času izgona Medičejcev iz Firenc in tam vzpostavitve republikanske ureditve. Izleti v Bologno in Rim prispevajo k zaključku likovne izobrazbe. Antika mu odpira velikanske možnosti, ki se skrivajo v kiparstvu. V Rimu je nastala marmorna skupina "Pieta" (1498-1501, Rim, katedrala sv. Petra) - prvo veliko izvirno delo mojstra, prežeto z vero v zmagoslavje humanističnih idealov renesanse. Dramatično temo Kristusovega žalovanja Matere božje kipar rešuje na globoko psihološki način, neizmerno žalost pa izraža z nagibanjem glave, natančno najdeno v kretnji Madonine leve roke. Moralna čistost podobe Marije, plemenita zadržanost njenih čustev razkrivajo moč značaja in se prenašajo v klasično jasnih oblikah, z neverjetno popolnostjo. Obe figuri sta urejeni v neločljivo skupino, v kateri nobena podrobnost ne krši sklenjene silhuete ali njene plastične izraznosti.

David	Pieta	Madona z otrokom	Mojzes

Globoko prepričanje in navdušenje človeka, ki si prizadeva za podvig, sta ujeta v Davidovem kipu (Firence, Accademia likovna umetnost), izveden v letih 1501-1504 po kiparjevi vrnitvi v Firence. Ideja o državljanskem podvigu, pogumni hrabrosti in nepopustljivosti je bila utelešena v podobi legendarnega junaka. Michelangelo je opustil pripovedni slog svojih predhodnikov. Za razliko od Donatella in Verrocchia, ki sta upodobila Davida po porazu sovražnika, ga je Michelangelo predstavil pred bitko. Osredotočil se je na močno voljo in intenzivnost vseh junakovih moči, posredovanih s plastičnimi sredstvi. Ta gromozanski kip jasno izraža posebnost Michelangelove plastične govorice: z junakovo navzven umirjeno držo, celotno postavo z mogočnim trupom in vrhunsko modeliranimi rokami in nogami, njegov lep, navdahnjen obraz izraža največjo koncentracijo telesnih in duhovnih sil. Zdi se, da so vse mišice prežete z gibanjem. Michelangelova umetnost je goloti vrnila etični pomen, ki ga je imela v antičnem kiparstvu. Davidova podoba dobiva tudi širši pomen, kot izraz ustvarjalnih moči svobodne osebe. Že v tistih časih so Firentinci razumeli državljanski patos kipa in njegov pomen ter ga postavili v središču mesta pred Palazzo Vecchio kot poziv k obrambi domovine in pravični vladavini.
Ko je našel prepričljivo obliko za kip (z oporo na eni nogi), ga je mojstrsko modeliral, je Michelangelo pozabil na težave, ki jih je moral premagati pri delu z materialom. Kip je bil izklesan iz marmornega bloka, za katerega so vsi verjeli, da ga je uničil nesrečni kipar. Michelangelo je uspel figuro namestiti v že pripravljen blok marmorja, tako da se vanj prilega izjemno kompaktno.
Istočasno z Davidovim kipom je bil izdelan karton za poslikavo dvorane Sveta Palazzo Vecchio »Bitka pri Cascini« (znana po gravurah in slikovni kopiji). S tem, ko je začel tekmovati z Leonardom, je mladi Michelangelo dobil večje javno priznanje za svoje delo; Tematiki razkrivanja vojne in njenih grozodejstev je nasproti postavil poveličevanje vzvišenih čustev hrabrosti in domoljubja firenških vojakov, ki so na klic trobente hiteli na bojno polje, pripravljeni na junaštvo.
Po prejemu ukaza papeža Julija II., da zgradi svoj nagrobnik, se je Michelangelo leta 1505, ne da bi končal bitko pri Cascini, preselil v Rim. Ustvari projekt za veličasten mavzolej, okrašen s številnimi kipi in reliefi. Za pripravo materiala - marmornih blokov - je kipar odšel v Carraro. Med njegovo odsotnostjo je papež izgubil zanimanje za idejo o gradnji grobnice. Michelangelo je užaljen zapustil Rim in se vrnil šele po vztrajnih klicih papeža. Tokrat je prejel novo veličastno naročilo - poslikavo stropa Sikstinske kapele, ki pa ga je sprejel z velikim zadržkom, saj se je imel predvsem za kiparja in ne za slikarja. Ta slika je postala ena največjih stvaritev italijanske umetnosti.

V najtežjih razmerah je Michelangelo delal štiri leta (1508-1512) in z lastno roko dokončal celotno poslikavo ogromnega stropa (600 kvadratnih metrov). V skladu z arhitektoniko kapele je obok, ki jo pokriva, razdelil na več polj in ga postavil v širok osrednje polje devet skladb po prizorih iz Svetega pisma o stvarjenju sveta in življenju prvih ljudi na zemlji: »Ločitev svetlobe od teme«, »Stvarjenje Adama«, »Padec«, »Noetov opoj« «, itd. Na straneh od njih, na pobočjih oboka, so upodobljene figure prerokov in sibil (vedeževalci), v vogalih polj - sedeči goli mladeniči; v obokih jadra, opaž in lunete nad okni so epizode iz Svetega pisma in tako imenovani Kristusovi predniki. Veličasten ansambel, ki vključuje več kot tristo figur, se zdi kot navdihnjena himna lepoti, moči in inteligenci človeka, ki ga poveličuje ustvarjalni genij in junaška dejanja. Tudi v podobi Boga – veličastnega, mogočnega starca, je v prvi vrsti poudarjen ustvarjalni impulz, ki se izraža v gibih njegovih rok, kot da bi resnično lahko ustvarjale svetove in dajale človeku življenje. Titanska moč, inteligenca, pronicljiva modrost in vzvišena lepota zaznamujejo podobe prerokov: globoko zamišljenega, otožnega Jeremija, pesniško navdahnjenega Izaija, mogočne kumejske Sibile, lepe mlade delfske Sibile. Liki, ki jih je ustvaril Michelangelo, imajo izjemno moč posploševanja; za vsak lik najde posebno pozo, obrat, gib, gesto.
Če v ločene slike Medtem ko so bile tragične misli utelešene v prerokih, se v podobah golih mladeničev, tako imenovanih sužnjev, prenaša občutek radosti bivanja, neustavljive moči in energije. Njihove figure, predstavljene v kompleksnih kotih in gibih, so deležne najbogatejšega plastičnega razvoja. Vsi ti, ne da bi uničili ravnino obokov, jih obogatijo, razkrijejo tektoniko in povečajo splošni vtis harmonije. Kombinacija grandioznega obsega, ostre moči akcije, lepote in koncentracije barve poraja občutek svobode in zaupanja v zmagoslavje človeka.

Severna renesansa

Preporod je bil mednarodni pojav, ki je poleg Italije, kjer se je najmočneje izrazil, zajel še Nizozemsko, Nemčijo, Francijo in Španijo. Danes se je pojavil poseben izraz "severna renesansa", ki opisuje značilnosti renesanse v drugih evropskih državah. Pomeni »ne samo čisto geografsko značilnost, ampak tudi nekatere značilnosti renesanse v Angliji, Nemčiji, Španiji, na Nizozemskem, v Švici in Franciji. Zelo pomembna značilnost severne renesanse je bila, da je potekala v času reformacije, pa tudi to, da v kulturi ljudstev teh držav zaradi zgodovinskih razlogov ni bilo takšne obilice antičnih spomenikov kot v Italiji.«

reformacija(iz latinščine reformatio - preoblikovanje) je bilo enako močno versko gibanje, kot je na primer danes fundamentalizem v islamskih državah. Oba sta zagovarjala vrnitev k izvornim vrednotam vere (k njenim temeljem) in zahtevala resne spremembe (reformacijo) obstoječe verske prakse.

Reformacija se je začela z govorom Martina Luthra (1483-1546) v Nemčiji leta 1517, ki je postavil 95 tez, ki so zavračale osnovna načela katolicizma. Ideologi reformacije so zanikali potrebo po katoliški cerkvi s svojo hierarhijo in duhovščino na splošno, pravico cerkve do zemljiškega bogastva in zavračali katoliško sveto tradicijo kot celoto. Kmečke vojne v letih 1524-1526 so potekale pod ideološkim znamenjem reformacije. v Nemčiji, na Nizozemskem in angleški revoluciji. Reformacija je pomenila začetek protestantizma (v ožjem smislu je reformacija izvajanje verskih reform v njegovem duhu).

nemška renesansa je bil konec duhovne (luteranska reforma) in družbene (vzpon kmečkega stanu) krize, ki je trajala pol stoletja in močno spremenila srednjeveško Nemčijo. "Zlata doba" nemškega slikarstva je povezana z delom treh umetnikov - Grunewalda (med 1470 in 1475-1528), Dürerja (1471-1528) in Holbeina mlajšega (1497 ali 1498-1543). Brez celovitosti italijanske renesanse se je nemška renesansa razvila v kronološko kratkem obdobju in ni imela svojega logičnega nadaljevanja.

Izjemen predstavnik renesanse v Nemčiji, čigar delo je dolgo določalo nemško umetnost, je bil slikar in graver Dürer. Menijo, da je bil Dürer enako nadarjen kot slikar, graver in risar; Risba in gravura zavzemata pri njem veliko, včasih celo vodilno mesto. Zapuščina Dürerja kot risarja, ki šteje več kot 900 listov, se po obsežnosti in raznolikosti lahko primerja le z zapuščino Leonarda da Vincija. Briljantno je obvladal vse takrat znane grafične tehnike - od srebrne igle in peresa do italijanskega svinčnika, oglja, akvarela. Kar zadeva italijanske mojstre, je risba zanj postala najpomembnejša faza dela na kompoziciji, vključno s skicami, študijami. glave, roke, noge, draperije. To je orodje za preučevanje značilnih tipov - kmetov, pametnih gospodov, nürnberških modnih navdušencev. Dürer je imel velik vpliv na razvoj prve nemške umetnosti pol XVI stoletja. Največji evropski graverski mojster Dürer je zaslovel s ciklom del na teme Apokalipse (1498).

Njegove vsestranske dejavnosti so postale ena od utelešenj "titanizma" renesanse. Je edini mojster severne renesanse, ki mu je po osredotočenosti in vsestranskosti zanimanja, želji po obvladovanju zakonitosti umetnosti, razvoju popolnih proporcev človeške figure in pravilih perspektivne konstrukcije primerljiv. z največjimi mojstri italijanske renesanse. Razcvet nemške renesančne umetnosti se pogosto imenuje »Dürerjevo obdobje«.

Dürerjevi sodobniki so bili veliki mojstri slikarstva Hans Holbein mlajši, Grunewald in Lucas Cranach starejši (1472-1553).

Za natančne, jasne portrete (slike in risbe) Holbeina Mlajšega, njegove slike na verske teme in gravure so značilni realizem, jasnost in veličina renesančne umetnosti, monumentalna celovitost kompozicije ("Mrtvi Kristus", 1521). Grunewald, čigar življenje je še vedno malo raziskano, predstavlja drugo smer nemške renesanse: zanj občutki prevladujejo nad razumom, subjektivnost pa nad objektivno analizo. Umetnikov genij je bil utelešen v glavnem delu - "Isenheimski oltar" (1512-1515), kjer mistične podobe sobivajo s humanističnimi, razsvetljenimi. Njegovo delo, povezano z ideologijo nižjih slojev in herezijami, je polno dramatične moči, napetosti in dinamike.

Med nadarjenimi ustvarjalci nemške renesanse častno mesto zaseda portretist Lucas Cranach starejši, dvorni umetnik Friderika Modrega in prijatelj M. Luthra, zahvaljujoč čigar delu poseben razvoj dobil pokrajino. Postavil je temelje krajinske šole, znane kot Donavska šola.

Renesansa v Angliji. ANGLEŠČINA Renesansa ni zaslovela toliko zaradi slikarstva in arhitekture kot zaradi gledališča. Njegov razcvet je bil konec 16. - začetek 17. stoletja, vrhunec pa je dosegel v delu Williama Shakespeara (1564-1616). Konec XVI stoletje - obdobje brez primere oživitve gledališkega življenja v Angliji, čas gospodarske rasti in preobrazbe države v svetovno velesilo. Imenuje se tudi "elizabetanska doba". Povečal se je prestiž gledališča; igralci, prej zaničevani potepuški komedijanti, so bili obdani z vsemi pozornostmi, uživali so pokroviteljstvo plemenitih mecenov. Leta 1576 je bilo v Londonu odprto prvo javno gledališče; Shakespearova skupina, ki je leta 1589 dobila kraljevski status, je zamenjala več kot eno oder, dokler končno v letih 1598-1599. zanj ni bil zgrajen noben stalni objekt, imenovan gledališče Globe. Dramatik Shakespeare je postal solastnik gledališča. Shakespearove igre (skupaj jih je 37) so odražale politično in duhovno življenje Anglije tiste dobe.

Prve Shakespearove komedije, zlasti Mnogo hrupa za nič (1598), so prežete z optimizmom. Vendar pa je na prelomu 16. in 17. st. njegov pogled na svet se je spremenil. Zadnja leta Elizabetine vladavine so zaznamovali ljudski nemiri in gospodarski propad. Avtoriteta države in Cerkve je padala. Tragedije "Romeo in Julija" (1595), "Hamlet" (1601), "Othello" (1604), "Kralj Lear" (1605) prikazujejo krizo univerzalne človeške vrednote in morala. Shakespearovi junaki so razmišljujoči, čuteči in trpeči posamezniki, ki doživljajo izgubo življenjskih smernic, svet okoli njih pa jim ne more pomagati najti sebe.